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「一生懸命」は間違いだった

「一生懸命（いっしょうけんめい）」とは「命がけで物事をするさま」のことで、現在では普通によく使う言葉になっていますが、この言葉は、実は間違いによって新しくできた言葉だということです。本来は「一所懸命（いっしょけんめい）」という言葉で、中世の武士が先祖伝来の所領を命がけで守ったことに由来し、切羽詰った状態にも使われたと言います。それが近年以降には「一所懸命」の「命がけで何かをする」ということだけが残ったため、「一所」を「一生」と間違われて「一生懸命」となり、発音も「いっしょけんめい」から「いっしょうけんめい」に変わってしまいました。「一生懸命」という言葉は、「一所懸命」からできた言葉で、同じ意味とされていますが、「一所懸命」は先祖から受け継いだ土地を守るという意味合いが含まれているので、「一生懸命」の意味とは、本当は異なるということになるようです。

May 23, 2006

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Guess I'll Hang My Tears Out To Dry　涙のかわくまで

『Guess I'll Hang My Tears Out To Dry』（ゲス・アイル・ハング・マイ・ティアーズ・アウト・トゥー・ドライ）【涙のかわくまで】この曲は、サミー・カーンの作詞、ジュール・スタインの作曲によるもので、１９４４年のミュージカル「グラッド・トゥー・シー・ユー」に書いたものです。このミュージカルはいろいろなごたごたで作品としてまとまらなくなり、集客も悪く上がる見込みもないため、本公演前のトライアウト（テスト公演のこと）の段階で終ってしまいました。しかし、この曲は翌年１９４５年にダイナ・ショアのレコードがヒットし、スタンダード・ナンバーになりました。この曲名の「Guess I'll hang my tears out to dry」は、「涙を乾かすために外に吊るして（干して）おく」という意味で、失恋からくる涙を、自分が立ち直るためにも、友達に悟られないためにも、早く乾かさなくては！というトーチ・ソング（失恋の歌）ですが、悲しみのどん底に落ち込んで「涙がかれ果てるまで泣き続ける」というものとは違い、「さあ、泣いてなんかいられないわ！」という、もっと前向きなニュアンスのものです。ヴァースにある「the lady in the harbor」は「自由の女神」のことで、「夜のとばりが降りる頃になると彼女の気持ちがよくわかるわ」と歌い、コーラスの歌い始めにクライマックスがくるため、フランク・シナトラからリンダ・ロンシュタットに至るまで、ヴァースはよく歌われます。＊＊＊＊＊●ゲス・アイル・ハング・マイ・ティアーズ・アウト・トゥー・ドライGuess I'll Hang My Tears Out To Dry【涙のかわくまで】作詞：サミー・カーン作曲：ジュール・スタイン１９４４年《ヴァース》私が恋している人はとてもハンサムなのだから、頭痛の種になるのも当たり前のことでしょうけれど夜のとばりが降りる頃になると自由の女神が感じている寂しさがよくわかるわ《コーラス》私が雨がふってくれればいいと思うと晴れてしまうの私の心は青空のようなブルースでいっぱいなの恋にやぶれて私の心はぼろぼろさあ、涙を乾かすために外に干しておかなくては友達が誘ってくるけれども私はあいにくふさがっていると言うの今度はもっと違ういいわけを作らなくては私はうちにいて、彼はどこにいるのかと自問するのさあ、涙を乾かすために外に干しておかなくては私の可愛そうな涙さん、涙さん、乾いてちょうだい夢も編んだ糸に吊るしてあげるからわたしのかわいそうな思い出よ、飛んでいって私たちがこれからするはずだった楽しいことを彼に思い出させてちょうだい彼のことは忘れなさいと人が忠告してくれて私も忘れようとしてみたわ彼なしでやってこれた今までが不思議だわある日彼は私の前を無視して通り過ぎて行ったさあ、やっぱり涙を乾かすために外に干しておかなくてはね

November 26, 2005

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さわやかではない　Softly As In A Morning Sunrise

【スタンダード・ナンバー】ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズSoftly As In A Morning Sunrise【邦題：ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズ】注）【邦題：朝日のようにさわやかに】は、あきらかに誤訳。この曲は、オスカー・ハマースタイン２世の作詞、シグモンド・ロンバーグの作曲で、１９２８年のオペレッタ[注記１]『The New Moon（ニュー・ムーン）』に使われました。舞台ではウィリアム・オニールがこの曲を歌いました。この作品はオペレッタ風のミュージカル作品としては最後のほうに属ものでした。トライアウト[注記２]では不評で、まったく客が入らなかったため、すぐに閉められてしまいました。それはちょうど、ハマースタイン２世が、別のミュージカル『Show Boat（ショー・ボート）』に、ロンバーグも『The Desert Song（ザ・デザート・ソング）』にかかりっきりで、あまり力が入れられなかったからだということです。そこで、この曲や「Lover, Come Back To Me!」などを入れ大幅に書き直されました。その結果、ブロードウェイの公演では公演回数５０８回という大成功を収めることができました。その成功によって、この作品がハリウッドで映画化されることになりますが、その際、当時、それまで最高の映画化権料が支払われたと言います。そして、このオペレッタは１９３０年と１９４０年の２回、『The New Moon』のタイトルで映画化されました。１９３０年版ではローレンス・ティベットが、１９４０年版ではネルソン・エディが、この曲を歌いました。この曲は、１９２９年１月にフランクリン・バウアーが歌ったものがチャートの５位に入り、チャート内には６週維持しただけで、あまり大きなヒットというわけではなかったのですが、その後、多くの人に歌い継がれて、現在では大変有名なスタンダード・ナンバーになっています。「朝日のようにそっと恋の兆しは現れる。そして、夕日のように、そっとすべてを奪い去っていく。」この曲はだれがつけたのか、「朝日のようにさわやかに」という邦題がまかり通っていますが、メロディーは“ど”マイナーでこのうえなく暗いし、歌詞も思わずぞっとしてしまうほど不吉な内容のもので、どう考えても「さわやか」とはほど遠いものです。こういうタイトルをつけられると、曲の本当の意味が誤解されてしまうので困ったものです。この曲を結婚式なんかでうっかりやると、縁起の悪い罪作りなものになってしまいます。この曲の正しい邦題は「朝日のようにそっと」というものでしょう。----------【参考】[注記１] オペレッタ（｛イタリア語｝operetta）１９世紀中頃にパリで生まれヨーロッパ全般に広まった、せりふと踊りを含む陽気で風刺的なオペラ。軽歌劇。喜歌劇。オッフェンバック・スッペ・レハール・サリバンらの作品が有名。[注記２] トライアウト（tryout）トライアウト（tryout）とは、適性、選考試験、テスト、実験的試み。演技・スポーツなどにおいて適性を判断するための実技試験のこととして使われ、特にプロ野球などの入団テストや契約のためのアピールのことを「トライアウト」という。ミュージカルなどの演劇においては、人気を知るための試験興行のことで、本公演の前に観客の反応を見るために行う試験公演のことをいう。ブロードウェイやウエストエンドで行われるアメリカ、イギリスのミュージカルでは、上演が始まると客足が落ちて収益が見込めなくなるまで興行が続けられる。そのため、ヒットした作品は何年でも上演を続けられ、数年に及ぶロングランとなる作品も少なくない。特に、ブロードウェイ・ミュージカルの場合、まずトライアウトと呼ばれる地方公演で観客の反応を見ながら作品の手直しを行う。時には曲や演出の大幅な変更、スタッフ、キャストなどの大幅な入替えを行う。ヒットしそうな作品に仕上がるとブロードウェイでの上演を行う。これとは別に、オフ・ブロードウェイ、またはオフ・オフ・ブロードウェイと呼ばれる小規模な劇場で実験的に上演し、好評であれば次第に大きな劇場に移るやり方もある。ブロードウェイなどでヒットすると、オリジナルのカンパニーとは別に巡業用のツアーカンパニーというものを組織し、全米各地で巡業を行う。また、ワールドツアーカンパニーを組織して世界各地を従業して回ることもある。＊＊＊＊＊●ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズSoftly As In A Morning Sunrise【邦題：ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズ】作詞：オスカー・ハマースタイン２世作曲：シグモンド・ロンバーグ１９２８年《ヴァース》恋が私のところにやってきた、楽しくやさしく恋が私のところにやってきた、心地さによく身をゆだねるしかない輝くようなときめきに包まれて恋がやってきた気まぐれな彼女はとても浮気っぽい移り気で、しかもとても利口だだから、これは永遠の恋にしてほしい《コーラス》朝日が日の出のようにそっと新しく始まる一日へとしのびよってくる昇る陽の光とともに炎をあげながら燃えるキスは、きっと裏切られる愛の誓いに封印をする恋を燃え上がらせ、天にも昇ると思うほど高く昂揚（こうよう）させてくれる情熱は恋をあやめ、人を地獄へと突き落とすそれも同じ情熱！恋の物語は、いつもそんなふうに終わるものかつて輝きに満ちていたものと同じ恋の光が沈んでいく夕日のように静かに今度は、そっとすべてを奪い去ろうとしている・・・【ジャズ】人気blogランキングへ

November 3, 2007

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Cry Me A River　川のようにお泣き

【スタンダード・ナンバー】クライ・ミー・ア・リヴァーCry Me A River　いい気味だわ、川のようにお泣きなさい・・・これは、アーサー・ハミルトンが作詞、作曲にした曲で１９５３年に作られましたが、実際には、ジュリー・ロンドンが歌い、リバティー・レコードから、１９５５年にリリースしたレコードがヒットしたために、世の中に広く知られることになりました。そのため、この曲の登録は１９５５年になっているものもあるということです。なるほど、私が持っている楽譜には「１９５３＆１９５５」となっています。ジュリー・ロンドンが歌ったレコードは、リリースされてすぐ１９５５年末からたちまちヒットし、１９６６年までに３００万枚を超えるミリオンセラーになりました。このヒットによって、ジュリーは一気に人気歌手の仲間入りになりました。この曲は、ジュリーにとって後にも先にも唯一のミリオンセラーでしたが、この一曲でシンガーとしては無名だった彼女が不動の人気を確立したのですから、よほど、強烈なインパクトを持った曲だと言えるでしょう。このブルー・ラヴ・バラード・ナンバーと彼女のスモーキー・ヴォイスの魅力、それにバーニー・ケッセルのギターのサウンドが見事にマッチした結果でしょう。その後、ジュリーは人気絶頂で、テレビの音楽番組や、映画などに多く出演するようになり、１９５７年のジェーン・マンスフィールド主演の映画『女はそれを我慢できない』では、ジュリーの「クライ・ミー・ア・リヴァー」が主題歌に使われ、出演もし、この歌を歌いました。そして、この曲は、多くのシンガーによって歌われ、スタンダード・ナンバーになりました。「cry me a river（クライ・ミー・ア・リヴァー）」をそのまま訳そうとすると「泣け、私に、川に」というわけがわからないものになってしましますが、この「a」は不定冠詞の「ひとつの」という意味ではなく、強調表現になるようです。感情表現を自然現象に形容したもので、日本語にも「滝のように泣く」という表現があるように、「川のように泣け」ということで、「私のために川のようにお泣きなさい」、「泣いて泣いて川ができるくらい泣けよ、このやろう！」・・・すみません、ちょっと言い過ぎました。「寂しくて一晩中泣いたですって？あなたは私を裏切って捨てたのよ！今さら愛してるだなんて何言ってるの？私は、あなたのために、さんざん泣かされたんだからね！私のために川ができるぐらいに泣くといいんだわ！いい気味だ！泣け泣けっ！」・・・こわいですね～。でも、最後に「愛しているってことを証明してみせて」と言う彼女は、それでも彼をどこかで許そうと思っている女心を感じますね。しかしまあ、ここでは最後まで、「Come on, an’ cry me a river, cry me a river」「さあさあ、川のように泣けよ、川のように泣いてもらおうじゃないの！」と、今までの恨みをはらします。このあと二人はどうなったか？それは、みなさんのご想像におまかせしましょう。私が思うには、たぶんハッピー・エンドでしょう。メジャー・コードで終わりますから。＊＊＊＊＊●クライ・ミー・ア・リヴァーCry Me A River作詞：アーサー・ハミルトン（Arthur Hamilton）作曲：アーサー・ハミルトン１９５３年今になって、あなたは、寂しくて一晩中泣いたですって？それなら、川のように涙を流してお泣きなさい私もあなたのために川のようにずいぶんと泣かされたんだから私を裏切って捨てたことを今はすまなかったと言うのねそれなら、川のようにたくさんお泣きなさいな私だって、あなたのために川のようにずいぶんと泣かされたんだからね私は気が狂うほどあなたに夢中だったわなのに、あなたは涙ひとつ見せなかった私はあなたが言ったことを何もかもすべて覚えているわあなたは恋なんてバカらしいとか、私たちは終わったんだとか言ったわそれなのに、今さら愛してるですって？それじゃあ、愛してるってことを証明するためにさあさあ、たくさんお泣きなさいよ、川のように、涙で川ができるくらいにね私もあなたのために川のように、涙が川になるくらいに泣かされたんだから・・・

December 11, 2006

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In A Sentimental Mood

『In A Sentimental Mood』（イン・ナ・センチメンタル・ムード）この曲はデューク・エリントンが１９３５年に作曲したインストゥルメンタル・ナンバーに、あとから歌詞がつけられたようですが、そのときはデューク・エリントンが作詞したことになっていたのが、しばらくするとアーヴィング・ミルズが作詞したことになり、最近のものには、アーヴィング・ミルズとマーニー・カーツの共作になっています。このマーニー・カーツという人も、エリントンとミルズの影に隠れてしまっていた人と言えるでしょう。推測するには、例によってアーヴィング・ミルズがマーニー・カーツに作詞させたのに、始めは名前をクレジットしなかったのですが、あとになって、名前を入れなければならなくなったといったことではないでしょうか。エリントンが母の死を悲しんだ、センチメンタルな気分の中で書いたと言います。「こんなセンチメンタルな私を、あなたが愛してくれるなんて私は夢にも思わなかった」歌詞の内容は、センチメンタルな愛の歌になっています。この曲は、今では大変に有名なスタンダード・ナンバーになっていますが、１９３５年に、エリントン楽団のものがチャートの１４位に入ったぐらいで、たいしてヒットはしませんでした。作られたときには、たいしてヒットしなかった曲でも、このように良い曲の場合は、長く愛される曲になるということです。＊＊＊＊＊●イン・ナ・センチメンタル・ムードIn A Sentimental Mood作詞：アーヴィング・ミルズ　　　マーニー・カーツ作曲：デューク・エリントン１９３５年センチメンタルな気分の中星が私の部屋に光を差し込んでくれるあなたの愛に満ちたやさしさはまるで暗闇を照らしてくれる炎のようキスをするたびにどこからともなく不思議な甘いメロディーが流れてくるこのセンチメンタルな至福のなかあなたは私の天国を完全なものにしてくれるバラの花びらが散っていくあなたが私のものだなんてまるで夢のようこの夜をあなたが輝かしいものにしてくれる私の心は軽やかに躍っているこのセンチメンタルな気分の中で私は天にものぼるほどの世界にいるこんなセンチメンタルな私を、あなたが愛してくれるなんて私は夢にも思わなかったわ

August 24, 2005

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テレビで「きんたま」と言った子供のゆくえ

女性器の俗称は放送禁止用語だが、男性器の俗称である「ちんちん」、「ちんぽ」、「ちんこ」等は放送禁止用語ではないようだ。この放送禁止用語というものは、局によって多少違いがあるらしい。またまた、かおりんから聞いたおもしろ話し。子供の頃テレビで見ていた「うつみみどり」の子供向け番組「ロンパールーム」での出来事。一般の子供たちがテレビに出ていて、みんな一緒に遊ぶところで言葉遊びをしているときに、「うつみみどり」が「”き”の付くものを言ってくださ～い」と言ったら、ある子供が「きんたま～！」と言った。そこで「うつみ」は「もっときれいなものを言ってくださいね。」といったら、またその子が、今度は「きれいなきんたま～！」と言った。そうしたら、すぐにＣＭになり、ＣＭが終わったらその子供はいなくなっていて、そこには、代わりに「くま」のぬいぐるみが置いてあったという。かおりんは、そのころ小さかったので、なんでその子がいなくなったのかわからなかったというが、今思えば「きんたま」がよくなかったんだね、と言って笑った。一般の視聴者は何を言うかわからない。「タモリ」の「笑っていいとも」で起こったことらしいが、一般人参加の「○○のモノマネをしま～す」と言ってモノマネをするコーナーで、一人の男性が「キチガイのモノマネをしま～す」と言い出して、「あう、あう、あう」と悶えだした。すぐにスタッフに連れていかれ、直後にお詫びが入ったということがあったらしい。昨日の身分差別の話しのことで思い出したが、われわれバンドマンは、「士・農・工・商・えた非人、その下に”バンドマン”」と、よく言っていたものだ。そういえば、芸人のことを指すものに「かわらこじき」という言葉があるね。

April 7, 2005

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Let's Fall In Love　恋をしましょう

『Let's Fall In Love』（レッツ・フォール・イン・ラヴ）【恋をしましょう】この曲は、ハロルド・アーレンの作曲、テッド・ケーラーの作詞で、１９３４年の映画「Let's fall in love（レッツ・フォール・イン・ラヴ）」の主題歌になりました。この映画の中で、アーサー・ジャレットとアン・サザーンによって歌われました。また、この曲は、このあとも多くの映画に使われてきています。これは、アーレンにとっては初めての映画音楽の仕事で、この映画のために、この曲のほかに４曲書いたのですが、そのうち２曲は、落とされて使われなかったと言います。ブロードウェイのミュージカルでも、脚本、演出、振り付けの変更にともなって曲が追加されたり、削られたりするものですが、作詞作曲者は、たいていその場に立ち会って自分の意見を言って、みんなで話し合いながら進んでいくものです。しかし、ハリウッドの映画では、作詞作曲者は曲が完成したら渡すだけで仕事は終わりで、あとは一切立ち会うことも、意見を言うこともできないので、映画ができあがってみたら、このように２曲削られていたということになるわけです。これをアーレンはカリフォルニア・メソッドと呼び、「まったく理解できない」と不満をもらしていたそうです。このことはジョージ・ガーシュウィンも同じようなことを感じていて、「ハリウッドの仕事は曲を作って渡すだけで終ってしまうので、ブロードウェイと違って、なんとも面白くないものだ」と言っていたそうです。さあ、恋に落ちましょう。恋をしてはいけないという理由はないでしょう？私たちが若い今が、恋をするとき。さあ、恋に落ちましょう。」と、ウキウキムードの歌です。「Let's Fall In Love」を日本語に訳すと「恋に落ちましょう」となりますが、「落ちる」というと、ちょっと陰湿なイメージがありますが、この場合、全体の歌詞の内容からは、「さあさあ、私たち、恋をしましょう！」言い換えると「私たち、愛し合いましょう！」と、ウキウキ気分で明るく言っている雰囲気をイメージしたほうがいいようです。＊＊＊＊＊●レッツ・フォール・イン・ラヴ Let's Fall In Love【恋をしましょう】作詞：テッド・ケーラー作曲：ハロルド・アーレン１９３４年さあ、恋に落ちましょう恋をしてはいけないという理由はないでしょう？心は恋からつくられるのだし、恋をするチャンスを逃す手はないわどうしてそれを恐れるの？目を閉じましょう、そして私たちのパラダイスをつくりましょうそれがどんなものかわからなくても、やってみることはできるわなんとかうまくやりましょうもともと私たちは一緒になるように決まっていたのかもしれないわ決まっていたかどうかは心が答えを見つけるわさあ、恋に落ちましょう恋をしてはいけないという理由はないでしょう？私たちが若い今が、恋をするときさあ、恋に落ちましょう

September 17, 2005

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So In Love　とても深く愛してる

『So In Love』　（ソー・イン・ラブ）コールポーター最大のヒット・ミュージカル、「キス・ミー・ケイト」の中の曲で、主演のアルフレッド・ドレイクが歌いました。１９４８年のこの作品は、１０７０回という、１９４０年代では４番目の上演回数を記録しました。１９５３年に映画化され、そこではキャスリン・グレイソンとハワード・キールが歌いました。日本でも、日曜洋画劇場のエンディングテーマに使われていたので、聴き覚えのある人も多いと思います。この曲は、ミュージカルの曲としてはめずらしくヴァースがありませんが、やはり、コール・ポーター独特の不思議な曲で、長調と短調の入り混じった作りになっています。始めは短調（マイナー）の曲なのに、途中の区切りで長調（メジャー）になり、サビは長調で、また短調になり、最後は長調で終わります。そういうところが、人々の心の琴線にふれるところなのでしょう。「私を傷つけて捨てようとも、私は死ぬまであなたのものよ。こんなにも、こんなにも、私はとても深く、あなたを愛している」胸が張り裂けるような、恋する気持ちを歌った曲です。映画「五線譜のラブレター」では、この曲を、病が重く、コール・ポーターのミュージカル初演を劇場に見に行くことができない妻のリンダに、彼がピアノを弾き語りで聴かせるというシーンがあり、ジーンときました。この６年後に、リンダは他界します。＊＊＊＊＊●ソー・イン・ラブSo In Love作詞：コール・ポーター作曲：コール・ポーター１９４８年不思議なんだけれど、でも本当なのあなたのそばにいるとたくさんの星が空に満ちてきてあなたを、ものすごく愛しく思ってしまうのあなたがいないときでさえ私の腕は、あなたをだきしめているなぜだかわかるかしら？私はこんなにも、あなたを愛してしまったのあなたと初めて出会った夜はその神秘的な夜に恋してしまいあなたも私を愛してくれていると知ったときには狂おしいほどの歓びに恋してしまっただから、あなたが私をあざけり苦しめても私を傷つけて捨てようとも私は死ぬまであなたのものよこんなにも、こんなにも私はとても深く、あなたを愛している愛しき人、あなたを深く激しく愛してしまっているの

June 15, 2005

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Bluesette　ブルーゼット

『Bluesette』（ブルーゼット）この曲は、１９３６年にハーモニカの名手、トゥーツ・シールマンスが作曲し、「やさしく歌って（Killing Me Softly With His Song ）」を作ったことで知られているノーマン・ギンベルが、１９６４年に歌詞をつけたものです。作曲者のクレジットはJean Thielemans（ジャン・シールマンス）になっていますが、これはトゥーツ・シールマンスの本名です。私は、クインシー・ジョーンズの１９７５年のアルバム、『メロー・マッドネス（Mellow Madness）』の中に収録されているこの曲を聴いて、「何と美しい曲なんだ」と思って、すぐに大好きな曲になりました。トゥーツ・シールマンスは、もう何作も前のクインシーのアルバムからハーモニカとしてフューチャーされていたので、私は、もうすっかり彼のファンになっていたのですが、このアルバムの中ではハーモニカではなく、もう一つの彼の独特のスタイルである、ギターと口笛をユニゾンでプレイするというものでレコーディングされています。これは「ホイッスル・ギター」と呼ばれていて、彼の得意技で、トレードマークとも言えるものです。ジョージ・ベンソンはギターとスキャットをユニゾンでプレイするスタイルで一躍有名になりましたが、トゥーツ・シールマンスは、ギターと口笛をユニゾンでプレイすると言うスタイルを、あみ出していたのでした。さかのぼること、１９６２年に、トゥーツ・シールマンスのギターと口笛による「ブルーゼット」が大ヒットして一気に名を上げたのでしたが、実はもっとずっと以前の１９３６年に作られていたものでした。この曲は、ギターのチューニングをしながらハミングしている時に、同じ楽屋にいたステファン・グラッペリが「ぜひ楽譜に書き取りなさい」と言ったのでこうして残ったそうです。はじめはベルギーの小さな青い花ということで「ブルーエット」と呼んでいたそうですが、スエーデンのあるプロデューサーが、「これはブルースの曲だろう、ブルーゼットにしよう」と言ったので「ブルーゼット」になったといいます。現在では、ジャズのスタンダード曲集の楽譜にも載るような大スタンダード・ナンバーになっています。シールマンス自身でも、何回もこの曲を録音しています。それにしても、このトゥーツ・シールマンスという人は、ハーモニカといい口笛といい、ジャズ・プレイヤーとしてはだれも見向きもしないものを使って、深く感動する演奏を聴かせてくれるのには、まったくもって恐れ入ります。この人のハーモニカを聴いて、自分もこんなふうにハーモニカがふけたらすばらしいと、あこがれたものです。２０００年１１月、この「ブルーゼット」に母国ベルギーのラジオ局が「最優秀作曲賞」を与えたほか、トゥーツ・シールマンスが８０歳を迎えた２００２年には、特別な名誉博士号を授与しました。＊＊＊＊＊●ブルーゼットBluesette作詞：ノーマン・ギンベル（(Norman Gimbel)作曲：ジャン・シールマンス（Jean Thielemans）１９３６年（曲のみ）１９６４年（歌詞付き）かわいそうに、小さな可愛いブルーゼット泣かないで、心配しないでいつか幸運な日がやってくるからその悲しみも、きっと忘れてしまう幸運な日が、喜びの日がきっと来るよきみの心に愛があふれている限り可愛いブルーゼット、落ち込んではいけないよきみと同じように寂しい若者はどここかにいる真実の愛を、抱きしめられる誰かを探して・・・だから気を取り直してブルーゼット本物の愛にめぐり逢えるよ打ちひしがれた心も、すぐに軽やかに歌うようになるさ小さな可愛いブルーゼット、泣かないでもう知らせを聞いたよね新しい恋がもうすぐそこまで来てるってその恋は虹に包まれ、ピンクのリボンで飾られているきみに新しい春の季節をあげるために金の結婚指輪をつけさせるためにだから涙をふいてそっぽを向いたり心配したりしないでもうすぐ幸福がやってくるよ　ブルーゼットきみの心に愛があふれている限り可愛いブルーゼット、落ち込んではいけないよきみと同じように寂しい若者はどこかにいるそして真心を捧げられる相手を求めて・・・幸運な日が、喜びの日がきっと来るよそんな魔法の日は今日かもしれない可愛い可愛いブルーゼット可愛い可愛いブルーゼット今日はそんなに落ち込まないで・・・

April 30, 2006

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●ピアノを発明した、バルトロメオ・クリストフォリ誕生　１６５５年５月４日

「ピアノ」という楽器は、イタリアのバルトロメオ・クリストフォリという人により考案され、作られました。ピアノ・プレイヤーとしては、彼に最大の敬意を払わなければなりません。●バルトロメオ・クリストフォリ（Bartolomeo Cristofori (di Francesco)）１６５５年５月４日、イタリア、パルヴァ生まれ。１７３１年１月２７日、死去。７５歳。----------ピアノは、鍵盤楽器ですが、音のもとになる発音体は弦なので弦楽器の仲間です。弦楽器の音を出す方法には、大きく分けて３種類あります。バイオリンなどのように弦をこすって音を出す「擦弦（さつげん）」方式とギターなどのように弦をはじいて音を出す「撥弦（はつげん）」方式。弦楽器の音の出し方は、弦をこの「こする」か「はじく」というものが圧倒的に多いのですが、もう一つ、弦を「たたく」という「打弦（だげん）」方式があります。この弦をたたく打弦楽器の代表的なものが「ピアノ」ということになりますが、そのピアノのもとになったものに「ダルシマー（１７世紀終わり頃はパンタレオン）」という楽器があります。これは、箱型の共鳴体に張られた弦を、ドラムに使うスティックのような棒で直接たたいて音を出します。実際にダルシマーの中にはピアノとよく似た音のものもあり、これがピアノの発明のヒントになったと言われています。１７世紀末、そのころの鍵盤楽器に「チェンバロ」というものがありました。「チェンバロ」はドイツ語、イタリア語で、英語では「ハープシコード」、フランス語では「クラヴサン」と言い、弦を鳥の羽などで作ったツメではじいて音を出す「撥弦」方式のもので、弦をはじく機構が鍵盤とつながっている構造なので、音に強弱をつけるのが難しく、表現に限界がありました。バルトロメオ・クリストフォリは、もともとイタリアのチェンバロ作りの名人で、それを認められイタリアの宮廷の楽器の管理を任されていました。彼の楽器は二つとして同じものがないと言われるほど工夫が凝らされていて、その中でも特に斬新だったのは、チェンバロをもとにして音の強弱を出せる仕組みを考案したことです。それは、それまでの弦をツメではじくのではなく、ダルシマーのように弦をハンマーでたたく仕組みです。この仕組み、「ハンマー・アクション」をチェンバロに組み込むことで、鍵盤を静かに押せば弱い小さい音、強く押せば強い大きい音が、自在に出せるようになりました。こうして１７世紀末から１８世紀初め、１７００年頃、世界で最初のピアノが誕生しました。このとき彼が作ったピアノは「クラヴィチェンバロ・コル・ピアノ・エ・フォルテ（Gravicembalo col piano e forte）」という名前のもので、「弱い音も強い音も出せるチェンバロ」という意味から付けられました。これがやがて短くなって「ピアノ・フォルテ」または「フォルテ・ピアノ」となり、さらに省略されて、現在では「ピアノ」と呼ばれるようになりました。クリストフォリが最初に作ったとされるピアノは１７０９年のものと言われていましたが、それ以前の１７００年には、すでに完成していたという見方もあり、１７００年頃としかわかりません。現在、彼が作ったピアノは世界に３台が残っており、それは、ニューヨークのメトロポリタン博物館（１７２０年製）、ローマのローマ楽器博物館（１７２２年製）、ライプツィヒのライプツィヒ大学楽器博物館（１７２６年製）に、それぞれ保存されています。現在、ピアノが誕生してから約３００年です。●クリストフォリが作ったピアノ【ジャズ】人気blogランキングへ

May 4, 2007

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アサヒ「クリアアサヒ」ＣＭソング　On The Sunny Side Street

【スタンダード・ナンバー】オン・ザ・サニー・サイド・オブ・ザ・ストリートOn The Sunny Side Of The Street【邦題：明るい表通りで】アサヒビールの新しい第３のビール「クリアアサヒ」のテレビＣＭが、お笑い芸人のダウンタウン浜田雅功とビーチバレー選手の浅尾美和、映画監督の井筒和幸がそれぞれ登場するものが３月下旬ごろから放映されている。そのＣＭソングには、スタンダード・ナンバーの「On The Sunny Side Street（邦題：明るい表通りで）」が使われている。その曲についてホームページで調べてみたが、誰のものかはわからなかった。----------【スタンダード・ナンバー】オン・ザ・サニー・サイド・オブ・ザ・ストリートOn The Sunny Side Of The Street【邦題：明るい表通りで】この曲は、ドロシー・フィールズの作詞、ジミー・マクヒューの作曲によるもので、ルー・レスリーの１９３０年のレヴュー「International Levue（インターナショナル・レヴュー）」のために作られたものです。その中で、ハリー・リッチマンとガートルード・ローレンスが歌いました。このレヴューは失敗しましたが、この曲は多くの人に演奏に歌にと取り上げられて、スタンダード・ナンバーとして残りました。「コートをつかんで、帽子をとって、悩み事は玄関に置いて、通りの日向（ひなた）に足を運ぼう。パタパタという足音が聞こえてくるでしょ？その幸せそうな調べはあなたの足音。人生はこんなに素敵、陽の当たる方の通りではね。」「明るい表通り」というものと「明るい表通りで」というものと２種類の邦題が見られますが、「明るい表通り」だと「表通りが明るい」という歌のよう思えて、ちょっとニュアンスが違ってしまいます。これは、この曲名の大事なところを省いてしまっているもので、「on」というのは「～で」「～に」「～に向かって」といった意味を持っていますから、「通りの陽の当たる方に向かって行こう」ということになります。歌詞の最後の部分は、「Gold dust at my feet “on the sunny side of the street”」「私の足元には金粉が塵が舞っている　“on the sunny side of the street”」太陽のサンサンと輝く様を「金粉」に例えています。太陽の輝きは金にも価する素晴らしいもので、それはだれにでも与えられ、得ることができます。「だから、通りの陽の当たる方に行きましょう」要するに「物は考えようだ」ということを言っているのですね。「くよくよしていてもしかたがない、楽しくいこうよ！」という明るく陽気な曲です。しかし、この曲が作られた１９３０年は、１９２９年に起こった世界大恐慌のまっただ中の時。そんな、どん底の世の中だからこそ、この曲によって暗い人々の心が励されてヒットしたと言えるでしょう。トミー・ドーシー楽団のレコードが最初にヒットしました。ビリー・ホリデイは１９４４年にコモドア・レーベルのセッションでレコーディングされました。＊＊＊＊＊●オン・ザ・サニー・サイド・オブ・ザ・ストリートOn The Sunny Side Of The Street【明るい表通りで】作詞：ドロシー・フィールズ作曲：ジミー・マクヒュー１９３０年《ヴァース》いっしょに歩く人もなく、私には影しかなかったそしてある朝あなたが通り過ぎたおかげで、やっと私は明るくなれたわ今では朝は挨拶で迎え、心に太陽を抱いて一日を終えることができるわもう悩みなんかみんな飛んでいってしまったわあなたのおかげでこんなことが言えるようになったのよあれこれ将来のことを考えたり、夢を描いたり虹を追いかけたりしても始まらないわ陰気な顔をしていてもしょうがないじゃない行きあたりばったりでいきましょう人生なんてお祭り騒ぎの一日だと思って、遊んで笑って陽気に過ごせばいいわその楽しみを分けてほしかったら、することは一つしかないわね《コーラス》コートをつかんで帽子をとって悩み事は玄関のところに置いていきましょうただ、道の陽の当たる方に足を運ぶのよほら、パタパタという足音が聞こえてくるでしょ？その幸せそうな調べは、あなたの足音よ通りの陽の当たる方では人生はそんなにも楽しいものよ私も前は悩みをかかえて日陰ばかりを歩いていたわでも、もう何も怖くはない根無し草だった私でさえ考え方を変えたのよお金が１セントもなくても私は*ロックフェラーのように金持ちよ通りの陽の当たるところの私の足元には、金粉が舞っているのよ----------【参考】*ロックフェラー石油などで財閥を築き上げたアメリカ人で、大金持ちの例えとして歌によく出てくる。【ジャズ】人気blogランキングへ

May 11, 2008

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Satin Doll　サテン・ドール

『Satin Doll』（サテン・ドール）これは、ビリー・ストレイホーンが作曲したインストゥルメンタル・ナンバーで、１９５３年に発表され、デューク・エリントン楽団の曲として有名になりました。そして、その５年後の１９５８年にジョニー・マーサーによって歌詞がつけられました。軽くスイングするリズムとシンプルで親しみやすいメロディーのためか、日本でも、ジャズ・プレイヤーにジャズ・シンガーにリスナーにと人気がある曲で、さかんに演奏されるスタンダード・ナンバーになっていますが、ジョニー・マーサーが作詞しただけあって、歌詞の解釈がいろいろあって奥の深い曲といえます。曲も素晴らしいですが、歌詞も、さすがジョニー・マーサーといえるものです。「Satin Doll　（サテン・ドール）」とは「サテンの人形」ということになります。「サテン」とは繻子（しゅす）織りという織り方をした織物のことで、一般的に「緞子（どんす）」と呼ばれる織物です。緞子は、もともとは絹織物の名称でしたが、今は化繊や、混紡のものが多くなりました。緞子は、縦糸が横糸を何本も飛ばして織り出されるため、生地表面は長く浮いた縦糸で覆われます。そのため生地はすべすべしていてなめらかで柔らかく、光沢があるのが特徴です。欠点は生地の強度が弱く、スレやすいこと（糸抜けしやすい）とあります。要するに、デリケートなものといえるのですね。生地の素材には、おもにレーヨン、ナイロン、絹（シルク）が用いられます。生地はこれらの原料の糸から織られますが、この当時は絹（シルク）のもののことでしょう。まあ、チャイナドレスを想像してみてください。それですよ。ということで、なんともセクシーでゴージャスな人形というイメージができましたか？そういうことです。「Satin Doll」とは、売春婦のことを言っていると解釈する人もいますが、　はっきりとそういいきれるというわけではありません。、街を歩いていると、だれもが振り返るような「セクシーでいい女」とでもいったところでしょうか？冒頭の歌詞は、「Cigarette holder which wigs me」「シガレット・ホルダーが僕の気をそそる」「wig 」とは本来「かつら」の意味なのですが、髪、頭から転じて「興奮する、興奮させる」というスラングです。こういうスラングはジャズメンが使い始めて一般化するものが多く、これももともとジャズメンの言葉だといいます。「Over her shoulder she digs me」「肩越しに彼女は思わせぶりに僕を見る」「dig」の本来の意味は「掘る」ですが、これもいろいろな意味のあるスラングで、「好む、味わう、関心を示す、熱中する、理解する」などといった意味があり、特にジャズでは「好き」とか「理解する」という意味に使われます。ということで、この彼女が「Satin Doll」ということです。男の立場で歌っている歌詞なので、女性シンガーが歌う場合、ここの「she（彼女）」を「he（彼）」に変えて歌っているものもありますが、そうするとなんともややこしく、おかしな意味のものになってしまうので、ここは「she」のままで、「me（僕）」を「him（彼を）」として第三者として歌うほうが良いと思います。「なんか彼女はオレに気があるんじゃないのかな」と思ってうきうき気分で誘ってみると、軽くあしらわれてしまうようです。そこで、「Doing my rｈumbas with uno」「こうなったら最高の彼女を相手に、僕はルンバでせまるのさ」「uno」とはスペイン語で「一つ」という意味ですが、「ナンバー・ワン」とか「最高」ということで、「Satin Doll」のことを指していると解釈してみました。そして、「rhumba（ルンバ）＝rumba」という言葉もにも多くの意味が含まれているようです。「ルンバ」とはスペイン語で、もともとは１９世紀初頭、キューバのアフリカ系住民の間からおこった舞曲、また、その踊りのことで、活気にみちた速い四分の二拍子のリズムに特色があるということです。しかし、ここでいうルンバとは、ラテンのダンスの一つの種類として社交ダンスの中に取り入れられたもののことで、キューバのそれとはかなり変化しているものと思いますが、情熱的な愛のダンスであるということです。最初は、男女が別々に踊り、そのうち女性が男性を誘惑するような踊り方を始めます。男性は、そんな女性の胸やお尻に触れようとします。つまり誘いに乗るわけです。女性は、男性のアタックをかわしながら、更に男性を誘うようにセクシーに踊るのです。つまり、セックスを色濃く表現しているという踊りになるのです。ルンバとは社交ダンスではラテン種目の基本ともいえるダンスで、比較的ゆったりとしたテンポ（一分間に９５～１００拍ぐらいの四拍子）の音楽で踊る愛のダンスです。ルンバとは、そういうダンスなので、ここはサテン・ドールをくどくためにルンバを踊ろうというわけです。最後に、「And that'n' my Satin Doll」「そういうわけで、あそこを行くのが僕のサテン・ドールさ」　「that'n'」は「that and」の略で正確には「that's that」といった言葉の略で、「こういうこと」とか「そういうこと」といった意味になるということです。彼女はまだ完全に自分のものではないのに、自分だけがそう思っている、自分のものだといいふらしたいという気持ちが、ちらっと現れている一節です。スラングだらけで、そのうえ全体が風刺的だとも思える歌詞なので、言葉を細かく詮索すると、いろいろな意味に取れるというものです。そのためこの曲は、本当の意味をつかむのはなかなかやっかいで、それよりも感覚的にとらえて、プレイヤーは「自分なりの解釈でどう表現するか」ということが重要な曲だといえるようです。＊＊＊＊＊●サテン・ドールSatin Doll作詞：ジョニー・マーサー作曲：デューク・エリントン　　　　ビリー・ストレイホーン１９５３年１９５８年（歌曲として）　　シガレット・ホルダーが僕の気をそそる肩越しに彼女は思わせぶりに僕を見るえものをあさるように・・・、あれがサテン・ドールさねえ、僕と一緒にうきうきと歩こうよおっと気を付けないと兄弟、熱を上げすぎちゃだめだぞ（自分に言い聞かせる）粋（いき）なことを言う、あれがサテン・ドールさ彼女はバカじゃない、だから僕もクールにいかなくちゃひとつやってみるだけさ、でも本当に彼女につかまるのはごめんだ電話番号は、えっ、たくさん知ってるねこうなったら最高の彼女を相手に、僕はルンバでせまるのさそういうわけで、あそこを行くのが僕のサテン・ドールさ

August 28, 2005

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セックスしたい　Feel Like Makin' Love

『Feel Like Makin' Love』（フィール・ライク・メイキン・ラヴ）【愛のためいき】　この曲も、私の大好きな名曲で、バンド関係者の間では、ほとんどスタンダード・ナンバーになっているものです。しかし、まあそれにしてもエッチな曲です。英語だと、日本人にとってはストレートでなくていいですね。「feel like doing」で「…したい気がする」、「make love」は「セックスする、抱き合う、キスする、愛撫する、言い寄る」といった意味になります。要するに、「セックスしたくなっちゃったわ・・・」という意味の歌です。「恋のためいき」という邦題がついていますが、直訳すると「セックスしたい」という邦題になっちゃいますね。この曲は、ユージーン・Ｂ・マクダニエルス（Eugene B. McDaniels ）が作詞・作曲し、１９７４年に、ロバータ・フラックが歌いました。上品でメロウな味わいに溢れるこのヴァージョンは、１９７４年８月に全米チャート１位になり、ミリオン・セラーを記録しました。ジャズとソウルの両方のジャンルで活躍する人気ヴェテラン・シンガーのマリーナ・ショウによる、１９７５年のヴァージョンは、ファンキーな、ジャズ・テイストのもので、大人の魅力に溢れていて、これも高い人気を誇っています。また、１９８３年のジョージ・ベンソンのヴァージョンは、リズムがグッとタイトで爽やかな仕上がりになっていて、また別の魅力に溢れています。インストゥルメンタル・ナンバーでは、キーボードのボブ・ジェームスのものをよく聴きました。この曲は、そのほかにも、多くの人によって歌われています。＊＊＊＊＊●フィール・ライク・メイキン・ラヴ Feel Like Makin' Love【愛のためいき】　作詞・作曲：ユージーン・Ｂ・マクダニエルス（Eugene B. McDaniels ）１９７４年公園を散歩していると冬から春へと移り変わろうとしているのを感じる暗闇を歩きながらラヴラヴで寄り添う恋人たちを見ているとそんなとき、あなたとセックスしたくなっちゃうのそんなとき、私の願いを叶えたくなってしまうのああん～あなた～あなたが私に囁きかけるときその声は甘く、そして低くあなたの指先が私に触れるともう私は感情を隠しきれずにどうにかなっちゃいそうよああ～そんなとき、あなたとセックスしたくなっちゃうのそんなとき、私の願いを叶えたくなってしまうのああん～あなた～レストランでキャンドルに明かりを灯し、手を握り合っているあなたに触れていると私は心の全てから、あなたをほしいと思ってしまうの・・・そんなとき、あなたとセックスしたくなっちゃうのそんなとき、私の願いを叶えたくなってしまうのああん～あなた～セックスしたい～＊＊＊＊＊次に、私と一緒にやっているシンガーの「かおりん・うさこ」さんが自分のサイトに載せている、この曲の歌詞の訳詞とコメントがおもしろいので持ってきてみました。●「かおりん」のサイトも行ってみてください。↓【かおりん・うさこ】のサイト＊＊＊＊＊ねぇ・・・ねぇ・・・あなた。公園を散歩していて、「もう、春なのかしら～」なんて、ふっと感じたり、暗がりで、イチャついてる恋人達を見ると・・・。そんな、ふとした瞬間に・・・あなたが、欲しいなって・・・愛しあいたくなっちゃうの・・・。そして、そんな時・・・わたしの願いが、叶うような気がしちゃうのよ・・・。うふふ・・・。ねぇ・・・ねぇ・・・あなた。こうして、肩を並べて歩く時も・・・ぼんやりしている甘ったるい朝も、何気なくわたしに触れた指先に・・・わたしのこんな感情を見透かされそうで・・・何だかワクワクしてきちゃうの・・そんな、ふとした瞬間に・・・あなたが、欲しいなって・・・愛しあいたくなっちゃうの・・・。そして、そんな時・・・わたしの願いが、叶うような気がしちゃうのよ・・・。ねぇ・・・ねぇ・・・あなた。レストランでね・・・、キャンドルにかざす手は・・・。実は、あなたに触れたがっているのよ・・・。心も、身体も、わたしの全てで・・・。あなたを求めているの。そんな、ふとした瞬間に・・・あなたが、欲しいなって・・・愛しあいたくなっちゃうの・・・。そして、そんな時・・・わたしの願いが、叶うような気がしちゃうのよ・・・。＊＊＊＊＊いわずと知れた・・・（このフレーズばかりだねぇ）ローバータ・フラックの名曲でございます。。。重ね重ねではございますが、、訳詞は、ほんとーにテキトーです。この曲、若い頃から、歌ってはおりますが、最初にこの曲に出会った時、「こんなスケベな歌は、よー歌わんわ」などと、思っておりました。時の流れとは、悲しいもので、、今じゃ全然平気です。。。。。（２００４年８月　シンガー「かおりん・うさこ」　記）

April 1, 2006

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ジャズのスウィングとは？

●ジャズの「スウィング（スイング）（swing）」とは？ジャズを語る上でよく耳にする「スウィング」という言葉には、いくつかの違った意味があるので、その違いをしっかりわかっていないと話が通じません。「スウィング」には、大きく分けて２種類の意味があります。それは、ジャズの音楽的特徴を現すときに使う「スウィング」と、ジャズの演奏スタイルを分類するときに使われる「スウィング」です。「スウィング（スイング）（swing）」の本来の言葉の意味は「揺れる」、「振れる」ということになります。バットをスウィングするとか、ゴルフのスウィングなどがそうです。ジャズにおいて「スウィング」という言葉はよく使われますが、その場合に、いくつかの意味があります。【１】　ジャズでは、ジャズ特有のリズムの「ノリ」のことを表す言葉として、「スウィング」という言葉を使います。ジャズという音楽の特徴である「躍動感」や「ノリ」を表現する時に、「スウィングする」とか「スウィングしている」というように使われます。【２】　リズムのスウィングとは違って、ジャズの演奏スタイルとしての「スウィング」という言葉があります。１９世紀末にアメリカのニューオリンズで生まれたジャズは１９２０年に発令された禁酒法の時代に、その中心はシカゴに移りました。それまでのジャズの演奏スタイルは「ラグタイム」や「ブギウギ」、「ディキシーランド」といったものでした。１９２９年のニューヨーク株価が大暴落して起きた不況が回復した、１９３５年以降、ニューヨークを中心に急速に白人がリーダーのビッグバンドが台頭してきました。それから１９４０年代中頃までの間の、ビッグバンドとヴォーカルを迎えたジャズの演奏スタイルを、「スウィング」といい、「スウィング・スタイル」とか「スウィング・ジャズ」とか呼ばれています。これは、ジャズという音楽のなかの演奏スタイルの一つで、ジャズの歴史上では「ビバップ」という演奏スタイルが生れる前に主流になったジャズのことです。したがって「モダン・ジャズ」ではありません。代表的なバンドとしては、「ベニー・グッドマン楽団」、「グレン・ミラー楽団」、「トミー・ドーシー楽団」、「アーティー・ショウ楽団」などがあります。「スウィング・スタイル」のジャズは大衆化した音楽として、ラジオを通してアメリカ全土に放送され、一挙にポピュラー・ミュージックとしての地位を獲得していくのでした。そうして、「スウィング」は、ダンス・ミュージックとして広がっていきました。演奏スタイルとしては、譜面による演奏が行われるようになりました。それは、ビッグバンドという楽器構成上のことからということと、レコーディングやラジオ放送、ダンスのバックミュージックなど、その時々による要求によって曲の長さを調節するためや、毎回、曲の演奏時間が同じ長さになるように、編曲（アレンジ）することが必要だったからです。その他、それまでのジャズのスタイルと、使用される楽器が変わってきました。ベース・パートは、チューバからウッド・ベース（コントラバス）に定着しました。ドラムがそれまで単独で大太鼓、小太鼓、シンバルといった編成だったものが、ドラムセットが発明され、１人の重要なパートとして確立しました。バンジョーが使われなくなり、その代わりにギターが使われるようになりました。【３】　そして、もう一つの「スウィング」の意味は、「ジャズ」に取って代わる「スウィング」という意味です。もともと、ジャズはアメリカ黒人の中から生まれた音楽です。ちょっと乱暴な言いかたをすると、１９３０年中ごろには、ジャズという言葉は黒人ジャズのことを指すようになっていたので、白人たちは、もともと売春宿から生まれたジャズといういかがわしい生い立ちの音楽を、自分たちの上品なものにしようとし、ジャズを別の呼び方にしようと考えました。そうして出来た言葉が「スウィング」です。ジャズはこの頃「スウィング」、「スウィング・ミュージック」と呼ばれるようになりました。したがって、「スウィング」という言葉は、この時期に「ジャズ」と同義語として作られた言葉で、実質的に「スウィング」という言葉は意図的に「ジャズ」に取って代わった言葉でした。そういう意味から、「ジャズ」＝「スウィング」ということです。ちょうどスウィング時代が、そのような使われ方をした時で、「スウィング」という言葉は、「ジャズ」に取って代わろうとした意味もあります。白人たちは、「スウィング」をアメリカの象徴の音楽として仕立てました。「スウィング」は、いわゆる「表」のジャズの形であり、その頃、ハーレムを中心とした黒人たちの「ジャズ」は、「裏」のジャズとして発展していきました。そうして出現したのが「ビバップ」というジャズの演奏スタイルで、それから「モダン・ジャズ」と呼ばれるジャズが誕生することになります。【ジャズ】人気blogランキングへ

May 20, 2008

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コード（和音）とコード・ネーム（和音記号）

【ジャズ理論の基本：６】コードはジャズの基本なので、必ず覚えること。コード（和音：わおん）（chord）コード・ネーム（和音記号）（chord name）ある音をベースとして高音方向に３度（長３度または短３度）ずつ、２つ以上の音を積み重ねたものを和音、英語で、コード（chord）という。コードは、３音（１度、３度、５度）の積み重ねのものがもっとも基本的なコード（和音）になり、これにベース音（ルート＝１度）から６度や７度の音程を加えて、１オクターブ以内に存在する合計４音（４声）で作られるコード（和音）を基本コード（ベーシック・コード）いい、ハーモニーの基礎を担っていて、そのコードの響きを決定づける働きをする。そして、特にジャズでは、そのベーシック・コードに８度以上の音程の*テンション・ノートというものなどの音を加えたりして独特のハーモニーを作る。（*テンション・ノートについては次回）この和音の構成音を音符ではなく記号で表したものをコード・ネーム（和音記号）、またはコード・シンボル（chord symbol）という。コード・ネームは表記する場所や文字に意味があるので、一目りょうぜんで、和音の構成音を知ることができる。ジャズやポピュラー音楽では、和音はコード・ネームでしか表記されない場合がほとんどなので、コード・ネームは必ず覚える必要がある。ただし、表記の記号は完全に統一されてはいないので、いくつかの種類の表記法がある。コードの構成音の一番低い音がコードの基礎（ベース）となり、この音がコード・ネームの基本になる。その音のことをルート（root）（根音：こんおん）という。コード・ネームの表記方法１．ルート（root）、根音（こんおん）コードの基礎（ベース）になる音をルート（根音）といい、英語の大文字で一番左に表記する。２．３度そのコードのルートから３度の音がメジャー（長３度）の場合は表記しない。マイナー（短３度）なら「ｍ」「－」「min」などの記号で、ルートの右の下部に表記する。３．６度・７度基本の３音（３声）に６度あるいは７度の音を付加する場合は一番右の下部に表記する。６度を付け足す際は「６（シックス）」を、７度を付け足す際は「７（セヴンス）」または、「Ｍ７（メジャー・セヴンス）などと表記する。コード・ネームの６度は、ルートからの音程が長６度の音のこと。７度には２種類あって、ルートからの音程が長７度（ルートの半音下と同じ音）を「Ｍ７（メジャー・セヴンス）、短７度だと「７（セヴンス）」となる。ちなみに、６度と７度は、どちらか１つしか付けられない。４．５度５度の音は変化させない限り表記しない。５度ルートの音と美しく自然に響く音なので、ルートとセットで考えられる。しかしながら、その音を半音上下させる場合があり、その場合のみルートの右の上部に表記する。５度を半音下げる場合は「♭５（フラット・ファイヴ）」や「alt（オルタード）などと表記。５度を半音上げる場合は「♯５（シュアープ・ファイヴ」や「aug（オーグメント）」などと表記。５．テンション・ノートコード・ネームにテンション・ノートを表記する場合があり、その際は一番右の上部に表記する。テンション・ノートが複数ある場合は横に並べても、縦に並べても、どちらでもよい。（テンション・ノートの解説は次回）コード・ネームと構成音これは「Ｃ（シー）」についてのコードなので、ほかのキーのコード（Ｃ♯＝Ｄ♭、Ｄ、Ｄ♯＝Ｅ♭・・・）は、移調して考えること。【ジャズ】人気blogランキングへ

December 30, 2008

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Left Alone　レフト・アローン

『Left Alone』（レフト・アローン）この曲は、ビリー・ホリデイの作詞、マル・ウォルドロンの作曲によるもので、楽曲登録は１９６１年になっていますが、実際に作られたのは、マル・ウォルドロンがビリー・ホリデイの伴奏をしていた１９５８年頃だと思われます。しかし、ビリー・ホリデイはこの歌をレコーデイングすることなく、１９５９年７月１７日に、この世を去ってしまいました。この曲は、ビリー・ホリデイが亡くなる２年前の１９５７年から、亡くなる直前まで、彼女の伴奏をしていたピアニストのマル・ウォルドロンが、ビリー・ホリデイが死去してから１９６０年に彼女に捧げたアルバム『Left Alone』（レフト・アローン）で、サックスのジャッキー・マクリーンと、インストゥルメンタル・ナンバーでレコーディングしています。ビリーの鎮魂歌として出されたこのアルバムは、当時すぐにヒットしたというわけではありませんでしたが、徐々に人気が出てきて、現在ではこの曲はマル・ウォルドロンの代表曲になりました。日本でも、１９８６年にジャズメンが主人公の角川映画「キャバレー」で、マリーンの歌ったこの曲が主題歌として使われました。そういうことからも、この曲はジャズ・ナンバーの中では、日本で最もよく知られている曲のひとつだと言えます。しかし、この曲は有名なわりには歌っている人が少ないもので、それは、この曲の歌詞があまりにも悲しく寂しいもので、ビリー・ホリデイの人生そのものであるということから、「Strange Fruit」と同じように、そうそうだれもが歌える代物ではないということだからでしょう。下手に歌えばヤケドをしかねない怖い歌だということです。「私の心を満たしてくれる恋人はどこにいるのかしら？いつまでも私と一緒にいてくれる恋人はどこにいるのかしら？傷つけられ、やがて見捨てられ、私はたった一人ぼっち。私の家庭と呼べる家もなく、小さな街でも、大都会にいても、どっちにしても惨めだわ。私は一人寂しく取り残されてしまう、一人ぼっち・・・」歌手デビューして、名声を確立し大歌手になるものの、人種差別に苦しみ、恋に翻弄（ほんろう）され、麻薬と酒におぼれ、精神的にも、肉体的にもボロボロになって４４年の生涯を閉じたビリー・ホリデイが、自分自身の心境を書きつづった歌がこの曲です。この曲は、まさに、ビリーホリデイの悲痛の叫びが歌になったものということです。マル・ウォルドロンのアルバム『Left Alone』の最後に、マル・ウォルドロンと、これをプロデュースしたテディー・チャールズとのインタヴューが収録されていて、その中で、この曲について語られています。それでは、マルがビリーの伴奏でサンフランシスコに行ったときに、時間が数時間あまってしまったので、その時、ビリーが曲を作ろうと言い、それは、ビリーが自分自身の人生そのものについて歌う曲にしたいということで二人で作った曲が、この「Left Alone」だということです。ビリーは、この曲をステージでは歌ったそうですが、レコーディングする間もなく亡くなってしまいました。マル・ウォルドロンは、１９２６年８月１６日にニューヨークで生まれ、２００２年に亡くなりました。最初はアルト・サックスをやっていましたが、大学で作曲を勉強してからピアノに転向し、１９５０年代から数々のジャズ史に残るレコーディングに参加しています。１９５４年から１９５６年にかけてチャールス・ミンガスのピアニストをしました。１９５７年からビリー・ホリデイが亡くなる１９５９年まで、彼女の伴奏を務め、１９５８年１１月のフランスとイタリアのヨーロッパ演奏や、１９５９年２月のロンドン公演にも、一緒に行っています。１９６１年から１９６２年には、エリック・ドルフィー、ブッカー・リトルのコンボに参加し、ファイブ・スポットでの歴史的なライブ録音を残しました。その後１９６７年にミュンヘンに移住してからは、ヨーロッパを中心に演奏活動を行ないました。そして、特に日本での人気が高く、１９８６年に日本制作のアルバム『Left Alone '86』が作られ、「レフト・アローン」が再演されました。このアルバムの中には「ラヴァー・マン」など、ビリー・ホリデイの愛唱曲を中心に収録され、マル・ウォルドロンが再びビリーへの万感の想いをつづった作品になっています。＊＊＊＊＊●レフト・アローン Left Alone作詞：ビリー・ホリデイ作曲：マル・ウォルドロン１９６１年私の心を満たしてくれる恋人はどこにいるのかしら？いつまでも私と一緒にいてくれる恋人はどこにいるのかしら？だれもが初めは私を傷つけ、やがて見捨てていく私は一人寂しく取り残されてしまう、一人ぼっち・・・私の家庭と呼べる家もなく、私が一生いたいと思うところもない小さな街にいても、大都会にいても、どっちにしても惨めだわ私は一人寂しく取り残されてしまう、一人ぼっち・・・「求めれば愛は与えらる」と、いつもみんなは言うでも、今のところそんな風にはなっていないわ彼が私のもとを去って行ったのは、運命のせいでしょうねそれとも、死ぬまでにはまた会えるのかしらその時には二人の心が通じ合うわでも、それまで私は、一人寂しく取り残されてしまう、一人ぼっち・・・

January 25, 2006

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Let's Face The Music And Dance

『Let's Face The Music And Dance』（レッツ・フェイス・ザ・ミュージック・アンド・ダンス）この曲は、アーヴィング・バーリンの作詞、作曲のもので、１９３６年の映画「Follow The Fleet」のために書いたものです。その中で、フレッド・アステアとジンジャー・ロジャースが歌い、踊りました。マックス・スタイナーの編曲。この映画でも、この曲のダンス場面でロジャースの衣装についていた小さな鉛の玉がアステアの顔にあたるので、また二人はもめ、そこへ「Cheek To Cheek」のときと同じように、ジンジャーの母リーラが出てきて、お決まりの、ののしり合いが始まったといいます。「Let's face the music and dance」「苦しみを受けいれる」⇒「音楽に顔を向けて踊ろう」⇒「音楽に身をまかせて踊ろう」⇒「どうせ苦しむのだったらその前に楽しもう」⇒「苦しいときも楽しくいこう」＊＊＊＊＊●レッツ・フェイス・ザ・ミュージック・アンド・ダンスLet's Face The Music And Dance作詞：アーヴィング・バーリン作曲：アーヴィング・バーリン１９３６年これから先、困難に遭うことがあるかもしれないでも月の光と音楽と愛とロマンスがある限り音楽に身をまかせて踊ろうよヴァイオリン弾きが行ってしまう前に会計を済ましてくれと言われる前にまだ僕らにチャンスが残っているうちに音楽に身をまかせて踊ろうよもうじき僕たちの上から月がなくなり僕たちは違う歌を口ずさんでいるだろう二人で一緒に涙を流すこともあるだろうだからまだ月の光があって音楽と愛とロマンスがある限り音楽に身をまかせて踊ろう、踊ろう音楽に身をまかせて踊ろうよ

October 21, 2005

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Lush Life　飲んだくれ人生

【スタンダード・ナンバー】ラッシュ・ライフ（Lush Life）飲んだくれ人生この曲は、ビリー・ストレイホーンの作詞、作曲によるものです。クレジットは１９４９年になっていますが、１９３８年に、ストレイホーンがデューク・エリントン楽団のオーデションを受けたとき、この「ラッシュ・ライフ」は、すでに作られていて、エリントンはこの曲を聴いて、彼の才能を確信して雇ったということのようです。それは、ストレイホーンが２３歳の年ですが、メル・トーメが言うには、この曲は、彼が１９歳のときに作った曲だということです。音程が微妙で非常に凝った音作りになっていて、歌詞はそのときに付けられていたのかはわかりませんが、とても１９歳のときに書いたとは思えないほどの内容の曲です。この曲はエリントン楽団ではしばらくは演奏されることがなく、ほおっておかれたようになっていましたが、１９４９年に、ナット・キング・コールがレコーディングしてヒットしました。１９６３年にジョニー・ハートマンがコルトレーンの伴奏で歌って、さらに有名になりました。「Take The "A" Train　（Ａ列車で行こう）」はビリー・ストレイホーンの作詞、作曲によるもので、バンドのテーマ曲ともなり、デューク・エリントン楽団を代表する曲となりましたが、この曲は、１９５７年にエリントン楽団でもレコーディングされましたが、エリントン楽団のレパートリーとしての印象は薄い曲です。しかし、この極めて美しいメロディーは、スタンダード・ナンバーとして多くの人に愛され続けています。この「飲んだくれ人生」というのは私が付けた曲名ですが、原題の「Lush Life（ラッシュ・ライフ）」とは「やけくそで飲んだくれの人生」という意味だからです。「lush」とは、普通は「豪勢、豪華、実りの多い、（草が）青々と茂る」といった意味なのですが、俗語として「やけくそ」とか「飲んだくれ」といった意味があります。好きな女に無視されて、やけくそになって酒におぼれる男の末路を「飲んだくれ人生」と表現しています。「私は、どこかの小さな場末の酒場で、やけくそで飲んだくれの人生を送ろう。同じように寂しい人生を送っている飲んだくれどもと一緒に、そこで酔いつぶれて朽（く）ち果てながら」この曲は「みずみずしい人生」とか「豊かな人生」などという誤った邦題がまかり通っているものです。しかし、歌詞の内容を見れば「みずみずしい人生」になるわけがありません。＊＊＊＊＊●ラッシュ・ライフLush Life作詞：ビリー・ストレイホーン作曲：ビリー・ストレイホーン１９４９年《ヴァース》以前よく私は娼婦のいる飲み屋なんかに行ったものだあるいは、いかがわしいショーを見せるところとかそういうところでは外れかかっていた生活の車輪がもとの軸に収まってジャズとかカクテルによって生きる力を取り戻すことができて、ホッとしたものだった私の知っている女たちは、みんな悲しげで暗く陰気な顔をしていた彼女たちの顔には濃い化粧のあとがはっきりと残っていたがそれは昼間から次々とお客を取っているために落ちてしまったのだということが誰にでもわかるほどだったそこへ君が現れて、私に気が狂わんばかりの誘惑の言葉を言ってきた君の笑顔の中にある影は、私へのかなわぬ恋の悲しさに浸っているからだと最初は私が思い込んでしまったほどだしかし、私は間違っていた、またしても間違っていた《コーラス》毎日の生活はまた孤独なものになったつい去年までは、何もかも確かなものに思えたがまた生活がこんなにすさんでしまったこんなときは多くの人の暖かい気持ちも、ただうんざりするだけだパリで一週間ものんびりすれば、その傷も癒（いえ）ることだろうにだから私は笑顔を作るように心がけているそして君のことを忘れるのさまだ君が私の脳裏に焼きついて燃えている最中に君のことを忘れてやるのさロマンスなんてものは、毎日の生活と格闘しているようなやつらには息も詰まるほど退屈な話だろう私は、どこかの小さな場末の酒場で、やけくそで飲んだくれの人生を送ろう同じように寂しい人生を送っている飲んだくれどもと一緒にそこで酔いつぶれて朽（く）ち果てながら

November 30, 2006

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「四つ」は放送禁止用語？

またまた、かおりんとの話し。いっしょにやっているボーカルのかおりんは、このたび「エフエムしみず」のパーソナリティーを務めることになった。そこで当然ながら、まず始めに「放送禁止用語」なるものを覚えなくてはならない。「放送禁止用語」とは何でしょう。常識の範囲では、人種、身分、職業、障害者、性といった、「差別用語」、「わいせつな言葉」、「汚い言葉」といったように、「差別」「卑猥（ひわい）」といった公序良俗に反するものであるということは知っている。では、具体的にどのような言葉があるのでしょうか。私の家の近くに「くろんぼ」という喫茶店がある。看板には、黒人の子供の絵が書いてあり、店のトレードマークになっている。いつも、かおりんと「これってもろに差別用語だよね、とても放送出来ないね」とはなしていた。それから、もちろん女性器の俗称「まんこ」、「おまんこ」の類はだめに決まっている。「キチガイ」、「こじき」、「百姓」、「女中」、「おし」、「めくら」、「つんぼ」、「かたわ」・・・。この程度ならなんとか常識内で理解できる。かおりんが私にいった。「”四つ”は放送禁止用語なんだって」私は「え～！、ほんとに～」と驚いてしまった。全く意識していなかった言葉が放送禁止用語ということだ。「なんでだ～、だだの数じゃないか～」またまた調べました。そうしたら、あるはあるは「放送禁止用語」これは、そのものズバリの言葉以外にも、その言葉を連想させるようなものまでいかんのだ。これはかなりやばい。これをネタにしたら、一ヶ月くらいでは語れないぐらいにたくさんある。『五体不満足』の著者、乙武洋匡が「アッコにおまかせ！」というテレビ番組にゲストで出演したとき、自分が阪神ファンという話題で「本当、”キチガイ”みたいに」といってしまって、すぐ和田アキ子が、「それ放送禁止用語よ。そういう事も勉強しなさいよ」と和田アキ子にたしなめられたとか、中村勘九郎も紅白の裏話か何かで、誰かが騒いでる様子を「本当気が狂ったみたいにね…」と表現して、例によって和田アキ子がすぐ謝罪したとか。ちょっとテレビを見ていても、ほんとによく謝罪している。ところで「四つ（よつ）」は、なんでだめなのか？これは、実は身分差別の言葉だった。昔、「士・農・工・商・えた非人」という身分制度があったが、「えた非人」はその最下層の身分にあたる「賤民（せんみん）」とされ、厳しく差別されていた。そして、その人々の集落は「被差別部落」として、今なおさまざまな形で差別をこおむっている。被差別部落の人たちは犬狩りや屠殺など四本足の動物を殺す商売をしていた。そのため、「四つ」とは、暗に被差別部落の人たちを揶揄（やゆ）する言葉になっていたそうだ。４本指を示して侮辱（ぶじょく）することも行われていたところから、テレビでは数を数えたりする時に指を４本にすることも禁止だそうだ。漫画や絵なども、手の指を４本に省略して書かないように、「指はちゃんと５本書くこと」とマニュアルに記しているところもあるらしい。知らないことは本当にたくさんあるものだ。このことを調べていたら、おもしろくて一日費やしてしまった。「ちあきなおみ」の「四つのお願い」という曲は放送禁止。こんな話を聞いたあと、テレビを見ていたら「みのもんた」が、「四つです、四つあるんです。ちあきなおみの四つのお願い～。”四つのお願い聞いて～♪”」と「四つ」を連呼して「四つのお願い」の歌まで歌っていた。

April 6, 2005

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我が心のジェシー　Jesse

『Jesse』（ジェシー）【我が心のジェシー】私の好きな曲に「ジェシー（Jesse）」という曲があります。この曲は、シンガー・ソング・ライターのジャニス・イアンが１９７１年に書き上げたもので、ロバータ・フラックがカヴァーしたものが、１９７３年１０月２７日に全米チャートの３０位になりました。ローバー・フラックのものは、１９７３年８月にリリースされたアルバム『やさしく歌って（Killing Me Softly）』の中に収められました。ジャニス・イアン自身のアルバムでは、１９７４年２月にリリースされた『スターズ～ジャニスの私小説（Stars）』の中に収められました。ジャニスのアルバム・タイトルの「スターズ（Stars）」という曲は、１９７１年のある日、ドン・マクリーンの「ヴィンセント」という曲を始めて聴いたジャニスが、その夜のうちに一晩で書き上げたと言いますが、「ジェシー」は、ジャニスが１９６４年に、あるベトナムの退役軍人の哀歌として書き始めた曲で、完成までに７年もの歳月がかかったものだそうです。ジャニス・イアンは、１９５１年５月７日に、ジャニス・エディ・フィンクとして、アメリカ、ニューヨーク・シティーに生まれますが、育ったのはニュージャージー州南部の農場地帯でした。父親は養鶏業者で、母親は音楽教師で、二人とも音楽に対して造詣（ぞうけい）が深かったため、ジャニスは幼い頃からクラシック、フォーク、ジャズといったあらゆる音楽に囲まれて育ちました。２歳からピアノを弾き始め、１０歳になるとギターもマスターし、１２歳で曲を書き始めたと言います。日本でよく知られている彼女の曲は、１９７６年の「恋は盲目（Love Is Blind）」で、TBS系のテレビドラマ「グッドバイ・ママ」のテーマ曲に使われ、ヒット・チャートのトップに半年間もとどまり続けるという、とんでもない記録を作りました。彼女が幼い頃に影響を受けたアーティストとして、エディット・ピアフ、ビリー・ホリデイなどの名前を挙げています。この曲は、三拍子のしっとりした、心にしみ入るような、いい曲です。＊＊＊＊＊●ジェシーJesse【我が心のジェシー】作詞・作曲：ジャニス・イアン（Janis Ian）１９７１年ジェシー、帰ってきてあなたと眠ったベッドにはぽっかりと穴があいている寒さが厳しくなっていくわねえ、ジェシー二人をあたためた暖炉にかかるあなたの顔が私の心から消えないの階段の灯りは消さないでいるわ怖いからではないの、あなたを待っているのよジェシー、寂しいの、どうか帰ってきてちょうだいジェシー、この床も食卓もあなたの足音を覚えているそして、私も忘れられない写真はすっかり色あせてしまったけれど今もお昼になればあなたのお皿を用意してしまうの階段の灯りは消さないでいるわ怖いからではないの、あなたを待っているのよジェシー、寂しいの、どうか帰ってきてちょうだいジェシー、ベッドカバーもあなたが行ってしまったあの日のままよあなたのために、そのままにしてあるの憂うつも、青い木の葉もすっかり消えてしまったわ何もかも新鮮に見えるのねえ、ジェシー、あなたと私もよいつかきっと二人で階段の灯りを消すのこの髪を結い知らないあいだに眠りに落ちるわジェシー、寂しいの、どうか帰ってきてちょうだい

April 5, 2006

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●アーヴィング・バーリン誕生　１８８８年５月１１日　

ジャズ・スタンダード・ナンバーの創始者アーヴィング・バーリンは、アメリカのポピュラー音楽を作った創始者的な作詞、作曲家。彼が作った曲の多くが当時誕生したばかりのジャズという音楽を演奏するミュージシャンに取り上げられ、現在に至るまでジャズ・スタンダード・ナンバーとして愛され続けており、ジャズ・シーンに与えた影響は計りきれないほど大きいものです。今日は、アメリカの偉大なポピュラー音楽の作詞、作曲家であり、スタンダード・ナンバーの父、アーヴィング・バーリンの生誕１１９年になります。彼は、アメリカのポピュラー音楽の創始者で、ミュージカルや映画音楽の作詞、作曲家として、最も重要な人物の一人です。彼の書いた曲の数々は、ジャズのスタンダード・ナンバーとして親しまれています。●アーヴィング・バーリン、アービング・バーリン（Irving Berlin）本名：イズラエル・バリン（Israel Baline）１８８８年５月１１日、帝政ロシア、モヒレグ生まれ。１９８９年９月２２日、アメリカ、ニューヨークで１０１歳で死去。----------アメリカン・ポピュラー・ソングを考えるとき、やはり、真っ先に名前をあげなくてはならないのがアーヴィング・バーリンでしょう。アメリカン・ポピュラー・ソングはジャズの原点でもあり、そのアメリカン・ポピュラー・ミュージックの創始者であるアーヴィング・バーリンは、アメリカのポピュラー音楽史上、最も重要な作曲家ということになります。アメリカでは、アーヴィング・バーリンの名前を知らない人は、おそらくいないでしょう。それは、アメリカの第二の国歌と言われている「God Bless America（ゴッド・ブレス・アメリカ）」の作曲者であるからです。しかし、日本ではアーヴィング・バーリンの名前は、コール・ポーターなどから比べると、かなりなじみの薄いものだと言えるでしょう。とは言っても、日本でも彼の曲を聴いたことがないという人は一人もいないと言ってもいいでしょう。それは、彼の作った「White Christmas（ホワイト・クリスマス）」は誰でも知っているはずです。彼の曲には、古き良きアメリカの文化が詰まっており、アーヴィング・バーリン＝アメリカそのものなのです。アメリカのポピュラー音楽を理解し、語る上では彼の音楽は絶対に避けて通ることはできないものです。バーリンとその曲を解釈するということは、２０世紀初頭のアメリカを理解するということでもあり、はば広い文化的視点も要求されることになります。したがって、彼の曲の歌詞を解釈し、メロディーを歌ってみると、そのころのアメリカを感じとることができます。そういう意味から、アーヴィング・バーリンは、アメリカを代表する作曲家だと言えるでしょう。----------アーヴィング・バーリンは、本名をイズラエル・バリン（Israel Baline）といい、１８８８年５月１１日、ロシア系ユダヤ人のモウゼスとリーアの８人兄弟の末っ子として、帝政ロシアのモヒレグで生まれます。１８９３年、イズラエルが５歳のとき、両親と８人の兄弟の一家で、アメリカのニューヨークに移民してきました。一家は、ロシア人やポーランド人の移民が多く住むマンハッタンのロウワー・イーストサイドで生活を始めますが、父親は移住から４年目に亡くなり、イズラエルの兄たちが家計を支えることになりました。イズラエルも新聞配達や雑用を引き受けては家計を助けるようになりました。父親はユダヤ教会で歌を歌う朗詠（ろうえい）者で、イズラエルも父親と一緒に教会でよく歌っており、歌が好きな子供でした。イズラエルは、１６歳になるとバワリーにある酒場の歌うウエイターになり、客のリクエストに応えて歌ったり、酒を運んだり、即興で歌を作ったりしていました。このころに「Marie From Sunny Italy」という曲を始めて出版しますが、作曲は店のピアニストのニック・ニコルソンで、作詞がイズラエルでした。この楽譜には、本名の「Baline（バリン）」が、ミス・プリントで「 I.Berlin（バーリン）」と印刷されたと言われていますが、このときに改名したとも言います。その後、１９０９年にティンパンアレーのテッド・スナイダー・パブリッシング・カンパニーに曲を持ち込み、作詞家として契約をしますが、その時、イズラエルはファーストネームをアメリカ的な響きのする「アーヴィング」に変え、「Irving Berlin（アーヴィング・バーリン）」という名前でサインをしました。そして、ティンパンアレーでソング・プラッガーをしたり、ヴォードヴィルに出演したりしながら、作詞だけでなく作曲も手がけるようになりました。１９１１年に、彼が作詞作曲した「Alexander's Ragtime Band（アレキサンダーズ・ラグタイム・バンド）」という曲が、爆発的に大ヒットし、バーリンの名前は一気に有名になりました。この曲は、それまでのヨーロッパ的な音楽であったアメリカのポピュラー音楽から、真の「アメリカのポピュラー音楽」というものになった初めてのものと言われています。アメリカ中の若者たちが「カモナ・ヒヤー、カモナ・ヒヤー」とこの曲を歌い、それが社会現象になり、ある意味では風俗に大きな影響を与えるくらいのものになりました。ちょうどこのころ、１９００年初頭は、ニューオリンズではジャズの誕生の動きが出てきていました。その後、バーリンは１９６０年代まで、作詞、作曲家としてミュージカルや映画のために曲を作り、その数は１５００曲を越すと言われ、多作でも有名です。その間に、第二のアメリカ国歌と言わるようになった「God Bless America（ゴッド・ブレス・アメリカ）」や、「White Christmas（ホワイト・クリスマス）」など、多くのヒット曲を生み、アメリカン・ポピュラー・ミュージックを作り上げた国民的な作曲家として知られるようになりました。アーヴィング・バーリンは１０１歳まで長生きをし、１９８９年９月２２日、ニューヨークで安らかに息をひきとりました。----------アーヴィング・バーリンは、やはり非凡な才能の持ち主であったのでしょう。彼は正式に音楽教育を受けたことはなく、楽譜は書くことも読むこともできませんでした。また、彼の弾くピアノはひどいものだったらしく、キー（調）は「Ｆ♯」でしか弾けなかったと言います。要するに、ピアノの黒鍵でしか弾けない「猫踏んじゃった」状態であったようです。しかし、彼のイメージの中では、だれにも考えられないようなサウンドが響いていたということです。彼の作曲方法は口ずさんだメロディーを採譜者に書き取ってもらうか、直接アレンジャーに歌って聴かせるというものだったと言います。また、この時期にちょうど「転調できるピアノ」という、キー（調）をレバー操作によって変えることのできるピアノがあったらしく、彼は、それを使っていろいろなキー（調）に変えてピアノを弾くことができるようになり、そのことが、彼の作曲作業に大いに役立ったようです。ちなみに、この転調できるピアノは、現在は存在していないということです。彼は「黒鍵は手のすぐそばにあるじゃないか、Ｃのキーは音楽を勉強する者のためにあるのさ」と、音楽教育を受けていない自分の弁解とも、音楽教育を受けたものへの嘲笑ともとれるようなことを言っています。そして、「僕は音楽の法則に無知なもので、いつも法則を破ってきたが、結果的にそれが個性的な魅力になったのだ。音楽教育の欠如から、僕の語彙（ごい＝その人が使う語の総量）は限られたものになり、いつも歌詞が単純なものにならざるを得なかったように、ポピュラー・ソングでは、音楽に対する相対的な無知、無理解が有利に働くこともあるのさ」と、音楽教育を受けていないことを一つの資質だと自慢するまでになりました。しかし、このことは彼がそれだけ非凡な人間であったということで、凡人にとっては当てはまるものではないでしょう。＊＊＊＊＊●代表作Alexander's Ragtime Band　(1911)Play A Simple Melody　(1914)　All By Myself　(1921)What'll I Do?　(1924)All Alone　(1924)Remember　(1925)Always　(1925)Blue Skies　(1927)Say It Isn't So　(1932)How Deep Is The Ocean? (How High Is The Sky?)　(1932)　 Easter Parade　(1933)Cheek To Cheek　(1935)Let's Face The Music And Dance　(1936) God Bless America　(1939)White Christmas　(1942)They Say It's Wonderful　(1946)There's No Business Like Show Business　(1946)It's A Lovely Day Today　(1950)【ジャズ】人気blogランキングへ

May 11, 2007

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Oh,Lady, Be Good

『Oh,Lady, Be Good』（オー・レディー、ビー・グッド）この曲は１９２４年末のミュージカル「レディー・ビー・グッド」のために、ジョージ・ガーシュウィンが作曲し、兄のアイラ・ガーシュウィンが作詞したものです。ミュージカルの名前は「レディー・ビー・グッド」ですが、この曲名は「オー」が付いて、「オー・レディー、ビー・グッド」となっています。このミュージカルは３３０回続演される大ヒットとなったので、主演の弟のフレッド・アステアと姉のアデール・アステアのアステア姉弟は、ダンサーとしての名声を確立しましたが、ガーシュウィンもジョージとアイラの兄弟が始めて一緒に仕事をしたものだったため、すばらしい作曲家と作詞家のコンビが誕生したという評判を得ました。このショーの音楽は、始めはジョージ・ガーシュウィンを予定していなかったのですが、新しさを吹き込むという意味で、ジョージ・ガーシュウィンに依頼することになりました。そのときジョージは、「現代的な音楽を付けて、まったく新しいミュージカルにしたいが、いい作詞家が見つからない」と父親に話しをしたところ、「アイラとやってみたらどうだ？」と言われて、このコンビが誕生したのだと言います。アイラはそれまでも作詞家として仕事をしていましたが、弟のジョージが有名になってしまったため、その名声にたよった形になるのがいやだったので一緒に仕事をしていませんでしたが、このころにはアイラも名の通った作詞家になってきていたということも、このコンビが実現した要因となったようです。これ以降、ジョージとアイラは一緒に曲を作ることになります。このころのミュージカルは格調の高い音楽や詩を取り入れたヨーロッパ的なものが多い中で、この台本はかなりコミカルで、一見バカげているように思われたそうですが、フレッド・アステアはこの「オー・レディー、ビー・グッド」を聴いて単なるドタバタ喜劇でない新しさに気付き出演する決心をしたというほど斬新なものだったそうです。それほど、この曲がショーの核心をついていたのか、台本を書いたガイ・ボルトンとフレッド・トンプソンの二人も、この曲を聴いて考え直し、当初違うものに決まっていたショーの題名自体を曲名の方から取って「レディー・ビー・グッド」に変更したそうです。普通、ショーの題名から取って主題曲を作るものですが、こういう逆の現象はまったく異例なことでした。＊＊＊＊＊●オー・レディー、ビー・グッドOh,Lady, Be Good作詞：アイラ・ガーシュウィン作曲：ジョージ・ガーシュウィン１９２４年《ヴァース》僕の悲しい話を聞いてくれよひどく悲しい話だけれど本当のことなんだ一張羅（いっちょうら）できめたっていうのに行くとこはなくいつも夜になるとひどく落ち込むんだ陽気なことを見つけなければね、お嬢さんこのままではいられないよ君のような女性といられたらきっと心に花が咲くはずさ、だから・・・《コーラス》ああ、愛らしいお嬢さん、やさしくしてくれないかい？ああ、お嬢さん、やさしくしておくれ僕はひどく誤解されているからだから、お嬢さん、やさしくしてくれないかい？ああ、お願いだから哀れんでおくれ僕はこの大きな街で、ひとりぼっちなんだ森の中におきざりにされた孤独なやつさああ、お嬢さん、だから僕にやさしくしておくれ

July 13, 2005

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My Man's Gone Now　うちの人は逝ってしまった

『My Man's Gone Now』（マイ・マンズ・ゴーン・ナウ）うちの人は逝（い）ってしまったジョージ・ガーシュウィンが１９３５年に書いたフォーク・オペラ「ポーギーとベス」の中の曲です。作詞は原作の小説「ポーギー」の作者のデュボース・ヘイワードです。オペラ「ポーギーとベス」の冒頭は赤ん坊を寝かしつける子守唄「サマータイム」が歌われますが、その静けさはさいころ賭博のいさかいによって破られ、けんかが始まり、セリーナの夫ロビンズはクラウンに殺されてしまいます。セリーナは悲しみにうちひしがれて、これを歌います。＊＊＊＊＊●マイ・マンズ・ゴーン・ナウMy Man's Gone Nowうちの人は逝ってしまった作詞：デュボース・ヘイワード作曲：ジョージ・ガーシュウィン１９３５年うちの人は逝ってしまった、もう耳をすましても仕方がないわあの人が階段を昇ってくる疲れた足取りはもう聞こえないああ、ああ！悲しみのやつがやってきて、あたしにつきまとう祈っているあいだも、あたしの耳元でささやくのよああ、ああ！働くのがイヤだって言ってるわけじゃない仕事とあたしは一緒に旅してるようなものだから一緒に約束の地にたどり着くまではでも悲しみのやつがいつも一緒についてきて「おめえも老け込んだな」と言うのよ、あの人を亡くしたからね「あいつは亭主を亡くしたからな」、そう、あたしは夫を亡くしたのよああ、ああ！悲しみのやつが暖炉のそばに座っているよそして一晩中ずっとベッドのなかのあたしのそばに横になって朝も昼も夜も、あたしに同じことを言い続けるのさあの人が死んじまったから、もうあたしは独りぼっちだってああ、うちの人は逝ってしまったああ、ああ！

July 24, 2005

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All The Things You Are　君は我がすべて

『All The Things You Are』（オール・ザ・シングス・ユー・アー）君は我がすべてこれは、私が最も好きなスタンダード・ナンバーです。スタンダード・ナンバーで好きなものを一曲選ぶとしたら、この曲になります。美しいメロディーと美しいコード進行と美しい歌詞、どれもが完璧な美しさです。ジェローム・カーン作曲、オスカー・ハマースタイン二世の作詞で、１９３９年のミュージカル「ヴェリー・ウォーム・フォー・メイ（五月にしては暑すぎる）」のために書いた曲です。カーンとハマースタインのコンビは、１９２７年のミュージカル「ショーボート」の大ヒットで確固たる名声を得ました。しかし、このミュージカル「ヴェリー・ウォーム・フォー・メイ」は、わずか５９回で終るという大失敗となりました。ミュージカルの祖と称される大作曲家のジェローム・カーンは、この失敗のためにブロードウェイを去ることとなりました。オスカー・ハマースタインも同様に、これで彼の作詞家人生は終ったと評されました。このミュージカルはあまりの失敗作ゆえに、記されているものはほとんどないようなので、どんなものだったのか今となっては調べることは困難ですが、当時のブロードウェイ・ミュージカルには受け入れられない難解さがあったのではないかと思います。この曲を見ると、そのミュージカルの内容が伺われるかのように、何もかもが実に難解なものとなっています。しかし、この曲はジャズの曲として知らない人がいないくらいの、代表的な大スタンダード・ナンバーになりました。ただ、インスト（演奏）のものがほとんどで、それもかなり速いテンポで演奏されますが、歌としてはゆったりとしたバラードでしか歌いようのないものです。メロディーとしては音域が広く歌詞も難解のため、おいそれとは歌えない曲と言えるでしょう。ジェーロム・カーン５４歳、オスカー・ハマースタイン二世４４歳のとき、この最低の作品から生まれた曲が、大スタンダード・ナンバーとして６６年の歳月を経た今も輝き続けるということになりました。大ヒットしたからといって必ずしもスタンダード・ナンバーとして残るとは限りません。ところが、このように当時全く評価もされなかったものが大スタンダード・ナンバーとなることもあるという、何とも不思議な話です。このオスカー・ハマースタイン二世の詞には、あまりにも比喩的で意味が広い表現の言葉が多いので、直訳するとわけがわからないものになってしまい、解釈も多様なために、どういう訳をするかは歌う人の解釈のしかたによって変わってきます。実に難解と言える曲ですが、言い換えれば歌い手、あるいは聴き手ががそれぞれの感覚で、自分に当てはめて解釈することができるという自由度があり、人それぞれ、自分の思いを歌に重ね合わせて共感できるという魅力がある曲だと言えるでしょう。「君は星を明るくする天使の輝きのようだ。君がいるということは僕にとって一番大切なことなんだ」「いつの日か、君をこの腕に抱く日が来て、君のすべてが僕のものになったとき、僕にとって、それは至福のときだと感じることだろう」私はこの曲に、春の訪れとともにやってきた恋の始まりの予感に夢を描くという、春と恋の訪れに胸をときめかせる、甘酸っぱいういういしさを感じます。オスカー・ハマースタイン二世は、どういうつもりでこの詞を書いたかは本人にしかわかりませんが、春を恋の始まりにたとえ、やがて春は終わり夏が来て、秋が来て冬が来るといった、恋の始まりと季節の移り変わりを比喩しているようにも思えます。＊＊＊＊＊●オール・ザ・シングス・ユー・アーAll The Things You Are邦題：君は我がすべて作詞：オスカー・ハマースタイン二世作曲：ジェローム・カーン１９３９年君は、希望に満ちた春の訪れを知らせるキスのようなもの寂しい冬が、どんなに長く感じられたことか君は、息を止まらせるほどの夕闇の静けさだ恋の歌が始まろうとする予感の、かすかな振るえを感じる君は、星を明るくする天使の輝きのようだ君がいるということは、僕にとって一番大切なことなんだいつの日か、君をこの腕に抱く日が来るだろうそして、君のすべてが僕のものになったとき、僕にとって、それは至福のときだと感じることだろう

July 31, 2005

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A Night At Birdland Vol.1 / Art Blakey

バードランドの夜 Vol.1 / アート・ブレイキー A Night At Birdland Vol.1 / Art Blakey録音日：１９５４年２月２１日Blue Note [personnel]クリフォード・ブラウン(tp)ルー・ドナルドソン(ts)ホレス・シルヴァー(p) カーリー・ラッセル(b)アート・ブレイキー(ds)[収録曲]１．イントロダクション・バイ・ピー・ウィー・マーケット　Introduction By Pee Wee Marquette ２．スプリット・キック　Split Kick ３．ワンス・イン・ア・ホワイル　Once In A While ４．クイックシルヴァー　Quicksilver ５．チュニジアの夜　Night In Tunisia ６．メイリー　Mayreh ----------ビバップからハードバップへ。このアルバムは、５０年以上も前の１９５４年のライヴ録音。モダン・ジャズの神様、チャーリー・パーカーの愛称「バード」から名付けられた、世界的に有名なジャズ・クラブ『バードランド』で繰り広げられた、アート・ブレイキー・クインテットのクライマックス連続のエキサイティングなライヴを収録したもの。この演奏は、「ハードバップの誕生」は１９５４年とされるゆえんとなったもので、ハードバップ誕生のまさに歴史的な瞬間を劇的にとらえた、ジャズ史上最重要アルバムの一つ。この日、フロント・ラインのニュー・スターを全面的にフィーチュアしていて、若き天才トランペッター、クリフォード・ブラウンのニューヨーク・デビューの輝かしい演奏が聴ける。これは、「ジャズとはなにか？」というものを示しているアルバムだと言えるかもしれない。ジャズを知るのに理屈や知識は必要ない。ただ聴いて「すばらしい！」と感じるかどうかだけだ。そこにはマニアも初心者もない。初めてこのアルバムを聴いて、もし「何も感じない」というようだったら、その人の人生にジャズは必要ないと言ってもいいだろう。１曲目は「イントロダクション・バイ・ピー・ウィー・マーケット」となっているが、これはバードランドの専属司会者ピー・ウィー・マーケットのアナウンスになっている。　ピー・ウィー・マーケットは、身長１２０センチ、かん高い声でバンドの紹介をする名物司会者で、ミュージシャンの名前をわざと間違えってアナウンスして、正確に紹介してもらいたいミュージシャンからチップをせしめていたという。ちなみに、このアルバムでピー・ウィー・マーケットはクリフォード・ブラウンのみ「ニュー・トランペット・センセーション！」と大賛辞をそえて紹介しているが、チップがはずんでいたのかどうかは定かでない。このアルバムに収められている５曲のうち、３曲がピアニスト、ホレス・シルヴァーの作曲によるもの。最後にバードランドのテーマ曲である「バードランドの子守唄」が短く演奏され、『バードランドの夜』は終る。この『バードランドの夜』のことについて、アート・ブレイキーは、次のように語っている。「クリフォード・ブラウンを私に紹介してくれたのはチャーリー・パーカーだった。１９５３年の終わりごろ、フィラデルフィアで演奏する仕事があり、パーカーに向こうにはだれかいいミュージシャンはいるかい？と聞いたところ、クリフォード・ブラウンという素晴らしいミュージシャンがいるから、トランペット奏者はニューヨークから連れていく必要はないよ・・・と教えられたんだ。クリフォードと初めて出会ったのはフィラデルフィアのクラブ『ブルーノート』でだった。パーカーが言ったとおり、素晴らしいミュージシャンだった。まるで天才ファッツ・ナヴァロの再来！という感じだった。それで、私はそのままクリフォードをニューヨークに引っ張り出すことにした。『バードランド』に出演する予定があったからだ。そのころピアノのホレス・シルヴァーやアルト・サックスのルー・ドナルドソンたちとは家族のような親密な間柄だった。それにベースのカーリー・ラッセルを加えてクインテットを結成して、『バードランド』に出演することになった。ブルーノートが録音した『バードランド』の夜は超満員だった。客席にはディジー・ガレスピーも聴きに来てくれたし、昔から仲間だった歌手のビリー・エクスタインやドラマーのバディ・リッチも来てくれた。クリフォードはジャズ界の注目を集め始めていたから、みんな期待していたんだ。クリフォードの演奏はセンセイションを巻き起こした。食べ物を口に運んでいたお客がクリフォードがトランペットを吹き出したとたん、電気に打たれたようになって、口をあんぐりと開けたままの状態になったんだ。中にはフォークを床に落としてしまった客までいた。・・・ステージは白熱した。ホレスもルーもクリフォードも名演奏を繰り広げたからね。私にとっても生涯忘れられないステージになったんだ。クリフォードはその直後にマックス・ローチとクインテットを結成することになるんだが、彼が一緒にやってくれたことに、今は感謝しているんだ。『バードランドの夜』というアルバムは、それがきっかけでジャズ・メッセンジャーズの誕生につながったんだ。そのときはジャズ・メッセンジャーズとは言わなかったけれど、まさに発火点だったんだ。このときの「チュジニアの夜」の演奏パターンは歴代ジャズ・メッセンジャーズの演奏のモデルになったんだよ。」この熱い演奏は、黒人の生んだジャズを継承したもので、それはハードバップと呼ばれることになり、アートブレイキーが翌年１９５５年に結成するザ・ジャズ・メッセンジャーズの原点になった。ジャズという音楽のすべての本質、要素がここにつまっていて、ただただ感激するのみだ。そして、「ジャズってすばらしい！」と実感できるアルバムの一つであることは間違いない。

September 7, 2006

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Possibilities / Herbie Hancock　スーパー・コラボレーション

ポシビリティーズ / ハービー・ハンコックPossibilities / Herbie Hancock 発売日：２００５年８月３０日（日本盤：２００５年９月２８日）レーベル：Warner[収録曲]１．Stitched Up (featuring John Mayer) スティッチト・アップ（ジョン・メイヤー）２．Safiatou (featuring Santana, Angelique Kidjo) サフィアトゥ（サンタナ＆アンジェリーク・キジョー）３．A Song For You (featuring Christina Aguilera) ソング・フォー・ユー（クリスティーナ・アギレラ）４．I Do It For Your Love (featuring Paul Simon) きみの愛のために（ポール・サイモン）５．Hush,Hush,Hush (featuring Annie Lennox) ハッシュ・ハッシュ・ハッシュ（アニー・レノックス）６．Sister Moon (featuring Sting) シスター・ムーン（スティング）７．When Love Comes To Town (featuring Jonny Lang, Joss Stone) ラヴ・カムズ・トゥ・タウン（ジョニー・ラング＆ジョス・ストーン（U2））８．Don't Explain (featuring Damien Rice, Lisa Hannigan) ドント・エクスプレイン（ダミアン・ライス＆リサ・ハニガン）９．I Just Call To Say I Love You (featuring Raul Midon) 心の愛（ラウル・ミドン）１０．Gelo Na Montana (featuring Trey Anastasio) ジェロ・ノ・モンタナ（トレイ・アナスタシオ）[Personel]Herbie Hancock(p,key)John Mayer(vo,gt)Carlos Santana(gt)Angelique Kidjo(vo)Christina Aguilera(vo)Paul Simon(vo,gt)Annie Lennox(vo)Sting(vo)Jonny Lang(vo,gt)Joss Stone(vo)Damien Rice(vo)Lisa Hannigan(vo)Raul Midon(vo,gt)Trey Anastasio(vo)Jennifer Hartswick(vo)Michael Bearden(key)Chester Thompson(org)Greg Phillinganes(key)Tony Remy(gt)Lionel Loueke(gt)James Harrah(gt)Willie Weeks(bs)Benny Rietveld(bs)Nathan East(bs)Pino Paladino(bs)Steve Lewinson(bs)John Patitucci(bs)Reggie McBride(bs)Shane Fitzimons(bs)Steve Jordan(ds)Dennis Chembers(ds)Teddy Campbell(ds)Pete Lewinson(ds)John Robinson(ds)Tomo(ds)Raul Rekow(perc)Karl Perazzo(perc)Bashiri Johnson(perc)Cyro Baptista(perc)Jamey Haddad(perc)Gina Gershon(jew's harp)Vyvienne Lang(cello)Stevie Wonder(harm)and others----------現在のジャズ界の最重要人物であるハービー・ハンコックの２００５年の作品です。副題で「スーパー・コラボレーション」という名称にある通り、ハンコックがリスペクトするミュージシャンとのコラボレーション集となっています。ほとんどがジャズ以外のフィールドで活躍している人たちだということは、いかにもハンコックらしいものです。しかも、すべての曲は、いわゆるモダン・ジャズというものではありません。しかし、ハンコックのピアノは完全に「ジャズ的」としか言いようがなく、ジャズがジャンルを超え、深みのあるコンテンポラリーな音楽になっています。サウンド的には、ノラ・ジョーンズ的ポップ・ジャズ、スムーズ・ジャズ路線を、ハンコック流に、さらに洗練させたオトナの音楽と言えるでしょう。アメリカのラジオ・ステーションでは、近年、ニュー・アダルト・コンテンポラリー（NAC）と呼ばれる、現在最先端の音楽を代表するものということです。まったくもって、ハービー・ハンコックは現在最高のクリエイターであることを改めて感じさせるものです。ちなみに、このアルバムはスターバックスでも販売、ＢＧＭで流れていたということらしいです。【ジャズ】人気blogランキングへ

April 27, 2007

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The Fool On The Hill　ザ・フール・オン・ザ・ヒル

【スタンダード・ナンバー】ザ・フール・オン・ザ・ヒルThe Fool On The Hill【邦題：フール・オン・ザ・ヒル】この曲は、ポール・マッカートニーの作品で、テレビ映画『マジカル・ミステリー・ツアー』の挿入歌になりました。イギリスでは、１９６７年１２月８日に、この映画用の新曲だけを２枚組のEPとしてリリースしました。２枚組ながらシングル・チャートに登場し、イギリスの『メロディ・メイカー』誌で１位、『ニュー・ミュージカル・エクスプレス』誌で２位を記録しました。この曲は、アルバムには収録されませんでしたが、この年のアメリカの、キャピトル・レコードによる独自の編集によるアルバム、『マジカル・ミステリー・ツアー』に収録されています。「フール・オン・ザ・ヒル」とは「丘の上の愚か者」という意味ですが、地動説を唱えて処刑されたガリレオ・ガリレイの生き方をヒントに作られました。ポール・マッカートニーらしい哲学的な歌詞です。邦題にはフールの前の「The」が入っていない「フール・オン・ザ・ヒル」となっています。この曲もカヴァー・ヴァージョンの多い曲として知られています。●私がもっているカヴァー・ヴァージョンカウント・ベイシー楽団ヨーロピアン・ジャズ・トリオ（p）トム・スコット（sax）ガボール・ザボ＆リナ・ホーン（g & vo）サラ・ボーン（vo）ダイアン・リーヴス＆ジャヴォン・ジャクソン（vo ）サリナ・ジョーンズ（vo）フォー・トップス（vo）＊＊＊＊＊ザ・フール・オン・ザ・ヒルThe Fool On The Hill【邦題：フール・オン・ザ・ヒル】作詞・作曲：レノン＝マッカートニー１９６７年来る日も来る日も丘の上にひとり薄ら笑いを浮かべた男がじっと動かないでいるしかし、誰一人あいつに近づこうとはしない誰もがあいつはバカ呼ばわりそして、男も返事ひとつしようとしない丘の上の愚か者は沈む夕日を眺めながら大きく開いた心の眼で回る地球を見つめている時には雲の中に頭を隠し男はさまざまな声色を使って大声で喚（わめ）いてみるしかし、誰一人として　男の声もその不思議な音も聞いた者はいないそして、男のほうもまるで無関心のよう丘の上の愚か者は沈む夕日を眺めながら大きく開いた心の眼で回る地球を見つめているあんなバカは好きなようにさせておけとみんながあいつを爪（つま）はじきそして、男のほうも他人に心を開こうとしない丘の上の愚か者は沈む夕日を眺めながら大きく開いた心の眼で回る地球を見つめているあいつは人の言葉などお構いなし彼らのほうこそ愚かだと知っているからみんなに嫌われても平然としている丘の上の愚か者は沈む夕日を眺めながら大きく開いた心の眼で回る地球を見つめている【ジャズ】人気blogランキングへ

March 8, 2008

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「AOR」はアダルトではない

日本には「AOR」という音楽ジャンルがありますが、それは「アダルト・オリエンテッド・ロック（Adult Oriented Rock）」の略だと思っていませんか？確かに、日本では「アダルト・オリエンテッド・ロック」として「大人向けのロック」の意味で使われる場合が多いのですが、それは日本人が勝手に付けた解釈です。本当は「アルバム・オリエンテッド・ロック（Album Oriented Rock）」の略であり、「AOR」のもともとの使われ方は、ピンク・フロイドやイエスなどの、シングルではなくアルバムを重視したスタイルのロックを指す「アルバム・オリエンテッド・ロック」のことを言っているものです。アメリカでは、現在でもこの意味で使われているのです。ちょうどAORという言葉が使われだした１９８０年前後は、プログレッシブ・ロックをアメリカ流にアレンジしたプログレ・ハードと呼ばれるジャンルが出現した時期でもありました。カンサスやボストンといったバンドが代表的なプログレ・ハードですが、アルバム中心主義でありながら聴いていて心地よい落ち着いたサウンドであったため、「大人向けロック」という「Adult Oriented Rock」と解釈されて日本に輸入されたのです。その後、日本ではこの意味での独自の解釈が進み、現在ではボズ・スキャッグスやTOTO、クリストファー・クロスといった大人向けポップ・ロック・アーティストのジャンルとして定着しています。なお、アメリカのビルボード誌では、このジャンルは「AC」＝「アダルト・コンテンポラリー(Adult Contemporary)」と言います。

October 29, 2005

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朝わたしはひとり　I'm Gonna Miss You In The Morning　

●朝わたしはひとりI'm Gonna Miss You In The Morning作詞・作曲：クインシー・ジョーンズ（Quincy Jones）、トム・バーラー（Tom Bahler）、ラルフ・マクドナルド（Ralph MacDonald）１９７８年僕たちはこうして二人とも理由なんてかまっちゃいないこんなにも強い愛が間違っているはずなんてない今二人が一緒にいるとこんなにもうれしいんだから私たちはこうして分かち合う時間がほとんどないじきにあなたは彼女のもとに帰り私は彼のもとへ帰っていくのだから今夜はもっとしっかりだきしめてちょうだい朝になったらあなたが恋しくなるから朝になったらあなたが恋しくなるから朝になったらあなたが恋しくなるからだからあなた今夜は私を愛してちょうだい二人はこうしてあまりの気持ち良さに言葉も出ない時を戻してしまいたい偽りの人生を送っていてもじきにあなたがそばにいなくなれば落ち込むことになるのだから＊＊＊＊＊この曲は、クインシー・ジョーンズ、トム・バーラー、ラルフ・マクドナルドの作品です。クインシー・ジョーンズの１９７８年のアルバム『スタッフ・ライク・ザット（Sounds...And Stuff Like That!!）』に収録されました。そこでは、ルーサー・ヴァンドロスとパティ・オースティンによって歌われています。●スタッフ・ライク・ザット

November 3, 2006

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新宿の女

●藤圭子のデビューの当時の話。■「新宿の女」レコード・デビュー石坂まさをは、安部純子（藤圭子）のための曲を作った。出来上ったばかりの「新宿の女」は、まさに純子の生き様そのものが歌になったようなものだった。端正な顔立ちの１７歳の少女はギターを抱え、思いも寄らぬハスキーで凄味のある声で歌った。「これはスゴイ！」まさに新宿の街の呻きが迫ってくるような「情念」がある。それに「美少女の流し」というキャラクターも新鮮だ。RCAビクターからのレコード・デビューが決まった。となると早急に芸名を決めなければならない。石坂は純子を本格的にプロモートするために「日本音楽放送（有線）」などの資金協力を得て、自ら「藤プロダクション」を設立した。社長は日本音楽放送の工藤宏。そこで工藤の「藤」と、工藤の妹である桂子にちなんで芸名は「藤圭子」に決まった。そして、「これからはテレビを始めとするマスメディア的なイメージ戦略が必要だ。」と考え、石坂とRCAレコードのディレクター榎本は協議を重ねた末、藤圭子の端正な顔立ちのわりに、痩せすぎの体型と大人の歌を歌うには色気が足りないことを補う為に、黒のベルベットのパンタロンスーツと対照的なコントラストの真っ白なギターを持たせて売り出すことにした。キャッチ・フレーズは「演歌の星を背負った宿命の少女」とした。こうして、藤圭子のデビュー曲「新宿の女」の発売日は９月２５日に決まった。それは昭和４４年の夏のこと。■伝説の「新宿２５時間キャンペーン」藤圭子が「新宿の女」でレコード・デビューしたのは昭和４４年（１９６９年）の９月２５日だった。しかし、発売当初は思うように売れなかった。「RCA」は新興のレーベルなので思うような宣伝予算が確保できない。「それなら自分でやるだけさ」ということで伝説の「新宿２５時間キャンペーン」が行われた。藤圭子は元々、この曲の作者である石坂まさおが、自ら発掘してその素質に惚れ込み、プロデュースはもちろん、マネージャー役までかって出て育て上げた歌手。その為に「日本音楽放送（有線）」などの資金協力を得て自前の「藤プロダクション」を設立した。大手のプロダクションでさえも、実績のない、それも無名の新人を売り出すのは至難の業、毎年３００人～５００人がデビューする中で、世間に名前が知られ、活躍が出来るのは５％に満たない世界だ。ましてや藤圭子一人だけの為の新興プロダクション。いくら作詞家として人脈のあった石坂まさおといえど、大きな賭けであったことは間違いない。そこで考えついた売出し作戦が、藤圭子が「流し」をしていた経験を生かしての「新宿２５時間キャンペーン」。つまり、２５時間ぶっ通しで流して歩くという驚くべきキャンペーン計画だった。昭和４４年（１９６９年）１１月８日（土）朝９時「新宿２５時間キャンペーン」は西向天神からスタートした。石坂は事前に各雑誌社、新聞社、テレビ・ラジオ各局に周到に根回しをしていた。ただ流して歩くだけではインパクトは弱いので、メディアを巻き込んでの大々的なキャンペーンにしたかったのだ。スタート地点となった西向天神には、かねてより懇意にしている故林家三平とその一門が駆けつけ、出陣式を行った。（この中に林家ペー・パー子もいた）かくして藤圭子と石坂まさお、それにRCAレコードの担当ディレクター榎本襄と、蒲田の「スター楽器」の従業員、斉藤信之の一行は新宿の雑踏の中に繰り出して行った。新聞２０紙、週刊誌１６誌、ラジオ１３番組、テレビ７番組が後に続く。レコード店から歌声喫茶、美容院にまで飛び込んで歌いまくる。途中、フジテレビ「歌のスターパレード」に出演。夜になると、バー、スナック、酒場などをまわり、午前０時を過ぎる頃にはほとんどネオンも消えていった。さらに深夜になると新宿コマ劇場前の噴水広場で歌った。やがて夜明けが近くなり、人通りも少なくなると、オールナイトの映画館に入り、幕間に歌わせてもらう。夜が明けると２４時間営業の食堂に入って歌う。それにしてもさすがに流しで鍛えたノド、すでに疲労は限界にきていたはずだがまだ声は出ている。石坂まさおは、その凄味さえ感じさせる少女の根性に、今さらながらおどろいたという。翌９日午前１０時、ようやく長かった「新宿２５時間キャンペーン」は終った。密着取材をしたスポニチは、このドキュメントを月曜日の芸能面にぶち抜きで掲載した。タイトルは「流し、２５時間！スターへの一念、このモーレツ少女、新宿族に訴える」というものだった。７０年安保をひかえ、騒然としていた「眠らない街、新宿」の「眠らない美少女、藤圭子」。GSや反戦フォーク全盛の中、演歌の藤圭子は「新宿」の街に溶け込み、彼女がスターへと駆上がる土台となった。

August 13, 2006

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大失敗の「ワイト島ロック・フェスティバル」開催　１９７０年８月２６日

ロックが大ブームになっていった１９６０年代後半には、数多くの巨大な野外ロック・フェスティバルが行われた。有名なものは１９６８年のアメリカで行われた「ウッドストック・フェスティバル」で、３日間で５０万人を動員した。これは「ラブ＆ピース」を合い言葉とする若者たちのメッセージとしてのロックが、その頂点を刻んだ瞬間ということで、伝説化している。しかし、大失敗だったロック・フェスが、イギリス海峡沖の小さな島、ワイト島で１９７０年の今日、行われたものだった。１９７０年で第３回を迎えるワイト島ロック・フェスティバルは、過去最大の６０万人を動員するべく、出演者にはザ・フー、ドアーズ、ELP、ムーディー・ブルース、テン・イヤーズ・アフター、フリー、ボブ・ディラン、ジェスロ・タル、マイルス・デイヴィス、ジミ・ヘンドリックスら、豪華絢爛なアーティストたちが名を連ねた。そして主催者側も、ウッドストックのように愛と平和の一大イベントとするべく、「採算が取れた時点で無料コンサートとする」と宣言し、期待は大いに高まった。ところがフタを開けてみると、やってきた観客たちは金を払わず次々とフェンスを乗り越え、思ったほど費用が回収できない状態になってしまった。そうこうしているうちに、無料コンサートだと思ってやってきた観客たちは、有料と知ったとたん頭にきて暴徒化し、フェンスをなぎ倒し、警備員と小競り合いを繰り返した。さらには、きちんとギャラがもらえるか疑わしい、そんな空気を察知したアーティストが「今すぐギャラを払わなければ演奏せずに帰る」とゴネはじめ、しかもその楽屋裏の事情をステージで暴露するアーティストも出るといった始末。また、ライブの目玉だったドアーズのジム・モリソンとジミ・ヘンドリックスは、まさに死の直前でドラッグでボロボロの状態。もちろんザ・フーやフリー、これがお披露目となったEL&Pのパフォーマンスなど、個々での名演や見どころはあったのに、全体としては完全なる失敗というものになった。結局、根負けした主催者は無料コンサートにすることを宣言。最後にステージに立って挨拶をした主催者は、憔悴（しょうすい）しきった表情で、「みんな、ありがとう。おれはこれで破産だ」。そうつぶやいて大きく両手を広げてピース・サインをしたという。結局、このフェスティバルは、共同幻想としてのロックの終焉と、来るべき商業主義を予感させる、実に苦い後味を残すことになったということです。----------●グリーングラスフェスティバルｉｎ日本平ところで、地元の話題。今日、『第３回　グリーングラスフェスティバルｉｎ日本平』というイベントが、静岡市の日本平ホテル野外庭園（雨天時：館内）で行われるということだ。主催は「グリーングラス実行委員会」。テレビ、ラジオで盛んに告知しているので、テレビを見ていれば必ず目にしていたはずだ。それは、「カントリーからポップス、フォーク、ジャズまで幅広い音楽を、一般アマチュアバンドの演奏でお楽しみください。」というもの。午後１時から８時までは、アマチュア・バンドの演奏で、夜６：３０からはスペシャルライヴとして、ジャズライヴが行われるという。スペシャルライヴは、プロが来ると言っていたので誰が出演するのかと思っていたら、結局ヴォーカリスト＆フリューゲルホーンプレイヤー「TOKU（トク）」と、TOKUのアルバムのレコーディングメンバーのピアニスト小島良喜（こじまよしき）に、ヴォーカルとギターで桑名晴子（くわなはるこ）が出演するということだ。１カ月ほど前までは出演アマチュアバンドを募集していたり、その告知も、テレビ、ラジオで毎日必ず見聞きするほどのもの。広告料だけでも普通ならものすごい金額になるはずなのに、「入場は無料なので、ご家族そろっておいでください」という。これだけの企画が無料だとは、どこから金がでているんだろうか？今回は第３回で、これからも秋、冬と、季節ごとにやることが決まっているというが、実に不思議でしかたがない。

August 26, 2006

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Fascinating Rhythm　魅惑のリズム

『Fascinating Rhythm』（ファシネイティング・リズム）　魅惑のリズムこの曲も１９２４年末のミュージカル「レディー・ビー・グッド」のために、ジョージ・ガーシュウィンが作曲し、兄のアイラ・ガーシュウィンが作詞したものです。このミュージカルの中で、フレッド・アステア、アデール・アステアとクリフ・エドワードが歌いヒットしました。ミュージカル「レディー・ビー・グッド」の中でこの曲が始まると、観客は拍手喝さいになったと言います。このミュージカルの成功で、ガーシュウィン兄弟のコンビは有名になり、また、アステア姉弟を一挙に有名にすることにもなりました。この曲は、変拍子のように思わせるユニークなリズムのメロディーからできていますが、アイラはそれに、その内容のとおり「魅惑のリズム」という意味の題名をつけました。この曲のメロディーはとても斬新なものでした。ジョージが先に器楽曲のようなメロディーを作ってしまったので、アイラはこれに歌詞をつけるには至難の業であったであろうと言われていますが、何の不自然さもなくみごとに仕上がっています。しかも、非常にジャズ的なエッセンスに満ちているので、多くのジャズ・ミュージシャンたちに愛されてきました。メロディーに遊び心があるため、実際に変拍子を入れて演奏されることもあります。それにしても、今から８０年余り前の１９２４年、日本では大正の時代に、ガーシュウイン兄弟はエンターテイメントの場にこのような曲を提供し、また、それが大衆に受け入れられたということはすごいことだと感じてしまいます。＊＊＊＊＊●ファシネイティング・リズム Fascinating Rhythm邦題：魅惑のリズム作詞：アイラ・ガーシュウィン作曲：ジョージ・ガーシュウィン１９２４年私を魅了するリズム、あなたは私を休ませてはくれない！私を魅了するリズム、あなたのせいで私は震えっぱなしよあなたは、なんて騒ぎをおこすの？、近所の人はみんな知りたがっているわなぜ私が安物の車のように、いつもガタガタしているのかってね毎朝太陽とともに目をさますけれど夜になって気が付くと、なんにも仕事をしていないの以前はべつに気にならなかったけれども、最近のあなたはひどいわよあなたがパタパタと動き始めると、私は最低の気分よ一日くらい休みをとったらどうなの？もういいかげん消えてちょうだいどこか遠くへねえ、ほらさっさとしてよああ以前の私に戻れたらどんなにいいことか私を魅了するリズムよ、お願いだから私につきまとって悩ますのはやめくれない？

July 14, 2005

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Here Comes The Sun　ヒア・カムズ・ザ・サン

【スタンダード・ナンバー】ヒア・カムズ・ザ・サンHere Comes The Sunこの曲は、ジョージ・ハリスンの作詞・作曲によるアコースティック・バラードで、１９６９年９月２６日に発表されたザ・ビートルズのアルバム、『アビイ・ロード』のＢ面の１曲目に収録されました。「ホワイル・マイ・ギター・ジェントリー・ウィープス」やこの曲と同じくアルバム『アビイ・ロード』に収録されている「サムシング」と並ぶ、ジョージ・ハリスンの代表的傑作ナンバーになりました。ジョージ・ハリスンによると、この曲はアップルでの打ち合わせに疲れていたジョージがそこを抜け出して、親友のエリック・クラプトンの家へ遊びに出掛けた際、その年初めての春らしい日差しを感じていたら、自然に歌詞とメロディー・ラインが生まれて仕上がった曲だといいます。内容は長かった冬に別れを告げ、春がきた事を歓迎するというものですが、この内容が季節感を大事にする日本で大いに受け、１９７０年に日本でのみ「オー！ダーリン」のB面としてシングル・カットされました。ちなみに、この曲にはジョン・レノンは演奏に参加していません。（中間部のハンド・クラップにだけ加わっているといわれています。）なお、日本の幼児番組「ひらけ！ポンキッキ」のBGMに、この曲のメロディーが一部用いられていたことがあります。●私がもっているカヴァー・ヴァージョンジョン・ピザレリ（g & vo）サリナ・ジョーンズ（vo）ジョン・ウィリアムズ（クラシック・ギタリスト）（アルバム『イン・マイ・ライフ / ジョージ・マーティン』より）ジョージ・ベンソン（g & vo）（「I Want You (She’s So Heavy）」とメドレー）＊＊＊＊＊ヒア・カムズ・ザ・サンHere Comes The Sun作詞・作曲：ジョージ・ハリスン１９６９年ほら　陽が明るい陽が差し込んできたこれで、もう大丈夫さかわいい女（リトル・ダーリン）寒くてさみしい長い冬だったねかわいい女まるで何年も太陽を忘れていたような気がするほら、陽が差し込んできたこれで、もう大丈夫さかわいい女人々の顔に笑みが戻ってきたかわいい女ずっと長いこと太陽を忘れていたような気がするほら、陽が差し込んできたこれで、もう大丈夫さ陽がほら、太陽が顔を出した陽がほら、光が差し込んできたほら、陽が戻ってきたかわいい女氷がゆっくりと溶け始めているかわいい女ずっと長いこと太陽を忘れていたような気がするほら、陽が差し込んできたこれで、もう大丈夫さほら、陽が差し込んできたほら、陽が戻ってきたこれで、もう大丈夫さなんて素敵な気分なんだろう・・・【ジャズ】人気blogランキングへ

March 21, 2008

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I Loves You, Porgy　愛するポーギー

『I Loves You, Porgy』（アイ・ラヴズ・ユー、ポーギー）愛するポーギージョージ・ガーシュウィンが１９３５年に書いたフォーク・オペラ「ポーギーとベス」の中の曲です。作詞は兄のアイラ・ガーシュウィンと、原作の小説「ポーギー」の作者のデュボース・ヘイワードです。デュボース・ヘイワードは南部の名門の家柄の出で、大変なインテリだったようです。作家としても、この小説を発表したときは、すでに有名でした。この小説「ポーギー」の主人公のポーギーは、彼がチャールストンでよく知っていた実在の人物をモデルにして書いたもので、その人物の名はサミュエル・スモールズと言い、真っ黒な黒人で、足もポーギーと同じように悪く、小さな箱に車輪をつけてそれに乗り、ヤギ（ゴウトgoat）に引かせて街中を動き回っていたので、みんなから「ゴウト・サミー」と呼ばれていたそうです。サミーは、自分の異様な姿を見て、通行人がいくらかの小銭をほうり投げるのを待ちながら、宇宙の彼方を茫然と見つめる癖があったと言います。サミーは前科があり、そのほとんどは女性に暴行したり強姦したりしたものらしく、そんなことを繰り返しているうちに、チャールストンの沿岸の孤島で水死体になって発見されたそうです。ヘイワードは子供の頃、小児麻痺にかかって少しびっこをひいていたらしく、そんなところからもサミーへと興味を示し、ポーギーという物語の人物を作りあげていったようです。このオペラ「ポーギーとベス」の中の曲では「サマータイム（Summertime）」、「マイ・マンズ・ゴーン・ナウ（My Man's Gone Now）」、「イット・エイント・ネセサラリー・ソー（It Ain't Necessarily So）」などが有名で、これらは多くの歌手によって歌われていましたが、この「アイ・ラヴズ・ユー、ポーギー（ I Loves You, Porgy）」も多くのジャズ・プレイヤーに取り上げられている曲です。この曲の題名は「I Loves You, Porgy」がオリジナルですが、これは非文法的なので、「I Love You, Porgy」になっていたり、ただ単に「Porgy」となっているものもあります。劇中では、ベスとポーギーのデュエットで、「ポーギー、あなたを愛しているわ。だから私を守ってちょうだい」と歌うバラードです。この歌は、もともとベスとポーギーがかけ合いで歌うようになっているので、スタンダード・ナンバーとして一つの曲として女性歌手が一人で歌う場合は、歌う人の解釈でベスの部分を取り出し、構成して歌っていて、それはそれぞれの歌手によって違っているため、決まった構成の形は特にありません。＊＊＊＊＊●アイ・ラヴズ・ユー、ポーギーI Loves You, Porgy邦題：愛するポーギー作詞：アイラ・ガーシュウィン　　　デュボース・ヘイワード作曲：ジョージ・ガーシュウィン１９３５年《ベス》私はここにいたいけれど、その資格はなさそうねあなたみたいなお上品な人には、私のことなんかわからないでしょあいつの熱い手でしっかり抱きしめられると催眠術にかかったようにあの人の言いなりになってしまうのよ《ベス》いつかきっとあいつはわたしを連れ戻しにくるわそして私を、もてあそぶのよわかっているの、それは死ぬほどつらいことだってでも、あいつが呼びに来たら、私はついて行かないわけにはいかないのよ《ポーギー》もし、クラウンがいなかったら、ベスもし、おまえとポ-ギーだけだったらどうするんだい？《ベス》ポーギー、あなたを愛しているのよ、だから私をあいつに渡さないであいつにもてあそばれて気が狂いそうになるまで、私を放っておかないであなたが私を守ってくれるなら、いつまでもここにいたいのよあなたと一緒なら、いつまでもここにいたいのよ《ポーギー》そうだベス、もう何も怖がることはない！おまえはここで幸せに出会い、悩みはみんな捨てたんだ気ままに豪勢な暮らしをしてやるのさ街中のどの女よりも晴れ晴れとした顔をしてなそれで、いいか、クラウンが来たらすべて俺に任せるんだ《ベス》ポーギー、あなたを愛しているわ、私をあいつに渡さないで《ポーギー》いったい何のために俺がここにいると思ってるだあの飢えた狼みたいなやつに、おまえを渡すわけがないだろう？《ベス》あの熱い手を私にさわらせないようにしてちょうだい《ポーギー》もし、ポーギーと一緒にいたいのならここにいるんだそう、もう家も愛も手に入れたのさ《ベス》あなたが私をここに置いてくれるのなら、ここにいたいわ《ポーギー》そう、だからもう泣くんじゃないよ、わかったかい？そして歌いながら仕事をするんだ《ベス》いつまでも、あなたと一緒に《ポーギー》こうしてポーギーはおまえのものになったんだから《ベス》私はいい人がいるのね《ポーギー》そうさ、おまえのいい人が付いているさ《ベス》あなたを愛しているわ

July 26, 2005

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どうしようもないヒモ男、アルフィー

【バート・バカラックのスタンダード・ナンバー　Ｎｏ．５】アルフィーAlfie【邦題：アルフィー】１９６６年この曲は、バート・バカラックの作曲、ハル・デヴィッドの作詞により、１９６６年に作られた作品で、バカラック＝デヴィッドの作品として、自他共に認める代表作と言っていいでしょう。繊細に紡がれたメロディーと歌詞が印象的な曲です。スパイ映画『ハリー・パーマー』シリーズでも知られる、イギリスを代表する俳優、マイケル・ケインが、どうしようもないヒモ男を演じる１９６６年の映画、『アルフィー』の主題歌として作られました。全編、サックスのソニー・ロリンズがオーケストレイションを従えて吹きまくる、渋いジャズが流れる都会派映画で、ソニー・ロリンズ名義の全く違う曲なのに同名の「アルフィー」という曲も入っています。エンディングで、ビートルズのプロデューサー、ジョージ・マーティンの秘蔵っ子、シラ・ブラックが歌う、この曲「アルフィー」が流れます。ジョージ・マーティンは、バート・バカラックを、アメリカからロンドンに招き、ビートルズが使っていたアビーロード・スタジオでレコーディングが行われました。そして、その、シラ・ブラックが歌ったものは、全英チャート９位を記録しました。アメリカを含むインターナショナルの上映版では、シェールが歌ったものに変えられ、これは、１９６６年７月、全米チャート３２位になりました。翌年１９６７年１１月、ディオンヌ・ワーウィックがカヴァーしたものが、全米チャートの１５位を記録したので、アメリカではディオンヌ・ワーウィックのものが最も知られるものになりました。そして、それは、「世界は愛を求めている（What The World Needs Now Is Love）」に続いて、ベル・サウンド・スタジオが生んだ、もう一つの名曲として記憶されました。１９６８年には、スティーヴィー・ワンダーが、彼の名前を反対から読んだエイヴェッツ・レッドナウの名前で発表した、ハーモニカのインスト盤が、全米チャート６６位のヒットになりました。そのほか、バート・バカラック・オーケストラのもの、バカラック自身が歌ったもの、スイート・インスピレーションズ、デルフォニックス、カーメン・マクレエ、ジャック・ジョーンズ、エヴリシング・バット・ザ・ガール、コニー・フランシス、ヴァネッサ・ウイリアムス、ナンシー・ウイルソン、サラ・ヴォーンなど、多数のものがあります。ジャズ・ピアニストのマッコイ・タイナーは、１９９７年にバート・バカラック作品集、『邦題：アルフィー（What The World Needs Now: The Music Of Burt Bacharach）』を発表し、その中にこの曲「アルフィー」が収録されています。日本では、１９９６年にテレビ・ドラマの主題歌として、ヴァネッサ・ウイリアムスのヴァージョンが使われたため、３０年の時を経て、バカラック・ブームになったのが記憶に新しいものです。バカラックとデヴィッドの作品は、普通、最初にバカラックが作ったメロディーにデヴィッドが歌詞をつけるというものですが、この曲は、めずらしくデヴィッドの歌詞が先だったと言います。後にバカラックはこう語っています。「この曲には長い時間がかかったよ。締め切りを気にしながら、３週間、３週間半と経った。まず、曲の内容をストーリーに合わせる必要があった。デヴィッドが最初に歌詞を書いたんだけど、これは彼の作品の中でも、いや、誰の作品ともくらべても最高の出来だと思うよ。デヴィッドは天才的な作詞家さ。当時よりも今のほうが、彼の歌詞の素晴らしさがより理解できるようになった。あの頃は言葉の実際の意味よりも、どちらかというとその言葉がメロディーにのった時にどう響くかということに興味があったけど、今は歌詞の意味をじっくりとかみしめて聴いているよ。」ハル・デヴィッドは、この曲の作詞について、最初の一行を思いつくまで何日もかかったが、その一行が浮かんだあとは全部仕上げるのに１時間もかからなかったと言います。この曲は、その美しいメロディーと、意味深いすぐれた歌詞から、それこそ多くのアーティストに取り上げられているもので、偉大なスタンダード・ナンバーとして永遠に歌い継がれていくことでしょう。ちなみに、日本のバンド「ジ・アルフィー」のバンド名は、この曲から付けられたものだと言います。＊＊＊＊＊●アルフィーAlfie【邦題：アルフィー】作曲：バート・バカラック　Burt Bacharach作詞：ハル・デヴィッド　Hal David１９６６年いったいどうしたっていうの、アルフィー？私たちはこの瞬間がすべてなのかしら？人生の意味って何かしら？考えても簡単に答えを見つけたられるものじゃないでしょ、アルフィー？私たちはいつも得をするように生きなくちゃいけないのかしらそれとも損をしてでも親切に人を助けなくちゃいけないのかしら？そんな親切に思いやることが愚かなら、アルフィー人に残酷に当たるほうが利口なのかもね力のある人だけが人生をほしいままにするのなら、アルフィー人に親切にしなさいという昔からの神聖な教えはもうどうでもいいのかしら？私は天国があることを信じているわ、アルフィーだけど、それを信じない人でも信じることのできる素晴らしい何かが人生にはあるはずだわ愛よ、私は愛を信じるわ、アルフィー本当の愛がなければ、私たちは、意味もなくこの世に存在しているだけなのよ、アルフィー見失った愛を見つけるまで、あなたは何もないつまらない人間だわ、アルフィーでも、あなたの心が示すままの道に足を踏み出せば愛はすぐに見つけられるものなのよ、アルフィー、アルフィー・・・【ジャズ】人気blogランキングへ

August 20, 2007

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「ユビキタス・ソリューション」って何？

『KDDI株式会社』のウェブサイトを見ていたら、サイトの説明の冒頭に、こんな文章がありました。↓「ユビキタス・ソリューション・カンパニーを目指すKDDI株式会社」自分の会社のことを「ユビキタス・ソリューション・カンパニー」を目指す『KDDI株式会社』と言っていますが、一体どういう意味？こんなことを言われても、カタカナ語ばかりで、わけがわかりませんね。また、もともとが英語だとしても、カタカナ語になった時点で、英語ともまた意味合いが違ってくることもあるので困ったものです。「カンパニー」が会社だということはわかります。●それでは「ユビキタス」とは？「いつでも、どこでも、意識せずに情報通信技術を利用できること」です。もともと、ユビキタス（ubiquitous）は「同時にどこにでも存在する」ことを意味する英語の形容詞です。しかし、日本語では「ユビキタスコンピューティング」の略として登場することが多く、その場合「いつでもどこでも、利用者が意識する事無く、コンピューターやネットワークなどを利用できる状態」を意味することになります。具体的には「カーナビが渋滞状況を把握した上で道案内してくれる」とか、「品物を持ったままコンビニを出ると、自動的に代金が引き落とされる」とか、「自宅に来客があると、携帯電話がそれを知らせてくれる」などの環境がそうです。このような環境を実現した社会を、「ユビキタス社会」などと呼びます。いわゆる、ＩＴ（情報通信技術）の分野でよく言われる言葉ということです。もともとユビキタスは、ラテン語に登場するキリスト教の概念で、「イエス・キリストが、時間や空間を超越して遍在（あらゆるところに存在）すること」を指す概念だということです。ですから、この言葉のもともとの意味は「同時にどこにでも存在する」というよりは、「いつでも、どこでも存在する」という意味だったということになりますインターネット環境やモバイル環境（移動通信環境）が急速に充実した2000年頃からは、この語が「実現可能な概念」として再注目されることになり、現実に使われる言葉になったわけです。●「ソリューション」とは？これは、問題を「解決すること」です。ソリューション（solution）の語源は、動詞の solve で「問題を解決する・解答を出す」などを意味します。したがって、名詞形のソリューションは「解決・解明・解答」などを意味することになります。実際に日本語でこの言葉が登場するのは、主に情報と経営の分野で、その場合「経営上の問題を、情報技術などを用いて解決していくこと」という限定的な意味になり、具体的には、「専門の業者が、顧客の要望に応じてハードウェア・ソフトウェア・人員などを組み合わせてシステムを構築し、これを提供する」というようなことを指します。情報や経営の分野でよく使われる言葉で、主にベンダー（納入業者）や経営コンサルタントなどの業種が、よく用いているようです。会社名で、『丸紅ソリューション』、『日立ビジネスソリューション』などの用例があり、雑誌名で、『日経ソリューションビジネス』（日経ＢＰ社）、『月刊ソリューションＩＴ』（リックグループ）などの用例があります。この言葉が使われだした背景には、情報業界や経営の分野において、解決すべき問題が「複雑化」しているという事情があるようです。情報業界における「複雑化」とは「システム構築の複雑さ」のことを指します。昔、企業に導入されるコンピューターシステムは、特定業者の独自規格によって設計されることが多く、構築や運用などが比較的容易でした。ところがその後、標準仕様でシステムの相互接続性を高めようとする「オープンシステム」の概念が一般化し、この概念が、メーカーやベンダー（納入業者）に「システム構築の複雑さ」という困難をもたらしました。これが、ソリューションという言葉の一般化につながっているということのようです。一方経営分野における「複雑化」とは「ビジネス手法の高度化」を指します。例えば電子商取引、サプライチェーンマネジメント（コンピューターで受発注や社内業務を統合管理する経営手法）、カスタマーリレーションシップマネジメント（コンピューターで顧客の購入履歴・苦情処理などの情報を統合管理する経営手法）といった新しい経営手法が、近年数多く登場しています。このような高度かつ複雑な経営手法を実現するために、ソリューションという言葉が用いられているわけです。そういうことから、「ユビキタス・ソリューション・カンパニー」とは、「いつでも、どこでも、意識せずに情報通信技術（IT）を利用できるシステムを構築し、これを提供する会社」ということを言いたいのでしょう。

March 18, 2006

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ジャズ・ピアニスト＝ビル・エヴァンス【その１】

自己の音楽を確立したピアニスト、ビル・エヴァンス音楽人生の始まりビル・エヴァンス（Bill Evans）は、本名をウイリアム・ジョン・エヴァンス（William John Evans）といい、１９２９年８月１６日に、アメリカのニュージャージー州プレインフィールドというさほど大きくない町で生まれました。家庭は典型的なアメリカの中産階級で、父親は英国のウェールズの出身、母親はアメリカ生まれですが、ロシア移民の娘でした。両親が共に音楽が好きだったこともあって、ジョン（ビル）は２歳年上の兄、ハリー・エヴァンスと共に早くから音楽教育を受けました。「僕の一生を左右したことでは、兄ハリーの演じた役割は大きかった。ピアノの稽古を始めたのは兄が最初で、彼を真似して遊んだことがきっかけで自分も弾くようになった。僕はいつだって兄をいわば崇拝していた。スポーツでも、いつも兄に差をつけられまいとしていた。兄は二つ年上で、スポーツもピアノも得意だった。」この兄は１９７９年に自殺しますが、そのときのジョン（ビル）のショックは計り知れません。ジョン（ビル）は６歳のときからピアノを習い始めますが、家族が第二の楽器を持たせたいということで、翌年からヴァイオリンも習いますが、これは１２歳のときにやめました。ピアノのほうが上達が速く、１０歳のころにはすでにモーツァルトのソナタを弾くまでになったといいます。また、そのころには、地元ニュージャージー州のダンス・バンドでピアニストを務めたりしていたそうです。ビル・エヴァンスは幾度か公（おおやけ）の場で、ジャズ・プレイヤーの自由さを初めて知ったときの喜びの瞬間について話しています。それは、彼が１０代初め、地元のダンス・バンドでピアニストを務めていたときのことです。バンドは「タキシード・ジャンクション」を演奏していました。この曲は、もともとアースキン・ホーキンスによって即興的に演奏されたものですが、その後、その他のスウィング・バンドに採用されて演奏されるようになると、各パートは単純化され、譜面によって封じ込められてしまっていました。「何とはなく、ひらめいてブルース・コードをちょこっとはさんでみたんだね。“タキシード・ジャンクション”はキーが「Ｂフラット」だから、「Ｄフラット」、「Ｄ」、「Ｆ」をバーンとね。（注：Ｄフラットがブルーノートになります）右手で。何とも言えないスリルだった。しっくりきてね、いい感じなんだ。書かれてあったんじゃなく、自分でそうしたんだけれども。誰も考えつかなかった何かを音楽でやるっていう発想自体が、自分に全く新しい世界を開いてくれたんだ。」とエヴァンスは語っています。１９４０年代後半に、当時のアメリカでも最高の音楽教育施設とも言われたという、ニューオリンズのサウス・イースタン・インディアナ・カレッジに入学します。ここでは、クラシックが中心のカリキュラムだったのでしょうが、このときすでにジャズの虜になっていたビルは、周辺のクラブへ出かけて行っては、ジャズのセッションに参加していたそうです。カレッジ卒業後の１９５０年初め、プロとしてバンドのピアニストになりますが、１０カ月ほどで徴兵にとられ１９５１年から兵役につきます。１９５４年、２５歳のときに軍を除隊して両親の家に戻ってきました。このころには、エヴァンスの代表曲の「ワルツ・フォー・デビイ」が作曲されていたと言います。この年、１９５４年のジャズ・シーンは、アート・ブレイキーが「ハードバップの誕生」と言われるジャズ史上最重要アルバムの一つである、『バードランドの夜』というライヴ盤が録音され、マイルス・デイヴィスのハードバップ宣言とも言われるアルバム『ウォーキン』が発表されたりと、ジャズはスウィング期から、チャーリー・パーカーらによるビバッブ期を経て、いよいよハードバップ期という、モダン・ジャズの真っただ中へと入ろうとしつつあるころでした。そんな１９５４年に、エヴァンスはニューヨークに出てきます。最初の演奏場所はダンスのできるクラブかホールで、ジャズとはほど遠いものでしたが、しだいに優秀なジャズ・ピアニストとして知られるようになり、１９５６年に入ってからは、ジョージ・ラッセルなど大物のレコーディングに参加するようになります。そして、その年１９５６年に、エヴァンスにとって初のリーダー・アルバム『ニュー・ジャズ・コンセプションズ』が録音されました。エヴァンス２７歳です。このアルバムには、ビルが２０歳のころに作曲したという「ワルツ・フォー・デビイ」や、生涯に渡って演奏されたロジャース＆ハートの名曲「マイ・ロマンス」という重要なナンバーが収録されています。ビル・エヴァンスはリーダー・アルバムをリリースしたものの、当時は一部の批評家には支持されただけで、ほとんど売れませんでした。そのせいか、エヴァンス自身も、この初リーダー・アルバム『ニュー・ジャズ・コンセプションズ』には自信を持てなかったと言っています。しかし、マイルス・デイヴィスは彼に注目し、自分のグループに誘いました。当時としては黒人のマイルス・グループに白人であるエヴァンスが入ることに対して、抵抗を示すメンバーもいたと言いますが、マイルスは「肌の色がなんだろうと自分は優れたミュージシャンと一緒にプレイしたい」と言い、１９５８年からビル・エヴァンスはマイルス・デイヴィス・グループに参加することになりました。その結果、ジャズ史上に大きな影響を与えた１９５９年のマイルスのアルバム「カインド・オブ・ブルー」という素晴らしい作品が生まれたのでした。１９５８年には、ダウンビート誌の批評家による投票で、ビル・エヴァンスは新人賞を受賞しました。

December 18, 2006

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ジャズの歴史（その６）

●まだジャズという呼び名がなかった初期のジャズアメリカの大作曲家のアーヴィング・バーリンは、１９１１年に「アレキサンダーズ・ラグタイム・バンド」という曲を発表し、一世を風靡するという社会現象にもなるほどの大ヒットになり、彼の出世作になりました。これは現在、真のアメリカン・ポピュラー音楽の第一号と言われているように、ラグタイムは、ポピュラー音楽にまでも大きな影響を及ぼしながら、長きにわたって流行します。ラグタイムはジャズの最も初期の形式と言えるでしょう。それより前のアフロ・アメリカ音楽は、その宗教的、世俗的表現形式の中に、様々な音楽的要素と技法を発展させていましたが、ラグタイムはその２つを見事に結びつけ、アメリカ独自のスタイルを作り上げた、最初のアメリカ音楽です。ラグタイムは、黒人霊歌（ニグロ・スピリチュアル）やワークソングなどの要素を含み、南部の大農園に働く黒人奴隷たちの生活に密着した音楽として発祥し、居酒屋や安酒場、その他の娯楽の場、社交の場で演奏される音楽として、初めて、はっきりした形にまとまったアメリカ音楽になりました。アフリカ人は音楽を生活の中のあらゆる活動、行事の一部として使う伝統をもっていました。例えば仕事をするとき、遊ぶとき、歴史を伝えるとき、人物や事件を伝えるとき、そこに音楽は、なくてはならないものでした。アフリカ人は、この伝統をアメリカの地に持ち込んだのです。貧しい黒人にとっては、一番の楽器は人間の声だったでしょう。そして、手に入るものは、おんぼろのギターやバンジョー、ハーモニカ、軍楽隊が廃棄したトランペット、店においてあるピアノなど、楽器と名が付けば手近にあるものなら何でも使い、もし楽器がなければ手作りで代用品を作ったりしました。そのへんにあるものを、たたいたりもしたものでしょう。ラグタイムは、いわゆる何でも屋で、どんな注文にも対応できる音楽でした。歌手も演奏者も、いろいろなアンサンブルで、人が集まれば何であれラグタイムを演奏したと言います。このシンコペーションの効いた音楽は、たちまち人々の間に広まり、そして、いろいろな行事で演奏されるようになりました。祝日祭日、結婚式、ピクニック、パレードなどはもちろんのこと、葬式にまでラグタイムは使われました。それまでの習慣では、そういう場ではブラスバンドが行進曲やコンサート用の音楽を演奏しましたが、遠い異国に連れて来られたアフリカ人は、ラグタイムを通して、故郷の音楽表現形式を新しい文化的環境に適応させ、再構築を始めたのです。ラグタイムはピアノ音楽だというのが通説ですが、実際のところは、どうもそうではないようです。ラグタイムはピアノ音楽として確立される前から存在し、それを演奏するバンドや歌手がいたと言います。彼らがラグタイムの基礎を作り、そのコンセプトがピアノによる形式に確立されたと言えるでしょう。スコット・ジョップリンはヨーロッパの音楽を研究し、その形式を取り入れてアフロ・アメリカ音楽の作曲をし、楽譜として出版しました。１８９９年に出版した「メイプル・リーフ・ラグ（Maple Leaf Rag）」という曲の楽譜が大ヒットしたため、これがラグタイムの完成形として知れ渡ることになり、ラグタイムはピアノ音楽だということになりました。ラグタイムの初期には大勢のミュージシャンが、巷（ちまた）の盛り場など、それぞれの仕事場で、ラグタイムのスタイルを様々に試み、曲を作り発展させていきました。ニューオリンズには、そうした盛り場が多く、大勢のミュージシャンが集まってきました。ニューオリンズの歓楽街、ストーリーヴィルではそうした黒人による、さまざまなアフロ・アメリカ的音楽が演奏され、発展していき、やがて、コルネット（またはトランペット）、クラリネット、トロンボーンの管楽器に、リズム・セクションはピアノ、バンジョー（またはギター）にベースはチューバ、またはウッドベース、ドラムセットはまだなかった時代なので単体の小太鼓といった編成に定着していきました。ニューオリンズの歓楽街を中心に演奏をしていた、ピアノ奏者のジェリー・ロール・モートンは、ラグタイム・ピアノにブルース・フィーリングを取り入れ、ジャズ的な音楽に発展させました。さらに、１９２０年代後半にはレッド・ホット・ペッパーズというバンドを率いて、そのスタイルをバンド演奏として表現することを行いました。モートンは、ラグタイムにブルースを融合させたことから、後に、「１９０２年に、オレがニューオリンズで初めてジャズを演奏した」と発言して、大きな反発をまねき、物議をかもすことになります。こうして、ニューオリンズでは、黒人ならではの躍動的なリズムや、シンコペーション、ブルースのフィーリング、即興演奏というアドリブ的要素などが混じり合って、初期のニューオリンズの音楽スタイルの基本ができあがりました。代表的なミュージシャンは、コルネット奏者のバディ・ボールデンが活躍し、初代のジャズ王（King of Jazz）と呼ばれています。同じくコルネット奏者のキング・オリヴァーは、ルイ・アームストロングの師として知られています。そして、１９２０年代になると、のちにジャズのアイドル的大スターとなる、トランペット奏者のルイ・アームストロングがでてきます。しかし、１９１０年ごろは、まだジャズという呼び名はありませんから、当時、この音楽はジャズとは呼ばれていませんでした。

February 2, 2007

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All The Things You Are

「一生懸命」は間違いだった

Guess I'll Hang My Tears Out To Dry 涙のかわくまで

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Let's Fall In Love 恋をしましょう

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コード（和音）とコード・ネーム（和音記号）

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Let's Face The Music And Dance

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●アーヴィング・バーリン誕生 １８８８年５月１１日

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Left Alone　レフト・アローン

Lush Life　飲んだくれ人生

我が心のジェシー　Jesse

●アーヴィング・バーリン誕生　１８８８年５月１１日　

My Man's Gone Now　うちの人は逝ってしまった

All The Things You Are　君は我がすべて

Possibilities / Herbie Hancock　スーパー・コラボレーション

The Fool On The Hill　ザ・フール・オン・ザ・ヒル

朝わたしはひとり　I'm Gonna Miss You In The Morning　

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