じゃくの音楽日記帳

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• 小林美恵ヴァイオリンリサイタル、エルガーのヴァイオリンソナタを聴く

  大分日にちが経ってしまいましたが、11月11日、ハクジュホールで聴いた小林美恵ヴァイオリンリサイタルのことを書いておきます。ピアノ加藤洋之。プログラムは コルンゴルド：空騒ぎ 武満徹：十一月の霧と菊の彼方から ヴォーン・ウィリアムズ：揚げひばり エルガー：ヴァイオリンソナタプログラムのメインが僕の好きなエルガーのソナタで、他にコルンゴルドの「空騒ぎ」も含んだ選曲がかなり魅力的だったので、聴きにきました。このリサイタルは、ハクジュホールの名物「リクライニング・コンサート・シリーズ」の一環で、後方の座席はリクライニング・シートとなり自由に眠れ、曲の間には演奏者が曲紹介などのトークをまじえるというフレンドリーなものです。僕はいざとなればどんな席だろうとたやすく眠れますので（＾＾；）、前方の普通のシートに座りました。コルンゴルドの「空騒ぎ」は、もともとは小管弦楽用に書かれた全14曲からなるシェークスピアの喜劇の付随音楽で、初演当初から大好評を博したそうです。この曲にはおもしろいエピソードがあり、初演は大好評で追加公演が催されることになったのは良いのですが、オケとの契約が延長できなかったため、急遽コルンゴルドがヴァイオリンとピアノ用に編曲して、自分がピアノを弾いて演奏したそうです。最後の「ホーンパイプ」だけはホルン奏者を必要としたので、ウィーンフィルの首席ホルン奏者に助っ人で吹いてもらったところ、威勢がよすぎて小さな劇場を吹き飛ばしそうだったということです！（早崎隆志著「コルンゴルドとその時代」みすず書房 に載っていました。この本、コルンゴルドに関しての貴重な情報が満載の、素晴らしい本です。）ですので、多分ヴァイオリンとピアノ用にも全曲の編曲が残されていると思うのですが、普通演奏されるのは４曲で、ユーモアあり、ロマンスありの、お洒落でチャーミングな曲です。小林さんの演奏は、表情豊かで、とても素敵でした。２曲目（野生リンゴとリンボク酒）は、酔っぱらっている感じがとっても良く出ていて、楽しめました。十一月にちなんだ武満徹の静かな曲のあと、ヴォーン・ウィリアムズの「揚げひばり」。この曲は、小林さんがこのリクライニングコンサートの企画を受けたときに、ゆっくり気持ちよく眠れる曲ということで真っ先に思いついた曲だということでした。まさに術中にはまったワタクシ、聴きながら、気持ちよくまどろみに吸い込まれていきました。。。最後がいよいよエルガーのソナタです。小林さんは、エルガーの演奏前のトークで、自分達（小林さんと加藤さん）はまだこの曲をあまり弾いていないこと、この前自分の教えている学生が、この曲を弾きたいと言ってきて、どうも漫画で取り上げられ若い人たちの間で人気を呼んでいるそうだ、ということを仰っていました。ご存知「のだめ」ですね。千秋とのだめが弾く場面、とっても素敵です。さて演奏です。この曲を生で聴くのは３回目です。今夜の小林さんの演奏は、音色が多彩で、表現の幅が広く、すばらしい演奏でした。伴奏の加藤さんも、でしゃばりすぎず引っ込みすぎず、絶妙なバランスでとても良かったです。終始、眠気のねの字も感じず、音楽に引き込まれて聴かせてもらいました。この曲、下手するとつかみどころがないものになったり、一本調子になってしまいますが、小林さんの演奏はこの曲の魅力を十分に歌っていて、充分に満足しました。「まだあまり弾いていない」といいながら、こういう演奏をやってのけてしまうところ、さすがと思いました。

  2009.11.25

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• 小田原フィルによるマーラー３番を聴く

  小田原フィルハーモニー交響楽団によるマーラーの交響曲第３番を聴きました。１１月８日、小田原市民会館大ホール。 指揮 三河正典 アルト独唱 菅 有実子 児童合唱 南足柄ジュニア・コーラス 女声合唱 小田原フィルハーモニー交響楽団第100回定期演奏会記念合唱団 （協力：東京音楽大学 　　ＶＯＣＥ・ＳＯＮＡＲＥ） 管弦楽 小田原フィルハーモニー交響楽団聴きにきて良かったです。指揮三河氏の棒のもと、皆が一体となって歌い上げたすばらしい音楽に浸り、心打たれました。僕はマーラー作品なら全て好きですが、なかんずく偏愛しているのがこの３番です。３番の演奏会にはできるだけ聴きに行くようにしています。近年３番の演奏頻度が増えてきて、来日する海外オケ、国内のプロオケ、アマオケで、随分取り上げられるようになってきました。しかしこのところちょっと３番演奏会が途絶えていました。今回、友人から小田原フィルというオケが３番をやる、という貴重な情報を得て、矢も盾もたまらず、小田原フィルがどんなオケかは知らずとも、ともかく小田原に駆けつけることにしたのです。僕にとって約２年振りとなる、久々の３番演奏会です。この日はいいお天気で、東京から約２時間、電車にごとごと揺られ、心地よくまどろみながら、小田原駅に到着しました。駅から市民会館までの道を地図を頼りに歩いて行くと、秋空にそびえ立つ小田原城天守閣がだんだん近づいてきて、やがて紅葉の始まった桜並木が並ぶお堀ばたに来ました。風情ある景観に、この街の歴史と伝統がにじみ出ています。目指す小田原市民会館は、お堀からすぐでした。当日券を買って入場しました。会場は１階と２階の席からなる収容千数百人のホールです。１階席に座ってプログラムを見ると、「第１００回記念定期演奏会」とあります！50年の歴史あるアマオケが、年２回の定期演奏会を積み重ねてきて、今回はその100回の記念演奏会、その節目にマーラー３番ということのようです。これは相当気合がはいった演奏になるだろう、と期待が高まりました。プログラムの曲目解説（トロンボーンパートの４人の共著）がとても楽しく読めます。またプログラムにはさみこまれた４ページにわたる「はみだし解説」が、調性の分析などマニアックで説得力があり、かつウィットにも富んでいて、とてもためになる解説でした。これを書いた方（チェロ奏者？）、相当なマーレリアンに違いありません。プログラムには親切にステージの楽器配置図もあって、とてもわかりやすいです。それによると、女声合唱とアルト独唱はステージ上の下手側です。あとユニークなのは、児童合唱は２階席のエプロンボックスを使用する、と記載されているではありませんか！振り返って２階席を見上げると、なるほど舞台に向かって左前方の客席に児童合唱団用とおぼしきスペースがあり、そのそばにチューブラーベルも設置されています。これはいい配置です。一段と期待が高まります。この曲のスコアには、鐘と児童合唱とアルト独唱と女声合唱は高いところで、と指定されていますが、それが守られないことが多いです。たとえばサントリーホールでのＰ席など、ステージの後方に客席があるホールでは、そこに合唱団を配置することで高い位置にすることは良くありますが、そのような座席がないホールでは、ほとんどステージの上を使うことになります。今回、ステージが狭くて全員が乗り切れないという事情があるにせよ、女声合唱はステージ上にして、あえて児童合唱とベルだけを２階席という高いところに配置するというのは、天上からきこえる天使の歌というイメージにあった、すばらしい方法です。指揮者のこだわりなのでしょう。このような児童合唱の配置はかつて一度だけ、1999年12月のすみだトリフォニーホールでの井上道義/新日フィルの演奏会で遭遇したことがあります。このとき井上道義氏は、ホール客席の左側のすごく高いところにある通路のようなところに児童合唱団を配置して、児童合唱が上から降り注ぐようにして、すばらしい効果をあげていました。今回も、それと同様な配置なのですから、相当期待ができそうです。さて開演時間が近づくにつれ、会場はほぼ満席に近くなるという盛況ぶりです。そして開演を告げるアナウンス。このアナウンスも良かったです。携帯電話ほかの通常の注意点をアナウンスしたあと、「楽章間の拍手はご遠慮ください」とはっきり放送していたのです。この曲、途中にアルト独唱が入場してくるときに、どうしても拍手が自然発生しそうになります。指揮者によってはあの手この手で避けようとするのですが、なるほどこういうアナウンスは正攻法ですね。ある程度の効果が期待できるかもしれません。やがてオケが入場。ステージ一杯に、ハープ２台、コントラバス８台を含む大オケがぎっしりと並びました。念入りなチューニングのあと、体格の大きな指揮者三河正典氏が登場し、演奏が始まりました。第１楽章は、やや速めのテンポで、輪郭のきっちりした引き締まった演奏です。第１楽章からすでにかなり楽器が鳴り、いい音がでています。アマオケとして相当すばらしい音です！特に打楽器がしっかりしていて、結構強い音でもうるさくなく響いていることがすごいです。第２楽章は、第１楽章の疲れが出たのか、ちょっと精彩を欠いた感じがしましたが、第３楽章はふたたびいい演奏でした。舞台裏のポストホルンもとても頑張っていて、高い音への跳躍の難所をことごとく決めていました。第３楽章が終わったところで、女声合唱とアルト独唱が入場し、舞台下手に並んだ椅子に着席しました。（児童合唱は見ていないけれど、ここで同時に２階席に入場したのでしょうか。）さきほどのアナウンスの効果で、アルト独唱の際に拍手は全く起こりませんでした。やはりここで拍手が起こらないのは音楽の流れから気持ちがそがれず、ここち良いものです。そしてここから演奏された第４、第５、第６楽章が、心を打たれるすばらしい名演でした。第４楽章、アルトの声質が深くで、曲想にあっていて、とても良かったです。第４楽章が静寂のなかに消えていき、引き続いて第５楽章の冒頭です。児童合唱と鐘の「ビン・バン」が、実に鮮やなこと！僕は１階席でしたので、児童合唱と鐘（この鐘が強めにしっかり叩かれ、それがまたとてもいい音色です）が高いところから降り注いでくる感じで、その響きの美しさに包まれて、しばしぼーっとしてしまいました。第５楽章の最後、女声合唱を座らせるタイミングにも、指揮者三河氏の工夫がうかがえました。第５楽章の終わる少し前、２小節ほどの休みがある間にさっとすばやく座らせ、そのあとの部分は座って歌わせたのです。これは2002年のシャイー/コンセルトヘボウの来日公演のときと同じで、最善のタイミングと思います。こうすれば、その後はずっと座ったままでいられるので、第５楽章から第６楽章へのアタッカの静寂の緊張を妨げないし、第６楽章の音楽の流れも妨げないですむからです。しかしこの方法は、これまで僕が接してきた３番演奏では、シャイーの他にはお目にかかったことがありません。その稀有な方法を、三河さんは実行したのです、すばらしいこだわりです。こういった細部のこだわり、それから何といってもここまでの演奏自体の素晴らしさ、それらの効果で、第５楽章の最後の音が消えてから第６楽章が始まるまでの間（三河氏はここで指揮棒を構えたまま３～４秒くらいはじっと動かず、割合に長めの間合いをとりました）、会場からは咳一つ出ず、しんとしずまりかえり、その緊張感は相当なものでした。聴衆には小さな子供も少なからずいたのに、その全員をひきこんで、緊張感の張り詰めた静寂を実現してしまう、それほどの力がこの演奏にあったということです。そして、第６楽章。驚異的な名演でした。弦の深い祈り、木管の情感、ときおりやってくるホルンとティンパニーの雷鳴の厳かな咆哮、これらすべてが有機的に結びつき、呼応しあい、音楽はどんどん高みに上っていきます。なんというか、優しさと、厳しさが、高次元で融合しているんです、すごいです。そしてとうとう最後近くの金管コラール。ここは安全を優先してテンポを速めにして通過してしまったり（大植さん/大フィルでさえそうでした）、あるいはプロでもトランペットの高い音をはずしたり抜け落ちたりすることが少なくない超難所です。三河氏は、妥協のないゆったりとしたテンポですすみ、それに一番トランペットを初めとする金管隊がみごとにこたえ、静かなコラールをきっちり歌ってくれました。そこから、いよいよ盛り上がっていって、最後に主題を高らかに合奏する箇所に来ました。ここでテンポを速めてしまう演奏が少なくありませんが、三河氏は、ここも充分にゆったりと、悠然と進んでいきます。その結果生ずる崇高なまでのスケール感。大感動です。そして、さきほどコラールをしっとりと歌ったトランペット隊が、ここで(練習番号30)パワーをついに全開にします。なんと輝かしく力溢れ、高貴なトランペット。素晴らしすぎます。そして最後のティンパニーの大いなる歩み。三河氏はここのティンパニをかなり力強く打たせましたが、しかしそれがちっともうるさくなく、充分な説得力をもって響いてきます。感動です。・・・・このオケ、ずば抜けてうまい奏者がいて、はっとするような美しいソロを聴かせてくれる、というオケではありません。でも皆が力を合わせた合奏では、実にすばらしい音がする。これ、アマオケの理想形ではないでしょうか。そして声楽陣の充実振り。とくに児童合唱は絶妙な空間効果とあいまって、とても美しかったです。このような演奏を実現してしまう三河正典氏という人、なんとすごい指揮者なのでしょう。三河氏と、演奏された皆々様。すばらしい音楽をありがとうございました。大きなエネルギーのお裾分けをいただいたような、とても幸せな気持ちになりました。この小田原のマーラー３番、忘れません。

  2009.11.09

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• シャイー/ゲバントハウスによるメンデルスゾーンの「宗教改革」初期稿を聴く

  11月2日サントリーホール、シャイー/ゲバントハウス管弦楽団の演奏会を聴きました。プログラムは、 　メンデルスゾーン 交響曲第５番「宗教改革」 　ブルックナー 交響曲第４番「ロマンティック」会場に行ってみると、「宗教改革」は初期稿を使用する、と掲示してありました。初期稿とはなんだろう、と思って公演プログラムを見ても、詳しいことは書いてなさそうです。あとでカジモトのサイトをみてみたら、「ホグウッドが校訂したメンデルスゾーンの新全集版に入っている、最初に書いた初期稿をベースにした独自のバージョン」という説明が出ていました。開演時間となり、楽団員が出てきました。コンマスが先頭に、次々に登場してくる楽団員たちは、全員が出てくるまでそれぞれの位置で客席を向いて立ち続け、全員そろってから座りました。ドイツのオケらしく、礼儀正しくきちんとしていて、思わずこちらも拍手の熱意が高まります。オケは両翼配置で、コントラバスは下手奥でした。珍しかったのは、コントラファゴットの向かって右隣に、テューバをぎゅーっと圧迫して細長～くして、さらに全体をふたまわりほど小さくしたような金管楽器が陣取ったことです。今年８月の高関健/読響のヘンデルの王宮の花火の演奏のときに見たのと、同種の楽器でしょうか。（王宮の花火のときには、もうひと回り大きかったかもしれませんが、細長くつぶしたテューバという点では同じ。）あとで金管楽器に詳しい友人が、「オフィクレイド」ではないかと教えてくれました。ウィキペディアで「宗教改革」の楽器編成を見てみたら、メンデルスゾーンはこの曲に、セルパンという蛇のような形をした低音楽器(木管と金管の中間的な楽器)を使用したということです。（ウィキペディアのセルパンの項に写真がありました、本当に蛇みたいです！）しかし時代とともにセルバンがすたれ、オフィクレイドにとって代わられ、それがさらにテューバに代わってきているということです。なるほど。ちなみに先週の下野/読響の宗教改革の演奏は、多分普通のテューバを使っていたと思います。きょうはホグウッドとシャイーのこだわりで、オフィクレイドが使われたということなのでしょうか。（そういえば８月のヘンデルの王宮の花火も、「ホグウッド校訂による2008年の新しい版」を使用していました。これもホグウッドと高関さんのこだわりですね。）チューニングが終わり、指揮者の登場です。大柄なシャイーが登場して、普通より高い指揮台に乗り、いよいよ第一楽章が始まりました。シャイーは早めのテンポでぐいぐいと進み、アクセント付けも強烈です。なめらかな美しさよりも、表面はがさがさ・ざらざらしていても勢いと芯がある音楽、を目指しているような姿勢と感じました。続く第二楽章も、早めのテンポで終始しました。それに対し憂いを帯びた、みじかい間奏曲的な性格の第三楽章は、弦を中心に、比較的ゆっくり歌われ、味わい深いです。コントラバスの持続音が残り、静かに消えてゆき、そのまま終楽章にはいっていきます。ところで稿の違いに関しては、第一楽章からここまで、僕には違いがさっぱりわかりませんでした。しかし第四楽章の開始のところが、大きく異なりました。通常の稿だと、ここでフルート・ソロでルターの賛美歌のメロディーが清らかに歌われはじめ、きわめて印象的なところですね。今回は、フルート・ソロが、まったく別のメロディーを優しく吹き始めました。やがて他の楽器も少し加わってきて、ひとくさり歌が歌われました。この部分は１～２分はあったでしょうか、結構長く、それが一区切りしたあたりで、引き続いてフルート・ソロが、ついにルターの賛美歌のメロディーを奏で始めました。そこからあとは、通常稿と同じ流れでした。ルターのコラールがだんだん楽器が増えて盛り上がっていき、続いてテンポが速まり長調の祝典的な第一主題などの部分、続く短調のフーガの部分、そのあとルターのメロディの一部やいろいろな主題がさまざまに歌われ展開されていく部分、やがてフーガの主題にルターのコラールがかぶさって同時進行していく部分（このあたりがまさに「プチブル５」の雰囲気が最高潮となる、僕の大好きなところです）と続きます。このまま通常稿と同じように終わっていくのかと思いました。しかし終結部にも、大きな違いがありました。通常稿だと、一番最後にルターのコラールが高々と歌われて、幕を閉じますね。ところが初期稿では、締めくくりにはこのルターのコラールは使われず、ドミソミ的な音型をベートーヴェン的に少ししつこく繰り返して終わるという、まぁ普通の交響曲の終わり方、という感じでした。初期稿と通常稿との細かな違いは僕などには全くわかりませんので置いておくとして、今夜の演奏を聴いて僕にもわかった大きな違い、すなわちメンデルスゾーンの改訂の要点は、上記の２点だと言って良いでしょう。ひとつは終楽章冒頭のかなりの部分をばっさり削除して、いきなりフルート・ソロによるルターのメロディーから始まるようにしたこと。もうひとつは曲の最後をそのルターのコラールの高らかな歌で締めくくった、ということです。前者は、ばっさり削除することで、第三楽章の暗く沈んだ雰囲気からぱっと切り替わってルターのコラールが一筋の光がさしてくるように明るく歌われ始めることで、このコラールのポジティブな意味がはっきり際立って示されます。後者も、最後の締めくくりにルターのコラールを輝かしく用いることにより、ルターを讃え宗教改革を讃えるというメッセージ性が極めて明瞭に、強い説得力を持って響きます。メンデルスゾーンは、このように改訂することでルターを讃えると同時に、自身の信仰心の確固たる強い表明ができたと思ったことでしょう。通常稿のこの２箇所から得る感動は本当に大きく、作曲者がこのように改訂した必然性が理解できます。さすが天才メンデルスゾーン。初期稿は、研究的・資料的には価値あるでしょうけど、音楽的には断然通常稿が優れていると思いました。それにしてもメンデルスゾーンがこの改訂をいつ頃したのか、興味深いところです。この曲、完成から初演まで、かなりの紆余曲折を経ているそうですので。。。ところでカジモトのサイトによると、シャイーは今年のあたまには逆にこの曲の「最終版」という、これまた通常演奏されないバージョンを演奏したそうです。シャイーの、飽く事なき探求心に脱帽です。「最終版」も興味がわきます。稿の違いについてばかり書いてしまいました。演奏の特徴についても少し書いておきます。先週の下野/読響が端正なたたずまいを崩さず、古典的形式美と響きの美しさを尊重した演奏だったのと対照的に、今夜のシャイーの演奏は、ほとばしる気迫で疾風怒濤、形よりも勢いを優先した演奏でした。特に終楽章でのシャイーの気迫は凄く、フーガの各声部の切り込みの鋭さなど、かなりの盛り上がりを作ってくれて、感動的でした。しかし個人的には、シャイーを聴いていてややせわしく、ときどき単調な感じがしたことも事実です。僕としては、下野さんのアプローチの方が落ち着いて聴けて好きです。長くなってしまったので、ブルックナーはまた別に書きます。

  2009.11.03

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• 下野/読響によるメンデルスゾーン交響曲第5番「宗教改革」ほか

  １０月２６日サントリーホール、第519回読響名曲シリーズで、オール・メンデルスゾーン・プログラムを聴きました。指揮は先日の２番「賛歌」と同じく下野竜也、ピアノは小菅優。プログラムは　メンデルスゾーン 交響曲第１番　メンデルスゾーン ピアノ協奏曲第１番　メンデルスゾーン 交響曲第５番「宗教改革」なおこれは、今年読響が行ったメンデルスゾーン生誕200年記念プログラムの第４弾、最後のものです。計４回で、第１番から５番までの交響曲が全部演奏されるわけです。ありがたい企画です。しかし交響曲第１番、この日当方はやや寝不足・疲労気味で、心地よいサウンドを聴きながらついつい睡眠の魔力に吸い込まれてしまい、ほとんど覚えていないうちに終わってしまいました。不覚。。。次のピアノ協奏曲第１番は、３楽章形式で、真ん中の緩徐楽章が聴きものでした。この楽章は、ヴァイオリンは最後の方までずっと休みで、ヴィオラとチェロを主とした弦に、ホルンや木管がときどき加わり、静かでやさしい音楽が奏でられ、その中にピアノの歌がとけ込んできて、たおやかな歌がしっとりと歌われ、しあわせなひとときでした。チェロもホルンも木管も良いですし、そしていつも思うことですが、読響のヴィオラセクションの響きは深く豊かで、ほれぼれとさせられます。小菅さんのピアノは、このようなところでの歌い回しに独特な魅力を感じました。いよいよ「宗教改革」。この曲の最初の方に出てくる「ドレスデン・アーメン」は、ワーグナーのパルシファルにも重要な動機として出てきますけど、それとは別に、個人的には、バッハ→メンデルスゾーン→ブルックナーという大きな流れのようなものを感じます。バッハとの関連は誰しも同感でしょう、終楽章で中心的な役割を果たすルターによる賛美歌「神は我がやぐら」のコラールを、バッハはカンタータ80番その他で使っています。曲全体的にも対位法的な書法が目立ち、メンデルスゾーンのバッハへの傾倒ぶりを強く感じます。（メンデルスゾーンがバッハのマタイ受難曲を復活蘇演したのは、この曲が完成する前年だそうです。）しかし一方ブルックナーとの関連は、あまり賛同は得られないかもしれません。「この曲を聴くと、この曲の延長方向かなたに、ブルックナーの第５、とくに終楽章の山並みが、遠くに浮かびあがってくるんです。」と言ったら、「それは君だけだね」と言われてしまうかもしれません。そもそもブルックナーはカトリックですし（汗）。でも僕はなんとなく、第一楽章序奏部の荘重な雰囲気とか、終楽章のコラールとフーガの重要性とか、音楽の基盤にある信仰心などに、両者の共通性を感じるのです。それで先日の第２番「賛歌」がマーラーになぞらえて「プチ千人」とすれば、第５番「宗教改革」は、僕にとっては「プチブル５」なのであります。さて演奏が始まりました。下野さんの丁寧な指揮は、古典的な様式感がきちっとしていて、その中に適度なしなやかさ、歌謡性があり、とても魅力的です。大袈裟な表現はせず、秩序がいつも整然としているというか、バランスがいつでもうまく保たれています。こういうアプローチが下野さんの持ち味なのでしょうか。一番最後のコラールのところも、スコアの指示がどうなっているのか知りませんが、大音量で堂々と鳴らすのでなく、音量はやや抑えめにして、音色の美しさ、響きの純粋さを優先した鳴らし方でした。そのようにして最後のコラールが美しく響き、聴後にあたたかい充実感が残りました。欲を言えば、これにさらに、対位法的な彫りの深さとか、胸が高ぶるような高揚感が加われば、さらにすごいだろうとは思いましたが、今夜の演奏、これはこれで充分にすばらしいです。メンデルスゾーンを堪能した一夜でした。下野さんと読響に感謝です。第５番「宗教改革」は、今来日中のシャイー/ゲバントハウス管弦楽団により、明日サントリーホールで演奏されます。この曲はベルリンで初演された後、次第に人気がすたれ忘れられていったそうです。作曲者の死後20年以上もたったとき、ライプツィヒで演奏されてから、この曲の魅力が認められ広まっていったということです。そういう意味で明日は、この曲の受容史に重要な役割を持つ、ご当地の人たちによる演奏です。下野さん＆読響とまたどのように違った演奏になるのか、楽しみです。

  2009.11.01

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• 下野/読響ほかによるメンデルスゾーン交響曲第２番「賛歌」

  １０月１７日サントリーホール、第486回読響定期演奏会で、メンデルスゾーンの交響曲第２番「賛歌」その他を聴きました。これも時間がたってしまいましたが、価値ある体験でしたので書いておこうと思います。指揮は下野竜也。メンデルスゾーンについてだけ書きます。合唱付きのこの曲、僕はブリリアントのメンデルスゾーン交響曲全集のＣＤで聴いたことはありましたが、正直あんまり印象に残ってなかったです。でもメンデルスゾーン生誕200年の記念年だからこそ聴ける貴重な機会だと思い、聴きに来ました。この演奏会に来てみて、編成が巨大なことにあらためて驚きました。オルガンつきの２管編成のフルオケ、３人の独唱者、混声４部の合唱という大編成です。プログラムの解説によると、初演時は５００人以上で演奏したということですから、マーラーになぞらえて言えば、まさに「プチ千人」と呼べる規模です。そして規模だけでなく、神を讃えるという内容も、音楽の充実ぶりも、「プチ千人」にふさわしい、堂々たる良い曲でした。メンデルスゾーンはこの曲を、「賛歌：聖書の言葉による交響曲カンタータ」と命名したそうです。第一部「シンフォニア」はオケのみで２０分強で前奏曲的な性格の部分です。第二部が曲の中心で、オルガン、合唱、独唱がいろいろな組み合わせで加わり、神を讃える音楽が４５分余りにわたって歌われていきます。途中にはアカペラの合唱が静かに歌われるところもあり、印象的でした。最後は、曲の冒頭に現れたトロンボーンによるテーマが、高らかに堂々と歌われて、大曲が締めくくられました。独唱者３人（テノール１,ソプラノ２）はステージ上で歌い、総勢８０人の合唱団はＰ席部分で歌っていました。この合唱団の配置が変わっていて、良くあるように左から右にソプラノ、アルト、テノール、バスという配置ではなく、それぞれのパートが横１列で長く並び、合計４列の配置となっていました。（ステージの一番近くの列から、ソプラノ、アルト、テノール、そして最後列がバスだったと思います。）この配置、かなり気が利いているというか、感心しました。この方式だと客席のどこできいても、４部がうまくとけあって聴きやすいと思います。僕の席はかなり横の方でしたが、この効果もあって、気持ちよくきけました。独唱者ではテノールが特に良かったでした。下野さんの丁寧な指揮のもと、読響はいつものように精度の高い演奏で、この曲の魅力を十分に感じることができました。管弦楽：読売交響楽団指揮：下野竜也合唱：新国立劇場合唱団テノール：長田峰男ソプラノ：澤畑恵美、國光ともこ

  2009.10.28

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• シェレンベルガーさんらによるオーボエとハープのデュオ・リサイタル

  元ベルリンフィルのソロ・オーボエ奏者、あのハンスイェルク・シェレンベルガーさんらによるオーボエとハープのデュオ・リサイタルを聴きました。10月1日、ハクジュホールです。随分日が経ってしまいましたが、この日の感動を是非書きとどめておきたくて、今更ながら書きます。ハクジュホールは、座席数300の小さなホールです。このホールがユニークなのは、コンサートによっては後方の175席がリクライニング・シート90席としてセッティングされ、チケットを買うときに通常の席かリクライニング・シートか、どちらか好きな方を選べます。リクライニング・シートでゆったりと眠りながら聴いてもよいという、度量の大きな（＾＾）ホールなんです。しかしこのホールの最大の特徴は、その長い残響です。東京界隈のこの規模のホールで僕の知る範囲ではもっとも長いです。ピアノなどは残響がありすぎて、ともすれば濁ってしまうこともありますが、ものによっては 、この長い残響がとてもプラスに作用します。この日はまさに、この長い響きがプラスに作用したリサイタルでした。ハープを弾くのは、マルギット＝アナ・シュースという方です。1987年からしばらくベルリンフィルでハープを弾いていたということですので、そのときにシェレンベルガーさんと意気投合したのでしょうか。会場で売られていたＣＤの中にはこのお二人による演奏のものも多くありました。プログラムは　　テレマン：ソナタ変ホ長調　　シュポア：幻想曲ハ短調 作品35（ハープ・ソロ）　　マレ：「スペインのフォリア」による変奏曲　　ボクサ：夜想曲第２番ヘ長調 作品50-2　　Ｃ.Ｐ.Ｅ.バッハ：無伴奏フルートソナタ イ短調（オーボエ・ソロ）　　ハメル：７つのバガテルより～４つの小品（2008）　　パスクッリ：ベッリーニへのオマージュ１曲目のテレマンが始まって何秒かで、これはすごい、すごいリサイタルに来てしまった！！と僕の体に衝撃が走りました。オーボエはもちろんですが、ハープもまた、単なる伴奏でなく、ふたり対等の演奏から、実に彫り深い音楽が流れてくるんです。聴き始めて間もなく、ふと「いきなりこんなすごい演奏で始まるなんて、いったいアンコールの頃にはどうなってしまうんだろう」などと不純な（？）思いがよぎったほどです。（誤解のないように付記しておくと、普段アンコールを期待して聴くということはありません。このときは何故か、珍しくそういう思いが生じました。）これが超一流の風格というものなんですね。シェレンベルガーさん、吹いているときの姿勢、身の動かし方もいいですが、フレーズを吹き終わって少し休みにはいるとき、休みの姿勢へのなにげない移行のしかたにも、気品が漂っていて、音楽の一部を形作っているかのように感じました。ハープもまた力強くそして優雅で、さすがベルリンフィルで弾いていた方です。そしてお二人の呼吸が本当にぴったり。プログラムのそれぞれの曲、それぞれに聴き応えがありました。それらについてはちょっとはしょって、アンコールについて書きます。盛大な拍手にこたえてのアンコールの１曲目は、イベールの間奏曲。さらなる盛大な拍手があり、次のアンコールです。シェレンベルガーさんは演奏の前に「I sing a song for you」と話されました（僕のヒヤリング能力ではこころもとないんですが、ともかくそのような内容の言葉でした）。そしてシューマンの歌曲の演奏が始まりました。これが絶品。歌心あふれていて、涙がじわーっと出てきてしまいます。あとで曲名の掲示を見てみたら、「月の夜」と「君は花のように」という歌曲でした。僕はシューマンの歌曲はほとんど未開拓なので、今後いろいろと聴いていきたいなぁ、と強く思いました。シェレンベルガーさん目当てに来たリサイタルでしたが、このお二人のデュオとしての音楽がとっても充実していて、貴重な感動体験となりました。このお二人、ご夫婦とのことで、息がぴったりなのも宜なるかな。このリサイタル、ＮＨＫでハイビジョン収録していました。放送予定はＢＳｈｉ「クラシック倶楽部」で11月12日6時～、11月19日13時～ということです。見るのが楽しみです。

  2009.10.24

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• スクロバチェフスキ/読響/アンドレ・ワッツのベートーヴェンとブルックナー

  読響第518回名曲シリーズ（9月24日サントリーホール）を聴きました。指揮はスクロバチェフスキ、ピアノはアンドレ・ワッツで、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第４番と、ブルックナーの交響曲第９番です。ベートーヴェンは、ワッツのピアノが本当にききものでした。鍵盤と対峙するのでなく、手が鍵盤の上をころころと楽しく動き回って、鍵盤と手とが呼吸がぴったりとあって反応しあっているような感じです。そこから紡ぎ出される音楽は、温かく、さりげなく、それでいて確固としています。ワッツの存在感が、じわじわっと少しずつ大きくふくらんでくるような、すばらしい演奏でした。そしてブルックナーの９番。スクロヴァチェフスキの９番を聴くのは２回目になります。最初は2002年４月、スクロヴァチェフスキがＮ響を振ったＮＨＫホールでのコンサートでした。朝比奈・ヴァントが相次いで没して大きな衝撃を受けて以後、僕がはじめて臨んだ演奏会であり、特別な感慨深いコンサートでした。そのあと東京のオケではブルックナー９番がほとんど演奏会で取り上げられない時期が長く続きました。それはあたかも朝比奈御大に敬意を表し喪に服しているかのようでした。2008年7月9日、朝比奈隆生誕100周年の誕生日に、大植さんが大阪フィルとシンフォニーホールで９番を演奏しました。記念碑的なすばらしい演奏会でした。そのようにしてひとつのけじめが着くのを東京でも待っていたかのようにその後東京のオケでこの曲がふたたび取り上げられ始めています。2008年9月のヘンヒェン/日フィル、今回のスクロヴァ/読響、来年2月に尾高/東フィル、3月にハウシルト/新日フィル。さて今回のスクロヴァチェフスキの９番、第一楽章は緩急の変化が大きく、ちょっと落ち着かない感じでした。しかし第三楽章は、全体的にゆっくりとしたテンポで一貫し、いい演奏でした。スクロヴァチェフスキは例によってスコアにいろいろと手を加えているらしく、ところどころ聞き慣れない音量バランスで大きく聞こえてくるパートがあったりしましたが、それ自体に強い違和感はありませんでした。読響は今回もいい音を出してくれていました。ただ僕としては残念ながら圧倒的な感銘というまでの体験にはいたれませんでした。ところでプログラムにはスクロヴァチェフスキ/読響のブルックナー演奏歴が載っていました。2000年3月の９番からはじまっています。その後8,7,6,4,3,2,5,0,1番と続き、そして今回再び９番でした。来年３月はスクロヴァチェフスキが読響音楽監督として最後の演奏会で、８番です。蛇足ですが来年３月下旬はブルックナー８番ラッシュが凄いことになってますね。3月25日がスクロヴァ/読響とインバル/都響の同日同時演奏対決。翌26日がスクロヴァ/読響、そして28日がティーレマン/ミュンヘンフィルです。聴く方も体力をつけておかないと。

  2009.10.04

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• アルミンク/新日フィルのシュニトケ、シマノフスキ、シューベルト

  新日フィル第451回定期演奏会（9月23日、サントリーホール）を聴きました。指揮はアルミンクで、プログラムは 　　シュニトケの「モーツ・アルト・ア・ラ・ハイドン」、 　　シマノフスキの交響曲第４番「協奏交響曲」、 　　シューベルトの交響曲第８番「グレイト」でした。シュニトケの「モーツ・アルト・ア・ラ・ハイドン」は、弦楽器13人の奏者と指揮者による、モーツァルトの断片がコラージュされた作品。クレーメルらによるＣＤでは聴いていましたが、実演に臨むのは初めてです。奏者とアルミンクが出てきて演奏が始まると思ったら、ホールの照明が完全に消され、真っ暗になり、その状態で演奏が始まりました。ホール内は通路の誘導灯がかすかに明るいだけで、次第に目が慣れてきても本当に暗く、なにも見えない状態。これでは楽譜はおろか演奏者や指揮者がお互いに姿さえまったく見えないだろうに、良く弾けるなぁと感心して聴いていました。（家に帰ったあとでＣＤの解説を読んだら、この部分は即興演奏だということでした、それなら納得。）この暗闇の時間は結構長く続き、そのあと急に音量が上がるところで照明がぱっとつけられ、普通の明るさになりました。音楽はモーツァルトの曲の断片と、無調の音楽が交錯する、いかにもシュニトケらしい作りですが、シュニトケにしてはそれほど深刻ではなく、わりと気軽に聴けます。奏者が途中で位置を変え、しばらくしてまた元の位置に戻るときにはくるくると回りながら戻ったりと、芝居的な仕掛けが織り交ぜられています。そして最後は、奏者が演奏しながら舞台の左右にゆっくりとひっこんでいき、照明がだんだん暗くなり、音量もだんだん小さくなります。しかし指揮者にだけは照明が残り、スポットを浴びた様な状態で指揮を続け、他は真っ暗になりました。奏者達の大半は退場し、指揮者はそれに気づかず一生懸命指揮を続け、やがて音楽が完全に消え、指揮者がはっと気がつくと奏者達は消えていて、指揮者が肩をすくめて、おしまい、でした。ハイドンの告別を思い出す仕掛けで、モーツァルトと思って聴いていると最後はアラ、ハイドン？というわけですね（＾＾）。ＣＤの曲名表示のところに付加的に、英語で　Game with　music for two violins, two small string orchestras, double bass and　conductor とあり、Game ってなんだろう、と思っていましたが、なるほど実演に接してみてゲーム（遊び、戯れ）という感じがわかりました。次のシマノフスキの交響曲第４番「協奏交響曲」は、舞台中央に通常の協奏曲の配置で置かれたピアノが大活躍し、モデラート、アンダンテ、アレグロの３楽章形式で、形としてはピアノ協奏曲そのものです。（ピアノはクン＝ウー・パイク。）土俗的なパワーと民族的な色彩感があり、ときどきスクリャービンの響きが思い起こされます。第二楽章冒頭、弦とピアノとハープで醸し出すせせらぎのような雰囲気の上にフルートやヴィオラソロなどが妖しい魅力ある歌を歌うところが美しかったです。プログラム最後は一転してシューベルト。しかし強弱差の強調や鋭いアタックが目立ち、この曲の自然で息の長い流れが損なわれてしまい、単調で退屈な演奏に感じました。ちょっと残念。きょうのプログラムは３人ともＳで始まる作曲家たちでしたが、どうせならトリを、シュニトケにちなんでショスタコか、シマノフスキにちなんでスクリャービンにでもしたらプログラム全体として統一感が出てもっと良かったかなぁ。そうは言ってもシュニトケとシマノフスキを聴けたという貴重な演奏会でした。

  2009.09.30

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• ドレスデン・ア・カペラ合唱団（ザクセン・ヴォーカル・アンサンブル）を聴く

  ドレスデン・ア・カペラ合唱団（ザクセン・ヴォーカル・アンサンブル）を聴きました。9月21日、武蔵野市民文化会館小ホール。プログラムの解説によると、この混声の20余名の合唱団は、指揮者マティアス・ユング（今年45歳）という人により1996年に結成され、とくにバッハ演奏で注目を集めているということです。今回が初来日だそうです。コンサートの前半は、バッハのモテットから４曲。２群の４部合唱でバッハの複雑な曲が歌われました。しかし調子がまだ充分に出なかったのか、力強くきっちりとしている反面、ちょっと角がとんがりすぎているように感じました。大きな教会で聴くには良いのかもしれないけれど、この小さいホールで至近距離で聴くには、耳あたりがきつすぎて、ちょっと疲れました。休憩をはさんで、後半はまずメンデルスゾーンの、４声の無伴奏歌曲集からの小さな諸作品でした。バッハよりシンプルな響きで、合唱団の調子も上がってきたようで、きれいだなと思う瞬間が多々ありました。そして圧巻は、プログラム最後に歌われたシュッツのモテット３曲ー「バビロン川のほとりで」「ヤハヴェよ、汝のすみかはいかに麗しく」「私の魂は主をたたう」ーでした。その響きには芯があり安定していて、バッハで感じたきつさは微塵もなく、とても美しかったです。ドイツの合唱団によるドイツもののアカペラのコンサート、きょうは何といっても、シュッツの音楽の魅力を強く感じられたことが大きな喜びでした。会場でいろいろ売られていたこの合唱団のＣＤから、シュッツのＣＤ（Tacet）などを買って、帰路につきました。

  2009.09.23

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• 東京室内歌劇場　実験オペラシリーズ、ヒンデミット＆ナイマンを聴く

  東京室内歌劇場41期第123回定期公演　実験オペラシリーズ指揮：中川賢一演出：飯塚励生を聴きました。曲は、ヒンデミットの「往きと復り」、ナイマンの「妻を帽子と間違えた男」(日本初演)という、何やら怪しげなタイトルの演目二本立てです。9月5日と6日、第一生命ホール。僕は初日を聴きました。最初がヒンデミットの「往きと復り」。開演前に長木誠司氏のプレトークがあり、その解説で、演奏時間わずか12分の極短オペラであり、真ん中からフィルムを逆回しするかのように時間が逆に進行してもとに戻って終わるという実験的な作品であるということを知りました。長木氏のユーモアを交えた解説によると、「中身が濃くてテンポが早くて、１分眠ってしまうとふつうのオペラで10～20分寝たことに等しいから、眠らないで聴いて下さい。」ということでした。さて始まってみると、あれよあれよというまに終わり、眠くなる暇もありませんでした。うーん、たしかに実験的な作品です、とくに感動というものはありませんでした。引き続いて、指揮者中川賢一氏による、プログラム後半の曲、マイケル・ナイマンの「妻を帽子と間違えた男」の紹介トークがありました。題名からしてシュールな奇怪な内容だろうかと思っていたら、まったく違って、ヒューマンな物語ということです。中川氏はこの曲のあちこちにちりばめられているというシューマンの歌曲などの引用をピアノを使いながら次々と熱心に解説してくれて、おもしろい紹介トークでした。このあと、休憩をはさんで、いよいよ「妻を帽子と間違えた男」。世界的に有名な声楽家で音楽大学でも教えているＰ教授が高次脳機能障害となってしまい、歌は完璧に歌えるが、日常生活の中でのあたりまえの物事を目で見て理解できない（目に障害はないのだが、見た物の全体を統合して意味ある情報にすることができないため、慣れ知ったはずの人物や、バラの花など、普通ならすぐにわかるものが、それと認識できない）という設定。登場人物はＰ教授と、病状を究明しようとする熱心な神経科医Ｓ博士と、Ｐ教授の妻と、わずか３人。Ｓ博士は、診断に熱心なだけでなく、Ｐ教授のためになるような助言をしようとする姿勢がヒューマンです。そしてＰ教授の妻の、病気を認めたくないという気持ちと、でも根底では病気のことがわかっていて日常生活で献身的に支えている姿勢にも、共感できます。（この原作はノンフィクションで、「レナードの朝」の原作者が書いたということです。言われてみればなるほど、レナードの朝と同じ土俵の話です。）そしてそれらをあますことなく表現するナイマンの音楽が、説得力があります！ナイマンの音楽に良く出てくるズンズンドンドンというロック調ののりの良いところもあれば、叙情的な美しいアリアもありました。特に前半部分での主人公Ｐ教授のしみじみとしたアリアや、後半でのＳ博士と教授の妻との二重唱は、聴き応えがあり感動しました。ナイマンの音楽が、これほど良いとは思いませんでした。３人の歌手とも、味があって良かったです。（5日のキャストは、Ｐ教授・今尾滋、Ｐ教授夫人・見角悠代、Ｓ博士・羽山晃生。）ナイマンの器楽の編成は、弦楽器５人(2Vn,Va,2Vc)、ハープ、ピアノ、の総勢７人。舞台の下手1/3ほどに器楽奏者が並び、指揮者がその前に陣取り、劇の進行は舞台の中央～上手で行われました。ＰＡも使うという説明があり，舞台の両脇に巨大なスピーカーが２本ずつたっていましたが、僕の席からは、演奏の間、スピーカーを使っていることを感じさせない、自然な使い方でした。ところで「往きと復り」と「妻を帽子と間違えた男」の共通点は、医師が登場することでした。今夜の演出は、この共通点を強調して、２作とも、白衣姿のインターン数人の集団を舞台上にほぼ終始登場させ、無言で様々な動作を演じさせていました。しかし狭い舞台に人がごちゃごちゃといるために、ヒンデミットでは筋の展開を余計に追いにくくなった感がありました。ナイマンでも、３人の登場人物の演技と歌唱だけで充分に濃密な演劇性があるので、このインターン集団は、かえって舞台空間の緊張性を妨げるような、無用の長物に感じました。東京室内歌劇場の公演は、今年２月にリゲティの「グラン・マカーブル」を聴いたのが初めてで、すごく良かったので、今回ふたたび来てみました。意欲的な曲目、高い演奏水準、わかりやすいトークつきと、前回と同様、満足度充分の公演でした。

  2009.09.07

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• 高関健/読響によるマーラー５番

  ８月ももう終わろうとしています。なぜかあまりクラシックのＣＤを聴かず、コンサートも夏枯れ状態で、クラシック音楽からかなり遠ざかった日々をすごした一月でした。数日前に、ヴィラ・ロボスのブラジル風バッハ全曲を一気に演奏するという、すごい演奏会があり、以前から楽しみにしていましたが、仕事の都合で行き損ないました（涙）。それで８月に行ったコンサートは一つだけになりました。８月26日サントリーホール、高関健指揮、読響によるマーラーの５番です。久しぶりに聴くオーケストラの響き、やっぱりいいなぁと、気持ちよく聴けました。プログラムの前半は、ヘンデル没後250周年記念にちなみ、「王宮の花火の音楽」でした。ホグウッド校訂による新版(2008)による演奏ということです。現代楽器のオケでやるとどのようになるのだろうかと思っていたら、見たことのない金管楽器が出てきました！特殊なチューバで、普通のチューバを左右からぐーっと圧迫して細長くして、スマートにした形でした。世の中にはいろいろな楽器があるものです。演奏は花火大会にふさわしく、華やかで気持ちよかったです。演奏が終わって、拍手とともに、心の中で「たまや～」と叫んだりしてみました。休憩のあと、マーラー５番です。早めのテンポできびきびとした演奏でした。第三楽章は楽しげな舞曲という感じがしました。特筆すべきは高関氏のハープへのこだわりでした。ハープをなんと２台用意し、第二楽章や終楽章で音量を大きく出したい箇所で２台で鳴らせていたのです。第四楽章アダージェットでは、ほとんど一人でしたが、途中音量がやや盛り上がるところではやはり２台でユニゾンで弾かせていました。２台による演奏は、実際に聞こえてくる音として効果があったのかどうかは、正直良くわかりませんでしたが、こういうこだわりには、好感を持ちます。しかも、この第四楽章アダージェットのハープが、ツボを押さえ、すばらしく美しい響きでした。第四楽章がはじまった途端、ハープの音の美しさに唖然とし、弦の音への注意がしばしそがれてしまったほどでした。高関氏はマーラーの楽譜の調査研究を相当やっているそうで、今夜の演奏も最新の研究結果を取り入れた楽譜を用いているということでした。聴いていて楽譜の細かな違いのことはわかりませんでしたが、ともかく演奏が良かったです。全体的にまっとうな路線をいく、すぐれたマーラーでした。充分に満足しました。

  2009.08.30

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• プロムジカ女声合唱団、2009日本ツアー最終公演

  7月30日、プロムジカ女声合唱団の2009日本ツアー最終公演を聴きました。東京オペラシティコンサートホールです。このホールは、フルオケががんがん鳴らすとちょっと飽和してしまいますが、合唱などでは格別な上質の美しさを発揮するホールです。きょうも、プロムジカの精緻なハーモニーを、堪能できました。先日の所沢公演でも彼女らの響きの美しさは充分味わえましたが、きょうはツアー最終公演ということもあってか、所沢のときよりも尚一層、力強く、美しいパフォーマンスで、さらに魅了されました。所沢ではいまひとつだったバルトークの合唱曲も、きょうはとても美しく響きました。そして今日も、さくらさくら。若松正司さんの編曲は、元のメロディーを大事にし、微妙な陰影に富む和声の精緻な響きが実に美しいです。ステージ上には指揮のサボーさんだけが残り、合唱団員は会場に広くちらばり、タケミツメモリアルの空間に極上の声の響きがゆったりと浮遊しました。至福のひとときでした。なお今日の歓迎演奏は、小学校、中学校、大人の３グループでした。暁星小学校聖歌隊は、貴重な男子の児童合唱団で、途中ヴァイオリンの独奏もはいった素晴らしい曲を聴かせてくれました。次の國學院大學久我山中学校の音楽部は女声合唱で、プロフィールをみると数々の受賞歴を持つということで、確かに高い技術があり、とても素晴らしかったです。そのあとの大人の合唱団は、前回同様、浴衣姿の女性合唱が日本民謡などを披露していました。そして今日も、プロムジカの歌い終わったあとは、これら歓迎演奏団体の人も全員ステージにあがり、プロムジカ合唱団と入り混ざって、ふるさと、そしてコチャールの曲の大合唱で幕を閉じました。至福のハーモニーを、ありがとうプロムジカ。またの来日（２年後くらい？）を、心からお待ちしています。あわせてカンテムス児童合唱団の来日も、心待ちにしています。（カンテムス児童合唱団の卒業生でできているのがプロムジカ女声合唱団です。）サボーさんもますますお元気で、合唱指導にご活躍ください。

  2009.08.02

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• マイケル・ティルソン・トーマス/ＰＭＦの東京公演、マー ラー５番

  マイケル・ティルソン・トーマスの指揮、ＰＭＦオーケストラの東京公演、マーラーの第５交響曲を聴きました。7月29日サントリーホールです。マーラーの５番に先立って、ティルソン・トーマス作曲の、ブラスアンサンブルのための曲「ストリート・ソング」が演奏されました。ホルン４、トランペット４、トロンボーン３、チューバ１という編成で、ミュートも多用し、多彩な曲想が楽しい曲でしたし、ブラスの人たちのうまさも冴えていました。さてマーラーの５番。トランペット１番もホルン１番も女性で、さきほどのブラスアンサンブルには出なかった人たちでした。このトランペットの１番を吹いた人が、おそるべきうまさでした！冒頭のソロは、音量も大きく、音色も魅力的で、僕がこれまで聴いたなかで一番パワフルで立派で、光ってました。この女性奏者、もうどこかのオケで活躍してるのでしょうか、いずれ有名なオケの首席として見かけるのかなぁなどと思いながら聴いていました。ホルン１番も、腕っぷしに自信あり、という感じで、なかなかいい音を力強くだしてました。ＰＭＦオケ、以前僕が聴いたときは、木管の首席４人をウィーンフィルの名手たちが吹いていました。しかし今回はそのような助っ人なく、オール若者で、皆さんうまいことうまいこと。たいしたものです。ハープだけは、ちょっと音程があっていないようで違和感があり、第４楽章はちょっと興がそがれてしまいました。しかし他は管・弦・打とも鳴りっぷり充分で、若さとうまさとパワー充分な演奏でした。立派です。ただ、聴きながら大植/大フィルの５番をどうしても思い出してしまう自分がいました。これはこれ、あれはあれですから、比べても意味ないことはわかっているのですけど。当分の間、もしかしたら今後ずっと、５番をきくたびにこの感覚に被われてしまうことでしょう。。。それにしても今年ＰＭＦオケは、札幌でエッシェンバッハで復活をやり、そのすぐあとに大阪＆東京でティルソン・トーマスで５番をやったわけで、それでこれだけの完成度を達成してしまうのですから、おどろくべき技術水準です。また次に聴ける機会が楽しみです。

  2009.07.31

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• プロムジカ女声合唱団を聴く

  7月25日、プロムジカ女声合唱団を聴きました。埼玉県の所沢、ミューズアークホール。デーネシュ・サボー氏が指導しているハンガリーの高校生、大学生の少女たちの合唱団です。もう何回も来日しているということです。僕は、2005年の来日公演で初めて彼女らの歌声を聴き、その響きの完璧な美しさに完全に魅了されました。2007年の来日公演でも同じ感動を受け、そして今年2009年、みたび彼女たちの声を聴くことができるのが、とても楽しみでした。今年は７月のはじめに来日し、兵庫、山口、島根、愛媛、大阪などで歌ったあと、横浜開港150周年の記念祭に招聘されて7月18日、20日に横浜で歌い、その後埼玉、山形とまわって、7月30日の東京オペラシティで最後のコンサートを行って帰国するという、ほぼ１ヶ月の長い日本ツアーです。コンサートの他、各地の児童合唱団との交流にも忙しい日々なのだと思います。所沢のミューズアークホールは、大きなパイプオルガンも有する、響きのとても良い大ホールです。プロムジカ合唱団は例年のように、舞台上だけでなく１階や２階の客席も曲に応じてときどき使って、ホールの空間を広く巧みに使って美しいハーモニーを聴かせてくれました。歌われたのは彼女らの定番プログラムで、近現代の作曲家（シムコ、ヘッド、ラフマニノフ、ビーブル）の宗教曲や、ハンガリーの現代作曲家のコチャール、オルバーンや、バルトーク、コダーイらの合唱曲が中心でした。たまにピアノ伴奏がありますが大半はアカペラです。そしてこれもプロムジカの定番と言える、「さくらさくら」などの日本のうたも少し歌われました。2005年、2007年と比べてプログラムに大きな変化はないですが、今回は、今年生誕75周年のコチャールの新作曲と、ジェンジェシというハンガリーの若い作曲家の曲を披露してくれたのが新しい点でした。ジェンジェシ氏の曲はグレゴリア聖歌と現代風な部分が交互に出てきて、美しかったです。なお、これもいつもと同じで、プロムジカのステージに先立って、地域の児童～高校生の合唱団が歓迎演奏を歌いました。そしてプロムジカのステージが終わったあとには、地域の合唱団全員が舞台にあがってプロムジカ合唱団と混じり合ってステージにならび、全員で「ふるさと」を歌い、さらに最後にコチャールの合唱曲を歌って、お開きとなりました。いつもながら感動です。プロムジカ合唱団は、発声に無理がなく、ひとりひとりの声がとてもきれいで、そしてハーモニーが、ともかく完璧です。ほんとうに素晴らしい。デーネシュ・サボー氏の指導のたまものなのでしょう。彼女らの歌なら、何回同じ曲を聴いても飽きません。特にビーブルのモテットと、若松正司編曲「さくらさくら」は、必聴ものです！僕はあと7月30日の東京オペラシティの公演も聴きにいく予定です。プロムジカ合唱団のハーモニーに身を浸す幸せを、もう一度体験してきます。

  2009.07.26

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• 井上喜惟/JMO、マーラーの交響曲第６番

  井上喜惟(ひさよし)指揮、ジャパン・グスタフ・マーラー・オーケストラ（JMO）の第７回定期演奏会で、マーラーの交響曲第６番を聴きました。7月12日、ミューザ川崎。このオケは、井上喜惟氏のもとにマーラーの全交響曲を演奏すべく、2001年に結成されたアマチュアオーケストラです。井上氏はベルティーニの弟子だそうで、マーラーには格別な思い入れがあるようです。その井上氏に賛同して結集したオケですから、まさにマーレリアンオケですね。１～２年に１回のペースで、６番に始まり、10番からアダージョ、５番、３番、１番、２番、そして今回再び６番が取り上げられました。僕は５番以降の演奏会を聴いてきました。これまで聴いてきた井上氏のマーラーは、５番、３番は、極度に遅いテンポで、奇をてらわず、音楽が淡々と流れていくような印象がありました。テンポが遅いマーラーというと、普通は、細部へのこだわりというか、濃密な感情表現というか、どこかをことさら強調したり粘ったりなどのデフォルメ（変な表現かもしれません、すみません）が多いというイメージが、あると思います。バーンスタインや、エッシェンバッハなどがその成功例で、僕はこういった方向のマーラーは大好きです。しかし井上喜惟氏は、テンポは遅いのですけれど、これらとはまったく違う路線です。ただひたすら遅いだけで、デフォルメをしません。もちろんテンポの微妙な変化や揺れ、フレーズの終わりのタメなどはありますが、それはとても自然な、節度をこころえたものです。ともかくゆったりと、淡々と、音楽が流れていくのが井上氏のマーラーの特徴と思います。大見得を切る歌舞伎的な演奏のマーラーではなく、能のようなマーラーという感じ。特に３番の第三楽章や第六楽章はその美質が充分に発揮された名演でした。その後に演奏された１番や２番では、テンポはそれほど極端な遅さではなくなってきました。妥当なテンポの中で、ふと、ときおり歩みを遅め、目立たない部分を丁寧にやさしく美しく歌ってくれて、「温かい血の通ったマーラー」という感じがしました。たとえば１番の第２、第３楽章それぞれの中間部など、とても美しい瞬間が多々ありました。もう井上氏は極度に遅いテンポはとらなくなったのだろうか、さて今回の６番はどうなるんだろうかと、楽しみにして臨みました。きょうの演奏会は、はじめに歌曲集「さすらう若人の歌」が、蔵野蘭子さんの独唱で歌われました。蔵野さんは井上喜惟氏の信頼あついようで、昨年の復活、それからプロオケであるジャパンシンフォニアともマーラーの４番、ショーソンの「愛と海の詩」などで共演されています。演奏は、極めて遅いテンポで、蔵野さんの歌は静かに味わい深く、とても素晴らしかったです。休憩のあとの６番、これもまた、極度に遅いテンポでした。井上氏らしく、激しいテンポ変化などはとらず、丁寧で、内的に充実した演奏でした。第二楽章アンダンテの充実振りは特筆すべきで、テンポ設定も素晴らしかったです。前回のレック/東響のマーラー６番の項目で書いたアンダンテ楽章の後半のテンポは、早くならず、遅すぎもせず、ぼくにとってほぼ理想的なテンポで、美しく歌われました。最終楽章も終始おそいテンポで、良かったです。序奏部、第一主題部だけでなく、勇壮な跳躍主題が活躍する第二主題部(練習番号113～116)も遅い。ここは僕としてはバルビローリ盤のような遅さが好きです。そのような演奏に接することは殆どないのですが、今回はバルビローリ盤に匹敵するような、じっくりとした遅い足取りで、とても満足しました。ふたたび超スローテンポとなった井上氏のマーラー。しかもその足取りに確固たる確信というか貫禄がついてきて、さらに深化した、という実感を得ました。オケも全体的にかなり頑張っていて、技術的にも昨年までよりかなりの進歩をみせていたように思いました。とても充実した演奏会でした。こまかなことを幾つか書いておきます。ハンマー、トロンボーン隊、カウベル、鐘についてなど、です。まずハンマーの打撃は２回。ハンマー本体は、普通の感じの大きな木槌でした。ハンマーが叩く台が、ユニークでした。なんと木の切り株がそのままおいてあって、それをハンマーで上から叩くんです。切り株の直径はそれほど大きくないので、重いハンマーを正確にうち下ろすのは難しかったと思いますが、体格の良い男性奏者がきれいなフォームで見事にうち下ろしていました。（音は、僕の席からは良く聞き取れませんでしたが。。。）そして、１回目のハンマーの打撃にすぐ引き続くトロンボーンの咆哮が、破壊的なパワーが絶大でした！スコアではここは、トロンボーンが吹く長い音符としては全曲中で唯一、fffの指示があるところです。（ハンマー２回目の打撃のところではffの指示。あと短い音符には終楽章のほかの箇所にfffの指示が少しありますが、長い音符にはここだけです。）したがって、ここでトロンボーンはパワーを全開し、全曲中最大にするところなのですが、そのパワーの凄かったこと！音量といい、重くひしゃげたような音色というか音圧というか、すべてを破壊し尽くすような凄みに、圧倒されました！トロンボーン隊、あっぱれです。（このオケのトロンボーン隊の底力にはいつも感心していますが、ここをはじめとして今回も素晴らしかったです。）そうそうカウベルのことを書かないと。今回のカウベルは、第一・第四楽章の舞台裏での鳴らせ方に、井上氏の独創的な工夫がありました。普通は、舞台の下手、（あるいは上手）の１箇所のドアをあけて、その裏でカウベルが鳴らされますね。今回は、舞台の下手と上手、両方のドアを開けて、左右それぞれの舞台裏からカウベルが鳴らされたのです！このような「舞台裏の両翼配置」に接したのは初めてでした。やや強めに鳴らされたカウベル音が、舞台裏からステレオ的に、ホール全体に響きわたりました。その響きはとても美しく、豊かでした！しかし第一楽章ですでにこれほど美しく豊かに鳴らされてしまうと、アンダンテ楽章の舞台上のカウベルがどうなるのか、逆に心配になりました。開演前にあらかじめ確認したところでは、舞台上には、左右の２箇所に２個ずつのカウベルが置いてありましたので、一応複数箇所配置ではありましたが、吊り下げ方式ではなかったし、この４個だけで、あの豊かな響きに匹敵する、あるいはそれ以上の響きを出せるのだろうか、といささか心配な気持ちになったんです。そして迎えたアンダンテ楽章。舞台上のカウベルは、かなり控えめに鳴らされ、特にどうということもない響きで終わってしまい、肩透かしをくらった感じでした。これは一体・・・・。井上氏は敢えて、カウベルをアンダンテ楽章ではなく、両端楽章で美しく響かせることに専心したのでしょうか。だとすれば、その狙いは大成功です。これはこれでユニークでおもしろい試みかもしれません。舞台裏、すなわち遠い世界のカウベルが夢のように美しく、舞台上、すなわち今ここがその場所であるはずの平安なユートピア世界のカウベルが、味気ない音。そうすることで、ユートピア世界が現実にはありえない世界だという意味を、逆説的に強く浮かび上がらせようとした？（考え過ぎか？）しかし僕としては素朴に、やはりアンダンテ楽章のカウベルは、両端楽章よりも前向きな意味を持った、存在感を主張する響きとして、しっかり響かせて欲しいと、思います。カウベルについては、今回はこのくらいにしておきます。ともかく両端楽章に限って言えば、これほど美しく印象的なカウベルは聴いたことがなく、貴重な体験でした。なお終楽章での舞台裏の鐘も、いい音色でした。どういう鐘を使ったのかは見てはないので想像ですが、音色からは、板状のものを打っていたのかなと思いました。しかも井上氏はここでも、一工夫みせてくれました。通常は、舞台裏のカウベルと鐘は同じような場所で鳴らされ、それらの音は同じドアのところを通ってホールに抜けてくることになります。しかし井上氏は、カウベルと鐘をわざわざ違うところに配置するという細心さでした。すなわちカウベルは舞台の左右のドアの裏で鳴らしたのに対して、鐘は２階左側の客席のドアを開けて、その外で鳴らさせていました。つまり鐘の音がカウベルよりも高い位置から響いてくるように工夫していたわけで、その効果はかなりありました。昨年の復活のときも、詳しくは省きますが、井上氏は、舞台の外の空間の使い方に関して、細心な注意を払って、ミューザ川崎の構造・空間特性を生かした、かなり効果的な音響を実現していました。井上氏は、空間の中での音の響かせ方に関して、繊細な感性と新鮮な発想があって、すばらしいと思います。氏の今後のマーラー演奏、引き続き注目していきたいと思います。

  2009.07.13

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• ６月１３日サントリー、レック/東京交響楽団、マーラーの交響曲第６番

  大植/ハノーファーの偉大なマーラー９番の影に隠れてしまいましたが、6月にもうひとつ、すばらしいマーラーの演奏会を聴きました。大植さんのマーラー９番の興奮がやっと少しおさまってきた今、忘れないうちに書いておこうと思います。６月１３日サントリーホール、東京交響楽団第568回定期演奏会、マーラーの交響曲第６番。指揮はシュテファン・アントン・レックさんという人。この人のことは、この演奏会までまったく知りませんでしたが、風貌がどことなくテンシュッテットに似ているのからして好印象（＾＾）です。開演前にステージを見ると、カウベルの配置が実に気合が入っています。ステージ中央奥に、吊り下げられたカウベル８個が並んでいるのがまず目をひきますが、それだけでないのです。ステージ右奥の木琴のところと、左奥の打楽器群の中に、それぞれふたつずつのカウベルが、さりげなくおかれてあるのです。つまりステージの右から左まで、カウベルが実に３ヵ所に配置してあるわけです！（舞台上のカウベルは１ヵ所に置かれるのが普通です。）カウベルについてマーラーは、スコアに「放牧牛の鈴の音をリアルに模倣して。だが、この技術上の指示は描写的な解釈を許すものではない」と指示していますね。実際、このガランガランという音をきいても、アルプスに住んだことのない僕などには、アルプスののどかな放牧の光景は思い浮かびませんし、それほど牧歌的な感じはしません。しかしともかくカウベルの音が、現実世界ではありえない、平安、調和に満ちた世界を象徴したものだということは思います。あるいは世界そのものというより、そういう世界を志向し希求する存在を象徴するものだ、といったら的はずれでしょうか。このカウベルが出てくるのが、第一・第四楽章の途中の、平安で静かな安らぎの雰囲気の場面です。これら両端楽章ではカウベルが、このようなユートピア的世界が、はるか彼方の世界であって、現実にはありえないということを意味するかのように、遠くから（舞台裏から）響きます。そしてもうひとつ、カウベルが出てくるのがアンダンテ楽章です。アドルノのマーラー論をわかりやすく紹介している村井翔氏によると、この楽章は、”第一楽章展開部の挿入部や終楽章の第二主題部と雰囲気的に同質の非現実的な安らぎに満ちた音楽で、この楽章全体をまるごと「一時止揚」としてもよい。”（音楽の友社、「人と作曲家シリーズ　マーラー」234ページ）とあります。この楽章の本質をついた表現だと思います。この楽章全体が束の間の平安、束の間の魂の安らぎ、ユートピア的世界をあらわす。だからこそ、この楽章でのみカウベルが、舞台裏からでなく舞台上で、オケの中で鳴らされるのです。したがって、このアンダンテ楽章でカウベルを舞台上の複数箇所から鳴らすという方法は、通常のように一箇所から点音源としてカウベルの音が出てくるよりも、ステレオ的効果で舞台の広範囲から音が出てくることにより、この舞台全体が、そしてこの会場全体が、今この瞬間において現実と離れた異次元的平安世界である、ということをより明確に表現できる、すぐれた方法と思います。この方法、とっても賛同します。そもそもこのカウベル複数箇所配置方式に僕が気づいたのは、2006年サントリーホールでのアバド/ルツェルン祝祭管のコンサートのときでした。このときアバドは、大小さまざまのカウベル数個を１セットとして、舞台上の右と左にそれぞれ１セットずつ配置したのでした。いわば「カウベルの両翼配置」に、さすがアバドと感心し、いささか興奮したことを覚えています。この複数箇所配置方式は、それ以後の演奏会で遭遇したことがなかったので、思わず期待が高まりました。僕がもうひとつカウベルでこだわりたいのが、鳴らし方です。普通は手で持って揺らして鳴らしますよね。ユニークで素晴らしかったのが、今年２月のサントリーでのハイティンク/シカゴ響の演奏でした。このときハイティンクは、舞台上のカウベルを吊り下げておいて、それをマレットでそっとたたいて鳴らさせたのでした。これ、すばらしく繊細できれいな、もはや放牧牛云々を超越し、より抽象的普遍的な、夢のように美しい音でした。「放牧牛の鈴の音をリアルに」というマーラーの指示からは逸脱しているかもしれませんが、カウベルでこんな繊細な響きが出るなんて、驚きの聴体験でしたし、ハイティンクの意外に（失礼！）細やかな感性に、完全に敬服しました。このときはカウベルは１ヵ所配置の点音源方式でした。さてさて、話を今回の演奏会に戻しますと、今回は３ヵ所配置の面音源方式、しかも中央の主力部隊は吊り下げ方式なのです！アバドとハイティンクの良いところを合わせた最強の（？）布陣！これはどんなカウベルの響きを聴かせてくれるのだろうかと、いやがうえにも期待が高まりました。ただし一方で、これだけカウベルの舞台上配置を充実させてしまうと、カウベルが出払ってしまっているのではないか、それで第一・第四楽章のカウベルを便宜的に舞台上で鳴らしてすませてしまうのではないか、という一抹の不安がよぎりました。しかしそれは杞憂でした。レックさん、そんな安易なことはしません。第一楽章ではきっちりと舞台裏からカウベルを鳴らしてくれました。そして曲はいよいよ、アンダンテ楽章のカウベルのところに来ました。３ヵ所のカウベルが同時に静かに鳴らされます。その効果はいかに？・・・うーん、面音源の効果は確かにありますが、吊り下げ方式のメリットがない。折角中央の吊り下げカウベルから繊細な音が発信されている（はず）なのに、両脇のカウベルが通常の手持ち揺さぶり方式なので、普通のガランガランという響きになり、中央のカウベルの音色の繊細さが消されてしまったのは残念でした。。。これを聴いた僕としては、すべて吊り下げ方式のカウベルを複数箇所に配置するのがベストかと思います。どなたかそこまでこだわって演奏してくれないでしょうか。大植さんかエッシェンバッハさんあたりに期待したいところです。カウベルのことばかり書いてしまいましたが、それを別にしても、このレックさんの指揮による悲劇的は、それはそれはすばらしい演奏でした。第一楽章冒頭はやや速めのテンポで開始され、それが楽章全体の基本テンポなのですが、そこかしこに、微妙な「ため」や「揺らし」があって、マーラーのつぼをばっちりおさえ、単調に流れることがありません。第二主題も、躍動性と落ち着きの両面がどちらもしっかりと表現されています。これはなかなかすごいことです。第二楽章スケルツォも、同じようなスタイルで安心してきけました。そして第三楽章アンダンテ。レックさんはこの楽章では終始指揮棒を指揮台に置き、手だけで、ゆっくりとしたテンポでじっくり歌っていきます。レックさんがいかにアンダンテ楽章をいつくしんで大切に思っているか、それが充分に音として伝わってきました。アンダンテ楽章の演奏で、僕のこだわるもうひとつは、テンポ設定です。多くの演奏では、楽章前半部に比べて、楽章の後半の盛り上がるところ(練習番号59以降)でテンポをやや速めてしまいます。たとえば大植/大阪フィル。この楽章の前半はすばらしかったのですが、楽章後半で著しい加速をして、一気呵成に急いで駆け抜けてしまい、個人的には大きな不満を持ちました。これまで聴いた大植さんのマーラー(6,3,5,9番)で、唯一不満を覚えた点です。多くの演奏ではこれほど極端な加速をしませんけれど、テンポを早めることがかなり多いかと思います。なぜなのか。スコアを見ると、この楽章の音楽の頂点である練習番号60や61のところにNicht　schleppen（引きずらずに）と書いてあります。それで、引きずるまいとして、かえってテンポを早くしてしまう結果になるのだろうか、などと思っています。しかしレックさんは違いました。ここで歩みをまったく早めません。むしろ、もともとゆっくりの歩みをさらにテンポを落とし、じっくりと頂点の歌を歌ってくれました。結果的にはやや緊張が弛緩する感じもしましたが、こういう方向の演奏は大好きで、うれしかったです。そして第四楽章。ふたたび基本テンポはやや速めに戻り、マーラーのつぼをおさえた引き締まった演奏が繰り広げられます。この楽章でも、ところどころにある「一時止揚」的な憧憬の部分を、レックさんはとても大切に扱っていて、非常に好感が持てました。東京交響楽団も、実に良い音を出していました。先日、西村智美さんの指揮で復活をやったときとは別次元のオケの音。やはりオケの音は指揮者次第なのだなぁとあらためて思いました。なお、この日の楽章順は、いまどき貴重な第二楽章スケルツオ、第三楽章アンダンテでした。長くなりましたので、楽章順については、また別の機会に書こうと思います。レックさんのマーラー、大注目です。

  2009.07.08

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• 6月28日サントリー、大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィルの2009日本ツアー最終日、マーラー９番

  6月28日サントリーホール。大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィルの2009日本ツアー最終日、マーラー９番を聴きました。もう完全にやられちゃいました。舞い上がっちゃってます。当分地に足がつきません。変なこと書いてるかもしれませんがご容赦を。今回のツアー、マーラーばかりやってるとオケも息詰まってしまうでしょうから、あいだにベートーヴェンを配して、気分転換を図れるよううまく考えてあると思います。すなわち大阪でマーラー、広島でマーラー、これでやるべきことをやって一区切りをつけたあと、後半４日の連続公演を、名古屋でべートーヴェン、静岡でマーラー、東京でベートーヴェン、最後にマーラーと、交互に配されたというわけです。僕はもう、静岡のマーラーで、完璧な演奏と思い、充分に満足していました。この日ホールに向かいながら、「これだけ完成度が高い９番なら、今のうちに是非録音をしてほしいなぁ、それとももうドイツで録音をすませているのだろうか」などと考えていました。いよいよホールにはいってステージを見ると、なんと多数のマイクがあります。吊り下げられたのやら、舞台上に立ってるのやら、かなりの本数になります！「録音するんだ、録音の現場に立ち会える！」と、こちらの気持ちも引き締まりました。そして演奏といったら！静岡のそれを、さらにはるかに超えていく凄さでした。ホルン首席を筆頭に、金管軍団はますます絶好調で、音色の輝きも、パワーも、さらに一回りスケールアップした感じです。たとえばホルン首席のソロ。第一楽章後半の、フルートソロとかけあうパッセージの中で、柔らかい音から鋭く割る音まで、これほど音色変化が多彩で鮮やかな吹奏も稀有だと思います！たとえばトランペット。第三楽章中間部のソロの音色の美しさ、そして終楽章で神々しく突き抜けるロングトーン、しびれます。木管も、それぞれの個性がさらに一段と鮮やかに際立ち、冴えています。ティンパニの切り込みも、鋭さ充分、強烈さ充分。これらの結果として、とくに第二楽章や第三楽章は、個性ある音塊と音塊がぶつかりあうさまが立体的に彫り深く表現されます。ごつごつした隕石が、こすれあったりぶつかったりしながら目の前で交錯しているような醍醐味さえ感じます。これほどの体験は初めてです。これはすごすぎます。このオケ、どこまで行くのか。どこまで行けるのか。大植さんとの11年の共同作業で、このオケの潜在能力が相当に高まり、それが今この場で、完全に解放されているのでしょう。これが彼らの11年間の総決算。すばらしいです。そして、この響きで歌われる大植さんの歌の素晴らしさと言ったら。もう完全に、せつなさと喜びと、苦しみと幸せと、渾然一体となった世界に引き込まれるままです。だけど根底に、生命の素晴らしさの肯定がある。これが大植さんのマーラー世界！大植さんと大阪フィルの２月の５番で、マーラーを聴くということのひとつの究極を体験しました。今回の９番体験も、ひとつの究極です。しかもうれしいことに、５番とはまったく違う方向の究極です。実存をかけて音楽する大植さんのマーラーこそ、真のバーンスタインの後継者と思います。大植さん、これからもご健康でいらしてください。そして、そうしょっちゅうとは贅沢いいません、たまにでいいですから、マーラーを聴かせて下さい。バーンスタインの、その先のマーラー世界を。

  2009.06.29

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• 大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィル東京公演、ベートーヴェンプロ

  大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィルの2009日本ツアーも大詰め、最後はサントリーの２公演、27日がオールベートーヴェンプロ、最終日28日がマーラー９番です。当初僕は28日のマーラーだけ行くつもりでした。しかし26日静岡のマーラーから一夜あけた27日朝、ベートーヴェンも聴きに行きたいという思いが強まりました。調べると、当日券が50枚ほど出るということです。思いたって、午後早めに出掛けてしまいました。17時発売開始された当日券を無事ゲットして、ホールそばのカフェでコーヒーを飲み、18時半に開場とともに入場しました。本日のプログラムはエグモント序曲、ピアノ協奏曲第３番、交響曲第７番。ステージ上を見ると、オケのセッティングと離れた下手一番奥に、２曲目で使うピアノの横に、ハープが１台そっとおいてあります！今日の演目では使われない筈のハープ。見た途端に、あ～大植さん、アンコールをやるんだ！と期待が高まりました。団員が入場してきました。ホルン、フルート、オーボエとも、マーラーのときとは違った人が１番席に座ります。なるほどマーラーの１番組は今日は休養で、ベートーヴェン組の出番というわけなのですね。（きょうのホルン１番は、多分マーラーでは３番ホルンを吹いていた女性だと思います。）演奏がはじまりました。オケは静岡に続いて絶好調で、本当にいい響きで聴かせてくれます。ホルンは渋めのいい音だし、フルートもふくよかな豊かな音。充実したエグモント序曲、ピアノ協奏曲と続き、ソリスト小菅優さんのアンコールのときには、演奏が始まる直前に大植さんが一人でそっと出てきてオケの一番後ろの席に座って演奏にじっと耳を傾け、拍手をおくり、2曲のアンコールが終わると、またそっと(ご自分が拍手を浴びないように)退場していかれました。昨年の朝比奈隆生誕記念コンサートのときも同じ様な場面が見られました。大植さんのお人柄がにじみ出る、ほほえましいと言っては変かもしれませんが、素敵なシーンでした。休憩中には、ステージ奥にぽつんと置かれたハープが、念入りに調律されています。後半は交響曲第７番。終楽章はみなぎる生命力の爆発でした。今回の日本ツアー、マーラー９番とともに生命肯定、生命賛歌を歌うには、ベートーヴェンの交響曲の中でこれほどふさわしい曲もないな、と今回の選曲の必然性が納得できました。そして盛大な拍手の中で繰り返されるカーテンコールのあと、ついにハープがオケの方に運ばれ、セッティングされます。ハーピストも登場。あっ、それとともに、ホルン奏者がさらにふたり新たに登場してきました！うち一人はマーラーで１番を吹いているあの男性奏者です。今日は降り番のはずなのに、このアンコールを一緒に演奏したい、そのためにだけ準備し登場してきたのです。心意気を感じます。そしてアンコールが始まりました。やはり、やはり、忘れもしない、あの曲でした。今年２月の大阪フィル東京定期、絶望の叫びの５番のあとに、演奏された静かな祈りの曲です。。。。。あの２月の凄絶な５番のあと、お母様のご逝去、大阪での９番演奏、そしてお母様の眠る広島での追悼演奏。振り返ってみると、２月の５番演奏の苦悩が、そしてそのあとに演奏された異例のアンコールの祈りが、お母様のご健康状態を憂えてのことだったのかと、今すべてが腑に落ちます。。。大植さんの大変な思いは、僕には想像も及びませんが、ともかくこうやって大きな山を越えられた。そうして今回の日本ツアーでこうして生命の肯定にあふれた演奏の数々を聴かせてくださっている。アンコールを聴きながら、涙が止まりませんでした。長い長い静寂のあと、やがてわき起こった静かな拍手が次第にふくらみ、ホール全体を包みました。きょう、来て良かった。そして一夜明けた今日28日、ツアー最終日です。大植さんと北ドイツ放送フィルのマーラー９番、もう一度聴いてまいります。

  2009.06.28

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• 大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィル、静岡でのマーラー９番

  大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィルの2009日本ツアー、ツアーなかばの6月26日、静岡でのマーラー９番を聴いてきました。会場は、静岡駅からＪＲ東海道線で一駅、東静岡駅の駅前に、富士山を向いてそびえたつ、「グランシップ」という県立の複合文化施設。巨大な船のような外観がユニークです。ここは以前仕事の会議で来たことがありますが、本格的コンサート対応のホールがあるとは知りませんでした。コンサートが行われたのは「大地」という中ホールで、座席図によると、１階と２階をあわせて客席約1200席と、フルオケにはちょっと小さめのホールです。しかしステージの奥行きは充分に深く、フルオーケストラが余裕で並びます。客席にはさまざまな年代の方が見られ、そのなかで目立ったのが制服を着た高校生が大勢いたことです。あとで知ったことですが、大植さんは4月末に、静岡のとある高校のオケの指導に来て、最終新幹線ぎりぎりまで熱心に指導されたそうです。そのときの生徒さん達が多数聴きに来ていたのでしょう。オケ団員の入場とともに、会場一杯にすごい拍手が鳴り、コンマスの登場と共にその音量はものすごく上がり、まるで演奏が終わったときのようです。そして大植さんが登場し、さらにすごい拍手がわき起こりました。それが静まり、いよいよ演奏がはじまりました。第一楽章から、オケの調子は絶好調です。首席ホルンも完全に復調！そして木管セクションも、大阪のときも良かったですが、一段と良く鳴っていて、すばらしいです。これがこのオケの真の実力なのでしょう、これはすごい！通常はどうしても、なかなかオケのエンジンが全開しないうちに第一楽章が終わってしまうことが多いのに、これほどの鳴りっぷりの良さは、ほとんど遭遇したことがありません。演奏が始まる前は、「会議場兼用のホールだから響きがデッドかもしれない」という懸念がありましたが、まったく無用の心配でした。おそらく会議のときと反響板などを変えているのでしょう、必要な響きはしっかりあり、音の明晰性も充分で、とても良いホールです。小さいホールだけにオケとの親密性が強く感じられます。そしてなによりも大植さんの歌の素晴らしさ！大植さんは、大阪のときよりさらにのびやかに歌っていて、大阪のときに感じた多少の硬さのようなものが、すっかりとれている感じがします。続く第二楽章も、より楽しさが前面に出ているように感じましたし、第三楽章も、何もいうことありません。そして第四楽章。。。大阪のときの感想に、「この曲にこめる大植さんの思いが、音楽の響きに結実しきれなかった感じはありますが、」と書きました。今夜の演奏は、大植さんの思いが充分に、音の響きとして鳴っていた、と感じました。大植さんの生命肯定のメッセージが、あたたかく、高貴に輝き、そしてやがて、静かな祈りの静寂にかえっていきました。。。すべてを包み込む、大植さんの包容力の、なんという大きさ。。。ミューズの神は舞い降り、大植さんに祝福を与えたのでした。オケのコンディションの良さ、会場・観客との親密さ、それから、もしかして僕の耳が大阪で一度聴いたのでなじみやすかったこと、そういういろいろな要因が重なったためなのかどうか、良くはわかりません。何よりも、大植さんが広島で大きなけじめをつけられたこと（jupiterさんの貴重なレポートを拝見しました）が大きいのかもしれません。ともかく僕にとっては、奇跡的なコンサートでした。大植さん、あなたは素晴らしすぎる。

  2009.06.27

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• 大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィル大阪公演、マーラーの交響曲第９番

  ６月２１日、ザ・シンフォニーホール。大植英次/ハノーファー北ドイツ放送フィルによるマーラーの交響曲第９番を聴きました。今回の日本ツアーの初日です。あの大阪フィルとの５番のあとに聴く大植さんのマーラーですし、しかも９番ですから、楽しみの半面、こわいような気持ちも持ちつつ、がんばって大阪遠征してきました。５番のときの凄絶な苦しみを突き抜けたところに達した、ある種の落ち着きを感じられる９番でした。大植さん本来の、生命肯定的な音楽が聴こえて来て、ほっとしたというのが一番の思いです。テンポは極端な遅さではありませんが、遅めで、そして重要なフレーズの頭をじっくりと歌わせるところに、大植さんの歌心が良く現れていました。とくに第四楽章は、ゆったりした足取りで味わい深いものでした。きょうはツアー初日で、おそらく金管セクションにとってはコンディションを整えるのがしんどかったと思います。そのわりには金管は全体にいい音を出していました。ホルン首席（アシストなし）は今一つエンジンがからない感じで不調でした。その代わり２，３，４番奏者は力が入った吹奏で、首席の不調をカバーすべく頑張っていました。このオケは、飛びぬけてすごい奏者がいて圧倒的なソロを聴かせるというわけではないけれど、みなが大植さんとの強い信頼の絆で結ばれ、ひとりひとりが自分の役割を誠実に果たし、全員の力がまとまって、合奏としていい音をだしてました。きょうの演奏は、この曲にこめる大植さんの思いが、音楽の響きに結実しきれなかった感じはありますが、大植さんの生命肯定的メッセージと歌心を、ふたたびマーラーで聴けた、うれしいひとときでした。体調も５番のときよりもお元気そうでエネルギッシュで、何よりでした。

  2009.06.21

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• 藤井一興のメシアン「幼な児イエスへの２０のまなざし」を聴く

  ６月９日東京文化会館小ホール。藤井一興ピアノリサイタル、メシアンの「幼な児イエスへの２０のまなざし」を聴きました。バッハの平均律をピアノの旧約聖書、ベートーヴェンのソナタをピアノの新約聖書と言ったのはハンス・フォン・ビューローでしたっけ。彼にならい、２０世紀以降に書かれたピアノの聖書、ピアノの「最新約聖書」を挙げるとすれば、この曲しかあり得ないと思う。内容、規模、独創性、統一性、芸術的高み、どれをとっても前二者に比肩しうる、音楽史上の大モニュメント。こんな曲を作ってくれる人がいて、それを弾いて聴かせてくれる人がいる。本当にありがたいことです。僕が「まなざし」を初めて生で聴いたのは、もう１０数年前、カザルスホールでの藤井さんのリサイタルでした。古いメモ帳をひっぱりだして見たら、１９９４年１２月２４日とありました。なんと藤井さんはクリスマスイブの日に、この曲を演奏してくれたんですね。この日、メシアンの音楽にまだそれほど親しんでいなかった僕の耳に、信じられないほど美しい響きの波が繰り返し押し寄せ、酔いしれました。音楽のすばらしさとともに忘れ難いのは、終演後に舞台で藤井さんがお話されたことです。藤井さんは朴訥な口調で、メシアンの思い出を少し語り、そしてロリオ夫人のピアノ演奏のすばらしさを称え、自分はこの曲をロリオ先生の弾く千万分の一ほども弾けないけれど、きょう精一杯弾きました、と話されました。こんなすてきなピアノを弾くのに、なんと謙虚なお人なのだろう、と思いました。次にこの曲の実演に接したのは、２０００年秋、東京オペラシティタケミツメモリアルでのべロフでした。たしか彼が右手の故障から復帰したばかりのときでした。メシアンの伝道者べロフが自らに課すきびしい壁を乗り越えようとしているような、ひたすら禁欲的で求道的な音楽に聴こえてきました。２００２年春には、武蔵野市民文化会館小ホールでのアウスタブ。ベロフと対照的な、豊麗なひびきと喜びに満ちあふれた音楽でしたが、僕の求めたい方向とはちょっとずれを感じました。そして２００７年、おなじく武蔵野市民文化会館でのムラロ。繊細なタッチから生ずるやわらかく多彩な響きに魅了されました。こうした体験を重ねながらも、かってカザルスホールで受けた藤井さんの演奏の感動の記憶はうすれることなく続き、また藤井さんの演奏でこの曲を聴きたい、という思いがつのっていきました。その思いがことさら強まったのは、２００６年初頭に、藤井さんのフォーレとメシアンのリサイタル（東京文化会館小ホール）を聴いてからです。フォーレも美しかったですが、このとき藤井さんが弾いてくれた、メシアンの「にわむしくい」という曲といったら！ため息が出るばかりの、自然の息吹を感じさせる広がりある美しい響きにすっかり魅せられてしまいました。藤井さんによる「まなざし」を待ちわびる気持ちはますます強まるばかりでした。昨年（２００８年）はメシアン生誕１００周年。若手演奏家が「まなざし」に挑む機会は多いようでしたが、肝心の藤井さんがこの曲をなかなかとりあげてくれず、もどかしい思いで２００９年を迎えてしまいました。そして今回、藤井さんが「まなざし」を弾いてくれる場に、ようやく再び立ち会えたのでした。藤井さんの響きは、やはりすばらしかった。メシアンの楽譜から藤井さんの紡ぎ出す響きは、透明感ある光でまばゆくきらめくかと思うと、すーっと深みある余韻にうつろいゆき、そこからまた新たな光が鮮やかに現れてきます。藤井さんにしかできないやり方で蒸留されたような、夾雑物のない純粋な美が響く世界に、身をまかせ、心をゆだねることの幸福に、じっくり浸った２時間でした。このメシアン体験が、僕の中で時間とともに醸成されていくといいな、と思います。藤井さんのメシアンをふたたび聴くときのために。藤井さん、またどしどしメシアンを聴かせてください。

  2009.06.10

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• ノルディック・トゥリーを聴く

  5月28日、武蔵野市民文化会館小ホール。北欧の民族音楽に根ざした音楽の感動にたっぷりひたった夜でした。プログラムの前半は、ヨハンナ・ユホラさんというフィンランドの新進女性アコーディオン奏者が、ギタリストと組んでのデュオの演奏。ユホラさんは国際アストル・ピアソラコンクールで優勝経験があるというだけあって、リズムは切れが良く、ときにピアソラのティストもちりばめられた洒落た自作曲などを披露してくれました。センスの良い合いの手を入れるギタリストとの息もぴったりでした。アンコールには、出来立てでまだ題名がないという曲を弾いてくれました。そしてコンサートの後半は、今夜のメインで、ノルディック・トゥリーという、フィドル２丁とハルモニウム１台による３人組でした。この３人組、ふたりのフィンランド人と、ひとりのスウェーデン人による新結成のバンドということです。ケルト音楽的な味わいの古いメロディーの歌い回しは、ほのかな哀愁が込められて美しく、それだけでも涙がでるほど感動してしまうのに、さらにそこに、スウィング感覚に富んだ新しい息吹が即興的にどんどんと絡んでくる躍動感が重なります。じーんという感動と、るんるんと体が弾んでくる楽しさとの同時攻撃に、完全にやられてしまいました。この人達、ただ者ではない。解説によるとフィンランドには、ＪＰＰというフインランドを代表する伝統音楽バンドがあるのだそうですが、フィンランド人のふたりは、そのＪＰＰの創始メンバーとして長く活躍しているということでした。しかしさらに凄かったのが、スウェーデンのフィドル奏者ハンス・ケンネマルクさんという人でした。この人、いかつい顔に巨体の持ち主で、この人が持つフィドルはおもちゃのように小さく見えました。そして演歌にも通ずるようなこぶしを粘って歌うかと思うと、乗りの良いリズムで足をふみならしたり、ともかくその小さなフィドルと大きな体とが完全に一体化した動きで、体全体がまさに音楽している圧倒的な集中力と存在感でした。すごい聴き応え、見応えで、もうこの人からずっと目が離せないでいるうちに、休憩なしの70分がほんとうにあっという間に終わってしまいました。フィンランドやスウェーデンの伝統音楽というものは今回初めて聴きましたが、いやいや世界にはいろいろな音楽があり、いろいろな音楽家が、精魂こめて自分たちのディープな音楽世界を奏でているんですね。ああ素晴らしき音楽なり。

  2009.05.28

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• バッハ・コレギウム・ジャパン他によるモンテヴェルディの「ポッペアの戴冠」

  5月15日、新国立劇場中劇場で、モンテヴェルディのオペラ「ポッペアの戴冠」をみてきました。新国立劇場とバッハ・コレギウム・ジャパンの共同の主催で、鈴木雅明指揮、器楽陣はバッハ・コレギウム・ジャパン、歌手は森麻季、波多野睦美、外人歌手など、豪華メンバーによる上演でした。２回公演の初日でした。コンサートオペラ形式ということでしたが、オケはピットで演奏し、プロンプターもいて、歌手はみな暗譜です。暗く非常にシンプルな舞台に、照明で浮かび上がる歌手が、演技はほとんどせず、その場に立って歌を歌うという展開で、コンサート形式とセミ・ステージ形式の中間的といえる上演でした。物語は、古代ローマが舞台。美貌を誇るポッペア（森麻季、ソプラノ）が、ローマ皇帝ネローネ（レイチェル・ニコルズ、ソプラノ）を籠絡して皇后の座につこうと目論みます。皇帝ネローネはポッペアに骨抜けにされ、それを諫めた哲学者セネカは、ネローネから自殺を命じられ、それに従います。一方で皇后オッターヴィア（波多野睦美、メゾソプラノ）は、ポッペアを阻止すべく、ポッペアの夫オットーネ（ダミアン・ギヨン、カウンター・テナー）にポッペア殺しを命じます。オットーネは、やむなくそれを実行しようとしますが、愛の神アモーレにはばまれ、オットーネとその新たな恋人ドゥルジッラ、それにオッターヴィアはローマから追放され、ポッペアはネローネと結婚し皇后として戴冠する、という話。倫理や道徳が完全にこけにされる話で、これでいいの？と思うようなストーリーです。オットーネ役のギヨンさんが、神秘的な声で、悲しみと葛藤を内に秘めたオットーネの気持ちを切々と表現していたのがともかく素晴らしかったです。オッターヴィア役の波多野さんも、さすがの貫禄充分の歌唱でした。ポッペア役の森さんの歌はやや単調な感がありましたが、さすがに美声。ネローネ役のニコルズさんは、最初はちょっと調子がでない様子でしたが、尻上がりに声量、音程とも調子がでてきて、第三幕では、皇帝役にふさわしい輝きがあり、森さんとのソプラノ二重唱が聴き応えがありました。他では、ドゥルジッラ役の松井亜希さんも素敵でしたし、あと野々下由香里さんが急病の方の代役として、わずかですが出演するという、豪華な助っ人もありました。器楽陣も凄かったです。ヴィオリンは若松夏美さんと高田あずみさんの二人だけ、チェロが鈴木秀美さん、ヴィオラ・ダ・ガンバが福沢宏さん、チェンバロがいつもの鈴木優人さんのほか、もうひとり大塚直哉さんもいるなど、なんとも贅沢な合計12人だけのスーパー奏者集団で、精妙なアンサンブルを聴かせてくれました。特に今村泰典さんのリュートが、ところどころにずんと響く低音をきかせ、非常に効果的でした。初めて聴く曲でしたが、モンテヴェルディの音楽はどこをとっても本当に素晴らしいです。途中、庭で眠るポッペアを見守る乳母アルナルタ（上杉清仁、カウンター・テナー）のアリアが、聴いたことあるもので、ドーン・アップショーのアルバム「ホワイト・ムーン」の３曲目に入っている大好きな曲だったので、あっ、このオペラの中のアリアだったのか、と知り、うれしく聴きました。ユニークだったのが字幕でした。通常のように舞台両サイドの板状のパネルに１行ごとに表示されるのではなく、舞台の背景全体（黒幕のようなもの）を自由に使って、イタリア語の歌詞ひとつひとつに合わせて、日本語の言葉がぱっ、ぱっ、とリアルタイムで、歌手が歌うそばの背景に、表示されるものでした。こういうやり方を見たのは初めてです。フラッシュ方式というそうです。１行ごとではなくて単語ごとに表示され、言葉の意味が即時的につかめるので、言葉と音楽の関係が当意即妙でよくわかる、秀逸な方法でした。しかも字体の大きさや、並ぶ角度や、ときにはフォーカスなども微妙に調節して、それらも含めて自由にメッセージ内容を表現する斬新なもので、見事でした。もし通常のステージ形式だと、舞台装置の背景に日本語の言葉が並んで舞台装置の雰囲気を損なってしまうので、この方式は使えないでしょうから、コンサート形式の特性をうまく生かした、すぐれた方法でした。（初日のためか、途中ごく短時間、字幕が表示されないという小さなトラブルはありましたが、今後このような方式が普及してほしいです。）ここまで完成度が高い上演に接すると、今度はコンサート形式でなくてステージでの上演で見てみたいという欲がでてきます。モンテヴェルディのオペラは、2007年の北とぴあ音楽祭で「オルフェオ」を見たのが初めてでした。音楽がすばらしいことに加え、能の要素を適度に取り入れた気品ある格調高いステージで、圧巻でした。バロック・オペラにどんどんはまりそうです。

  2009.05.17

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• ショスタコーヴィチ　「ムツェンスク郡のマクベス夫人」

  ショスタコーヴィチのオペラ「ムツェンスク郡のマクベス夫人」を聴きました。５月１日、新国立劇場。新制作４回公演の初日でした。指揮する予定だった若杉弘が体調不良のため、代わってシンケヴィチというロシアの指揮者による指揮でした。僕はオペラ初心者で、細かなことはわかりません。新国立劇場も、最近足を運び始めたところです。それにしても新国立劇場の響きは実にオペラ向きに工夫され作られていると思います。デッドすぎず、響きすぎず、歌とオケがほどよいバランスで聴け、すばらしいです。さて「ムツェンスク郡のマクベス夫人」。この曲は、大分以前にチョンミュンフンのＣＤを買いましたが、ケチって輸入盤を買ってしまったため言葉の意味がさっぱりわからず、ちょっと聴いただけでお蔵入りしていたので、実質聴くのは今日が初めてでした。とんがった難解な音楽だったらやだなー、と心配しながら聴きはじめました。物語は集団暴行場面、性交渉の場面、殺人の場面と、淫乱・陰惨な場面が続きますが、音楽は思ったよりわかりやすく、劇的な展開にひきこまれ、全４幕、30分の休憩をいれて3時間半、充分に楽しめました。主人公カテリーナ役の、ステファニー・フリーデさん（ソプラノ）が、ほとんどでずっぱりでの大活躍、見事でした。なにしろこちらはオペラ入門したてですので、演出がどうのとか、演奏がどうかとかは良くわかりません。ともかくショスタコーヴィチの音楽に圧倒されました。劇的な迫力あり、絶妙な心理描写あり、皮肉っぽい浅薄なところあり、おもしろいです。とりわけ凄かったのが金管バンダの大活躍でした。２階左袖の客席に陣取ったバンダ軍団が、ときどき場所を変え、舞台上にも舞台衣装をまとって登場し、音響的に変化をつけたりして楽しめましたが、なんといってもところどころで鋭く強烈な叫びをあげ、登場人物の不安、絶望などを痛烈に表現するのにぞくぞくさせられました。特に最後近く、カテリーナが恋人に裏切られ絶望したところの叫びは、スポットライトで白く浮き上がった頭を抱える主人公の姿とマッチして、このうえないインパクトがありました。このオペラ、プラウダに批判されるまで、かなり人気が高く、繰り返し上演されていたということです。それもいかにも、と納得しました。ショスタコはエンターティナーとしての才能もすごいな、と思いました。もしプラウダの批判がなかったら、ショスタコはきっと、おもしろいオペラをいっぱい書いて、人気オペラ作家になっていたことだろう、と思います。芸術監督 若杉弘、指揮 ミハイル・シンケヴィチ、演出 リチャード・ジョーンズ、ボリス役 ワレリー・アレクセイエフ、ジノーヴィー役 内山信吾、カテリーナ役　ステファニー・フリーデ、セルゲイ役 ヴィクトール・ルトシュク、管弦楽 東京交響楽団。

  2009.05.04

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• マニャールの交響曲第一番（オネゲルの思いは？）

  このごろ、先日買ったブリリアントのマニャールの交響曲全集をきいています。なかなか良いです。とくに第一番を聴いていたら、面白い発見がありましたので、それについて書こうと思います。マニャール作曲 交響曲第一番この曲、ハ短調で、第一楽章冒頭は低弦の躍動的なリズム動機に乗って、勇ましいが影を帯びた行進曲風の主題で始まります。これが全曲の主要主題で、４つの楽章のそれぞれの重要なところで出てくる循環形式で、なかなかくせになる魅力を持った主題です。そして、この曲でもっとも印象的なのは、第四楽章の最後に長調に転じて、輝かしいコラールが金管を中心に高らかに奏でられるところです。このコラール、明るく、力強く、とても充実しています。曲はこのあとすぐ続いて、主要主題が長調で歌われて、堂々と幕を閉じます。全体にわたって前向きな信念ががっちりと揺るがずに立っている、充実した曲です。この見事なコラールの旋律は、第二楽章の主題であり、祈りとして静かに美しく第二楽章でうたわれていたものです。それが最後に力強く歌われるという仕掛けなんです。さておもしろいのは、このコラールのメロディ、どこかできいたことがあると思ったら、オネゲルの交響曲第二番の最後、トランペットが加わって歌われるコラールと、とっても良く似ているんです！全く同じではないんですけど、かなり良く似ています。メロディラインも似ているし、短調の交響曲の最後に明るく力強く歌われるという点も、すごく良く似ています。これはもしかしてオネゲルがマニャールのこの曲を意識して書いたのではないか、と思って、ちょっと調べてみました。ウィキペディアによると、マニャールはダンディの生徒で、最初の二つの交響曲はダンディの指導のもとに書き上げられ、第一番はダンディに献呈されたということです。ＣＤの解説にも、交響曲第一番はダンディの影響が強い、などが書かれています。しかし件のコラールについては具体的な説明はありません。マニャールは、1865年生まれ、1914年没です。第一次世界大戦が勃発したとき、妻と娘ふたりを疎開させ、自分は家を守るために居残って、ドイツ兵が侵入した際に発砲して、ドイツ兵士を射殺したものの、家に火を放たれて死んだということです。。。一方オネゲルはマニャールより27歳年下で、1911年にパリ音楽院に入学し、ダンディに指揮法を学んだということですので、ダンディつながりでマニャールの曲を知ったのかもしれません。今回、オネゲル著「わたしは作曲家である」をぱらぱらとめくってみたところ、マニャールのことがちょっとですけど、書いてありました！以下に引用します。オネゲル著 「わたしは作曲家である」吉田秀和訳、音楽之友社第９章 おのれを語る から（121ページ）（オネゲルが、自身が影響を受けた人を語っているところです）”だが、わたしの同級生のダリュース・ミヨーのそれも忘れますまい。彼は勉強し、はたらきかけ、一種の確信・発明の天賦・大胆さをもって、語りかけてくれたので、田舎出身の小心な少年はどぎまぎしてしまった。彼はわたしをあっちこっちにひきまわし、わたしの考えてもみなかった作曲家たちをみせてくれた ー マニャールとか、セブラックとか。それ以上に、彼は、わたしをとても愛してくれた。わたしも同じ愛でむくいた！”つまりパリ音楽院で同級生で親友となったミヨーを通じて、マニャールが強く印象づけられたようです。ミヨーから、他にもいろいろな影響をうけたということですから、ミヨーに感謝せねばです（＾＾）。オネゲルが交響曲第二番を書いたのは1941年。第二次世界大戦でドイツ軍の席巻する中で書かれた、戦争の苦悩がつまったこの曲の最後に、ひとすじの光明がさすようなコラールが、もしマニャールのこの曲を意識して書いたのだとすれば、オネゲルはどのような思いだったのか。先の見えない状況の中で、マニャールのこの曲の持つ前向きな強さ、肯定的な信念の強さに、希望の手がかりを求めたのかもしれません。対ドイツ、という次元ではなく、戦争を繰り返す人間という存在が持ちうる希望の手がかりとして。このコラール、元々フランスに伝わるなにかの旋律をもとにしているのか、それともマニャールのオリジナルなのか、どなたか詳しい方いらしたら教えていただけるとありがたいです。いずれにせよオネゲルにご興味ある方、マニャールの交響曲第一番、聴いて損はないと思います。いい曲です。

  2009.03.15

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• マニャール作曲 葬送の歌

  大植５番の衝撃に打ちのめされ、はや10日がたちました。まだまだ、ふと気がつくと５番の断片が頭に響いているし、どんよりと重苦しい気持ちは変わりません。それでもこのごろようやく音楽を聴きたいという気持ちが湧いてきました。最初はニューエイジの静かなサウンド、次いでＦＭ放送で静かなギターや歌などに身をゆだね、癒しがすすんできています。すぐれた演奏会に立ち会えたあとに、まれにある、感受性が妙に高ぶった状態で、何を聴いてもすぐぞくぞくっとした感興がこみあげます。きのうくらいからは大音量のオーケストラもようやく聴けるようになり、リハビリは順調のようです。きのうの朝、通勤の車中でＮＨＫ－ＦＭを聴きました。今の複雑な心境にふさわしい、美しいオーケストラ曲との出会いがありました。マニャール作曲 葬送の歌ＦＭの解説によると、1895年、マニャールが30歳のときの作品。マニャールは幼い頃母を亡くし、父に育てられ、その父が亡くなった折りに、書かれた作品ということです。曲の前半は、父の喪失をひっそりと嘆く悲哀の歌です。今の僕の心情にはなじみやすい反面、聴いているとさらに重苦しくなってくるので、「ちょっとこれ、今は聴くのがしんどい、やめようかな、スイッチを切ろうかな」と思いはじめたころでした。曲が少しずつ長調に転じ、ほんのりと光がさしこみはじめました。このあとの部分が本当に美しく、今の自分の心にじわーっとしみこんできました。さらにハープの穏やかな分散和音も加わり、長調の雰囲気が優位になっていき、やがて曲は、長調の主和音で静かにしめくくられました。父を弔い、父への想いを胸にいだいて生きていこう、そういう作曲者の心境を感じさせ、なにか救われるものを感じました。いい曲に出会えました。しかもこのあとにＦＭで流れたのが、オネゲルの第三交響曲。これも、曲の終わり近くのカタストロフの大不協和音の叫びのあと、静かな弦の旋律に鳥の歌がのり、悲しみをたたえつつもすべてを浄化してくれる美しい歌で、曲が結ばれます。なにかこの日の放送プログラムは、あの５番の衝撃にあえぐ僕のような人のために流されたのではないかと思うような選曲でした。あの日、大植さんも、５番の凄絶な演奏のあと、なんらかの浄化、なんらかのやすらぎを願って、あのアンコールを演奏したのでしょう。。。

  2009.02.27

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• 大植・大阪フィルの東京定期/マーラー5番

  2009年2月17日サントリーホール、大植英次・大阪フィルによる東京定期、マーラー５番を聴きました。大植さんのマーラーを聴くのはこれが３回目です。最初は大植・大阪フィルによる東京定期の第一弾となった６番、その後シンフォニーホールで行われた３番、そして今回の５番です。６番は、激しい身振りでオケをぐいぐいひっぱっていく強いエネルギーが印象的でした。３番は、全身をくねらせ、旋律を粘ってうたいあげる演奏で、美しく、明るく、生命を肯定するよろこびに満ちていて感動的で、特に第一楽章は類い希な名演でした。ぼくは、この３番のときの明るさと歌心に満ちた演奏に非常に感銘を受け、その後このコンビによるブルックナー７番を聴いたときも、旋律を充分に歌わせるところに大植さんの特徴と魅力を感じていました。そのため今回の５番を迎えるにあたって、同じように歌心あふれる、生命肯定的な演奏をなんとなく期待している自分がありました。もともと５番は、マーラーの交響曲の中ではそれほど思い入れが強い曲ではありませんでした。第一楽章、第二楽章の暗さから、第三楽章、第四楽章をへて、第五楽章の明るさが、どう聴いても唐突な明るさにきこえて、共感しにくかったのです。もちろんマーラーの曲ですから、好きは好きだし、アダージェットをはじめとしてあちらこちらに魅力は感じていましたが、前半のふたつの楽章が曲の中でかなりの重さを持つ一方、第五楽章がいわば「軽く」、肩すかしのような感じで曲が終わってしまい、「結局なんだったのだろうか」、という中途半端な印象が、長いことこの曲をきいてきても本質的に変わることはありませんでした。第四楽章はアルマとの愛を歌ったものであるという説を知ったり（異説もありますが）、作曲の途中にアルマと出会って愛が生まれ結婚したという事実を知ってからは、なるほど、この曲の後半はアルマと相思相愛の恋愛にはまって、嬉しくてしかたないマーラーが有頂天になって書いたのかな、と思ってからは、ある程度納得して、違和感は減りましたが、それにしてもマーラーにしてはつまらない曲だ、という思いが消えることはありませんでした。そのような僕の、大植さんの持つ明るい肯定的な歌心というイメージ、および曲に対する中途半端なイメージが、両者とも、完膚無きまでにうちのめされる演奏でした。今回の演奏会、まず驚いたのは、大植さんのやせぶりです。僕がその前に大植さんを見たのは、2008年7月、朝比奈隆生誕100周年の記念演奏会でした。そのときには、それ以前と同様、やや太り気味の恰幅いい姿でした。ところが今回、７ヶ月ぶりに見た大植さんは、ものすごくやせていました。最初モーツァルトのピアノ協奏曲の指揮者として出てきたとき、あれ、きょうはプログラム前半は違う指揮者が振るのかな、と思ったほどでした。それほどに、全身ひょろひょろっとして別人のようで、頼りなげで、ほおはこけていました。その姿・顔つきの変わりぶりに驚き、これが本当に大植さんなのかと思いつつも、自分に「いや指揮者の外見なんて音楽とはなにも関係ないことだ、音楽を聴こう」と言い聞かせて、その姿に慣れるように心がけました。しかし協奏曲が終わって、演奏会後半、マーラーの５番がはじまったとき、それ以上の驚きが待っていました。想像を絶する遅いテンポです。このテンポ、単に遅いということなら、たとえば井上喜惟（ひさよし）指揮・Japan Gustav Mahler Orchestraの演奏があります。どちらも同じように遅い。しかし今日の演奏は、遅いだけではありません。足取りが、ひどく重く、文字通り、ひきずるようです。ところどころ、音楽は本当によろめいて、つまづいて、ふらついて、今にも倒れて息絶えてしまいそうな、そういう場面が続きます。そして、そのような音楽を聴きながら大植さんを見ていると、ときどき倒れそうになるのを、指揮台の後ろに置かれた手すりにつかまってかろうじて耐えながら、指揮しているように見えてしまいます。（曲の始まる前と後の実際の足取りはしっかりしていました。）第二楽章も、まったく同じで、超絶的に遅く、超絶的に重い足取りです。まさに葬送行進曲ですが、これは、逝ってしまった者を弔う葬送行進曲ではなく、今生死の境を越えていってしまいそうな、ぎりぎりのところでの切実な苦しみ、しかももはや勝ち目はないことがわかっている、そういう葬送行進曲です。きいていて胸が重苦しくなり、大植さんの顔色が生気を失い、くぼんだ眼窩からぎょろっと見開いた眼が、幽霊のように見えてしまいます。「いや指揮者の外見なんて音楽とはなにも関係ないことだ」とは思っても、音楽はそのように響き、大植さんがそのように見えて仕方ないのです。大阪フィルのトランペット首席の秋月さん（３番のポストホルンのときも超絶名奏を聴かせてくれた人です）が、あるときは力強く輝かしく、あるときは沈んでくすんだ音色で、世界の超一流レヴェルの完璧な演奏をしてくれています。秋月さんを筆頭に、大阪フィルは本当に素晴らしい音をだして、大植さんに答えます。大植さんはかつてのような激しい大きなくねらすような動きは少なく、大音量のところはむしろ小さな動作でたんたんと振りますが、オケから出てくる大きな音の迫力は充分で、また逆に小さな弱いところでは大植さんはさかんに体を使って鋭く大きいキューを出し、それにオケがきっちりと反応して、張りつめた緊張感がいささかもゆるみません。第二楽章のクライマックスも、普通の演奏だと、あれっ、今のがクライマックス？と言う感じであっさりすぎてしまいがちのところを、遅く、重く、聴いていて受け止めるのがしんどいほどの、どっしりとした重い内容がありました。やっと第一、第二楽章が終わりました。とんでもない５番です。バーンスタイン晩年のマーラーをもし生で聴いたら、このようなものであったに違いない、と想像したりしました。第三楽章以降はいったいどうなっていくのだろう、と見守るうちに、第三楽章が始まりました。これが、今までとまったく同じ。遅く、重く、引きずる、陰鬱な、苦しい音楽です。ワルツ風のところでは、大植さんは指揮台の上で多少踊るように身をこなしますが、響いてくる音楽はちっとも楽しくきこえない。でも聴いていて、音楽に、どんどん引き込まれていきます。こんな深いスケルツォ聴いたことありません。ところどころ音楽はもの悲しくむせびなきます。そして次も、きわめて遅いテンポによるアダージェット。アルマとの愛の喜びを歌ったとされるこの楽章も、今夜の大植さんが奏でるのは、そのような喜びをはるか越えてしまった世界からの音楽。美しく重く、胸にひびきます。フィナーレも、同じでした。ひたすら遅く、重い。明るくなく、シニカルでもない。そして最後の金管コラールが登場する少し前の、練習番号２６あたりでの金管の咆哮が、今夜の演奏のクライマックスでした。この金管の咆哮はただならない重さで、大植さんの魂の奥から生ずる、言葉にならない叫びでした。地の底から轟くようなその叫びは、ものすごいテンションで、体中が圧迫され、息詰まりました。今にして思うと、１０番の不協和音の叫びと共通したものが確かにあったように思います。そして最後の金管コラールも、歓喜の歌ではまったくなかった。そのようにして、途方もなく重い５番演奏は終わりました。今夜の５番は、ひたすら重苦しく、まったく展望の開けない５番です。最初から最後まで沈痛な葬送行進曲の５番。もっとシャープな５番、もっと絢爛豪華な５番、めくるめく色彩変化の華麗な５番、純粋な音楽美としての５番、暗から明への変貌が鮮やかな５番はたくさんあります。しかしそれらの演奏のどれに接しても得られなかった深い感動、胸をえぐられる深い感動を受けた５番でした。５番ってこういう曲だったのだろうか。。。。いったいこのような５番をマーラーは意図していただろうか。無意識にはともかくとして、少なくともマーラーはこのような意図はしてなかっただろう、と僕は思います。シニカルな要素があるにしても、基本的には「葬送の暗→なんらかの明へ」という流れが基本的にある曲として書かれていると思います。今夜の演奏は、もはや作曲家の意図を越えてしまった５番と言えるのではないでしょうか。このような５番は、たとえ大植さんの演奏にしても、今後聴くことはないのではないか、このような演奏を、いつまでもはできないのではないか。そういう気がしてなりません。頭でこのように解釈した、ということでは決してありえない演奏、今の大植さんの実存から出てくる演奏、こうなってしまうしかない、という必然の演奏。そして会場の大きな喝采です。ぼくも心からの拍手を送りました。しばらく拍手喝采が続き、大植さんが何度かでたりはいったりしたあとでした。第三の驚きがありました。大植さんが指揮台の上にたち、拍手を沈め、おもむろにアンコール演奏を始めたのです。マーラーで、しかもあのような死力を尽くした究極の演奏のあとでアンコールとは！曲は、チャイコフスキーの組曲「モーツァルティアーナ」から「祈り」という曲でした。この演奏も、（普通の演奏というのを知りませんけれどおそらく）ものすごくゆっくりとした演奏でした。アンコールの最後、音は静かに静かに消えていき、そのあとしばらくホール全体が静寂に包まれ、やがて大植さんがおもむろの指揮棒をおろしたあと、ゆっくりと拍手が始まり、大きく広がりました。何に対する祈りだったのでしょうか。。。僕の中で５番概念がくつがえされました。これまでに僕の聴いたもっとも沈痛な、もっとも胸苦しい、そしてもっとも深く心を打たれた５番です。これまでのようには、もう５番を聴けなくなってしまった。マーラーの音楽を聴くことのひとつの究極を体験してしまった。そういった、重苦しい感動だけれど、かけがえのない体験をできたことに感謝する思いでいっぱいです。大植さんと大阪フィルの皆さん、心から、ありがとうございました。

  2009.02.22

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• ついにブログをはじめました

  長年不実行だったブログを、ついに始めることにしました。きっかけは、先日聴いた大植英次指揮、大阪フィルのマーラー５番の演奏会です。あまりにもすごい、僕の今までの生涯できいたなかで、究極の５番でした。このような５番はもう二度と聴けることはないように思います。空前にしておそらく絶後の５番。演奏会を聴いてからここ数日、音楽を聴く気にまったくなりません。頭のなかは、会場で聞いた５番の断片が、きれぎれに聞こえてきては消えていきます。この感想は、自分のためにどうしても文章化しておきたい、そう思って書いたものです。それを他の方にも見ていただければと思い、ブログをはじめた次第です。

  2009.02.22

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