まいかのあーだこーだ

[映画・アニメ・音楽] カテゴリの記事

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  「鬼滅の刃」女性作家が描く少年漫画。

  かつて漫画の世界には、男性作家が、少年を主人公にした少年漫画を描き、女性作家が、少女を主人公にした少女漫画を描く、という自然な住み分けがありました。もちろん例外はあって、手塚治虫や赤塚不二夫は、「リボンの騎士」や「ひみつのアッコちゃん」を描いたし、永井豪や和田慎二は、「キューティーハニー」や「スケバン刑事」を描きました。けれど、こうした男女の住み分けが本格的に壊れたのは、やはり宮崎駿が「ハイジ」を手掛けて以降だと思います。その後の宮崎駿は、一貫して少女を主人公にした作品だけを発表しつづけ、女性作家以上に、魅力的な少女像を作りあげたからです。吾峠呼世晴の「鬼滅の刃」では、ちょうどそれとは逆のことが起こっています。ついに女性作家が、男性作家以上に、魅力的な少年像を作りあげる時代がはじまったのかもしれません。「12鬼月」と「9柱」と「鬼舞辻」の由来。禰豆子（ねずこ）の名前と、背負い木箱や彼岸花の由来。LiSAが育った山奥の一軒家。岐阜県関市は刀剣の産地！「鬼滅の刃」ヒットの理由は？分析と考察「鬼滅の刃」ヒットの理由は？分析と考察…その２「鬼滅の刃」と桃太郎伝承のちがい。

  2021.01.08

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  「アーヤと魔女」母親の謎を考察。

  宮崎吾朗/ジブリ/NHK「アーヤと魔女」を見ました。あまりにも唐突な終わり方だったので、なんだか放り投げられた感じです…世間の子どもたちは、あの終わり方をどう思ったのか分からないけど、大人としては、あまりにも未回収なことが多すぎて、思わず謎解きをせずにはいられません！◇冒頭のシーンで、バイクにまたがったアーヤの母親は、黄色い車（シトロエン2CV）に追われており、後ろにミミズをぶちまけて逃げおおせました。あの黄色い車は、かつて彼女がマンドレークやベラ・ヤーガとともに、「Earwig」（ハサミムシ）というロックバンドで活動していたころに、３人で乗りまわしていたのと同じ車です。車のナンバーは「MYA-13W」。（Mandrake/Yaga/A●●●-13Witchの意味かもしれません）現在、その車は、マンドレークの屋敷のガレージに置かれています。アーヤは、その車のなかから、Earwigの「Don't disturb me」というレコードを、もち出したのです。ラストシーンでは、アーヤがベラ・ヤーガに、「黄色い車でピクニックに連れてって」と頼んでいます。ちなみに原作での主人公の名前は「Earwig」ですから、彼女の母親は、バンドの名前をそのまま娘につけたのです。◇アーヤの母は、孤児院に次のような置手紙を残しました。仲間の12人の魔女に追われています。逃げ切ったら、この子を返してもらいに来ます。彼女は、黄色い車に追われていたわけですが、あれを運転していたのは、おそらくベラ・ヤーガです。マンドレークは男性ですから、アーヤの母をふくめて13人の「魔女」がいるわけですね。かりにマンドレークが、カリスマ的なロックスターだったのだとすれば、（どう見てもジョン・レノンにそっくり！）13人の魔女仲間とは、取り巻きのグルーピーだったのかもしれません。そのうちの一人（アーヤの母）が抜け駆けをして、マンドレークの子供を身ごもってしまい、ほかの魔女仲間から追われる身になったのではないかしら？だとすると、マンドレークは、アーヤの父親である可能性が高いし、マンドレークとベラ・ヤーガは、「アーヤが誰の娘なのか」を承知のうえで引き取った可能性がある。ベラ・ヤーガがアーヤに厳しいのは、かつてミミズをぶちまけてきた宿敵の娘だからであり、マンドレークがアーヤに甘いのは、ほかならぬ自分の娘だからなのかもしれません。ラストシーンで、アーヤの母が娘を引き取りに来たのは、彼女が「12人の魔女仲間」から逃げ切ったからだと思うけれど、しかし、そこには宿敵ベラ・ヤーガがいるのです…。屋敷の周囲には、クリスマスツリーがあり、屋上には「Don't disturb me」のイルミネーションが飾られています。◇ちなみに、Earwigの「Don't disturb me（邪魔するな）」の歌詞はこうです。あぁ悪魔は冷えた竃の中で灰をかぶりアカギレ裸足の娘が泣いているいつまで待てば夢の王子様が白馬で迎えに来るのさ…これは「シンデレラ」のことでしょうか？お城の塔では玩具に囲まれて青ざめた顔で王子は引きこもり百個の鍵を部屋の扉にかけて女はママしか知らないあぁ愚かな王子、あぁ醜い娘よあぁ扉は開けるためについてるのさ…これは「ラプンツェル」のことでしょうか？◇宮崎吾朗の「山賊の娘ローニャ」もそうだったのですが、「シンデレラ」も、「ラプンツェル」も主人公の少女が、悪い大人（親）の呪縛を乗り越える物語になっています。山賊の娘ローニャは「わたしは山賊にはならない！」と宣言します。少女たちは、親世代の「悪」をけっして引き継がないのです。シンデレラやラプンツェルに登場する大人たちは、少女にとっての「模範」ではなく、むしろ悪しき「反面教師」です。それらは少女の成長物語なのですが、少女が大人になる、ということは、けっして「親世代と同じ」になることではない。むしろ、親世代とは違う道を選ぶことなのです。そこには、悪い大人（親）と同じような生き方をしない、という強いメッセージがあります。たとえばラプンツェルにとって、塔の内側は、けっして安息の空間ではなく、生きる屍にされてしまうような恐ろしい場所です。塔の上には、鐘ではなく、死人の生首が吊るされているのかもしれません。だから、外に出るためには、みずから扉を開けなければならないのです。アーヤはそれを、軽々とやってのけます。

  2020.12.31

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  LiSA MステLIVEの舞台セット

  ミュージックステーション ウルトラSUPER LIVE 2020。LiSAの舞台セットが、今年見たなかでいちばんカッコよかったので、思わず画像保存(笑)

  2020.12.27

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  ベートーベンの室内楽について。

  NHK-FMのベートーベン250。第四夜は室内楽の特集でした。「ラズモフスキー」や「クロイツェル」の話かと思いきや、ゲストがチェリストの長谷川陽子だったこともあり、おもにチェロの作品を取り上げていました。◇あくまで個人的な印象ですが、ベートーベンの室内楽作品は、シューベルトやブラームスあたりの室内楽とは、だいぶ違うんだなあ、と思う。楽器どうしの秘めやかな対話、といった感じの音楽じゃない。つまり「ダイアローグ」の要素が少ないように感じます。これはベートーベンの性格の問題でもあるだろうし、あるいは聴力を失ったことにも関係するのかもしれませんが、弦が響き合う滋味深さみたいなものは、あまり感じない。◇主役が弦楽器に置き換わってはいるけれど、前半生の室内楽作品は、ピアノ協奏曲に近いし、後半生の室内楽作品は、ピアノソナタに近い。いわば、ピアノで歌う代わりに、バイオリンやチェロで朗々と歌っている感じです。外に向かっているか、内に向かっているかの違いはあっても、基本的にベートーベンの室内楽は「モノローグ」なのだと思いました。徹頭徹尾、ひとりで語り、ひとりで歌っている。◇共演という意味では、むしろ「三重協奏曲」なんかが、すごくベートーベンらしい。スター演奏家どうしが、火花を散らしながら、全力でぶつかっていく感じ。このあいだ、Eテレで、ヨーヨーマと、アンネゾフィームターと、バレンボイムの競演を見たけど、華やかで、見てるだけでワクワクするし、理屈抜きで楽しかったです。

  2020.12.22

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  ベートーベンの声楽曲と、歌劇「フィデリオ」。

  NHK-FM「ベートーベン250」。第五夜は、望月哲也と奥田佳道が声楽曲を解説。歌曲のほかに、「フィデリオ」「エグモント」「ミサソレムニス」をとりあげました。歌劇「フィデリオ」についての話は、途中、地震情報で話が中断されたけど、要は、オペラにあってもなお、やっぱり「愛や平和や正義」を描くのがベートーベンだった！ってことでしょうか。クソ真面目な名作ではあるけど、悪くいえば、エンタテインメント性に欠ける。◇ベートーベンが、オペラで成功できなかったのは何故か。たしかに「観客の理解を得られなかった」という説明は、間違ってはいないけれど、逆にいえば、ベートーベン本人も、本気で観客の期待に応えようとはしなかった、ってことですよね。たとえばロッシーニ流のオペラなら、あるいはモーツァルト流のオペラだったら、もっともっと歓迎をもって受け入れられていたはずです。でも、ベートーベンは、その種の迎合をしなかった。第一夜の加藤昌則の話では、「ベートーベンもロッシーニを好んでいた」とのことでしたが、すくなくとも「フィデリオ」を聞くかぎり、彼は、ロッシーニのことも、モーツァルトのことすらも、オペラを書くための模範にはしていません。◇歌劇「フィデリオ」の特徴として、女性による救済が描かれる、ということがあります。さらに、合唱の見せ場が多いこと、ラストで歓喜と祝祭の大合唱になることがあります。わたしが思うに、そこでベートーベンが意識していたのは、ロッシーニでも、モーツァルトでもなく、おそらくゲーテとヘンデルなのだろうな、ってことですね。女性による救済というのは、ゲーテの題材でもあります。「エグモント」でも「ファウスト」でも、主人公の男性は、女性によって魂を救われます。「フィデリオ」はゲーテの作ではないけれど、やはり女性による救済という点で一致しているし、これは、ワーグナーの歌劇にも通じる特徴ですよね。◇一方、ベートーベンは、ゲーテの文学だけでなく、ヘンデルの音楽のことも、かなり意識していたと思います。これはベートーベンに限ったことじゃなく、当時としては一般的な価値観だったと思うけど、バッハよりも、はるかにヘンデルのほうが格上だった。ベートーベン自身、バッハ以上にヘンデルを尊敬していた。バッハが本格的に評価されるのは、ベートーベンの時代より後です。現在でこそ、ヘンデルは、バッハや、ドイツの他の作曲家と比べて、「ドイツ人らしからぬ作曲家」だとか、「ドイツ人のわりには軽めの作曲家」だと思われてますけど、当時の認識は、まったくそうではない。オペラからオラトリオに転向して、傑作「メサイア」を作りあげたヘンデルは、イタリアやフランス出身のオペラ屋とは違って、むしろ真面目な作曲家だと思われていたはずだし、とくに「メサイア」の偉大さと崇高さは際立っていました。英国で（しかも英語で）書かれていたとはいえ、ドイツ人によるゲルマン語の作品が、世界に轟くような金字塔を打ち立てたことは、ドイツの音楽家にとっても誇りであり模範だったと思う。メンデルスゾーンの復興上演によって、バッハの「マタイ受難曲」が評価されるようになったのも、その前提として、ヘンデルのオラトリオへの評価が、一般的に確立していたからだと思います。つまり、ヘンデルは、いま思われているよりも、はるかに「重みのある作曲家」だったのですよね。◇ハイドンやメンデルスゾーンが、なぜオラトリオに取り組んだのか。ベートーベンやマーラーが、なぜ合唱付きの交響曲に取り組んだのか。ヘンデルのオラトリオを抜きにしては考えられません。さらにいえば、ベートーベンとワーグナーのクソ真面目なオペラも、わたしは、ヘンデルを意識した結果なのだろうと思う。歓喜と祝祭の大合唱というのは、ほかならぬヘンデルの「ハレルヤ」を模範にしているはずです。◇ベートーベン以降の作曲家たちは、みなベートーベンの呪縛に苦しんだわけですが、ベートーベン自身は、おそらくヘンデルの呪縛に苦しんだだろうと思います。結局、ベートーベンは、オペラやオラトリオで成功を収めることができず、むしろ交響曲（第９）によって、ヘンデルのオラトリオを乗り越えることができました。逆にワーグナーは、オペラによって、ベートーベンの交響曲を乗り越えたのだと思います。

  2020.12.21

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  仲道郁代とベートーベンのピアノソナタ。

  NHK-FMのベートーベン250。仲道郁代はピアノソナタを解説。前半の話は「らららクラシック」でも聞いた内容だったけど、むしろ面白かったのは後半の話。ベートーベンの音楽は、ショパンやシューマンとは違った意味で泣ける。という話が印象に残りました。ロマン派ではなく、古典派で泣ける。感情や物語ではなく、形式や論理で泣ける。それは、「悲愴」2楽章の"ため息"と"天使"のモチーフの組み合わせが、結果的にラブソングのような叙情性を生む、ということでもあるし、とりわけ後期の五大ソナタのなかで、現代音楽みたいな「29番」や、ジャズみたいな「32番」が、人生や世界に対する切実な問いになる、ということでもあるし、ブレンターノ家の女性に向けられた「30番」や「31番」が、無二の愛情の証しになったりする、ということでもある。つまり、使われているモチーフが、たんに楽曲構成の道具盾ではなくなる瞬間があるのですね。論理的、あるいは数学的な音楽が、なんらかの叙情になるというのは、バッハに近いかもしれない。◇ベートーベンと仲道郁代との組み合わせは、どうにもミスマッチな気がしていたけど、（どう考えても「ベートーベン弾き」には見えないから）今回の話を聞いて、ベートーベンそのものの認識が、ちょっと変わりました。

  2020.12.20

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  加藤昌則とベートーベンのピアノ協奏曲。

  NHK-FM、五夜連続の「ベートーベン250」。宮川彬良の「運命／さがるぞー！」も面白かったけど、毎晩、交響曲以外のジャンルを徹底解説してくれたのが嬉しい。◇14日の第一夜は、加藤昌則によるピアノ協奏曲の全曲解説でした。基本的に、古典派以降のコンチェルトが、「モテるための音楽」「外に開かれた音楽」だというのは、きっと正しいのだと思う。とりわけ作曲家自身が初演することの多いピアノ協奏曲は、自分の名を売る「興行」としての意味合いが強かったでしょうね。パガニーニやリストがリサイタルを始める前夜の時代だけど、ベートーベンもかなりの名手だったらしいし、きっと女性ファンが華麗な演奏に痺れたんじゃないでしょうか。◇ブラームスあたりになってくると、演奏家どうしのダイアローグみたいな要素が強くなって、ちょっと玄人向けのモダンジャズっぽくなるというか、あるいは室内楽っぽくなってしまうけど、本来のコンチェルトというのは、あくまで観客にむけてスター演奏家の魅力をアピールするための、かなりエンタテインメント性の強いジャンルだったのだと思う。いわば、ソリストを主役にした「伴奏付き一人芝居」みたいなものですよね。わりと物語性も強いし、ケレン味があって分かりやすい。ところどころで主役が見得を切るための、絶妙なタメとか見せ場とかも用意されている。ある種の自己陶酔的な世界を、オーケストラが背後から盛り立てる。これを、３楽章構成で変化をつけながら面白く聴かせる。第１コンチェルトが、ロッシーニのオペラみたいなのも、きっとその物語性のゆえなのだろうし、第３コンチェルトが、暗い短調の曲になってるのは、あえてミステリアスな面を見せる演出なんだと思う。ちょっと影のあるベト様も素敵だわ！的な(笑)。◇ベートーベンの場合、交響曲やピアノソナタでは作曲が後半生にまで及んで、おのずと内省的な傾向も強まったけど、ピアノ協奏曲のほうは、まだ耳が聞こえていた前半生の５曲のみ。それだけに、若さがあって、創意にあふれてて、１曲ごとに分かりやすい個性の違いもあるし、出世欲もあっただろうから、サービス精神も感じられる。９曲の交響曲のほうは、正直いって「偶数番が弱い」という印象は否めないけど、むしろ５曲しかないピアコンのほうが捨て曲がないと思いました。

  2020.12.19

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  ベートーベンの人気ランキング。やっぱり７番がっ！

  NHKの『らららクラシック』。「あなたが選ぶベートーベンBEST10」では、1位が「第９」、2位は「第７交響曲」でした。「運命」は5位に、「田園」は6位にとどまりました。さらにFMの『かけるクラシック』では、1位が「７番」、3位がまさかの「８番」という結果に！(笑)なんと「第９」は5位にとどまり、「運命」や「田園」は10位内にも入っていません。「ベートーベンの交響曲といえば３・５・６・９」などと言ってたのは、もはや過去の話。まさに隔世の感があります。◇「のだめ効果」とはよく言われるけれど、すでにドラマの放送から14年も経っているし、上野樹里も、「のだめ」のイメージを完全に払拭して、いまはむしろ「朝顔」の女優さんになっています。つまり、現在の「ベト７」の人気というのは、たんなる一時的なブームを超えて、完全にクラシックの市場に定着したのだと思う。そして、このことによって、ベートーベンに対する認識も、根本から変わってしまった気がします。従来のように、「苛酷な運命に翻弄された苦悩と努力の人」だとか、「眉間にしわを寄せたイカつい権威主義者」だとか、そういうイメージは過去のものになった。むしろ、ベートーベンは、「革命期の市民社会に颯爽と現れた若々しい革新者」というイメージに変わってきたし、それは歴史的にも正しいのだと思う。ハイリゲンシュタットで書かれたのは「遺書」ではなく、「覚悟」と「決意」の手紙だったという解釈に変わってきた。フルトヴェングラー流の、ドイツ音楽の権威を誇るような荘重なベートーベンではなく、カラヤン流の、若々しくてカッコいいベートーベンが定着したともいえます。最近では、古楽志向もあいまって、さらに軽やかに演奏されるベートーベンも少なくありません。◇「のだめ」によるベト７のブームを、冷めた目で見ていた人たちもいるだろうけど、そもそも、クラシックの名曲というのは、なんらかの「ブーム」をきっかけにして生まれる場合が多い。たとえば、バッハの「ゴルトベルク」が有名になったのは、グールドのピアノ演奏がきっかけだし、ヴィヴァルディの「春」が有名になったのは、イムジチ楽団のレコードがきっかけだし、ショパンの「ノクターン」が有名になったのは、映画『愛情物語』がきっかけだし、Rシュトラウスのの「ツァラトゥストラ」が有名になったのは、映画『2001年宇宙の旅』がきっかけだった。クラシックとはいっても、名曲としての評価が確立するのは、案外、一時的な「俗受け」がきっかけだったりするわけで、かならずしも「のだめ」のベト７ブームだけが例外ではない。◇従来のベートーベン像は、「運命」だとか「田園」だとか、表題/標題のイメージに引きずられてる面が多分にあって、もちろん「月光」「悲愴」「熱情」もそうですね。そうしたイメージばかりが先行した結果、音楽そのものを虚心に聴く姿勢が欠けていたとも思います。昔、FMの番組で、はかま満緒が、「第９は合唱がはじまるまで退屈だ」と言ってたのを聞いて、すごくゲンナリしてしまった覚えがあるんだけど、昔の日本人のベートーベン受容なんて、その程度だった。つまり、運命といえばダダダダーン。第９といえば天婦羅そばの合唱。そして、学校の音楽室に飾られたベートーベンの厳つい肖像画。そういう先入観だけで受容されていたにすぎない。それが、最近は、ようやく変わってきた。若い世代は、もっと虚心にベートーベンを聴くようになりました。◇第７番には表題がありません。だから、なおさら先入観なしに曲と向き合うことができる。そこでは、リズムが炸裂しています。舞踊ではなく、むしろ舞踏。ロックというより、むしろファンクに近い。そのくらいグイグイいくような推進力です。この7番を中心にして、ベートーベンの他の作品を聴きなおすと、たとえば５番や９番の聴こえ方まで変わってくる。一般に７番は「リズムの権化」といわれてるけど、じつは５番の終楽章だって、十分に「リズムの権化」なのです。さらに第９のスケルツォだって、かなり「リズムの権化」なのです。ちなみに、わたしの推し曲は第９のスケルツォです！ めちゃカッコいい！そこにあるのは、けっして重々しい権威主義ではなく、むしろ若々しい革新性です。５番を勝手に「運命」などと名づけたのが、アントン・シンドラーだったのか、日本のレコード会社だったのかは分からないけど、あの交響曲を終楽章まで聴けば、むしろ運命の呪縛を突き抜けていく姿が見えてくるはずです。あれは重々しい「運命」に支配される曲ではなく、むしろ「運命の突破」の曲なのです。◇それはそうと、わたし自身、ベートーベンといえば、やはり交響曲やピアノ曲という思い込みがあったのですが、それを変えるためにも、このメモリアルイヤーをきっかけに、今後は、晩年の弦楽四重奏曲も聴いてみようかなと思ってます。

  2020.12.14

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  「関ジャム」の松任谷正隆。

  テレ朝『関ジャム』のゲストは松任谷正隆。今回の話を聞いて思ったのは、ユーミンにとって、松任谷正隆は、ほんとうに「最良の編曲家なのだろうか？」ってこと。そのことに疑義が生じてしまいました。何をもって「最良」と考えるかは、個々人の価値観や好みの問題だと思うけれど、すくなからず、松任谷正隆時代 ＜ キャラメルママ時代と思ってる人はいるのではないでしょうか？◇◇94年の「春よ、来い」のアレンジに対して、ユーミン本人は「ちがう」と言ったらしいけど、正直な話、あの曲をはじめて聴いたとき、わたしも「ちがう」と思いましたよ。テキトーな古語を用いた日本語が嘘くさい、というだけでなく、曲の世界観そのものが強烈に嘘くさい、と思いました。朝ドラのためにでっちあげた愚曲だと思ってたけど、犯人が松任谷正隆だったとは意外です(笑)。あの頃から、ユーミンの音楽は、どんどん嘘くさくなった。しかも、歌詞にあわせて編曲しているのではなく、編曲にあわせて歌詞を書いている、という衝撃の事実…。このことをどう受け止めるべきなのでしょうか。90年代以降のユーミンの才能が枯渇したのは、音楽業界全体の構造変化の結果でもあるだろうけど、同時に、アレンジャーである松任谷正隆の才能が枯渇した結果でもあった。そうも思えてくる話です。ちなみに、事情は色々あるだろうけど、曲によって夫婦の意見が食い違うのなら、そのつど別のアレンジャーを立ててもよいのでは？とも思う。◇◇もうひとつの重大なエピソード。わたしは、84年の「ノーサイド」の神がかったイントロは、松任谷時代のものとしては、もっとも"キャラメルママ的"なものだと思ってたのに、じつは、あれを作ったのは松任谷ではなかった！という話。かといって、ユーミン自身でもない。高水健司が吉川忠栄の曲のために作ったものだそうです。たぶん「TWO IN LOVE」という曲じゃないでしょうか。ちなみに、この当時、吉川忠栄はユーミンの曲も歌っていました。当時のクリストファー・クロス風AORではあるけど、本来、あのようなフレーズやサウンドは、「フォークの歌心」とか、「ジャズ・フュージョンの感性」といった要素がないと、生まれて来ないものだろうと思います。キャラメルママには、それがあったのでしょう。そうでなければ「海を見ていた午後」のようなアレンジは不可能です。アルバム『NO SIDE』のころには、まだ林立夫などキャラメルママ時代のメンバーも加わってました。しかし、松任谷の単独のアレンジとなると、そうした要素は失われてしまうのかもしれないし、それはユーミン自身にも乏しいものなのかもしれません。はからずも、松任谷夫妻の音楽性がもつ限界を知った気がしました。

  2020.11.30

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  松原みき「真夜中のドア〜Stay With Me」が世界的なヒット。

  松原みきの「真夜中のドア」が世界的にヒットしているそうです。1979年の曲だから、じつに40年も前！インドネシアのRainych（レイニッチ）という女の子が、これをカバーしたのがきっかけのようで、竹内まりやの「PLASTIC LOVE」に続いて、またも日本のシティポップが海外で再発見された形です。わたし自身は、とくに原曲に思い入れがあったわけじゃないけれど、たまたま最近、中島愛の歌ったバージョンを聴いて、この曲がちょっとしたマイブームになっていたので、今回の世界的なヒットにもシンクロしてしまいました。あらためて原曲を聴くと、やっぱりいいですね。都会的だけれど、ちょっと切ない。林哲司が初期に作った曲です。竹内まりやの「SEPTEMBER」あたりと同じ頃の作品。◇林哲司のサウンドは、まさに当時の最先端だったAORそのものですけど、そこに、歌謡曲のウェットな要素も、絶妙に織り込まれている。とくに、「♪帰らないでと泣いた…」のところは、ちょっと《演歌的》だとさえ言ってもいい。洋楽的な感覚と、歌謡曲の叙情性が、なんともいえず見事な塩梅になっていて、かつては宮川泰も、彼の作品を誉めていました。ちなみに宮川が絶賛していたのは原田知世の「愛情物語」。こういうテイストが欧米でも理解されるようになったら、いよいよ歌謡曲が世界化していくのかなと思います。

  2020.11.22

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  斉藤由貴 with 上白石萌歌 こと adieu！！

  すっかり情弱なもので、なにも事前情報を知らないまま、由貴ちゃんのリモートライブを見てたら、とつぜん萌歌が登場したのでびっくり！二人のトークを見るのは初めてでした。なんともいえない幸福感。◇映画の共演がきっかけだとは思うけど、でも、それだけの理由で、由貴ちゃんがライブゲストにまで呼ばない気がする。わたしもそうだけど、きっと由貴ちゃんも、萌歌の才能に惚れているんだろうな。たんに、若くて、可愛くて、勢いがあるとか、お芝居も出来て、歌も歌えるとか、それだけの理由じゃなく、端的にいうと、萌歌は、自分でプロデュースする能力があるタレントだと思うのです。頭もよくて、人望もあって、自分なりの文化を作っていけるセンスがある。そういう部分でこそ、斉藤由貴をさらに超えてほしいのですよね。東宝は、音楽でも、映画でも、舞台でも、イベントでも、彼女自身にいろんな企画をさせてみてほしいと思います。◇それはそうと、萌歌が「歌いたかった」という由貴ちゃんの曲って、もしかしたら「月野原」なのでは？！あるいは「雪灯りの町」なのでは？！…と思いましたが、答えは「かなしいことり」でした。いやあ、中島愛といい、田村芽実といい、みんな「かなしいことり」が好きですよね…。(^^;萌歌が、悪気もなく、「この曲は斉藤さんが歌うからいい」と、なかなかダークな突っ込みを入れてしまったので、すかさず由貴ちゃんが、「あまり私を受け継がないでね」と自虐ボケ。二十歳の娘に何言ってるの？(笑)そして、ふたりで歌った「少女時代」は、上白石姉妹ばりにきれいにハモっていたのでした。ちなみに萌歌は、由貴ちゃんのことを「斉藤さん」と呼んでいたけれど、長澤まさみみたいに「由貴さん」と呼んでもいいのでは？と勝手に思ったのでした。※ライブの模様は今日以降も配信されてます。

  2020.11.15

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  禰豆子（ねずこ）の名前と、背負い木箱や彼岸花の由来。

  『鬼滅の刃』の世界観は、日本の記紀神話に関係しており、山民・山伏などアジールの歴史にも関係するのですが、それはとりわけ、禰豆子のキャラ設定のなかに集約されていると思います。◇『鬼滅の刃』の世界において、謎を解く鍵になる最重要キャラは、すくなくとも３人。まずは、鬼の元祖である鬼舞辻無惨。さらに、鬼殺隊当主である産屋敷耀哉。そして、炭治郎の妹である禰豆子です。なぜ禰豆子は、鬼になっても人を喰わないのか？このことが、鬼舞辻や産屋敷の出自とともに、鬼の謎を解くための大きな鍵になっています。◇禰豆子の名前の由来は何でしょうか？眠ってばかりいるのに「寝ず子」？禰（＝父祖の霊力）豆（＝鬼を払う霊力）子という意味合いを考えれば、おそらく竈門家の父方が、鬼にも屈しない特別な家系であり、なかでも禰豆子は、その血をもっとも強力に受け継いだ子なのでしょう。この漫画の当初のタイトル候補として、「鬼狩りのカグツチ」「炭のカグツチ」などがあったらしいので、竈門家の父方は、おそらく日本神話のカグツチに連なるはずなのです。歴史学者の岡田英弘は、倭国の最初の王の名が「禰」（でい）だったと唱えていますが、いずれにしても特別な家系であることをうかがわせます。◇日本神話でイザナギとイザナミが産んだ三貴神のうち、アマテラスは皇祖神であり、鬼を死滅させる太陽の女神でもあります。スサノオは草薙剣を振るった武力神であり、桃太郎の鬼退治伝承に重なる部分があります。ツクヨミは月と仁慈の神であり、竹取物語のかぐや姫に重なる部分があります。（ちなみにツクヨミが男神か女神かは不明です）これに対して、カグツチは、火の神として産まれ、そのせいで母のイザナミは焼け死んでしまいました。ヒルコという神も、異形の子として生まれ、海に捨てられてしまいました。◇わたしの仮説ですが、カグツチに連なるのが禰豆子の父方の竈門家であり、ツクヨミに連なるのが禰豆子の母方ではないかと思っています。というのも、禰豆子には、カグツチとツクヨミの両方の要素を感じるのです。竈門家は、アマテラスやスサノオのように、勧善懲悪的に鬼を退治してきた天皇家や桃太郎とは違います。むしろヒルコやカグツチのように、鬼にさえも共感するような不遇な面をもっているのです。（ヒルコに連なるのが「鬼」なのかもしれません。）また、禰豆子の長い髪や、くわえている竹や、大きくなったり小さくなったりする体、さらに一般の人間にはない特殊な能力には、月の住人であるかぐや姫との類似性が感じられるし、人への慈しみはツクヨミに通じるものに思えるのですよね。◇一般には、アマテラスこそが「太陽神」（日の神）であるとされ、だからこそ、それに連なる天皇家は鬼を退治してきました。しかし、『鬼滅の刃』の世界では、カグツチこそが「火の神」であり「日の神」であるとされます。そして、それに連なる竈門家の人々は、たんに鬼を退治するのではなく、鬼を人に戻すことができると信じるのです。◇◇禰豆子は体を小さくして木箱に収まっています。この木箱には、３つの由来が考えられます。１．背負子（しょいこ）本来は、炭焼きの薪を背負うための道具で、木を梯子状に組んで作ったものです。二宮金次郎の銅像も背負子に薪を積んでいます。２．笈（おい）本来は、修験者が法具などを運ぶためのもので、背負子に箱をのせたものを「板笈いたおい/縁笈ふちおい」と呼び、箱そのものに肩帯を付けたものを「箱笈はこおい」と呼びます。炭治郎や武蔵坊弁慶が背負っているのは箱笈のタイプです。３．まわり地蔵江戸時代、日本の各地には、村の家々に地蔵を巡回させる風習があり、現在でも、笈に地蔵を入れて運ぶ地域が残っています。疫病退散や子宝祈願などの御利益があったようです。もともとは旅の修行僧が村にもちこんだものとも言われています。木箱に小さく収まった禰豆子は、修験者や炭焼にとっての守り神のような存在なのかもしれません。◇◇最後に、彼岸花という植物についてまとめておきます。TVアニメのエンディング「from the edge」のときにも出てきますが、仏教における曼珠沙華（まんじゅしゃげ）とも同一視される謎の植物です。英語でいうと「red spider lily」（赤い蜘蛛百合）ですね。柿本人麻呂が、万葉集で、「路邊 壹師花 灼然（道の辺の 壱師の花の いちしろく）…」と詠んだのも、赤い彼岸花だったとされるのですが、これについては賛否が分かれています。彼岸花＝曼珠沙華は、球根に毒をもち、日本では墓地に生えていることが多く、「死人花」「地獄花」「幽霊花」などとも呼ばれており、その「罪」のイメージが山口百恵の曲になったり、その「諦め」のイメージが小津安二郎の映画になったりしています。赤い炎のような花の姿は「火」のイメージにも結びつけられます。かつて日本の墓地に多くの彼岸花が植えられたのは、秋のお彼岸のころに花を咲かすからだけでなく、その球根の毒によって、土葬された遺体を食害から守るためでもあったようです。◇彼岸花＝曼珠沙華には、しばしば不気味で不吉なイメージがつきまとうのですが、じつは、そこに花の「色」の問題が絡んでいます。仏教における曼珠沙華は、説法をする釈迦の頭上に天から降った聖なる花であり、「मञ्जूषक/mañjūṣaka＝赤い」という梵語に由来するのですが、本来は、一目見ただけで悪業から救われるような白い花だった、ともいわれているのです。一方、山口百恵の「曼珠沙華まんじゅしゃか」の歌詞では、曼珠沙華 恋する女は 罪作り白い花さえ 真紅に染める白い夢さえ 真紅に染めるというように歌われています。ここでは、曼珠沙華の赤い色が罪業の象徴になっていますが、もともとの仏教では、むしろ紅蓮ぐれんの花こそが地獄に落ちた者の血のような色だ、とされていたのです。◇『鬼滅の刃』の世界においては、青い彼岸花が存在するとされています。日本原産の青い花といえば、代表的なものは藤です。藤は、マメ（豆）科であるのみならず、強い日光を好む植物でもあるので、『鬼滅』において、鬼はとりわけ藤の花を嫌うとされています。ちなみに飛鳥時代、中臣鎌足は、藤の花のもとで中大兄皇子と謀議をしたことから、蘇我入鹿を討ったのちに「藤原」の姓を賜ることになりました。その次男の不比等が藤原姓を受け継いで、大宝律令選定や平城京遷都や日本書紀編纂などの事業に影響力をふるうと、藤原氏はさらに天皇との結びつきを強めて権勢を誇り、やがて佐藤、斎藤、伊藤、後藤、加藤、遠藤…などの姓を派生させていきます。すなわち、日本史的に見ても、藤という植物は最強だったのです。かりに、 白 から赤にではなく、強い日光を浴びた藤と同じように、 白 から青に変異した彼岸花/曼珠沙華があったなら、それは、鬼の性質をも変異させるのかもしれません。

  2020.11.03

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  「らららクラシック」ラモーと仏バロックオペラ。

  以前は、NHK-FMで「古楽の楽しみ」を聴いてたので、わりとフランスのバロックオペラは好んで耳にしてました。 しかし、テレビで取り上げられることは少ないので、今回、映像で見ることができたのは嬉しい。ドビュッシーやラベルのような近代音楽もいいけれど、フランス本国では、30年ほど前から、バロック音楽が若者たちに人気なのだし、それはポピュラー音楽のなかの古楽趣味にも影響しているし、今後はEテレでも、リュリやらカンプラやらシャルパンティエやら、どんどん映像で取り上げてほしいなと思います。むしろ遅すぎるくらいですけど。◇フランスのバロック音楽の人気が高まったのは、たぶん米国人のウィリアム・クリスティが、79年にレザール・フロリサンを結成して以降ですよね。91年には、マラン・マレを題材にした映画「めぐり会う朝」が公開され、00年には、リュリを題材にした映画「王は踊る」も公開されています。宮川彬良が今ごろになって「ラモー歴半年」というのは、音楽家としてちょっとどうかと思うし、フランスのバレに対する認識もズレてる気がしたけど、（彼が言ってたのは、たぶんロシアバレエのことですね）ラモーの音楽のなかに、シャッフルするビートを聞き取っていたのは、さすがに親譲りというか、なかなか面白かったです。ただし、「バッハの教会音楽がラモーにくらべて堅い」という話は、たしかに間違いではないと思うのだけど、いちはやくジャズに翻訳されたのは、むしろバッハのほうがはるかに先だったんだから、おそらくバッハのなかにも、シャッフルするビートは十分に聞き取れるはずですよね。◇当時のフランス人が、イタリアオペラを受け入れなかったというのは、ちょっと興味深い話でした。そのころからフランス音楽は独立した存在だったのですね。といっても、その基礎を築いたのはイタリア出身のリュリですけど(笑)。フランス人はカストラートを受け付けなかった、という話もありますが、わたしが思うに、イタリア人の暑苦しい歌なんぞよりも、踊りと合唱が穏やかに調和する優雅な世界のほうが、フランス人の好みに合ったのだろうな、という気がします。「バロック音楽はオペラから始まった」「オペラはイタリアではじまった」という歴史認識にとらわれてしまうと、フランス音楽の独自性を見落としてしまうし、のみならず、バッハやヘンデルが、かなり「フランス風」の影響を受けていることを考えると、むしろバロック音楽そのものを、フランス中心に捉え直すべきなのかもしれませんよね。◇ラモーが和声学の基礎を築いた、というのも知らなかったです。ベルリオーズは管弦楽の基礎を築いていますけど、そういう意味ではドイツ人よりフランス人のほうが偉いですね(笑)。意外にフランス人のほうが理論的なのでしょうか？それとも、実践的だというべきなのでしょうか？

  2020.10.28

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  「鬼滅の刃」ヒットの理由は？分析と考察…その２

  前回も書いたとおり、「鬼滅」の物語世界には国家の問題が絡んでいるのですが、とりあえずマーケティングの観点から、現在の「鬼滅」のヒットの理由を説明すると、まずは「あらゆる層にウケている」という話になるはずです。それはもちろん、ふだんはアニメや漫画から縁遠い層を含むわけですが、男女にウケているし、老若にウケているし、ヤンキー層にもインテリ層にもウケている。この広範囲な支持が現在のメガヒットの前提条件です。◇１．男性にも女性にもウケている基本的には少年漫画にちがいないのですが、女性にも受ける要素をしっかりと押さえています。それは「キャラ萌え」と「世界観萌え」に集約されます。1980年代の女性たちが、ガンダムの世界観やシャア・アズナブルに熱狂したのと同じ。もっと近いところでは、三谷幸喜の「新選組」のときに、女性たちが山本耕史や堺雅人に心酔したのと同じですね。とくに「鬼滅」における９人の柱のキャラ立ては、こうした女性のファン心理を意識して作られていると思います。さらに「鬼滅」の世界観は、従来からの「刀剣萌え」や、千と千尋風の「大正萌え」などにも共鳴して波及しています。過去の例から見ても、女性ウケは、アニメヒットのための基本要件です。女性ウケによって、カテゴリーの枠を乗り越えるような、別の角度からの視点が付与されるのですよね。２．子供にも大人にもウケている前回も書いたように、「日本」「チャンバラ」「時代劇」といった要素は、子供よりも、むしろ大人にこそ好まれるものです。また、後述するように、歴史好きな大人にもアピールする要素を備えています。ここから考えると、「子供向けのコンテンツ」が大人にも受け入れられた、と解釈するよりも、「大人向けのコンテンツ」を子供向けのフォーマットに当てはめた、と解釈するほうが正しいのかもしれません。３．ヤンキー層にもインテリ層にもウケている残虐な戦闘シーン、友達への仁義や、先輩への忠義など、ヤンキーの感性にうったえる要素は多く含まれています。「鬼滅の刃」は「きめつのやいば」と読むわけですが、こういった難読漢字の多用も、「夜露死苦」と書いて「よろしく」と読ませるような、ヤンキーの美意識に親和する面があります。おそらく世間のヤンパパやヤンママたちも、自分の子供に「善逸」「禰豆子」などのキラキラネームを、つけはじめるのだろうと予想します。主題歌を担当しているLiSAにも「元ヤン」の要素があります。アニメの主題歌は、原作者が歌詞を書くことが多いですが、「紅蓮華」（ぐれんげ）はLiSA自身が歌詞を書いています。現在の「鬼滅」のヒットににおいて、LiSAのキャラとパフォーマンスがすくなからず反映している、ということを見逃すべきではありません。ただし、これらは「ヤンキー文化そのもの」というよりも、むしろ一周回った「ヤンキー文化のパロディ」というべきもので、その意味では「今日から俺は！」のヒットに近いものかもしれません。◇一方、「鬼滅」は知的なインテリ層をも確実に刺激しています。これはやはり荒俣宏の「帝都物語」との類比で見るべきです。「帝都」では、平安時代の要素を大正時代に置き換えて、平将門の怨念を蘇らせて「敗者の歴史」を浮かび上がらせ、密教、風水、陰陽術など日本文化の裏面に光を当てました。「鬼滅」の場合も、平安時代に起点を置いていますが、本来の「鬼」の歴史は、むしろ古墳時代に遡ります。それは大和王権の成立や、縄文と弥生の相克に関係しています。そして、ここでもやはり、日本史の「敗者の歴史」が浮かび上がってくるのです。４．手塚治虫ファンにも梶原一騎ファンにもウケている上記の２や３ともリンクしますが、もともと日本の漫画には、前回も書いたように、手塚治虫に代表される「モダン漫画」のファンタジー路線と、梶原一騎に代表される「ドメスティック漫画」の劇画路線があります。前者を子供向け、後者を大人向けと見ることができるし、前者をインテリ向け、後者をヤンキー向けと見なすことができるかもしれません。可愛いキャラの登場するコミカルなファンタジーの側面と、シリアスで残虐な日本時代劇の側面を、両方とも備えている。ちばてつやの「あしたのジョー」がそうだったように、「鬼滅」には日本漫画の二大潮流を合体させる力技があります。とりわけ女性ファンの視点によって、カテゴリーの境界を乗り越える力技が現実化しているのだと感じます。おそらく「鬼滅の刃」の異例のヒットを説明するうえで、いちばん重要なのは、この部分だろうとわたしは考えています。

  2020.10.26

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  「鬼滅の刃」ヒットの理由は？分析と考察です…

  映画版の『鬼滅の刃』が異例のヒットで、日本中が異様な興奮状態になってて、たぶん、この土日も、さらに動員は伸びるのだろうと思います。わたしもテレビ版と地上波の映画２本を消化して、にわかブームの真っただなか。映画も見てないのに、昨夜のNHK「SONGS」では、LiSA＆梶浦由記による「炎」のピアノver.に滂沱してしまいました。◇その一方、すっかりハマっている自分が言うのもなんだけど、なぜこのアニメがこんなに大ヒットしているのか？と考えると、とても不思議です。見た目のショッキングな残虐性と、迫力の戦闘シーンがウケているだけなのでしょうか？じつは、かなり深いお話だけど、子供にとっては残虐すぎるし難しい内容だとも思います。◇「るろ剣」や「犬夜叉」あたりが先行作品とはいえますが、そもそも日本のマンガ・アニメ史において、このような「和もの」がヒットした例は少なかったはず。従来のセオリーからいえば、「宇宙」「ロボット」「近未来」「超能力」などの要素を揃えるのが、子供向けのマンガ・アニメをヒットさせる条件だったはず。でも、この作品の場合は、「日本」「着物」「時代劇」「刀剣」といった和の要素で構成されていて、真逆です。わたしが子供のとき、こうした要素に対しては、ネガティヴな印象しかありませんでした。地味で、暗くて、不気味なイメージ。実際、「鬼滅の刃」も、けっこう地味で、暗くて、不気味だと思います。本来、子供が好きなのは、近未来のロボット漫画、大人が好きなのは、実写の時代劇チャンバラ、それが当たり前の図式だったはず。でも、なぜか「鬼滅の刃」では転倒している。「千と千尋」あたりで潮目が変わって、子供と大人の境界線が消滅しているのでしょうか？◇そういえば、むかしの人気マンガや人気アニメには、ほとんどのカタカナの題名がついていました。「アトム」「ヤマト」「ルパン」「ドラえもん」「ガンダム」「ナウシカ」「ドラゴンボール」…みんなカタカナです。これはおそらく、手塚治虫以来の「モダン漫画」のファンタジー路線なのだと思います。これに対して、漢字タイトルの作品もあったのですが、それはきっと、梶原一騎にはじまる「ドメスティック漫画」の劇画路線だと思います。「巨人の星」「北斗の拳」「火垂るの墓」「君の名は」「進撃の巨人」「鬼滅の刃」…かつては傍流だったはずなのですが、最近では、むしろこっちが主流になりつつありますね。◇いちおう「鬼滅の刃」は時代劇なのですが、大正という舞台設定は、ちょっと不思議で特殊です。「和」と「洋」がせめぎあい、「漢字」と「カタカナ」がまじりあい、「ドメスティックな文化」と「モダンな文化」が溶け合った、「過去」と「未来」が交錯するような不思議な時代です。自由と平等の「モダニズム」と、排外主義的な「ナショナリズム」が、たがいに矛盾しながら炎のようにうねっていました。関東大震災から大東亜戦争に向かって、異様な興奮状態が社会を渦巻いていた時代でもあります。◇この大正という時代に「鬼」が現れます。もともと「鬼」というのは、日本の国家の成り立ちにかかわる根幹的なテーマです。つまり、「古墳時代に大和政権が何をやったのか？」という謎を解くための、最大の鍵こそが「鬼」です。そこには、おそらく、縄文と弥生が葛藤しあった記憶も刻まれています。この国家的な問題が、大正という異様な時代の、「和」と「洋」のせめぎ合い、「土着性」と「近代性」のせめぎあいの中で、亡霊のようによみがえってくるのです。◇このようなテーマ性において、梶原一騎の路線と、手塚治虫の路線が、本質的な境界線を失くしてしまっています。かつて、この境界線上にいたのは、ちばてつやです彼が「鬼滅」を熱心に読んでるのは偶然ではないはずです。おそらく、その意味でも、この『鬼滅の刃』は、日本漫画史上の大きな転換点になるのだろうと思っています。「鬼滅以前」と「鬼滅以後」では、大きく状況が変わるはずです。

  2020.10.25

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  「鬼滅の刃」と桃太郎伝承のちがい。

  『鬼滅の刃 兄妹の絆』を見ました。ふだんはマンガも読まないしアニメも見ないので、「キメツノヤイバ」というタイトルを聞いたことがあっただけで、どんな内容のものかは、まったく知りませんでした。今回の映画版を見て、おおよその設定は把握できました。◇シネマレビューサイトにも同様のことを書きましたが、この物語の主人公は、絶望的な不幸を強いられたにもかかわらず、自分自身が「鬼」になって復讐の人生を歩むことができません。なぜなら、戦うべき敵こそが鬼だからです。主人公は、あくまで人間の側に立って鬼を退治しますが、内心では鬼の悲しみを共有しています。敵が鬼になってしまった背景を意識せざるをえない。自分自身も鬼と同じ境遇に立たされており、唯一残された肉親の妹もまた鬼だからです。そこに、この物語のユニークな点があり、そもそも「鬼とは何なのか」という社会学的な問いが含まれています。◇この物語のなかで、鬼が出現しはじめたのは平安時代とされています。ちょうど修験道や陰陽道が密教に結びついた時代ですね。とりわけ『鬼滅の刃』の世界観は、山民や山伏の世界と重なっているように見えます。主人公の生まれた竈門家は炭焼きの家系だし、鬼殺隊の人々は天狗などの神楽面をつけている。このアニメは、大正期を舞台にした作品ということで、当時の怪奇・幻想文学や、鈴木清順の映画などに通じるところもありますが、とくに、平安の呪術的な世界を大正期に移し替えた設定は、荒俣宏の『帝都物語』とよく似ています。◇しかし、本来の日本の鬼の伝承は、おそらく平安時代よりももっと古く、さらに古墳時代にまで遡るのではないかと思います。一般に、鬼を退治した桃太郎のモデルは、百襲姫の弟である吉備津彦や稚武彦ではないかとされています。あるいは、雄略天皇とする見方もあるかもしれません。もしかすると、世界遺産になった百舌鳥・古市古墳群にある、最大の大山古墳こそが「桃太郎の墓」かもしれないのですよね。つまり、日本古来の鬼退治の伝承というのは、大和王権が、土着の勢力を駆逐していった、いわば「勝者の歴史」を物語ったものにほかなりません。この勧善懲悪的な皇国史観こそが、戦時中にも利用されて大きな影響力をもちました。『鬼滅の刃』の物語は、そこに「敗者の歴史」をもちこんだものであり、鬼退治の歴史観に対する痛烈な批判になっているはずです。

  2020.10.14

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  筒美京平の名曲たち。

  筒美京平の最後の作品は何だったのかしら？…と思って調べてみたら、田所あずさの「あなたの淋しさは、愛」という曲でした。売野雅勇が、アニメ声優たちをボーカリストに迎えて、昭和歌謡の作曲家たちと共作した企画作品の収録曲です。アルバムのタイトルは、『ネヴァーランド -Voice Actor×売野雅勇-』。2019年の5月22日に発売されていました。これが筒美京平の遺作だったようです。1. ワンダフォー！仲村宗悟（作曲：コモリタミノル／編曲：白戸佑輔）2. 東京PARADISE山寺宏一（作曲：芹澤廣明／編曲：やしきん）3. すべての愛しきRunaways野島健児（作曲：井上大輔／編曲：黒須克彦）4. あなたの淋しさは、愛田所あずさ（作曲：筒美京平／編曲：小林俊太郎）5. ヨコハマ粋森川智之（作曲：井上大輔／編曲：小林俊太郎）6. 男と女は十時半山寺宏一＆内田彩（作曲：馬飼野康二／編曲：奈良悠樹）7. それは、私じゃない内田彩（作曲：後藤次利／編曲：eba）8. Clowntime Berlin木村昴（作曲：馬飼野康二／編曲：黒須克彦）9. メランコリーのダイアモンドさゆりカノン（作曲：コモリタミノル／編曲：鈴木Daichi秀行）全作詞：売野雅勇 ◇ちなみに、筒美京平の名曲ということでいえば、もちろん、これまでに、太田裕美の「木綿のハンカチーフ」と、斉藤由貴の「卒業」との関係などについては、繰り返し考えてきたのですが、（⇒こちらで詳しく話しています）もしも、筒美京平の全作品のなかで代表曲をひとつ選ぶとすれば、とりあえず堺正章の「さらば恋人」を挙げます。イントロのサウンドや、アレンジにいたるすべてにおいて、いちばん"筒美らしい"と思える曲だからです。まるでStevie Wonderの「My Cherie Amour」みたいな曲。◇これが発表された1971年は、おそらく筒美京平がもっとも注目された年ですね。「また逢う日まで」と「さらば恋人」が、この年のレコード大賞を争っただけでなく、「真夏の出来事」も「17才」も「さいはて慕情」も、すべて1971年の彼の曲だったのです！さらに挙げれば、「雨のエアポート」も「お世話になりました」も、「青いリンゴ」なども、みんな彼の曲でした。この1971年を境にして、日本が筒美京平の曲であふれるようになって、歌謡曲の世界は、急にオシャレになったのです。そして、その翌年からは、「男の子女の子」だの、「わたしの彼は左きき」だの、「赤い風船」だの「ロマンス」だのといった、新しいアイドルポップも次々に生まれていきます。◇80年代以降になると、筒美京平の作風は大きく変わるのですが、わたしがいちばん驚いたのは、今井美樹の「野性の風」でした。「え？！これって筒美京平の曲なの？」と思うほど、ガラリと曲調が違っていました。それまでに聴いたことのない雰囲気の曲だった。NOKKOの「人魚」もけっこうな驚きでした。◇筒美京平が、「サザエさん」などのアニメソングを書いていたのは、まったく知りませんでした。ある記事を読んだら、「サザエさん」のサウンドにも、やはりソウルミュージックの影響があるとのこと。…そういわれてみると、あれは、Otis Redding！　Booker T & M.G.'sです！！◇このほか、思いつくままに好きな曲を列挙しておきます。郷ひろみ「よろしく哀愁」太田裕美「雨だれ」大橋純子「たそがれマイ・ラブ」薬師丸ひろ子「あなたを・もっと・知りたくて」河合奈保子「暁のスカイパイロット」（albumより）斉藤由貴「海の絵葉書」「夕暮れ日記」（albumより）荻野目洋子「さよならの果実たち」小沢健二「強い気持ち・強い愛」…ほかにも思い出したら、あとで書き足します。筒美京平自選作品集 50th Anniversaryアーカイヴス アイドル・クラシックスDISC-11 悲しみのアリア/石田ゆり2 17才/南 沙織3 芽ばえ/麻丘めぐみ4 初恋のメロディー/小林麻美5 私は忘れない/岡崎友紀6 赤い風船/浅田美代子7 娘ごころ/水沢アキ8 わたしの彼は左きき/麻丘めぐみ9 恋のインディアン人形/リンリン・ランラン10 ほほにかかる涙/エバ11 ロマンス/岩崎宏美12 センチメンタル/岩崎宏美13 木綿のハンカチーフ/太田裕美14 セクシー・バスストップ/浅野ゆう子15 恋のハッスル・ジェット/シェリー16 6年たったら/五十嵐夕紀17 リップスティック/桜田淳子18 シンデレラ/高見知佳19 日曜日はストレンジャー/石野真子20 ROBOT（ロボット）/榊原郁恵DISC-21 センチメンタル・ジャーニー/松本伊代2 夏色のナンシー/早見 優3 エスカレーション/河合奈保子4 ト・レ・モ・ロ/柏原芳恵5 卒業/斉藤由貴6 あなたを・もっと・知りたくて/薬師丸ひろ子7 なんてったってアイドル/小泉今日子8 1986年のマリリン/本田美奈子9 地上に降りた天使/水谷麻里10 夜明けのMEW（ミュー）/小泉今日子11 WAKU WAKUさせて/中山美穂12 teardrop/後藤久美子13 さよならの果実たち/荻野目洋子14 ホンキをだして/酒井法子15 17才/森高千里16 肩幅の未来/長山洋子17 ときめいて/西田ひかる18 元気！元気！元気！/高橋由美子19 TENCAを取ろう！ -内田の野望-/内田有紀20 理由/安倍麻美AOR歌謡DISC-11 渚のうわさ/弘田三枝子2 さよならのあとで/ジャッキー吉川とブルー・コメッツ3 ブルー・ライト・ヨコハマ/いしだあゆみ4 京都・神戸・銀座/橋幸夫5 捧げる愛は/島倉千代子6 くれないホテル/西田佐知子7 粋なうわさ/ヒデとロザンナ8 フランス人のように/佐川満男9 真夜中のボサ・ノバ/ヒデとロザンナ10 ヘッド・ライト/黒沢明とロス・プリモス11 あなたならどうする/いしだあゆみ12 雨がやんだら/朝丘雪路13 絵本の中で/クロディーヌ・ロンジェ14 さらば恋人/堺正章15 真夏の出来事/平山三紀16 誰も知らない/伊東ゆかり17 夜が明けて/坂本スミ子18 自由の鐘/西郷輝彦19 貴方の暗い情熱/高田恭子20 かもめ町 みなと町/五木ひろしDISC-21 恋の十字路/欧陽菲菲2 二時から四時の昼下り/朱里エイコ3 よろしく哀愁/郷ひろみ4 飛んでイスタンブール/庄野真代5 銀河特急/松崎しげる6 ぬくもり/細川たかし7 魅せられて/ジュディ・オング8 来夢来人/小柳ルミ子9 スニーカーぶる~す/近藤真彦10 愛しつづけるボレロ/五木ひろし11 普通のラブ・ソング/水谷豊12 モロッコ/森進一13 こころ美人/布施明14 君だけに/少年隊15 JOY/石井明美16 抱きしめてTONIGHT/田原俊彦17 とまどい小夜曲(セレナーデ)/髙橋真梨子18 タイムマシーン/藤井フミヤ19 ありがとう おかげさん/都はるみ20 ビヨンド/平山みきシティ・ポップスDISC-11 黄色いレモン/藤 浩一2 バラ色の雲/ヴィレッジ・シンガーズ3 ダーティー・ドッグ/尾藤イサオ4 スワンの涙/オックス5 白いハイウェイ/ブレッド&バター6 サザエさん/宇野ゆう子7 ひとりの悲しみ/ズー・ニー・ヴー8 悪っぽい人だけど/森山良子9 また逢う日まで/尾崎紀世彦10 お世話になりました/井上順之11 雪が降るのに/黛ジュン12 愛の挽歌/つなき&みどり13 青春挽歌/かまやつひろし14 或る日/ザリバ15 夏しぐれ/アルフィー16 忘れ雪/オフ･コース17 セクシー・バスストップ/Dr ドラゴン&オリエンタル・エクスプレス18 ヒットマシーン/Ｋ・Ｔ－５８５ ＢＡＮＤ19 たそがれマイ・ラブ/大橋純子20 グッド・ラック/野口五郎21 センチメンタル・ブルー/BUZZ22 ワールド・ファンタジー/レターメンDISC-21 ロキシーの夜/近田春夫2 ブルー・バタフライ/さとうあき子3 ラスト・トレイン/宮本典子4 とりあえずニューヨーク/山下久美子5 ドラマティック・レイン/稲垣潤一6 夏のクラクション/稲垣潤一7 Romanticが止まらない/C-C-B8 その後で殺したい/SHOW-YA9 野性の風/今井美樹10 HI! HI! HI!/森川由加里11 夏の二週間/谷村新司12 兆しのシーズン/中島みゆき13 カナディアンアコーデオン/井上陽水14 強い気持ち・強い愛/小沢健二15 MUSTBEHEAVEN/中西圭三16 恋のルール・新しいルール/ピチカート・ファイヴ17 Desire/DOUBLE18 AMBITIOUS JAPAN！/TOKIO

  2020.10.13

• こがけん「Don't you comin' feeling Go Go!!」with 上白石萌音。

  萌音めあてで、めずらしく「うちのガヤ」を見たのですが、こがけんの歌った「プレイバックPart2」の、アメリカンロック ver.に軽い衝撃。これは、もはや、お笑いというより、あたらしい音楽ジャンルのようにも思えます。ある意味、レイチャールズの「Ellie My Love」よりも、こがけんの「Don't you comin' feeling Go Go!!」のほうが、音楽的翻訳として独創的で優れているのでは？英文的には意味不明だけど(笑)。ロック風があるのなら、バラード風とか、AOR風とかもできそうな気がするし、それだけでアルバム１枚つくれるんじゃないかと思います。もちろん、そのときは萌音もゲスト参加で。#ウチガヤ#上白石萌音 https://t.co/RqUb5Si101 pic.twitter.com/hsdQ2mKBgS— こ が け ん (@kogakogaken) October 6, 2020 古賀憲太郎/ウチのガヤがすみません！/山口百恵/宇崎竜童/阿木燿子/馬鹿にしないでよ/GO!GO!って感じになるだろう？

  2020.10.07

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  「歴史秘話ヒストリア」古関裕而のエール。

  歴史秘話ヒストリア。朝ドラ主人公のモデル、古関裕而をとりあげました。副題は「エールよ時代に響け」。戦前・戦中・戦後にかけて、「日本人にエールを送り続けた」といえば、聞こえはいいけれど、裏を返せば、それは、いかにも音楽家らしい日和見であり、非常に恐ろしいことでもある。容易には肯定できません。そのような音楽家の日和見は、現在にさえ、ありうる話だからです。◇番組では、「人々にエールを送った」「人々の背中を押した」といった表現が使われていました。戦前にも人々の背中を押し、戦中にも人々の背中を押し、戦後にも人々の背中を押した。いつの時代も、同じように背中を押すべきでしょうか？場合によっては、立ち止まらせることが必要なのでは？◇アニメ『風立ちぬ』の堀越二郎は、技術者として、朝ドラ『エール』の古関裕而は、音楽家として、戦時中に活躍し、日本を後押ししました。技術者は技術によって、音楽家は音楽によって、人々の背中を押すのが仕事だと考えれば、それほど単純で分かりやすいことはありませんが、しかし、そんな単純な話でいいのか？葛藤を強いられるのは苦痛かもしれないけれど、ときには葛藤しなければならない場合もある。葛藤を避けようとする人間が、いちばん危険です。◇技術者も、音楽家も、ついつい人々の背中を押してしまう。たとえ崖から落とす結果になるとしても。しかし、いつでも人々の背中を押せばいいわけではない。ほんとうの意味で、堀越二郎や古関裕而から学ぶべきは、そのことです。けっして「人々にエールを送ればいい」という単純な話ではない。

  2020.09.24

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  松田聖子「風に向かう一輪の花」at NHK

  もともとアーリー聖子が好きだったし、財津和夫のつくった曲はとくに好きでした。おなじ福岡出身ということもあるけど、彼女のいちばんピュアな面を引き出してるのが、財津和夫の曲だったんじゃないかな。かりに、すべての聖子の曲のなかで、たった１曲だけを選べといわれたら、わたしの場合は「白いパラソル」なのです。何も飾らない少女のような曲ですから。◇ちなみに、財津がインタビューで、「自分が歌うような曲を作っていた」という話には驚きました。むしろ、聖子に宛ててこそ生まれた曲だと思えたし、それをチューリップや財津和夫が演奏してる姿は、想像もできなかったですね。◇今回の「風に向かう一輪の花」も、初期のアルバムに入ってても不思議じゃない、アイドル時代を彷彿とさせる清純なワルツ。と同時に、「大丈夫」と歌う高音の部分には、いまの聖子の母性も感じられて、なかなか、いいバランスです。NHK松田聖子スペシャル 風に向かって歌い続けた40年財津和夫/篠山紀信/松任谷由実/松本隆/青井実アナ/制服デモテープクインシー・ジョーンズ/ボブ・ジェームス松田聖子40周年記念アルバム『SEIKO MATSUDA 2020』

  2020.09.23

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  田村芽実 at ミュージックフェア。

  いやあ、歌上手いのは知ってましたけど、あらためて衝撃。第一声を発した瞬間の説得力がスゴイ。現役シンガーのなかでは、ちょっと図抜けています。いまのミュージカル歌手で、中川晃教と木下晴香と田村芽実の３人は、個人的に見逃がせないです。でも、あまりミュージカルの枠だけに収まりすぎず、ちゃんとポップスも歌ってほしいですけどね。ちなみに、他の歌手との共演だと相手が気の毒だから、なるべく単独で歌ったほうがいいんじゃないかなあ。

  2020.09.13

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  「歴史秘話ヒストリア」小津安二郎と山中貞雄と野田高梧

  歴史秘話ヒストリア。小津安二郎を取り上げていましたが、ほとんど知らない話ばかり。わたしは、いままで、小津安二郎のことを、東京や鎌倉で育った粋人だと思ってたのですが、じつは三重県育ちなのですね。調べてみたら、先祖は伊勢商人だそうで、意外に関西人の血が流れている。◇もともと気性が荒かったというのも意外。中国戦線を生き抜いた事実も知らなかったし、シンガポールで、厚田雄春とともに、国策映画に関わったことも知りませんでした。小津のカメラのローアングルというのは、わたしは「子供の視線」だと思っていたのですが、もしかすると、地面に這って銃を構えるときの視線だったかもしれない。そんなことさえ考えてしまいました。戦地から帰還した監督といえば、わたしは真っ先に本多猪四郎を思い浮かべますが、小津の場合も、本多の場合も、戦争の描き方は、けっして一筋縄ではありません。小津は、戦争映画そのものは作りませんでしたが、作中には戦争未亡人も出てくるし、かつての戦友たちが酒を飲んで一緒に歌ったりします。きわめて複雑な形で戦争の影響が映り込んでいる。◇山中貞雄との関わり。山中が戦病死したのは知っていますが、その直前に戦地で小津と会っていたとは驚きです。調べてみたら、戦前からかなりの交流があったのですね。今回の番組を見ると、山中貞雄が与えた影響は、かなり大きいと思えてくる。山中は、小津の６才年下ですが、すくなくとも戦前の作品で比較する限り、山中のほうが映画作家として成熟していたと思います。ちなみに『河内山宗俊』には原節子が出てますけど、戦後の小津が彼女を重用したのも、案外、山中との交流が影響してるかもしれません。◇野田高梧との関わり。小津の映画において、野田の脚本が重要だというのは、なんとなく感じてたことだけど、今回の番組を見ると、世界的に高く評価されている戦後の小津作品は、すべて野田との共同脚本以降のものだし、その意味では、むしろ「野田作品」と言うべきものだと思えてくる。小津と寝食を共にした野田の妻と娘は、そのまま小津映画に登場するキャラクターのようです。オヤジ２人が、野田の娘に翻弄される姿を想像すると、そのまま映画のワンシーンのようで笑えてきます。

  2020.09.11

• 鈴木雅之×前田亘輝。

  このあいだのFNS歌謡祭で、鈴木雅之と前田亘輝のデュエットを聴いて、これが、予想以上に良かったのです。わたしは、もともと、鈴木雅之も好きじゃないし、前田亘輝も好きじゃない。なぜって、鈴木雅之のエセ東京（＝大森）感が嫌いで、前田亘輝のエセ湘南（＝厚木）感が嫌いだったから(笑)。とりわけ、鈴木雅之における「エセ 山下達郎」感や、前田亘輝における「エセ 桑田佳祐」感は、その俗物感をかえって際立たせていたのです(笑)。でも、この偽物と偽物を掛け合わせてみたら、意外なほど「本物」でした。ラッツ&スターとチューブ。このクサすぎる禁断の組み合わせ！！いわば「ー10点」と「ー10点」を掛け合わせたら、あら不思議「＋100点」になっちゃった感じ！たしかに歌が上手い。歌のうまさは申し分ない。演歌歌手を凌ぐほど上手い。そして、大森×厚木。この泥臭さと鬱陶しさが丁度いいのです。東京湾一円をカバーするに十分な汎用性がある。CDが出たら買うかも。

  2020.09.02

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  斉藤由貴の「卒業」について考える。

  斉藤由貴の名曲「卒業」について、以下のような観点から考えています。（リンク先は音楽惑星さんのサイトになります）１．筒美京平のメロディ２．松本隆の歌詞３．型破りな卒業ソング４．武部聡志のアレンジ５．斉藤由貴の「才能」↓最近の東宝シンデレラについてもまとめてもらっています。http://manzara77.blog.fc2.com/blog-entry-354.html

  2020.08.11

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  映画「この世界の片隅に」の感想・評価・レビュー！

  戦争は、けっして「非日常」ではなく、むしろ「日常」の地続きにある。そのことをアニメの映像によって表現した作品です。◇この映画の冒頭に流れてくる音楽は、クリスマスソングの「神の御子は今宵しも」です。広島は、呉が東洋随一の軍港だったので、米国の標的にされたのですが、その一方には、人々の豊かな生活がありました。夏には、涼しげな素麺やナスの漬物やスイカを食べ、冬には、町がクリスマスで賑わい、モボやモガがお洒落をして闊歩し、店先ではチョコレートやキャラメルを売っていた。じつは、現代の生活とほとんど変わりありません。そんな町をアメリカの原爆が焼き尽くしたのです。◇この物語の主人公は、とてつもなく無力です。いつのまにか、見知らぬ土地の、見知らぬ男性のもとへ嫁いできて、その運命のすべてを受け入れながら生きています。彼女が、自分の意志で何も決められないのは、かならずしも彼女の性格だけの理由ではありません。そういう時代であり、そういう国家であり、そういう社会であり、そして当時の女性が、そういう立場だったからです。結果として、彼女は、なすすべもなく時代と国家の運命に翻弄されるしかありません。◇しかしながら、こうした生き方は、現代のわたしたちにも通じ合っています。現代社会が、たとえどんなに自由に見えるとしても、わたしたちは、あらゆる物事を自己決定しているわけではないし、むしろいまだに理由の分からないことに翻弄されることのほうが多い。そのことは何も変わっていません。ーー悲しくてやりきれない。この言葉が、普遍的な真実を物語っています。わたしたちが悲しくてやりきれないのは、みずからに降りかかる運命に理由がないからです。すずさんのような女性は、今もなお身近に存在しているし、もっといえば、それは、わたしたち自身だといえます。はるか昔に起こった戦争や原爆という出来事も、じつは、とても身近にあるのだと言っていい。同じことが起こったとしても、すこしも不思議ではない。◇社会の暮らしと営みは、力のない人々どうしが支え合いながら、小さなことの積み重ねによって成り立っています。映画のなかでは、そうした細部がひたすら淡々と描かれていきます。長い年月をかけた小さな積み重ねによって、日々の暮らしが支えられ、人が成長し、世代や文化が受け継がれていくのですが、巨大な力は、それらを一瞬にして破壊してしまう。破壊されたものは、また一から作り直さなければならない。◇フォークルの「悲しくてやりきれない」ってのは、つくづく不思議な歌だなあ、と思います。よく知られているように、この曲は、期せずして発禁処分になった「イムジン河」の代用品として、パシフィック音楽出版に強制され、軟禁状態におかれた加藤和彦が無理やり作らされたものです。「イムジン河」の音符を逆にたどっていたら、ひょろっと思いついたメロディだともいわれています。しかも、そこに、これまたフォークルとは、縁もゆかりもない、ジャンルも世代も違う、サトウハチローという御大が、なんの打ち合わせもないところで歌詞をつけてしまった。◇この曲は、誰の表現の意思ともいえぬところに出来てしまった、いわば偶然の産物であり、ある意味では、さかさまの歌です。パシフィック出版でもなければ、加藤和彦でもなければ、サトウハチローでもなければ、イムジン河の作者でもない。日本人でもなければ、朝鮮人でもない。だれの意思でもない、何らの「表現の意思」とも無縁なところから、ぽわん、と生まれてきてしまった歌。そんな歌が、これほどの普遍性をもってしまっている。山田太一や、周防正之や、井筒和幸や、片渕須直といった人たちに、繰り返し、繰り返し使用され、いまや時代と空間を超えて、世界中で聴かれています。◇それをコトリンゴが、ぽわん、と歌っている。映画のなかでは、ボーっと生きてきた一人の無力な女性が、気づいたら、知らない土地に嫁いでいて、まったく無力なままに、選べなかった家族や、選べなかった時代や、選べなかった国家の運命に翻弄されていきます。そんな悲しくてやりきれない人生に、この誰の意思でもなく生まれた、さかさまの歌が、ぽわんと乗っかって、ぴったり寄り添っていく。そして、特定の誰かのものではない、普遍的な悲しみを歌っています。

  2020.08.10

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  フォークル、この世界の片隅に。

  NHKで放送された「この世界の片隅に」をじっくりと鑑賞。つくづくフォークルの「悲しくてやりきれない」ってのは、不思議な歌だなあ、と思いました。…よく知られているように、この曲は、期せずして発禁処分になった「イムジン河」の代用品として、パシフィック音楽出版に強制され、軟禁状態におかれた加藤和彦が無理やり作らされたものです。「イムジン河」の音符を逆にたどっていたら、ひょろっと思いついたメロディだともいわれています。しかも、そこに、これまたフォークルとは、縁もゆかりもない、ジャンルも世代も違う、サトウハチローという御大が、なんの打ち合わせもないところで歌詞をつけてしまった。◇この曲は、だれの表現の意思ともいえぬところに出来てしまった、いわば偶然の産物であり、ある意味では、さかさまの歌です。パシフィック出版でもなければ、加藤和彦でもなければ、サトウハチローでもなければ、イムジン河の作者でもない。日本人でもなければ、朝鮮人でもない。だれの意思でもない、何らの「表現の意思」とも無縁なところから、ぽわん、と生まれてきてしまった歌。そんな歌が、これほどの普遍性をもってしまっている。山田太一や、周防正之や、井筒和幸や、片渕須直といった人たちに、繰り返し、繰り返し使用され、いまや時代と空間を超えて、世界中で聴かれています。◇それをコトリンゴが、ぽわん、と歌っている。映画のなかでは、ボーっと生きてきた一人の無力な女性が、気づいたら、知らない土地に嫁いでいて、まったく無力なままに、選べなかった家族や、選べなかった時代や、選べなかった国家の運命に翻弄されていきます。そんな悲しくてやりきれない人生に、この誰の意思でもなく生まれた、さかさまの歌が、ぽわんと乗っかって、ぴったり寄り添っていく。そして、特定の誰かのものではない、普遍的な悲しみを歌っています。

  2019.08.09

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  天気の子 ～ 新海誠が描く「引き戸」の意味

  テレビで『君の名は。』を観て印象的だったのは、引き戸の開閉や、炊飯器の蓋の開閉を描く際に、「人間の視点」がとられていないことです。すべては「モノの視点」から描かれています。まるでミクロの科学カメラで撮影されているようです。人間の視点からモノを見るのではなく、むしろモノの視点から人間の営みが見られている。◇おそらく新海誠監督は、そこにある種の「神秘」を見出しているのでしょう。敷居すべりのうえを引き戸が動き、蝶番を支点にして炊飯器の蓋が開く。レールに沿って電車が走り、たがいに交差していく。そんな単純な「モノの仕組み」の中にこそ神秘があります。◇惑星が軌道のうえを公転し、互いに交差することで、モノとモノとが巡りあい、運命的な作用を引き起こす。地上に光が射し、風が吹き、雲が生まれ、雨が降り雪が降る。ときには彗星が砕けて、隕石が重力に引き寄せられる。それらの物理はみな人智を超えた神秘であり、「入れ替わり」や「タイムスリップ」といった超常的な現象すら、その延長にある出来事に過ぎません。人間の営みも、歴史も文化も、そうした物理的な神秘のなかにこそあり、村の記憶や神社の縁起は、それを伝えています。◇おそらく新海誠の物語は、ヒューマニズムの視点からではなく、それを超える天体や気象といった物理の視点から、さまざまな運命の奇跡を描いているのですね。繭が紡がれ、糸が撚られ、紐を組むことで、モノとモノが結ばれていくように。あるいは、米と唾液が混じり、発酵することで、やがて酒になるように。人々もまた、神秘に満ちたモノの仕組みのなかで、たがいに結ばれては、すこしずつ変化していきます。

  2019.07.02

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  「ガンダム オリジン」コロニー落とし…

  アニメはほとんど見ないのですが、NHKの「ガンダム ORIGIN」をなぜか毎回見ています。今回は、いわゆるコロニー落とし…人間が居住しているアイランド・イフィッシュを、住民もろとも地球に落下させるという衝撃的な「ブリティッシュ作戦」が描かれました。あまりのことに呆然としてしまいます。◇ここには、いくつかの現実の事例が複合的に反映されています。１．毒ガスによるジェノサイドブリティッシュ作戦では、抵抗する武装集団だけでなく、シェルターに避難した無抵抗の人までを事前に毒殺したのでしょうか？　いずれにしても、これは、レジスタンスやユダヤ人をガス室で毒殺したナチスを思わせるものです。２．民間施設の兵器化もともとスペースコロニーというのは、地球外で人間が生活するための施設です。それを兵器代わりに使ってしまう。これは、旅客機をミサイル代わりに使用した９・１１のテロを思わせます。基本的な発想は同じです。実際に、人間はそういうことをやりかねない。３．基地を守るための迎撃スペースコロニーが地球に落下する前に、地球連邦軍は、これを同胞の住民もろとも迎撃しました（すでに中の人たちは毒殺されていましたが）。さらに上空で破壊されたコロニーが地球各地に落下した結果、地球人口の約半数が犠牲になりました。おそらく、人類史上最大の悲劇です。もしかして、連邦軍の指導部は、中枢基地ジャブローを守るために、それを承知で迎撃したのでしょうか？　それとも、地球への大損害を予測できぬまま、やみくもに同胞たちの住む施設を破壊したのでしょうか？　かつての日本の戦争では、本土防衛のために沖縄やサイパンなどが「捨て駒」にされたことがありました。現在の日本のミサイル迎撃システムも、米軍主要施設の防衛を優先させるのではないかと思われ、その場合は基地の周辺住民が犠牲を払う可能性があります。もはや何を守ろうとしているのか意味不明です。４．指導者が訴追を逃れるための戦争継続地球人口のじつに半数が死滅するという悲劇にもかかわらず、指導者たちは厭戦的になるどころか、「負ければ戦争犯罪人として訴追される」と恐れるあまり、まったく絶望的な戦争へと邁進していきます。まさに原爆が落とされて天皇が決断するまで戦争をやめようとしなかった旧日本軍の《判断》に酷似しています。.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​.​

  2019.06.25

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  『ラ・ラ・ランド』の素晴らしさ。

  いままで見た映画のなかで好きな作品を挙げろといわれても、ついつい昔見た映画ばかりになってしまって、あらたに見た映画がフェイバリットに加わることなど、最近はほとんどないのだけれど、『ラ・ラ・ランド』は、あらたなフェイバリットに加わりそうな作品。◇とくにミュージカル好きというわけではないけど、この映画は、観る前から少しの予感があって、なぜかオープニングの高速道路の長回しのシーンから、胸がいっぱいになってしまって涙があふれました。夜景の見える丘で歌い踊るシーンでも、天文台のプラネタリウムにふわりと舞い上がるシーンでも、なぜか不思議と涙があふれてしまうのでした。夢のように美しいのに、どこか悲しくて切ない。そして、最後の場面、夫婦がふらりと立ち寄った地下のジャズバーで、主人公が「SEB'S」の看板を目にした瞬間からは、もう、つらくて、悲しくて、涙が止まりませんでした。セブが最後にピアノで弾いたメロディは、彼がおそらく5年のあいだに繰り返し思い巡らせただろう、想い出と、淡い夢を、走馬灯のように描き出していく。ミアにも、同じものが見えたのでしょうか？◇夢追い人に祝福を。それが、この映画の主題です。そして、二人の夢は叶いました。ミアの夢は、セブが自分の店を開くこと。セブの夢は、ミアが女優として羽ばたくこと。ミアは「店の名前は《チキンスティック》よりも《SEB'S》がいい」と言い、セブは「君がパリにいったら、女優の仕事に専念するほうがいい」と言った。はたして、すべては思った通りになりました。だからこそ、最後に遠くからお互いを見つめた二人は、しずかに頷いて、そのことを確認しあったのですよね。でも、いちどしかない人生、ひとつの選択しか許されない人生は、つねに胸を締めつけられるような後悔にも満ちている。ミアは、セブの音楽を理解して、ジャズのことが好きになっていたのに。セブは、ミアの故郷の話も、女優だった叔母の話も、すべて覚えていたのに。二人こそが、お互いの夢のことを、誰よりも理解していたのに。それでも、5年の月日のなかで、それぞれの歩む道は分かれてしまう。◇この映画を見て、なぜかわたしが思い出したのは、山中貞夫の「人情紙風船」。あるいは、ベルイマンの「野いちご」。ベルイマンは39才。デミアン・チャゼルは32才。山中貞夫は28才。みんな若いときに撮っているのですよね。それなのに、彼らの作品には、すでに人生の悲哀や後悔があふれている。でも、若いエネルギーがあるからこそ、これほどまでに胸の締め付けられるような作品が撮れるのかもしれません。◇とくにミュージカル好きではない私にとって、歌や踊りが素晴らしいことだけが作品を評価する基準ではないし、逆に、歌や踊りが駄目だからといって、作品を評価しない理由にもならない。わたしが素晴らしいと思ったのは、この映画が、おそらく今まで観た中ではじめて、「ミュージカルならではのドラマ話法」というものを、たしかな実感をもって理解させてくれたこと。ミュージカルといえば、とつぜん歌いだしたり踊りだしたりすることに、違和感をもつことも多いのだけれど、この映画には、一般的なドラマのリアリティとは違う、ミュージカルならではの話法がありました。夜景の見える丘で、口で話すのとは裏腹に、歌い踊りながら心を近づけていくシーンにも、グリフィス天文台で、プラネタリウムのなかへ舞い上がっていく幻想的なシーンにも、《そこでこそ歌い踊る必然性》を、たしかに実感させてくれたのですね。◇デミアン・チャゼルは、とくにミュージカル専門というわけではないようですが、今後も注目していきたい監督です。ちなみに最近は、英語の発音に忠実であろうとする流行があるらしく、わざわざ「デイミアン」と英語なまりにも表記されるようだけど、彼がフランス系であることを考えれば、むしろ「デミアン」もしくは「ダミアン」と表記するほうが、よっぽど正しいんじゃないかという気がします。過度な英語至上主義は、かえって鬱陶しいですね。

  2019.02.10

• ドラえもん「最終回」について。

  今回話題になってる「ドラえもんの最終回」は、非常に高度な作品。日本の「マンガ文化」の高さを思い知らされた。というより、マンガが「文化」であるってことを、あらためて様々な点で感じさせられた。作画の模倣だけではなく、大人になった登場人物たちの造型なども見事ですし、なにより、漫画の説話のスタイルが、当時の作品の雰囲気をちゃんと醸し出してる。一コマ一コマに明確な意味をもたせ、一ページごとを“段落”として区切りながら、簡潔に語っていくスタイルが、「古典的」な漫画の印象をしっかりと表現してます。物語の内容からいえば１本の映画にもできそうなスケールの話ですけども、わずか十数ページの紙数で簡潔にまとめられています。ちょうど原作の「一話分」も、このぐらいの長さだったんじゃないでしょうか。実際に販売したマンガ本では、装丁なんかも真似たらしいですけど、内容そのものにおいても、原作のもっていた漫画の「話法」を、よく意識して作っているといえます。さらに、ストーリーの面でも、伝えるものの意味が深いです。つまり、これは「のび太の物語」としてだけでなく、ドラえもんを読んで育った「読者の物語」としての二重の構造をもってる。ドラえもんのいたはずの「未来」の世界に生きながら、その思い描いた「未来」とはやや異なった「現在」を生きている、ドラえもんの「読者」だった人たちの物語にもなっているわけです。そこには恐らく、この「最終回」の作者自身も含まれます。この作品そのものが、「ドラえもんを作るのは、のび太自身だった」というストーリーを生むと同時に、「ドラえもんの物語を作るのも、読者自身だった」ということの雄弁な表現になってる。実際、この「最終回」を生み出した人たちは、まさしく“ドラえもんの子供たち”といえる世代の人たちだったといえます。『ドラえもん』が、「読者＝のび太」自身の手で作られていくというのは、ドラえもんの物語そのものからすれば、むしろ幸福なことなんだと思う。今回の「最終回」の原案となった都市伝説のなかに、ドラえもんの“設計者”が残したという「規約」のエピソードが出てきます。それによれば、ドラえもんの構造について設計者自身に問い合わせることはできないが、ドラえもんを「修理及び改造」することは、自由に行なってもよい。という規定がなされています。ここにも、二重の意味が巧みに込められています。今回の騒動で、小学館側は、許諾のない出版・販売を問題にしたのでしょうが、だからといって、作品自体のこのような創作（いわばドラえもんの「修理及び改造」）そのものを、故人である藤子・F・不二雄が禁じていたわけではなかったと思える。むしろ、ドラえもんの新たな物語が、多くの読者（＝のび太）たちによって作られ続けていくことのほうが、作品の生命を繋いでいくという意味では、幸福なことなんだと思う。奇しくも、評論家の夏目房之介が、この「最終回」の出来への賛辞を述べていましたが、彼の祖父であった漱石の作品もまた、多種多様なパロディや『続編』を生んだことを思い起こさせます。まさしくそれが文化なんだといえる。「権利」というのは、文化を守るためにこそあれ、それを阻害するためにあるものじゃないってことは言うまでもない。もしその点で、本末転倒な「権利重視」なんてのがあるんだとすれば、それは唾棄しなきゃいけないと思う。今回のような創作物が、社会的にも「正当な作品」として成立するように環境を整備すべきですが、いずれにしても、これだけの高度な内容なら、「作品」として残っていくのはほぼ間違いありません。

  2007.05.31

• ＮＨＫ－ＦＭの新番組。

  ＮＨＫ－ＦＭが、夜中の時間帯に、これまでの「名盤コレクション」にかわって、新しく「ミュージックリラクゼーション」ってのを放送してる。いわゆるイージーリスニングの番組。番組スタイルとしては、かつての「クロスオーバーイレブン」あたりを意識して、全体がゆったりと“音楽的”に構成されてる感じ。個人的にイージーリスニングってのは、安易だから嫌いなんだけど、番組のコンセプトとしては、悪くないと思います。ただ、前回の「名盤コレクション」にしても、今回の「ミュージックリラクゼーション」にしても、コンセプトじたいは悪くないと思うんだけど、内容的に、今ひとつクオリティの高いものになってこないのも事実。◇前の「名盤コレクション」は、週ごとにゲストを招いて、その人の選曲したものを聴くという試み。通常なら聴けないようなジャンルの曲も耳にできる好企画だったけど、せっかくのゲストとの会話はいつも中途半端で、紹介された音楽にかんする理解もまったく深まらなかった。今回の「ミュージックリラクゼーション」は、イージーリスニングの番組というのは現在少ないので、こういう枠もどこかに必要だとは思し、かつては喜多郎やエンニオモリコーネ、最近なら加古隆を“発見”したＮＨＫの卓越した選曲センスに期待したいとも思う。たしかに、この番組を聴いてると、だんだん意識が遠のいてくるような、いかにもリラクゼーション効果のありそうな選曲ではある。でも、ある意味、そのへんのＣＤに売ってそうなパターン化した選曲とも思える。曲の合間で朗読される、「木星」や「火星」がどうとか言うお決まりのナレーションも、さほど練られた感じのしない安っぽい文面だし、ラストに短歌をひとつよむって発想も、なにやら安易な気がする。毎晩、凝ったスクリプトを展開していたかつての「クロスオーバーイレブン」の質から見ると、そうとう見劣りがするのは否めない気がします。はっきり言えば、スタッフが二流なんじゃなかろうかと思える。◇ついでに、ＮＨＫ－ＦＭの、夜の番組編成全体についても一言。夜11時台のラインナップにかんしては、番組の質はともかくとして、少なくとも、バランスはとれてる。いろいろなジャンルの音楽が聴ける。いわゆる「渋谷陽一」的な枠は、週にひとつと限定されてるし。問題は、９時台の「ミュージックスクエア」です。この時間帯に中高生向けの番組をやるのはもちろん構いません。だけど、はたして週に７～８時間も使って、毎日毎日Ｊ－ＰＯＰの新作を紹介する必要があるんでしょうか？それらが自国の商品文化だとはいえ、ＮＨＫがそこまでして宣伝媒体に徹する必要があるんでしょうか？まるで、『ロッキングオンジャパン』の内容を毎晩音で聴かされてるかのようです。今の「ミュージックスクエア」を聴いてる中高生のなかから、かつて「サウンドストリート」を聴いて刺激された人たちのように、高い文化センスをもった人たちが育ってくる気はしません。たんにレコード会社のコマーシャリズム漬けになってるとしか思えない。もっといろんな音楽を聴く機会を与えようよ。ＮＨＫは、かつて「ロッキングオン」にさんざん貢献したけど、いまのうち日本の音楽文化の「ミュージックマガジン」的な部分に目を向けておかないと、いずれ手遅れになってしまうと思う。それは、今後のＮＨＫ－ＦＭそのものの存在意義にもかかわってくる。

  2007.04.10

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  NHK-FM 「ひるのいこい」は最強番組。

  以前の「ＮＨＫ－ＦＭ問題」にも絡んで、今日は、そのＦＭの番組のことを少し。ＮＨＫ-ＦＭの昼の番組、「ひるのいこい」。ラジオ第一だけの放送だった頃は、とくに聴いてませんでしたけど、ＦＭでも放送するようになってから、よく聴くようになった。あらためて聴くと、この番組、最強です。◇絶妙な選曲。古い歌謡曲や演歌に固執してるわけでもなければ、最近のＪ－ＰＯＰに偏ってるわけでもない。気持ちの落ち着く曲が多いけど、どの年代の日本人にも受け入れられる選曲だと思う。この番組で流れてくる曲を聴いてると、現在の日本のマーケットやポップ・ジャーナリズムが、いかに偏った嗜好をもった、排他的な世界をつくっているかが分かる。日本の普通の曲のなかにも、いいものはあるんだなと思える。今のマーケットも、ジャーナリズムも、つねに「新しいもの」を求めようとする傾向があるけど、じつはそれじたいが、偏狭で、狂信的な考え方だし、まして、一部のジャーナリズムのように、「歌謡曲的なもの」を意図的に排除しようとする態度は、日本の音楽文化にとって、かなりの害悪にさえなりつつある。新しくはないけれど、普通の音楽でも、いいものはいい。◇この番組の特筆すべき点が、もうひとつある。それは「番組全体が“音楽的”に構成されている」という点です。毎日、担当のアナウンサーが、日本中から届く、いろんな“便り”を読むんだけど、それを読むアナウンサーの語り自体が、番組のなかで、ひとつの音楽的な要素になっている。ぶっちゃけ、“便り”そのものの内容は、よく意味が分からなかったりもするんだけど、それは、さほど問題じゃない。重要なのは、語りと曲とが、ともに音楽を奏でてるという番組の構成です。こういうタイプの番組は、だいぶ少なくなった。かつての「クロスオーバーイレブン」なんかは、そういう番組の一つだったと思うけど、今はそれもないし。かろうじて、現在では「音の風景」とか「ＦＭシアター」ぐらいかな。わたしが、個人的にＮＨＫ-ＦＭに期待する番組には、大きく言って２種類あるんだけど、そのひとつが、この「ひるのいこい」のように、番組全体が“音楽”になるようにつくられた、洗練された番組です。あと、もうひとつは、徹底的にテーマを絞って、特定のジャンルの音楽を系統的に紹介してくれるような番組。以前のＮＨＫ-ＦＭには、その種の専門番組や特集番組もあったんだけど、最近では、それも少なくなりました。近年のＮＨＫ-ＦＭは、祝日などに「○○三昧」というのをやってるけど、たいした専門的な解説もなければ、選曲もさほど系統的でなかったりする。ＮＨＫなんだから、それなりに高い水準の内容にしてほしい。そのためには、資料になる音源も必要ですけど。こう言っちゃなんだけど、知性のないパーソナリティが、いきおいにまかせて喋りながら曲をかけていく、みたいな、そういう安っぽいＤＪスタイルの番組ってのは、おおむね、民間の放送局にやらせておけばいいんじゃないでしょうか。※現在、​音楽惑星さん​にお邪魔して、「斉藤由貴」問題について考えています。

  2006.10.17

• たそがれ清兵衛を語る。

  ＴＶで見ました。とりあえずミーハーなんで、話題作はとり上げておこうかなってことで。（放映してからアップするまで遅くなりました）山田洋次って、こんなのも撮れるんだあ、と。予想外によかったんでビックリ。何十年も「寅さん」なんかやってる間に、こういうのをたくさん撮ればよかったのにと思った。それから、名作といわれてる『砂の器』（映画は見てないけど）の脚本が、「山田洋次＆橋本忍」だったので、山田洋次の脚本家としての能力というのも気にしながら観ました。宮沢りえちゃんがとってもステキでした。そして、田中泯相手の最後の立ち回りが、凄かった。あんまり感動したので、山田洋次の監督としての力量を見直したんだけど、ネットでいろんなレビューなんかを見てみたら、けっこう批判なんかもあって、なかには、かなりナルホドと思える批判もあった。たいていは時代考証にかんする批判でしたけど。あと、もうひとつは、岸恵子のナレーションと、物語の「後日談」に対する批判も多かった。なかでも「後日談は不要だった」という意見がけっこうありました。時代考証うんぬんについては、わたしはあまり分からないというのもあるし、べつに時代劇の話に「リアリティ」も期待しないので、さほど気にもならなかった。たしかに、「なんで大勢で鉄砲で田中泯を退治しないんだろう？」というのは、ちょっと思いましたけど。岸恵子にかんしては、あの金属的な声のナレーションが、静謐な映画の雰囲気にそぐわないというのはあるし、あのバタくさい顔が、「後日談」に登場してくるのもそぐわないかも、というのはあった。でも、「後日談」そのものは、映画にとって必要だったと思う。以登（次女）の目をとおして映画を語ることは、絶対重要だったと思う。真田広之の「清兵衛」と、りえちゃん演じる「朋江さん」の人物像は、清廉で、潔白で、慎ましくて、いわゆるステレオタイプな「古き良き日本人像」だけど、それが「次女の目」をとおして語られるからこそ、記憶の中の「父と母」の姿が、ステレオタイプな「理想の日本人」として描かれることを許されるんだと思う。そうじゃないと、ステレオタイプな昔の日本人の、あまりに陳腐な時代劇になっちゃう。じっさいの昔の日本人が、ほんとうにそんなふうに清廉で潔白だったかは分からないわけで、でも、すくなくとも「次女の記憶の中」ではそうだった、というのが、たぶん大事。そして、同時に、そういう「古き良き日本人」としての父が、「侍」としては、強く、立派に、正しく生き抜いたんだけども、時代の変化のなかで、「けっきょく鉄砲にあたって死んでしまった」ということも重要なんだと思う。もし、その後日談が無いと、「しがない下級武士がじつは剣豪のスーパーヒーローでした」みたいな話になっちゃうし、それじゃアメリカ映画の「スーパーマン」や「ゴーストバスターズ」と変わらない。そういう意味で、この映画は「古き良き理想の日本人」を描いたいい作品だったと思いますが、ただ、冷静に考えてみると、山田洋次の脚本も、たしかに過不足なくよくできてるし、演出もすごく正確だと思うけど、逆にいえば、オーソドックスにすぎる。心憎いような過剰な繊細さとか、おどろくような大胆さはない。最後の立ち回りのシーンは、山田作品としては、仰天してしまうほど大胆だったけど、あれはたぶん、やっぱり田中泯に負うところが大きいんじゃないでしょうか。というわけで、映画史を塗り替えるような傑作ではありませんけど、日本人の話題作になるのには、ふさわしい佳作だったと思います。山田洋次のオーソドックスな演出と、宮沢りえちゃんの演技力と、田中泯の存在感と、真田広之の運動神経が、ちょっとずつ良かったんじゃないかな。(~~)

  2004.03.06

• 海賊キッドさんの「絵」

  まいかのＨＰでは、日記リンク（おすすめ日記）で、楽天内の「海賊キッド」さんの日記にリンクしています。日記といっても、海賊キッドさんの場合は、文章ではなく、毎日「音楽にあわせた絵」をのせています。私は、完全にこの絵にハマってしまいました。きのうも、朝方まで、海賊キッドさんのサイトで、絵と音楽の鑑賞をしてました。最初にハマッたのは、１／２０の『闘牛とサロンパス』。（絵のタイトルは、まいかが勝手につけてます。以下同じ。）観衆にののしられながら、闘牛士をいたわった闘牛がサロンパスをはっている様子が、物悲しげな音楽とともに涙をさそいます。（笑）それから、昨日の日付で発表されたばかりの、『折鶴と風ぐるまと写真たて』。海賊キッドさんの説明によれば、音楽は、安井かずみさん作の７２年の歌謡曲で、『折鶴』という曲なんだそうですが、これまた、お腹がよじれそうなフンイキを醸しだしてます。そのほかにも、まいかのお気に入りをあげておきます。まだ行ってない方は、ぜひ見てきてください！http://plaza.rakuten.co.jp/midipod/ （12／24）『雪と舞う恋人たち』（12／23）『ほうら、雪が降ったよ！』（1／６）『夢見るお姫様』（10／14）『地球のうえでブランコ』（12／７）『おとうさんは帰ってきたんだよ』（11／17）『黄色いバラのプレゼント』（12／９）『プリンのある午前』（12／29）『舟唄』（トップページ）『アルハンブラの想い出』（トップページ）『コーヒーとパン』（カノン）他にもステキな絵がたくさんあります！ぜひ見てきてください！

  2004.01.29

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