[音楽]の記事一覧 | mik.hamaのいい加減にします

５月はＧＷとかで来客があって一杯やる時のＢＧＭは昔聴いていた奴が良い

初夏の新緑が眩しい季節になって友人達と一杯やるのが楽しい。友人達が来る時間が近づくと、畳んであるＳＡＰＰＯＲＯの提灯を伸ばし中に薄明るいランプを入れて、それを座卓と座椅子のあるリビングの片隅にぶら下げる。それから、古い本棚の上にある小諸の古物屋から家にやってきた、煤けた恵比須様と大黒様の前に灯明を灯す。次にリビングの隣にある音楽部屋に行きアンプとＣＤプレーヤーの電源を入れ、入り口のドアと窓を開放。個人的に聴きたい曲のＣＤを適当に掛けて機器類のウォーミングアップをしつつ、それをＢＧＭにして居酒屋は客待ちとなる。やがて、酒宴が始まって暫くすると音楽のリクエストが出たりして色んなジャンルの曲が流れているけど、大方は昔馴染んだポピュラー系が多い。今年五月のGWの来客で最初に掛けたのは古いソウルミュージックだった。それはＦＭラジオで洋楽というものを意識して、もっと良い音で音楽を聴きたいとベニヤ板と壊れたＴＶの１６ｃｍユニットでオーディオへの取っ掛かりとなった音楽だ。左が１９６３年に結成されたスリーディグリーズが１９７３年に発表したアルバム。右がヴァン・マッコイとかスタイリスティックスとか、７０年代の懐かしいソウルミュージック黄金期の名曲を集めたオムニバス盤。タイムスリップして沁みる曲に酒が進む。左は中島みゆきさんのシングル盤コレクションで、”やまねこ”から”アザミ嬢のララバイ”まで”時代”を含めたシングル２０枚のＡ面とＢ面を収録した３枚組の大作。ライナーノーツの当時のＥＰジャケット写真が良い。右はジプシーキングスのベスト盤で特に説明は要らないだろう。全員が元本物のジプシーで南フランスの方言を交えたスペイン語の唄は酒の肴になるし、イタリア語の”ボラーレ”はビールにピッタリ。左は２００５年に亡くなった松原みきさんのベスト盤で、１９７９年のデビュー曲だった名曲の”真夜中のドア Stay With Me”はYouTubeで３６億回再生された。正直に言うと他は余り知らない曲ばかりだけど昭和のシティ―ポップは心地いい。右は久松史奈さんのベストアルバム。モデル活動中にヤマハ主催のNew Pep Sound Auditionでグランプリを撮ったボーカルが聴きもの。１９９２年からロック色を強めて”天使の休息”がヒット。左のアデルさんは初登場１位になったデビューアルバムの”１９”の頃から買い続けている。右のセリーヌ・ディオンさんと共に上手い歌は良い酒の肴になる。セリーヌ・ディオンさんのアルバムを引っ張り出したのは、イギリス映画”アンコール！！”のエンディングで流れた音楽が、映画にピッタリの良い歌詞だなと思いつつなんか物凄い歌が上手い人だなと思ったら、エンドロールにセリーヌ・ディオンさんの名前が出てきてひっくり返りそうになったから。

2026.05.23

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ウォークマンにはじまる携帯音楽プレーヤーがサブスク＋スマホに帰結した昨今

ソニーが録音機能が付いたプレスマンをベースに、再生専用の音楽プレーヤーを発売したのは１９７９年の事だった。価格は￥３３０００というもので、当時の大卒初任給の￥１０９５００からすればかなり高価なものだったことが分かる。今の感覚では大体７万円位か。そのＴＰＳ－Ｌ２という型番のウォークマンは最初の１か月は３千台という売り上げだったものの、翌月には初回生産の３万台を売りつくし世の中のライフスタイルを変え、和製英語でおかしな”ウォークマン”という単語を世界中に認識させる事となる。個人的には音楽好きとはいえ音楽は家のスピーカーで聴くものであり、クルマの免許を取ってからはカセットテープとラジオが聞けるカーステレオという選択肢が一つ増えただけだった。音楽とオーディオのファンなのでテクニクスのヘッドホンは持っていたけど、その用途は夜中に於けるＦＭエアチェックとレコードからカセットへのダビングの時に使うモニター用でしかなかった。あの当時は、今時よりラジオもＴＶも音楽番組が充実していて、邦楽はザ・ベストテンとか色々と観ていたしどちらかと言えば洋楽好きだったので、ＦＭ放送のカセットによるエアチェックは勿論小林克也さんのベストヒットＵＳＡとかＭＴＶは、ベータのビデオに録画しておいて、ＰＶを観て気に入れば地元で安いアメリカの輸入盤を漁ったり、時には秋葉原の石丸電気まで出掛けていた。それでも就職して泊りがけで出張に出たりすると、クルマの中で聴いていた音楽を出先でも聴きたくなってくる。結局、携帯のカセット音楽プレーヤーは、以前にラジカセを買った近所のナショナルショップで購入。既にウォークマンのヒットで各メーカーが後追いしてオーディオ機器同様に競い合っている時期であり、今思えば国産家電全盛期の贅沢な時代だった。その音楽プレーヤーは出張や旅行の相棒になり移動時は勿論だけど特に夜の就寝時に重宝したのは、昔は家の環境とは違う雰囲気とか建物の内外から聞こえてくる音が気になってしまい、中々寝付けないでいたからだ。慣れないホテルの環境に落ち着かなくても、経費節約で大部屋の雑魚寝やツインでイビキが煩くても、幹線道路の騒音や雑踏の騒ぎが聞こえても、レコードで耳慣れたロックが聞こえていれば眠れた。今、手元にあるカセットの音楽プレーヤーは純正のウォークマンで外箱まで残っているけど、バッテリーが標準の単三とか単四ではなく専用の平べったいガム型充電式。残念ながら、こういうのは本体に問題が無くても電池が怪しくなるとお飾りになってしまう。ついでに三洋のポータブルカセットは、同社が得意だったラジカセの縮小版みたいなものでカセットのリバース機能と録音可能でラジオまで内蔵している。こっちは電池が普通の単三２本のタイプなのが良い。もうカセットは機能するか分からないけど、今でもラジオは生きていて本体の裏にあるスピーカーで聴く事が出来る。上記、２点の裏側。これが国産家電が黄金時代だった頃の、文化遺産の裏側である。今では携帯音楽プレーヤーというとスマホの事であり、あらゆる音楽ソフトがサブスク化して実態を失なった上にアルバムがあっても一曲ずつツマミ食いするようになりイントロや間奏は飛ばして聴く時代になった。元のデータを間引いて生成されたＭＰ３などの圧縮ファイルはマトモなシステムで聴くと何とも味気のないカサカサした音だけど、ブルートゥースとのワイヤレスな組み合わせによる音楽プレーヤーとしての利便性は、音質というものさえ無意味なものにしてしまったらしい。そもそも音楽自体を楽器ではなくコンピューターの打ち込みで作るようになった今時では、いずれＡＩにより個人が普段聞いている音楽をベースにサブスクやネットから取り込んだデータを使い、ジャズ、ロック、クラッシックなどジャンルを問わず個々人の嗜好に合わせたボーカルは勿論、理想のアイドルやアニメキャラクターなどを作り上げて最後にはそれらを使ったＭＶまで完成したお一人様様用の音楽が作られるんじゃないかな。ＡＩコンピュータによるライブとなれば生身の人間は全て裏方に回り、人が誰もいないステージの上にはＡＩが制御するロボットのバンドメンバーとダンサーがいて、センターでは有名なボーカロイドロボットが人間には難しいような曲を歌い会場全体をＶＲやドローンとか細密なプロジェクションマッピングを駆使した演出。何せライブ中の歌詞とＭＣは多言語で対応可能なのでワールドツアーも実にスマートであり観客からの質問応答も出来るようになるのだ。大編成のオーケストラなんか幾らでも楽器が増やせるのでピアノ４台とかバイオリン５０丁に合唱が１０００人なんてのも可能だろう。まあ、そういうライブが実用化したとしても個人的には絶対に行かないけどけどね。

2025.09.13

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航空技術を下敷きに開発された高剛性軽量ギターのオベーションは明快で厚みのある音と余韻が心地いい

１９１９年生まれのチャールズ・カーマン氏。ユナイテッド航空では航空力学者としてヘリコプターに関わり、１９４５年にはカーマン・エアクラフト社を設立してヘリコプターの設計を開始。カーマン社は多角化を図り、核兵器実験、民間ヘリコプター運営の他に、化学物質まで手掛けてヘリコプター用のベアリングまで作っていた。その後、民間ヘリコプター部門の失敗による財務の問題で、ＫＭＣＭｕｓｉｃｏｒｐという子会社を設立し、１９６６年にローターブレードの木工技術を生かした楽器製造に乗り出したのが、オベーションギターを生み出したカーマン・ミュージックだ。実は社長のチャールズ・カーマン氏が幼い頃からアマチュアのギタリストであったために、既に１９６４年には社内の航空エンジニアと木工エンジニア達を集めて、新しいギター製造に関わる従業員チームを作り１９６６年に掛けて独自のギターを試作していた。チームの中には後にアダマスを作るチャールズ・マクドノー氏もいて、彼らが最初に試みたのは従来のギターに代わる新しい素材への置き換えで、数か月後に完成したプロトタイプはいわゆる一般的なドレッドノートタイプだった。それは音響特性を考慮した薄い背面を持つものであったが、側面との繋ぎ目が破損しやすく、その構造的な問題を解決する為に、放物線を応用してトップ以外を一体化構造にして、マンドリンのような丸みを帯びた背面ボディーが考案された。その従来のギターよりも大きな音が出せる形状を実現する為に考案されたのが、特許出願済みで自前の宇宙航空技術を応用した、Ｌｙｒａｃｈｏｒｄ／ライラコードと呼ばれる素材だった。そのギターは弦楽器製造者のジェリー・ガードナー氏により制作され、今までにない音の伸びと鳴り響くサスティンを持つ画期的なギターは、１９６６年１１月に世の中へデビューする事となった。最初の頃のオベーションの宣伝と紹介を担っていたのは、ブルースのジョシュ・ホワイト氏と、カントリーのグレン・キャンベル氏だった。１９６６～１９６７年に掛けてオベーションは、ジョシュ・ホワイトモデルと呼ばれたシグネチュアモデルを製造して、それを携えたホワイト氏が１９６６年１１月１４日に、ホテル・アメリカで３００人の報道と音楽関係者が出席したショーで演奏したのだ。また、オベーション・グランドバック・バラディアは、１９６８年にグレン・キャンベル氏が司会をするバラエティー番組の、グレン・キャンベル・グッド・タイム・アワーで使われ全国的な注目を集めて、１９６９年にキャンベル氏はオベーションの支援者となった。以降、オベーションは保守的なギタリストにも浸透していく事になっていく。この画期的なギターの誕生には、創業者のカーマン氏のエンジニアリングと、ヘリコプター産業のノウハウが重要なポイントだった。トップの響板にはヘリコプターのローターにも使われたシトカスプルースが使用され、その背面にある独特な放物線のボウル形状は、音の振動を制御して前面に増幅するように考慮されている。またエレキギターに倣った扱いやすい薄いネックは、アルミのチャンネルとスチールのロッドで補強された、マホガニーとメイプルの複合素材というもので、強度アップを図りつつトータルでの軽量化に成功している。更に１９７０年代のアダマスでは更に薄いバーチ材の薄い層と、カーボンを使った薄くて高強度のトップを開発。合わせて従来のサウンドホールと同じ面積を２２個のホールに分散したお蔭で、更に伸びのある音と音量を実現して軽量化にも貢献している。その後も、オベーションは幾つかのモデルの軽量化と改良を継続していき、１８６７レジェンドというアコーステックモデルは殆どエレキギターと同じ厚みになり、軽量で体にもフィットする形状のお蔭で、エレキギターユーザーが同じピッキングポジションで使う事が出来るようになった。所が２００８年になるとＫＭＣＭｕｓｉｃｏｒｐはフェンダーに買収され、オベーションなどの商標も全て売却された。実はそれ以前からフェンダーは、コネチカット州のニューハートフォードのオベーションの工場で、オべーション／アダマスなどの製品と共に、ギルドやフェンダーに関わるアコースティックギターの生産をしていた。この時にニューハートフォードの工場は閉鎖し、オベーションの生産は海外に移管すると発表されたものの、なぜかその発表から間もない工場閉鎖の直後に、オベーションブランドがフェンダーが所有していた幾つかのブランドと共に、ドラム・ワークショップに売却され事になった。お蔭でニューハートフォードの工場は再開される事になり、オベーションとアダマスのギター、ベース、マンドリンなどが生産された。その後オベーションは、中国、韓国、インドネシアでも生産されるようになり、当初の海外生産品は主にトップに木を使ったモデルに限られていたのが、２０１０年以降になるとハイエンドのレジェンドとエリートから、カスタムレジェンドとカスタムエリートに至るまで、大まかにはモデル名にＬＸが付いたアメリカ製と、ＡＸが付いた韓国製が混在する事になっていった。更に２０１４年６月にハートフォード工場が閉鎖されると、全てがアメリカで生産されていたアダマスを含めたアメリカ製は少数になり、現在では特別なシグネチュアモデルや限定品に限られるようになっている。ピンキリで多種雑多な魑魅魍魎の普通のアコギ選びは実に難しいけど、オベーションが良いのはブランド／素材信仰から少し離れていて、元から音のバラツキが小さいギターであり、ビンテージとかいうものも余り意味が無いらしく、オリジナルのアメリカ製でもアダマスでなければ、探せば意外に割安でリーズナブルな所が良い。家にあるオベーションはグレン・キャンベル・シグネチュアモデルで、アメリカ製らしいゴールドのペグが光るトップの下のプレートには、印刷だけどサインが入っていてシリアルから１９７９年製らしい。グレン・キャンベル氏は幼いころ頃から叔父にギターを教わり、約５０年のキャリアで７０枚以上のアルバムを発表した、アメリカを代表する歌手であり俳優だ。２０１１年にアルツハイマーを告白した後もレコーディングをして、２０１７年に最後のアルバムを発表してから１か月半後に８１歳で亡くなった。山下達郎さんのサンデー・ソング・ブックでも、２週間に渡り追悼番組が組まれていたらしいけど、キャンベル氏の音楽は黄金期のアメリカそのものだ。キャンベルさんはオベーション・ギターの使い手なので、当然ギターは一流だけどボーカルだって負けていない。何というか、昔は流しをしていたのでギターが弾けて、舞台でも活躍している五木ひろしさんみたいだ。音を響かせるサウンドホールからオベーションのシールが覗いている。キャンベルさんが実際に愛用していたギターとは違うだろうけど、見てくれはキャンベル氏が演奏しているのと同じなのがファンには嬉しい。真正面から見ると普通のアコギに見える。ヘリコプターのブレードで使われていたシトカスプルースのトップと、航空技術が応用されたらしい複合素材で構成された高強度のネック。背面は普通のアコギのイメージからかけ離れた異形で、ライラコードを使った独特の軽量で強靭なボウル形状。何となくうずくまったネコの背中みたいで可愛らしい。オベーションの弦はテレキャスに比べると硬くて太い上に、少し弦高が高いので最初はエレキと同じ様に扱うと上手く鳴らなくて、高校の頃にギターの練習で使っていた叔父のヤマハギターを思い出した。軽量で高強度を求められる航空技術を下敷きにしたオベーションの特徴は、取り上げる度に感じる軽さだろう。お蔭で何となく音まで軽いイメージがあるのだけど、ピックで思い切り掻き鳴らしてピシッと決まった時の、ソリッドで粒立ちの良い骨太で華やかな音は、快感そのものでつい頬が緩んでしまう。それは独自の高剛性のボディーとネックの効果だろうけど、弦の振動入力に対するトランジェントが良いので、指で軽く触るくらいの小さな音から、ピックで掻き鳴らす大音量までのダイナミックレンジが広大。音がハイスピードで立ち上がって一気に空間に放出されるイメージは、何というかホーンスピーカーみたいであるぞ。

2024.06.01

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昨年亡くなってしまったアリスの谷村新司さんといえばモーリスのギターだよね

長野県の松本にあるモーリスと言えばフォークソング全盛期に、かまやつひろしさんなどのミュージシャンをＣＭに起用して、「モーリス持てばスーパースターも夢じゃない」というキャッチコピーで、多い年には年間３０万本ものギターを量産していた位で、今でも国産ギターメーカーとして大きな存在感がある。７０年代フォーク時代には庶民からスターまでが手にしていたギターで、個人的には当時からアコギと言えばギブソンやマーチンなんかよりも、ヤマハと共に日本のプロが使う楽器というイメージが今でもある。モーリスの創業は１９６１年で、ギターの製造は１９６６年に楽器卸業のモリダイラ楽器の発表した、モーリスギターと関り１９６７年には芳野楽器としてスタートしている。１９７０年代にはオールナイトニッポンのスポンサーとなり、ＣＭにアリスの堀内孝雄さんを起用して大ヒット。１９７２年に社名をモーリス楽器製造（株）に変更して現在に続いている。今でも入門量産機からプロ用ハンドメイドのカスタムモデルまで、あらゆるギターを手掛けていて国産アコギメーカーの代表格であり、そのモーリスサウンドを世界中に届け続けている。個人的にモーリスと言えば学生時代にアリスのデビューに衝撃を受けて、谷村さんと堀内さんが使っているギターがモーリスである事を知ってから、アリスとモーリスは韻を踏んで一緒くたになって擦り込まれている。昨年、その谷村新司さんが亡くなってしまい落ち込んでいたのだけど、暫くして頭に浮かんだのがモーリスのアコギで、それを無性に手元で鳴らしてみたくなった。可能であればアリスがデビューしてから活躍していた、７０年代辺りの音楽好き達がこぞって手にしていた普通のモーリスが良い。あのフォークブームの最中にギターを手にしたものの上手くいかず諦めて、とっとと質草に大量に持ち込まれて店先にぶら下がっていたり、四畳半のアパートの片隅とか押入れに追いやられていた様な奴だ。当時、皆が奏でて皆が聴いていた筈のモーリスの音を手元で聴いてみたい。谷村新司さんのデビュー４５周年プレ記念に発売されたアリスのベスト盤。エクスプレス時代のアリスを集めたＳＨＭ－ＣＤ仕様で監修は谷村さん。昔のレコードの様にギターのコード付きというのが嬉しい。谷村さんが亡くなって改めて聴き直すと沁みる。という訳で７０年代製のモーリスを探し始めると、フォークブームのお蔭で大量に出回ったらしく、今でも比較的リーズナブルな値段で見掛ける事が出来る。調べると結構色んな機種があって良く分からないけど、市井の音楽好きの大多数が手にしたであろう量産機という事で、目に付いたのがＷシリーズというもの。数千円からフルＯ／Ｈの４万円位までという、同シリーズのＷ３０という機種に照準を合わす。ギターケースは邪魔なので裸で程度の良さそうなＷ３０を探して、手元にやってきたのがアルフェッタと同じ１９７５年製だった。Ｗ３０の数字は当時の販売価格をそのまま表しているらしく、他にもＷ２０というのは当時２万円という事で、大卒初任給が９万弱だった頃のＷ３０の３万円という価格は、今の感覚では大体７万円位か。現在よりも遥かにギターが世の中に大量に流通していた事を考えれば、群雄割拠の市場競争のお蔭でもっと安いのが幾らでもあった筈で、Ｗ３０は入門機でも割と上のランクだったと思われる。オマケに当時は入門機ですら今時の海外での下請け生産と違い、殆どが日本国内で作られた物だったので今から見れば贅沢だ。幾ら合板で出来た量産機とはいえ現在の不当に低い世評のお蔭で、今では手ごろな値段で入手できるのはありがたい。モーリスＷ３０のボディーは昭和の同時代の家具や、以前紹介した３０日巻きの振り子時計の外装と同じ、表面が硬いプリント合板で出来ていて、あの頃の時代を知る者には質感も含めて何とも懐かしい。ＴＶで見たりラジオやレコードで聴いていた昭和の音楽と共に作られて、今よりも遥かに活気があった時代の風景に馴染んでいた旧いモーリスが、実に半世紀近い年月を経て手元にある愉快。時代を経た割に本体は艶々でパリッとしていて最近作られたように見えるのは、ライバルよりも一頭抜ける為に材料や製造技術が吟味されていた結果だろう。本体は合板なので恐らく木の繊維が縦横に接着されている筈で、元から強度があって狂いが出にくい上に昭和の家具にも共通する頑丈さもあって、常に直射日光に当てて乾燥させたり、雨に濡らすような事をしなければ、単板ギターの様に保管するだけで神経質になる必要も無さそうだ。Ｗシリーズは当時の量産を前提とした国産大衆ギターの一つなのでリサイクルショップで埃を被っていたりマニアは無視するけど、ビンテージとか希少などという生臭いものと無縁な、シンプルに音楽を奏でる為の実用機という所が良い。ヘッドのロゴマークが一見シェルのインレイ風なのが泣かせる。恐らくプラ素材だろうと思うけど良く出来ていて、ペグも普及機とは思えないしっかりとしたもので今でもピカピカ。弦はずっとそのままだったのか濃いグレー色に変色しているけど、ギター自体は全体に艶々のピカピカでとても半世紀近く前のものとは思えない。いずれ弦を交換しようかと思いつつ幾らか爪弾いてみたら、サウンドホールの上の弦は錆が落ちて銀色に。弦の錆具合が良く分かるネックのアップを見て分かるのは、フレットがどれも大分減っていて、１フレットの６弦なんか実質的にはフレットレス状態だ。実はリサイクルショップでもっと安くて程度の良いやつを見掛けたのだけど、この個体の弾き込まれてきた歴史も含めて尊重したいと思う。指板のポジションマークもインレイ風で手抜かりが無いけど、一般的には入っている３フレットには何もない。基本は世間のアコギのイメージそのままの形態と色味のギター。サウンドホールの中のモーリスのラベルを確認しつつ、ホールの周辺にもインレイ風の装飾がなされているのが泣かせる。普段は寝部屋の片隅に置いてあって、相当使い込まれつつ相当大事にされてきたらしいピカピカのモーリスは、弾かずともオブジェとして眺めているだけで楽しい。白いピカピカのスプルース風トップの周辺にも装飾が入って、そこから続くサイドとバックはピカピカのマホガニー風。実はバックにもちゃんとセンターに装飾が入っている芸の細かさ。裏を見ても表を見てもどこにも手抜きの無い、高級ギター風の結構凝った各所に散りばめられている装飾が、入門機でも割と上級だったＷ３０の特徴で、パッと見では結構高そうに見える。ネック以外はオール合板のボディーを、人差し指を曲げてノックしてみると、コンコンと澄んだ硬質な音が響いて頑丈さが伝わってくるモーリスＷ３０はその頑丈なボディーが効いているらしく、現状の錆びた弦では実力発揮とはいかないけど、思ったよりも良い音がしている。恐らく元は鳴りの良い有名なギターをベンチマークにして、それに近づけつつも量産前提でライバルに負けない為の音へチューニングしていった、モーリス独自のノウハウによる素材選びとか組み立て技術の成果だと思う。クルマの場合は手作りのような２千万円越えの超高級車を作るのは大変だけど、１００万そこそこの大衆車をバラツキの無い均一の品質を保持したままで、大量に生産する事も同じ位に難しい事でありギターだって似たようなものだ。改めて海外でも評価された量産大衆ギターを見直しつつ、空間に放たれる昭和の音を聴きながら一緒に遊ぶのは贅沢な時間なのだ。

2024.03.02

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一周忌を過ぎて改めて高橋幸宏さんを聴くとドラマーソングライター故のポップさが心地良い

サディスティック・ミカ・バンドでドラムを叩き、あのＹＭＯに参加した高橋幸宏さん。ＹＭＯの中でも割とポップでキャッチ―な曲が印象に残るのは、高橋さん自身がドラマーであるという事が大きいのではないかと思っている。ドラマーのソングライターというのは数は少ないけど、リズム楽器の名手によるポピュラー音楽というのは、聴けば何となく独特なドラムセンスを感じ取れて興味深い。オフィシャル髭男ｄｉｓｍの藤原さんも、かつてはドラマーを目指していた位にホンモノのドラムの名手だそうで、数々のヒット曲のメロディーには、ドラマー故のものが確かにあるように思われて仕方がない。海外には左利きの名ドラマーであるフィル・コリンズ氏がいて、ジェネシスの１９９９年発表のアルバム”ジェネシス”なんか、作曲はメンバーとのコラボとはいえ、特にインストゥルメントのセカンド・ホーム・バイ・ザ・シーなんか、ドラムの為の楽曲としか思えない。そのフィル・コリンズ氏はジェネシス以外のソロでも数々のヒットがあるけど、取り分けフィリップ・ベイリー氏らとのコラボで出来た”イージー・ラバー”は、それこそ独特なリズムで存在感を放っているドラムあっての名曲だ。それからイーグルスのドラマーであるドン・ヘンリー氏が関わった曲には、ホテルカリフォルニアとかデスペラードなどがある。そういえば、昨年発表された、ローリングストーンズ１８年ぶりのニューアルバムである、ハックニー・ダイヤモンズを初めて聞いた時に、２曲だけのチャーリー・ワッツ氏の貴重なドラムと比べて他の曲を聴くと、何というかバンドカラーまで変わってしまう事に改めて気づかされた。ローリングストーンズのドラムは、ジャズドラマーでもあったチャーリー・ワッツ氏以外がクレジットされている事もあるけど、基本はシンプルなドラムセットでリチャーズ氏のギターのリフと絡んで、絶妙な間合いでリズムを刻んでいたワッツ氏あってのもの。何せ、クラブミックスとやらで編集された自身のドラムを聴いて、”勝手に切り刻みやがって”と激怒していたほど拘りがあったらしく、あの独特なドラムの間合いとリズムは誰も出来ないのだ。日本を代表する名ドラマーでソングライターだったタカハシ・ユキヒロさんは、ＹＭＯの解散後もソロ活動以外にも若い人達とのプロジェクトにも参加して、他にはない独特な世界を切り拓いていた。後を追うように亡くなってしまった坂本龍一さんも、世界のどこにも無い音楽を追求していたけど、個人的にはあっけらかんとしたポピュラー音楽から離れた高尚さと、常に付きまとう冷たさと暗さがしんどい。それに比べるとユキヒロさんの音楽は、難しい事や肩ひじを張ったものが無く、陽気で取っつきやすくて気が楽だ。ユキヒロさんの訃報から１周忌を過ぎて改めて何か聴きたくなり、家にＹＭＯ以外で何があるのか探したら、”アイム・ノット・イン・ラブ”という１９８８～１９９５年までのベストアルバムと、今ではタイトルからして沁みる、１９９０年発売の”ブロードキャスト・フロム・ヘブン”が出てきたけど、こちらは横尾忠則さんによるジャケットが面白い。改めてＹＭＯ以来のユキヒロさん独特の肩から力が抜けたようなボーカルが懐かしい。そのユキヒロさん以外には作る事が出来ないポップスの基本は、世界でもユキヒロさんだけという革靴によるドラムサウンドだ。若い人たちとのプロジェクトであったメタファイブもカッコ良い。日本のポップスの枠に嵌らない新しい日本のワールドミュージックだ。坂本龍一さんが亡くなった時に、ＴＶでもラジオでもユキヒロさん作曲のライディーンばかり流れていたけど、日本のニュース番組の底の浅さに怒る気にもなれず、ただ苦笑するしかなかったのを思い出した。

2024.01.20

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フェンダーのセカンドブランドであるスクワイヤーのテレキャスターってどうなんだろう

夜になるとアンプラグドのフェンダー・テレキャスターを、ＴＶを見ながら時々抱えているのだけど、アンプに繋がない限りテレキャスターの形をしていれば、何であれ多少何かが微妙に違っていても、どれも大体似たようなものじゃないかと思い始めた。そうなると、もっと手軽に扱えるテレキャスターが気になってくる。オマケに、そういうテレキャスなら虚飾とか高価なパーツとは縁遠い筈なので、ただでさえシンプルなアメスペよりも更にシンプルな筈で、それこそがプリミティブなテレキャスの原点なんじゃないかと思えてきた。それでフェンダーからあまり遠くない位置にあるテレキャスを思い浮かべると、どうしてもスクワイヤーの存在が気になってくる。ボディーが音に癖がないバスウッドというのも、基本的にアンプラグドであれば余り意味が無いのだ。意外にもプロの愛用者もいる比較的リーズナブルなスクワイヤーは、今ではインドネシア組み立ての入門機という立ち位置だけど、これには今でもダイナ楽器が関わっているのだろうか。こういう実質的でバリューコストのスクワイヤーを、その道の手練れがシレっと使えば確かに粋でカッコいい。スクワイヤーブランドの元はアメリカのバイオリンメーカーで、それはアメリカのストラディバリウスと称されるレベルだったらしい。やがてヨーロッパに押されていた弦の量産を始めて、１９３０年代になると新しく登場した電気を使った、ピアノとかラジオなどに関わる商品を開発した後、１９５０年代にフェンダーの創始者である、レオ・フェンダー氏にエレキギターの弦を供給する。その後、１９６０年になるとフェンダーに買収された後、１９６３年にはフェンダー自身がＣＢＳに買収されてしまい、１９７０年代にブランドは消滅した。やがて１９８２年に経営危機のフェンダー復活の為に作られた、日本資本のフェンダージャパンが立ち上がると、最初にコピー商品が溢れていた足元の日本市場へ、苦肉の策でスクワイヤーブランドが、フェンダーの廉価版という位置付けで復活。それはそのままアジア製のコピー商品が溢れていたヨーロッパにも進出して、翌年の１９８３年には本拠地の北アメリカにも供給される事になり、結局は全世界へ向けて展開する事となった。スクワイヤーは生産地を、日本、韓国、インド、中国、インドネシアと移しながら、今ではフェンダーのセカンドブランドとして世界中で認知されていて、中でも１９８４年以前の日本製スクワイヤーは、今ではマニアが探すコレクターズアイテムとなっているらしい。今ではアマチュアの入門用というイメージのあるスクワイヤーは、特に初期の日本製に関しては海外にもファンがいるらしく、プロの中にはヘタなビンテージよりも良いと言わしめる事もある位だけど、それ以前にスクワイヤーの音が好きだというファンもいるらしい。何せ、テレキャスはどう見てもテレキャスだし、カラバリも定番はバッチリ抑えていて学生さん達にも人気のギターだ。という訳で、手持ちのブロンドカラーと対比させる為に、黒いボディーのスクワイヤーを突き始めたら、２００７年発売のアヴリル・ラヴィーン・シグネチュアというのに目が留まった。大物のラヴィーンさんなら幾らでも高価なクラスで再現出来たのだろうけど、安価なスクワイヤーを敢えて選択したのは、多くのファンに行き渡るようにという配慮だったらしい。こうなると、その黒いシンプルテレキャスが気になって仕方がなくなり、これは急がなくても良いから探さねばならないと思い始めた。当時の実売価格は大体６万円位だったようで、今ネットで売られている値段を見ると、下は１万円台で上は１０万円までというピンキリ幅が凄い。ジャンクはいくら安くてもボロか改造品では後始末が大変だし、恐らく未使用で取っておいた投機臭のする生臭い奴は論外である。程度は程々で良いのでドノーマルの大体３万円台を狙う事にして、折を見てはネットをウロウロしてみる。なにせ最近はカメラとかレンズなんか買ってないし、夏なんかずっと暑くてどこへも出かけていなかったのでな。そうして、やがて手元にやってきたのは、弦を緩めてずっと保管されていたらしい綺麗な個体で、ギタースタンドと一応ストラップを通販で手配しつつ、数日間は弦が落ち着くまで毎日チューニングをしながら、いつもの様に爪弾き始めた。とにかく出来の良いコスパの良いテレキャスという事は間違いないのだけど、それよりもブランドとかビンテージという俗物から離れた、合理的で実質主義のあっけらかんとした風情が何とも心地が良い。音だって元々がオリジナルのフェンダー系列だし、そもそも天然素材を使ったギターなんか、作られた時点で一本ずつ個性がある筈なので気にしたらキリがない。それに加えて１６年ほど前の個体であれば、使われ方や保存環境によるエージングが加わって、その個性は更に増しているんじゃないか。黒いボディーとチェックのピックガードが特徴的で、本来は前後二組あるピックアップをリアへ一つにまとめてしまい、トーンの切替は３つのままだけどノブはボリュームの一個だけという、実用性を突き詰めた上にデザイナーとしても一級というラヴィーンさんのセンスに唸る。ただでさえシンプルなテレキャスなのに、ローズウッドを奢った指板のポジションマークは、たった一つだけお星さまが光っているだけだ。ヘッドには純正のテレキャスターの文字がちゃんとプリントされていて、オマケにフェンダーのロゴまで入っているのはスクワイヤーならでは。当たり前だけど何の過不足も無い真正のテレキャスターである。このファーストバージョンが好評だったのか、２０１２年には二代目のアヴリル・ラヴィーン・シグネチュアが登場。指板のポジションマークがスカル＋クロスボーンという、海賊マークなのだけど個人的には２００７年モデルの方が好きだ。古い電気系に関してオーディオ的な視点で見れば、ピックアップにアルニコマグネットが使われていれば、元々保磁力が小さいので古くなると減磁している可能性があり、再着磁が必要かもしれない。ハイパスのコンデンサーに関しても電解コンデンサー以外の、オイルやフィルムでも容量が抜けている場合があるので、古いスプラグやブラックキャットなどのコンデンサーの場合は容量のチェックをした方が良いし、テレキャスなら高域特性の良いオーディオ用のフィルムコンデンサーが似合っていると思う。但し、あくまでも音は好みであり、基本的にはオリジナルの個性を尊重したドノーマルが基本。手元でスクワイヤーをアメスペと比べてみると、アンプラグドでも音に結構差がある事が分かる。アメスペの方が高い音の倍音成分が豊かで、シャーンとかチャーンという音に伸びがあって、サスティンと呼ばれる余韻が長い。とは言え、最終的にアンプに繋いで調整すれば、スクワイヤーでしか出せないファンが拘る音がある筈であり、そもそも練習なら殆ど意味は無い上にアメスペよりも静かに感じるので、ＴＶを観ながらのアンプラグド練習には却って好都合だ。何と言っても黒いアヴリル・ラヴィーン・シグネチュアは、ド定番でありふれたブロンドカラーのアメスペと違い、数あるテレキャスタイプも含めて見慣れないデザインなので、ギタースタンドに寄り掛かっているのがチラッと目に入るだけでも愉快なのだ。

2023.11.11

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日本とも縁の深いフェンダー製エレキギターの原点でアメリカの黄金期に育まれたテレキャスターとの数十年ぶりの邂逅

フェンダーギターの始まりは、１９３８年にレオ・フェンダー氏がカリフォルニアのフラートンで創業した、フェンダー・ラジオ・サービスというラジオや音響機器の修理屋さんだった。１９４５年にドク・カウフマン氏と一緒に、Ｋ＆Ｆマニュファクチャリングを立ち上げて、スティールギターとアンプの製造を開始するも１年で解消。１９４７年にはフェンダー・エレクトリック・インストゥルメンツ・カンパニーを設立。当時、リッケンバッカーの膝や台に置くタイプではない、一般的なギターと同様に抱えて演奏するソリッドボディーのギターを開発する。１９４８年に試作品を完成させて１９４９年にはエスクワイヤーとして発表。１９５０年にはブロードキャストとして完成させるも、名前がグレッチのドラムと同じだったために１９５１年にテレキャスターと改名。ブロードキャスター、テレキャスターのネーミングは、新時代を代表するメディアだったＴＶ放送にあやかったもので、これが、今でも作られているフェンダーの原点となる。　実際はカントリーシンガーのマール・トラビス氏が、　ポール・ビグスビー氏に特注したギターを、　レオ・フェンダー氏に貸し出されたために、　それを元にエスクワイヤーを作ったというのが真相らしい。その後、フェンダー社は１９６５年にＣＢＳに売却され法人は消滅。技術顧問だったレオ・フェンダー氏は数年で退社した以降、楽器の需要減とコピー商品の氾濫で品質が低下して、１９８０年代初めには看板商品の生産停止。ここで日本のフジゲン、山野楽器、神田商会が出資してフェンダージャパンを設立。１９８２年～１９９７年までフェンダー製品は、主にフジゲンにより日本でも生産される事になった。この間の１９８５年までのフェンダー製品は日本製しか存在せず、主に輸出用の廉価版だったスクワイヤは、地元の長野県茅野市のダイナ楽器が担当していた。１９８５年にＣＢＳが楽器から撤退すると、ビル・シュルツ氏を迎えてフェンダーを再興。フジゲンの技術支援でカリフォルニアのコロナに工場を作り、１９８７年にはメキシコにも生産工場を設立。この為、暫くはＭａｄｅ　Ｉｎ　Ｊａｐａｎの、フェンダー・ジャパンの方が品質が良かったとも言われている。１９９７年にフジゲンが株式を譲渡してフェンダージャパンは解散。神田商会が商標権を取得してフェンダージャパンを自社のブランドとして製造。当初は外注で作ったパーツをダイナ楽器で組み立てていたもので、この時代はＣｒａｆｔｅｄ　Ｉｎ　Ｊａｐａｎの刻印が入っている。暫くするとダイナ楽器での一貫生産が可能になり、再びＭａｄｅ　Ｉｎ　Ｊａｐａｎの刻印が復活。２０１２年に新規株式公開を申請して負債の圧縮を図り、２０１５年に山野楽器との代理店契約を解消し、フェンダー・ミュージック・ジャパンが業務を引き継ぐ事になった。この時にダイナ楽器のフェンダージャパンは、ジャパン・エクスクルーシブ・シリーズとして再出発。２０２０年になると、トヨタ系のハワイで自動車販売をしている、サーブコ・パシフィックが株式の過半数を取得。２０２３年６月には東京の原宿に世界初の旗艦店となる、フェンダー・フラッグシップ・トウキョウが完成。個人的にギターというと、高校の授業で共通課題曲の”禁じられた遊び”とか、自由課題曲はコードがシンプルなビートルズの”ゲットバック”なんかを、友人からカッティングのやり方を教わって、叔父が使っていた古いヤマハのクラッシックギターで練習していた程度。音楽は大好きなのでロックスター達が使っているギターにも興味はあったけど、当時は巷に溢れ返っていた有名無名のコピー商品はバカにしていて、生意気にもフェンダーかギブソンしか頭になかったのだ。所が地元の楽器店に並べられていたオリジナルと言えば、一番憧れていたストラトキャスターは２５万円位で、レスポールなんか３０万円以上もしていて話にもならない。この時に初めてテレキャスターを知ったのだけど、その分厚い板切れをくり抜いただけのような、角にエッジが立ったシンプルで無骨なボディーが、ただならぬ雰囲気を漂わせていて、そこが何ともカッコ良かった。良く見ればピックアップなんか２個しかないし、そのうち一つにはクロームメッキのカバーがされていて、ボディーの下にもクロームに輝いている金属のプレートがあって、そこには何の刻印もないローレットが刻まれた２つのクロームノブ。次に銀色の弦を裏側から表に引っ張り出している部分にも、クロームに輝く印象的なプレス加工の板金部品がある。その中にはシンプルな固定ブリッジと剥き出しのサドルが収まっていて、そこから走る６本の弦の先にもペグのクロームが光っている。道具としては既に完成しているストラトに比べると、何というかまだ未完でプリミティブなデザインだけど、テレキャスに散見されるクロームの煌めきは、頭の中だけにある色んなアメリカを思い起こさせた。ハーレー、往年のアメ車、ジッポー、カミラスのナイフ、ドッグタグ…、ネオンに彩られた夜の街と音楽を演奏しているジュークボックスとＪＢＬ。それから何と言ってもロックンロールだ。テレキャスこそアメリカの黄金期を通り抜けてきた、ホンモノのギターではないのか。こうなると、そこら中でコピーが溢れ返っていた、ストラトやレスポールは何とも軟派に見えてしまって仕方がなくなる。お蔭で、へそ曲がりの推しギターは、断然テレキャスとなったのだけど、それでさえ１５万円。これで貧乏学生は楽器はアッサリと諦めがついて以降は聴く方に専念。当時、出始めのＦＭステレオ放送が聴けるラジカセを何とか入手して、そこから安く上げる為にアンプやスピーカーの自作オーディオに走る事になった。あれから幾年月。最近、長く続けられて奥も深い何か面白い事は無いかと考えて、ハタと思いついたのが高校の頃のギターだった。普段、余りやった事のない面倒な事は脳にも良い刺激だ。何せギターは面倒で難しいという事は高校の授業で知っているし、とにかく大好きな音楽に直接関われるのが良い。最初は、アンプとかエフェクター類が必要なエレキは眼中になく、基本はアコギだなと思い生意気にもマーチンを思い浮かべる。流石にドレッドノート／Ｄなんか中古でも手が出ないし勿体ないので、ボロでも良いから出来れば＃０００が良いなと思いつつ、取り合えずバックパッカーというコンパクトな奴にしようかと、中古を探し始めて気が付いた。下手糞なアコギなんか近所にもハタ迷惑な雑音でしかない。一日が終わって食事も済んで手が空いた夜のリラックスタイムに、音が出るアコースティック楽器の練習なんか一般家庭では犯罪レベルだ。そもそも人に聴かせるつもりなんて全く無い上に、色んな曲を全部暗譜して一通り演奏しようという欲も気力もない。あくまでも高校以来の個人的なお楽しみなので、静かにチョロチョロと爪弾ければ良い。そうなればアンプラグドで静かなエレキの方が良い。という訳で、あの頃は遥か彼方の眩しい存在だった、フェンダーのテレキャスターが急に欲しくなった。高価で希少なビンテージや真新しい新品など勿体ないし手も出ないけど、出来れば昔は憧れだけで夢だったアメリカンクロームパーツの奴がいい。そうなると狙い目は中途半端な位置付けで比較的価格が落ち着いている、コロナ工場で作られた割と最近の中古だ。やがて当初の予算をオーバーして手元にやってきたのは、メイプルのネックにブロンドのボディーというド定番カラーで、今では廃番になったシリーズの２０１７年物アメリカン・スペシャルだった。付属品はフェンダーのソフトケースとギャランティーカードだけとはいえ、ずっと仕舞い込まれていたらしく使うのが惜しいようなピカピカの個体。２０１０年に登場して２０１９年に生産中止された、アメリカン・スペシャルはカリフォルニアのコロナ工場で作られた入門機種で、アメリカンの味わいを比較的入手容易の価格に押さえて、初心者から上級者まで扱いやすさを目指したシリーズらしい。実はアメスペのテレキャスターは電装系が特別で、ピックアップがテキサス・スペシャルで、トーンコントロールはグレースバッカーという、上位機に使われるような電気系を搭載している。上位機のプロフェッショナルが新しいものを提案しているのに対し、２万円程安い価格差のお蔭で無駄を省いて、加飾を捨てオーソドックスでシンプルになり、却って昔のテレキャスターに寄った仕様になっているのが良い。オマケにヘッドのロゴマークはモダンロゴと呼ばれるものらしく、益々、’７０年代の雰囲気が満開だ。アルダーのボディーにメイプルのネックをボルトオンの４点留めにして、ジョイント部分も四角で飾り気がなく、ブリッジもクラシカルな３連サドルで、ボディーのエッジもしっかり立った学生時代には雲の上のテレキャスがついに降臨。カスタムショップのテキサス・スペシャルというピックアップを調べると、音量と各音域における音質に特徴があるフェンダー・ピックアップの名作で、グレースバッカー・トーン・サーキットは、トーンを絞っても音が丸くならないのが特徴らしい。放置ギターは最初にチューニングをしなくてはならないけど、昔は音叉さえ持っていなかったので、ＮＨＫの時報の音を思い出しながら５弦５フレットをベースに、他は５弦と解放弦でチューニングしていたけど、今時はもっと簡単なチューナーがある。ネットでフェンダーのピックが４枚オマケに付いた、表示が液晶アナログメーターという、中古のコルグのＧＡ－１を購入したものの、ケーブル入力だとなぜかメーターが全然振れず弦を一本切断。マイク入力なら使える事に後で気が付いた。そのまま、地元の楽器屋さんに持ち込み、弦を張り替えてチューニングして貰い、フェンダーのストラップと弦の錆止めスプレーを購入に加えて、結局、新しいコルグのクリップ式チューナーを買い直した。夜になってリビングでＴＶを見始めて暫くすると、ＣＭの合間にテレキャスターを連れて来て、リットーやヤマハの教則本とか譜面を置く。ＴＶを観ながらピックも使わずシャリーンシャリーンと爪弾く。コードを覚えたりＴＡＢを確認してコード進行の一部をやってみる。高校の授業の課題曲であった”禁じられた遊び”を復習したりしていると、最初の頃は指先の痛みとか疲れが何とも懐かしくて、コードを少し覚えた後のコードチェンジの難しさも思い出した。とにかく高校の頃と違い中々頭と体に入っていかないけど、何かを爪弾いているのが楽しくて、昨日は出来なかった事が上手くいくと何とも嬉しい。取り合えずエレキギターなんだからアンプも探してみる。中古で充分なので大きさとデザインと値段だけで選んだのが、殆ど未使用品でフロントにクロームのグリルが輝いている、ＶＯＸ／ｍｉｎｉ５　ＲＨＹＴＨＭという、電池駆動も可能な最大５Ｗ出力の小型アンプ。これが流石のデジタル時代のアンプで、昔のアンプからは想像も出来ない多機能に驚く。バッキングのパーカッションのリズムパターンなんか幾つあるか分からないし、往年のギターアンプと思しき名前が刻まれたノブがあって何種類もの音質切替と、内蔵しているエフェクターの種類だって素人には十分すぎる。マイク入力もあってエコーはもちろん、ライン入力もあるのでカラオケとか拡声器にも使えそうだし、練習用の最大出力０．１Ｗモードなら電池駆動でも相当持つだろう。普段はＴＶを観ながらのお気楽アンプラグドだけど、アンプを通すとエレキギターの魅力は倍増する。内蔵のエフェクターや音質切替だけで、ギターが上手くなったかのように錯覚してしまう位だ。簡単なコードを弾くだけでテレキャスが発している、クリスタルガラスの様な音に思わず聞きいってしまう。洋楽なら初期のジェフ・ベック氏に始まり、それを譲り受けて使っていた初期のレッド・ツェッペリン／ジミー・ペイジ氏とか、６弦を外したローリングストーンズ／キース・リチャーズ氏。日本ならチャットモンチー／橋本さん、ＹＵＩさん、元BOØWY／布袋さん、ハイローズ／真島さんはもちろん、ミスチルの桜井さんも忘れてはならないし、サザンの桑田さんも使っていたな…。手練れの錚々たるテレキャス使いの顔が浮かぶ。意外な事に、その筋のテレキャス使いは、国産のテレキャスタイプやフェンダージャパンが大好きで、大物が普及版のスクワイヤを使っているのにも驚いた。ミュージシャンからすればテレキャスは単なる道具でしかないのだ。こうなると、クルマで１０分程の所にある、地元のダイナ楽器製が気になってしまうし、フジゲン製だって相当良いだろうなと思いつつも、今はネットで眺めているだけ。なにせ、昔は遥か彼方の憧れでしかなかったフェンダーのテレキャスが例のクロームを輝かせて、自宅の隅のギタースタンドへ寄り掛かっているだけで酒の肴。楽器は実際に弾くだけがお楽しみにあらず。テレキャスの本をめくっている時間や、ネットで情報を集めたりショップに潜り込んだりして、色んな奴をモニターで眺めているだけでも楽しい。実は長野県にはギターの工房が沢山あって生産量が日本一。松本では国産ギターの発表会みたいなものが年に一回行われていて、今年も島村楽器の主催で”信州ギター祭り”が開催される。今年は９／３０～１０／１に、もう直ぐ閉店の松本パルコ６階に集結する。＊信州ギター祭り2023ホームページhttps://shinsyuguitar.wixsite.com/website事前予約のチケットが必要で９０分毎に入れ替えという盛況らしいけど、個人的に興味はあっても時間に縛られるのも人混みも苦手なので、今時ならネットのリモートで何とかならんかなと思う。何と言っても職人が拘って丹精を込めて作ったギターを、実際に工房の人と話しながら選ぶなんていう行為は、楽器道楽の一つの極みではないか。そうやって見付けた地元産のテレキャスタイプ…。それに近所にあるダイナ楽器製のジャパン・エクスクルーシブだって良いよなぁ…。いやいやジョーダンじゃねぇ、アブねぇアブねぇ。

2023.08.26

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ＧＷ自宅居酒屋でのメインＢＧＭはコロナ禍の下で作られた女性ボーカル／石川さゆりさん、矢井田瞳さん、あいみょんさん（＋ユーミンさん）

毎年、ゴールンウイークは殆ど自宅にいるのだけど、いつも隙間なしの忙しさ。埃だらけのウッドデッキの掃除をしてウッドデッキ開き、家庭菜園には手始めにレタスとシシトウとトマトの苗を植える。それに寒い冬は手抜きの洗車に気合を入れて、溜まっている読書と映画…。それに加えて友人が来て呑み会がある。前日から天気予報を見て酒は何にしようか選びだす。当日になると冷蔵庫に缶や瓶を放り込んで、食い物の調達でスーパーへ向かい、帰ってくると掃除機と雑巾を引っ張り出す。掃除完了でランプベルジェを焚いて、鳩時計や置き時計を稼働させて、アンプとＣＤプレーヤーに火を入れて、料理と食器の準備をして、サッポロの提灯をブラ下げて…。居酒屋にＢＧＭは付きものなので、自分で最近手に入れたものや友人達が好きそうなやつとか、リクエストで適当に選んでいるのだけど、その時々のカラーが出来て面白い。大概は耳慣れたポピュラー系が多いのだけど、流れでジャズやクラッシックやエスニックに変わる時もある。今年のＧＷはコロナ禍の最中に作られた女性ボーカルがメインで、それはそれで印象に残る選曲になった。矢井田瞳さんの【オールライト】は昨年の９月にリリースされたアルバム。コロナ禍の中では大きなライブも出来なかったらしく、その分のエネルギーを注いで腰を据えて作り上げた意気込みが伝わってくるようだ。付属のＤＶＤには、これもコロナ禍だろうけど静かなソロライブが収録されている。あいみょんさんの４枚目のアルバム【瞳へ落ちるよレコード】は、昨年の８月にリリースされたアルバムで、これもコロナ禍の真っ最中に作られたのだろう。相変わらず一級のメロディーメーカーは健在で、このアルバムからもじっくりと腰を据えて作り上げた雰囲気が伝わってくる。石川さゆりさんの５０周年を記念して２月にリリースされた、代表曲のミニアルバムの【Ｔｒａｎｓｃｅｎｄ】は、凝ったアレンジのビッグバンドとオーケストラによる演奏に加えて、石川さゆりさんのボーカルもネットで良く見るファーストテイクのように、合わせて一緒に録音という一発取りの６曲が収められている。音質的にもかなり拘って凝ったらしく、ＣＤにプリントされたコンデンサーマイクが録音時の雰囲気を伝えている。ミックスダウンの際にハーフインチのアナログマスターが作られて、これを元にしたシングルレイヤーのＳＡＣＤとアナログのＬＰもある。コロナ禍で鬱屈している世の中にあって、大っぴらに活動が出来ないミュージシャン達は、却って今までとはちょっと違うものを生み出せた部分もあるのではないか。何かコロナ以前に作られた音楽とは少し違うものがあるようで、最初は良く分からなかったけど、新緑の時期に聴いて何となく分かったような気がする。コロナ禍の最中に作られた音楽は、それがリリースされた時期ではなく、新緑の明るさのイメージと重ね合わさった、華やかな開放感が感じられる。恐らく暗いトンネルの中に在りながらも、その先に見える明りを目指して、コロナがある程度収まった次の時代を、意識したのか無意識なのか分からないけど、音楽として表現していたのではないだろうかと思う。コロナ禍以前の女性ボーカルの代表は、松任谷由実さんの【日本の恋と、ユーミンと。】だった。４０周年記念のベスト盤という３枚組には、馴染み深い曲がミッチリと詰まっている。最近５０周年記念盤が出て格安になっていたのを購入したけど、そこは松任谷正隆さんプロデュースなので、ＬＰ時代からポピュラー系では音質もトップレベル。荒井姓の頃から今に至るまで全然古びない、ユーミンってのも改めて凄いなと思う。

2023.05.13

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金管バリバリで夏にピッタリという炭酸飲料の様なマーラーシンフォニー第５番の爽快感

殆ど夏にしか聴かない音楽に、マーラーの交響曲第５番がある。金管バリバリの煌びやかで華やかな所が、真夏のシャワーというか炭酸飲料みたいで何とも爽快な所が良い。スピーカーの前に座って、最初のトランペットの音が始まると、夏の暑さも吹っ飛ぶスペクタクルの始まりだ。マーラーシンフォニーのＮｏ．５は好きなので何枚か持っているのだけど、一番好きなのは自身も作曲家であった、ピエール・ブーレーズ氏が指揮しているグラモフォン盤。作曲したマーラー自身も聴いたはずの、ウイーンフィルとの共演は完璧という言葉がぴったり。この１９９６年録音のブレーズ指揮によるマーラーは、一度聴いたら忘れられないと思う。２０１６年にブーレーズ氏は亡くなってしまうけど、これがあればいつでも感動に出会える。録音も金管の華やかさとオケの厚みと雰囲気も抜群で、交響曲としては一級のレベルだ。個人的に大好きな、小林研一郎氏（炎のコバケンさん）指揮によるマーラーＮｏ．５。チェコフィルとの共演による１９９９年発売のCD。この頃のキャニオン盤は好録音が多い。何回か直に聴いた、”コバケンとその仲間たちオーケストラ”で感じた、コバケンさんの温かみと息吹というか節回しが心地良い。１８８８年創立でオランダのロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団（ＲＣＯ）と、マリス・ヤンソンス指揮によるマーラーＮｏ．５は２００７年録音のハイブリッドＳＡＣＤ。楽団の創立１２０周年創立の節目という時にライブで演奏されたＮｏ．５も捨てがたい。同楽団の演奏に於いて、実は当のマーラー氏自身もしばし指揮台に立ち、１９２０年になると弟子だったオット―・クレンペラー氏がマーラー音楽祭を催すなど、同楽団とマーラー音楽との関りは深く、１８９５年から２４歳で第2代首席指揮者に就任した、ウィレム・メンゲルベルク氏の頃から受け継いできたマーラーを、じっくりと聴く意味は大きい。

2021.07.31

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革新的だったアメリカンロック／ボストンのファーストアルバムは今聴いても全く古びる事は無い

１９７６年に登場した、アメリカのロックグループにボストンというのがある。個人的にも、初めて聞いた時には今まで聞いた事もない音楽だったので衝撃を受けた。この年には、手練れのスタジオミュージシャンによるＴＯＴＯも結成されて、後に産業ロックと一部から罵倒されながらも、アメリカのロックシーンの変革が始まった年ともいえる。トム・ショルツ氏が曲を書き始めたのは、マサチューセッツ工科大学（ＭＩＴ）に通っていた１９６９年の事で、それは、やがて１ｓｔアルバムに収められたフォープレイという曲だった。やがて、フリーホールドというバンドに参加した事により、ギタリストのバリー・グドロ―氏と、ドラマーのジム・マスデア氏と知り合い、そして、ボーカルのブラッド・デルプ氏が１９７０年に加わる事になった。その後、トム・ショルツ氏は、ＭＩＴで博士号を取得した後はポラロイドで働きながら、自前の録音スタジオを作り、前述の３人のメンバーに加えて、ギター、キーボード、ベースを自分で担当してデモテープを作る事になる。作ったデモテープは全てレコード会社に拒否されつ続ける中、１９７３年にマザーズミルクというバンドを結成するものの１９７４年には解散。それでも、デルプ氏とマスデア氏と共に、自身が３つの楽器を駆使しながら、独特のサウンドが得られるように自分で設計したギターエフェクターを使い、後に１ｓｔアルバムに収められる６曲の内、１９７４年には４曲をデモテープに収め、残りの２曲も１９７５年にはデモテープとして完成させた。このデモテープがプロモーターの、ポール・アハーン氏とチャーリー・マッケンジーの関心に留まる事になった。ただ、マネージャーはマスデア氏を変える必要があると主張、結局、マスデア氏はバンドを去る事になる。エピックと契約を結んだ後、レコード会社のライブオーディションの為に、ベースにフラン・シーハン氏と、ドラムにシブ・ハシアン氏を迎え、ステージでも独特のサウンドを作る事が出来るバンドとなり、今後、6年間で１０枚のアルバムを作る事に同意。マスデア氏の件でショックを受けていたトム・ショルツ氏は、レコード会社の提案によるプロのスタジオでの再録音を拒否した後、マスデア氏のドラムが入ったロックンロールバンドという曲以外は、全ての楽器を自分で演奏して自分流で録音するために自宅の録音スタジオに籠る事になる。完成したマルチトラックテープはロスアンゼルスのスタジオに送られ、そこで、デルプ氏のボーカルを追加したものを、プロデューサーのジョン・ボイラン氏によってミックスダウンされた。バンド名は、この時にボイラン氏とエンジニアのウォーレン・デューイ氏により、ボストンと付けられた。そうして１９７６年８月２５日にリリースしたデビューアルバムは、１７００万枚以上を売り上げ、１３２週に渡りチャートイン、ビッグバンドの前座を務めて、短時間でアメリカトップのバンドと認知され、ニューヨーク市のマジソンスクエアガーデンで最初にデビューしたバンドとなった。手元にあるボストンのデビューアルバム。アナログの通常版とピクチャーディスクは当時の輸入盤。ＣＤは再販の紙ジャケのもの。今聴いても、全然古くならないのは凄い。録音はレンジが狭いけど中域がしっかりしていて悪くない。どういう訳か、セカンドアルバム以降は埃っぽくて歪みっぽくて余りいい音ではない。個人的には、ボストンは音楽自体もデビューアルバムが最高傑作。これを初めて聞いた時の衝撃は、今でも色褪せる事は無い。

2019.11.16

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記憶にはないけど親にねだったらしいデイブ・ブルーベック：カルテットのテイクファイブ

デイブ・ブルーベック・カルテットの「テイク・ファイブ」という曲がある。アルトサックスを吹いているポール・デズモンド氏により作曲されて、１９５９年に録音されたアルバム「タイム・アウト」に収録されている。後に山のようにカバーされて、今でもどこかで耳にする名曲である。この曲が、個人的にジャズの原点であり、全く記憶にないのだけど、どうも子供の頃に親にねだって買って貰ったレコードらしい。当時はレコードが高価で、家にあるのは３０ｃｍ４５回転で３曲入りのシングル盤である。どういう訳か「４５ｒｐｍ　サウンド・ラボラトリーシリーズ」という、音質重視のレコードで、昔から音の良さでも定評があったらしい。アルバム「タイム・アウト」が録音されたのは、６０年も前の録音だけど音は今でも一級。特にポール・デズモンド氏のサックスはオンマイクでセンターに小さく定位し、リアルで息使いも分かるような録音が実に見事。テイクファイブでは、少しオフ気味だけどジョー・モレロ氏のドラムも悪くない。スムーズジャズの原点と言われているけど、そこは５０年代なので軽さはなく、同時代の他のジャズとは全く違った音楽は今聴いても新鮮だ。家にあるテイクファイブ関係を引っ張り出したらＣＤが3枚も出て来た。後ろにあるのが親にねだったらしい、「テイクファイブ」の４５回転のシングル盤。左下にあるのがＳＡＣＤで、後はＣＤが色々。

2019.03.09

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ローリングストーンズの真っ赤なレコードは何とも心地よし／ミス・ユーのロングバージョンとプラチナＳＨＭのアルバムＣＤ

ローリングストンズがフランスのパテ・マルコニ・スタジオで録音した「ミス・ユー」という曲がある。パンクとディスコ全盛だった音楽に対する、ローリングストーンズの回答がこれだった。ミック・ジャガー氏とキーボード奏者のビリー・プレストン氏が１９７７年に、エル・モカンボ・クラブのリハーサルでジャミングしながら書いたものだ。ミック・ジャガー氏とロニー・ウッド氏はディスコではないと主張し、キース・リチャーズ氏はディスコと明言。チャーリー・ワッツ氏はディスコの影響を認めて、ドラムをフィラデルフィア・スタイルと表現している。プレストンのベースを手にしたビル・ワイマン氏は、ベースラインを作るために、かなりの数のクラブへ通ったらしく、やがて、それは色んなバンドでコピーされることになった。ロングバージョンは８分を超える大作で、これはフランスプレスの真っ赤なレコード。メジャーバンドなのに安っぽいジャケット写真が何ともカッコいい。これはオリジナルのミス・ユーに、ギターのインストゥルメンタルと歌詞を追加し、テープの繰り返しを使い、エンジニアのボブ・クリアーマウンテン氏によってリミックスされた。シングルだけど４５回転ではなく３３回転というのが面白い。お陰で内周まで余裕しゃくしゃくのカッティングで録音もなかなかのモノ。厚みのある拘りのベースとドラムが聴きもので、ジワーっとしたボーカルも良い。滅多にポピュラー系を褒めなかった、長岡鉄男さんも感心した位の好録音である。当時、日本では見掛けなくてアメリカから個人輸入した。昨年、映画で再ブレークしたクイーンもそうだけど、今のポピュラー音楽に革新的なものは何もないんじゃないか。１９７８年に発表された、アルバム「女たち」のＣＤも色々あるけど、家にあるのは２０１３年に初回限定生産された、プラチナ・ＳＨＭバージョン。ＣＤ自体の仕様は結構凝ったもので、２０１１年にＤＳＤリマスターされたものを使い、ハイビット／ハイサンプリング音源を工場でダイレクトにカッティングする、ＨＲカッティング盤。ＳＨＭというのは液晶パネル用の透明度の高い素材で、名前通りの純プラチナ反射板にビットエラー防止のターコイズ色のレーベルを使用している。付属の紙ジャケットは、当時のＬＰジャケットの縮小版で面白いギミックが仕込まれている。これに関しては、正直に言うと音はアナログディスクの方が好きだ。アルバムを載せるのを失念で、２０１９－１－１４　追記。

2019.01.12

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ライブと音楽ソフト／コバケンとそのオーケストラの思い出

昔から音楽が好きで、自分でやってみようとは思わなかったけど、和洋東西エスニック問わず色んな音楽を聴いてきた。クラッシックが高尚で、アコーステック楽器以外はダメと言う事もなく、アフリカ、インド、パキスタン、中南米、中東、朝鮮、和楽器に演歌等々、何でも波長が合えばウエルカム。音楽に貴賤なし、音楽に国境無しである。ライブも東京ドームとか松本にも行ったけど、地元のカノラホールと茅野市民会館へは結構通った。ヨーロッパでは小規模なライブは日常なもので、街中でバイオリンの演奏しているのをよく見かけたし、街を歩いていると、そこら中で手刷りのライブ案内が配られ、ウイーンでは広場の一角で若い連中が小規模なオーケストラまで演奏している。個人的には、ライブと音楽ソフトは全く別の音楽の楽しみ方だと思っている。昔の見上げるような大スターの曲となると、音楽ソフト以外に接する方法はなく、ライブの観客と会場の雰囲気も一体になった音楽もそれで捨てがたいのである。従って、ライブで聞いた音を自宅で再現しようとしても無理であり、もうこの世にいない演奏家の音をライブで聞く事も不可能である。音楽ソフトの音質はレコーディング・エンジニアの手腕によることが大きく、そのセンスで音は殆ど決まってしまうと思われ、更に個人の好みの音というのは使用機材も含めて千差万別である。音楽プロデューサーがオーディオ好きというのは理想の一つで、例えば松任谷正隆さんはオーディオにも造詣が深く、松任谷由実さんのアナログ時代も含めたアルバムや、昔の吉田拓郎さんのアルバムでも、松任谷正隆さんの名前がクレジットされているアルバムの音は概して良い。音を通して、少しでもリスナーに良い音を届けたいという気遣いと意気込みが感じられるのである。今年はクロマニヨンズの「ビンボロール・ツアー」しかライブへは行けなかった。ロックに限らず、ＰＡを使ったライブというのは、どこでも音を会場全体に隈なく音を届けるために、オーディオ的にはハイ上がりでヒステリックな音であるけど、ライブにはライブの、会場の一体感は何物にも代えがたい。概して、ＰＡを使用する楽曲に関しては音楽ソフトの方が音は良い。但し、一部のアイドル系のソフトにはライブ同様のドンシャリでハイ上がり系が多い。ミニコンポやＭＰ３＋安物のヘッドホンを前提とした音造りなのであろう。ビンボロールのアルバムジャケット。シンプルでストレートなロック。良いんだよな。モノラルというのがまた良い。オーディオ的にはイマイチだけど。音楽は音だけじゃない。アルバム「ビンボロール」の裏側。茅野市では、「コバケンとそのオーケストラ」が２０１０年から、蓼科高原みずなら音楽祭を皮切りに、最後には茅野市の市民会館でオーケストラ演奏で締めくくるというのが夏の風物詩であった。今年から、長野県中を回るという話になり、今年は飯山で開催された。初回から参加している者には残念ながら６回で途絶えたのは寂しいけれど、実に有意義で素晴らしい事だと思う。絶対に損は無いので機会があれば是非会場に足を運んで欲しい。コバケンさんは、ハンガリーに行く時は国賓待遇レベルという大指揮者である。本当はマエストロ・コバヤシと言わなくてはならないのだけど、やっぱりコバケンさんの方が合う。個人的に、コンサートの席を取る場合は、左側のソリストが立つ前から２番目辺りの席が指定で、ソプラノやバイオリンソロの音だけではなくて息遣いとか、市民館自慢のベーゼンドルファーの音を近くで聴きたくて、更にはコバケンさんの指揮を執るときの呼吸とか足踏みとか唸り声を聴くためである。通常の特等席と言われる真ん中の１０番目は、元から招待客の指定席であり今でも余り興味もない。ライブにはライブの楽しみがある。音楽全体を聴くのなら、中途半端な場所よりも音楽ソフトの方が良い。ァコースティックのジャズでトリオやカルテットは前も良いけど、どこで聴いても良いのは会場の小ささが大きいと思う。コバケンとそのオーケストラの主演者はボランティアだけど、各楽器のトップは世界中で活躍する本物の一級ばかりである。主催にトヨタの名前もあり、気軽に格安でホンモノの音が聴けるのが、コバケンとそのオーケストラの良さである。コバケンとそのオーケストラ・コンサートには、地元のみならず、避暑に訪れている別荘族や近隣から大勢の客が集まって、雰囲気も実に良かった。茅野市は今年になり、コバケンさんが去ってから何もしようとはしていない。せっかくマエストロ・コバヤシが種を蒔いたのに、「みずなら音楽祭」は消滅してしまった。有名人が居なければ何もしようとしない底の浅さに呆れるばかりである。みずなら音楽祭は、コバケンさんのツテを使ってでも継続するべきだったし、別のオーケストラを探すか、出来ればコバケンとそのオーケストラと連携して、若い音楽家の発表の場を提供して育てる為の場所にするべきだった。色んな音楽のワークショップでも開けば楽しかったと思う。茅野市の無策には、ただ残念で堪らない。コバケンさんの音楽ソフトは探したら２つ出て来た。まずはサンサーンスの交響曲３番。オルガン付きで、この曲では一番のお気に入りＣＤ。昔はポニーキャニオンも真面目で録音も一級で文句ない。チャイコフスキーも好きな作曲家だけど、交響曲６つのコバケン・バージョン。

2017.12.28

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ビートルズのアビーロード

本屋に立ち寄って、デアゴスティーニのビートルズ「アビーロード」を買ってきた。いつも、またビートルズかよと思いつつも、どうしても気になってしまう。これほど世界中に影響を与えた、革新的なグループもなかったけど、最近のポピュラー音楽で、後世に名前が残るバンドや楽曲は幾つあるだろうか。アビーロードは昔から好きで、ＬＰもＣＤも既に持っているにも関わらずデアゴスティーニにやられてしまった。何と言っても、１９６９年に発売された後に、EMIレコーディング・スタジオが、アビーロード・スタジオに改名した位の傑作アルバムである。ラストアルバムの「レットイットビー」は、大半がこれ以前に録音されたものであり、解散間近の抜け殻みたいなものにしか感じないのだけど、「アビーロード」は、最後に一つアルバムを作ろうというメンバーの気合と、ジョージ・マーティンとのコンビと言う事も含めて、個人的には、今でもこれが最後のアルバムだなと思っている。このアルバムのＢ面が好きで何回聴いた事か。聴いた後には、やるだけの事はやって、もうこれで最後ですよ、という部分が増幅されて、祭りの後の寂しさに似た、何とも言えない寂寥感が包み込んでくる。ついでに、ベートーベンのピアノソナタの３０番が好きなのだけど、これも大体最後の３０、３１，３２の３つが一つのアルバムになっている。これを聴く時も同じ思いがこみ上げてくる。ああ、もうこれでお仕舞か。アビーロードのストリート表示板のミニチュアレプリカ。小さいけれど、本物と同じ工場で材料と製造方法も同じイギリス製のホーロー看板。（創業１８９２年のＧＡＲＮＩＥＲ　＆　Ｃｏ　Ｌｔｄ．製）

2017.09.01

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