ポムブログ～ポム・スフレの名曲大百科

[80年代洋楽] カテゴリの記事

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• Doobie Brothers　「The Doctor」

  ドゥービー・ブラザーズの音楽性は大ざっぱに言って、前期と後期に分けられる。前期はトム・ジョンストン(Vo,G)をメインとしたR&R、後期はマイケル・マクドナルド(Vo,Key)を中心としたAOR風ポップスだ。両者にはまったく通じるものがないというわけでもないが、基本的には別の音楽だ。だから優劣をつける意味はないし、どちらを良しとするかは単純に個人の嗜好による。で、ある愚か者の場合……もとい自分の場合はというと、聴くことが多いのは前期の方だ。トム・ジョンストンのおおらかな歌声と豪快で泥臭い演奏は、聴いていてなんとも気持ちいい。曲は分かりやすくてポップ。時には切なかったりもする。適度にハードでコーラスもバッチリな彼らは、イーグルスとはまた違った意味での偉大なウェスト・コースト・ロックだ。浴びるように聴いた3rd『Captain And Me』('73年)なんかは、今でも全曲歌えますぜ(…たぶん)そんなドゥービーだったが、'74年にはトム・ジョンストンが病気のために離脱。バトンは、代わって加入したマイケル・マクドナルド(スティーリー・ダンのツアー・メンバーだった)に引き継がれることとなる。以降も'78年の「What A Fool Believes」(全米1位)を頂点として成功をおさめていくが、音楽性の変化に伴うようにメンバーもどんどん入れ替わっていく。結局、オリジナル・メンバーで最後まで残ったのはパット・シモンズ(G,Vo)だけだった。そしてバンドは'83年に解散を宣言。「フェアウェル・ツアー」と銘打った大規模なラスト・コンサートにはトム・ジョンストンもゲスト参加し、盛大に幕を閉じた。それから六年後の'89年にドゥービーは再結成する。メンバーはトム・ジョンストンを中心とした前期の面々だった。当時は、往年のバンドが次々と再結成したり人気を再燃させた時期だったが、ドゥービーもそのひとつと言えよう。通算十枚目のオリジナル・アルバム『Cycles』(上ジャケット)もこの年に発表された。「The Doctor」はそこからのシングルで、全米9位を記録したロック・ナンバーだ。ポップな楽曲、全盛期を思わせる歌と演奏は、往年のファンだけでなく自分のような(当時の)新しいリスナーも魅了するものだった。イントロの躍動感あふれるピアノとギター・リフでツカミはばっちり。ツイン・ドラムの音色は重厚で頼もしい。張りのあるトムの歌声、ダイナミックなバンド・アンサンブルには有無を言わさず引きこまれる。コーラスを効かせたサビも最高。むくつけき親父たちの「Music Is The Doctor」というフレーズに心がおどる。今でも聴くたびに元気をもらえる、パワフルで楽しい一曲ですアルバムもそこそこのヒット(全米17位)を記録し、再結成はひとまず成功。バンドは'89年、'90年と来日も果たし、さらにファンを喜ばせた。その後もバンドはライヴを中心に活動を続けていく。21世紀に入ってからはメンバーの死去に見舞われるなどのアクシデントもあったが、現在でもトムとパットを中心にドゥービーは健在のようだ。彼らの音楽には、ポジティヴな響きと頭の中を駆け抜けるような爽快感がある。アメリカン・ロックの醍醐味を伝えてくれる、愛すべきマリファナ兄弟たち。つーコトで「The Doctor」を聴くにはここをクリック!Music Is The Doctorいい音楽は、健康にも良いのだ＼(´ー｀)ノ

  2008.09.29

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• Yes　「Love Will Find A Way」

  イエローの地にピンクの文字というジャケット・デザインが印象的な『Big Generator』は、'87年に発表されたイエス12枚目のアルバムだ。本盤は、大ヒットとなった前作『90125』('83年)と同じメンバー、ほぼ同じコンセプトで制作されている。ここで鍵を握っているのは、ギタリストのトレヴァー・ラビンだ。南アフリカ出身のアーティストである彼は、ギターだけでなくヴォーカルもとれる男であり、なによりコンポーザーとして優れていた。前アルバム収録のナンバーであり、全米1位を記録した「Owner Of A Lonely Heart」も、元々はラビンのソロ用の曲だったというのは有名なハナシだ(…と思う)。『Big Generator』のプロデュースは、元バグルス(※1)にして前作のプロデューサーでもあったトレヴァー・ホーンが引き続き担当するはずだった。だが、レコーディングの途中でラビンと衝突したホーンは、そのまま降板してしまう。結果、ラビンがプロデュースも担当することとなり、アルバムは彼の色が非常に強い仕上がりとなった。「Love Will Find A Way」は、アルバムからの1stシングルとなった曲だ。作詞、作曲はトレバー・ラビン。メンバーの共作が大半を占める本盤の中での唯一のラビン単独作で、元々はスティーヴィー・ニックスのために書かれたという信じがたいエピソードを持つ曲だ。曲調的にはプログレ臭はほとんどなく、産業ハード・ポップと呼ぶにふさわしい出来となっている。ただし、ただの産業ポップではない。良質で美しい、Yesならではのキャッチー・チューンだ。イントロのギター・フレーズ(※2)からして力がみなぎっている。続くAメロは、いきなりジョン・アンダースン、クリス・スクワイア、そしてラビンの三声で歌われるという豪華さ。サビへ向かうBメロ部分はジョンのハイトーン・ヴォイスが目立ち、高揚感を掻きたてる。対して、サビの部分ではラビンの声が目立っているのが面白い。単に声質の問題で振り分けただけかもしれないが、この当時のバンドの政治関係を象徴した一節にも思える。ブリッジ部(1:39～)でアンダースンの透明な歌声が響き、最後にラビンが「Away」と歌い継ぐ(1:55)という作りも絶妙だ。ポップでドラマティックなメロディはもちろん、コンパクトな構成、考え抜かれたアレンジも文句なし。全米30位とチャート的には振るわなかったが、「Owner Of A Lonely Heart」に勝るとも劣らない最高の一曲だと思う。この曲と、'94年の『Talk』に収録の「The Calling」、そして「Owner Of A Lonely heart」と合わせて"90125イエス三大名曲"と勝手に位置づけているワタシです。『Big Generator』はアルバム全体としても素晴らしい出来だったが、前作ほどのヒットにはならなかった。現在でも世間的な評価は高いとは言えず、ファンの間でも賛否が分かれる作品である。音楽的に「プログレっぽくない」というのも理由のひとつだろう。もうひとつは、(前述のように)ラビン色がことさら強いというのがあったのかもしれない。実際、このアルバムを最後にアンダースンはグループを脱退している(その直後にABWHを結成)。こうした事実は、人によっては「ラビンがYesをのっとった」というふうに映るかもしれない。だが、90125イエスは元々ラビンのグループとしてスタートする予定だった(※3)し、彼の指向した「コンテンポラリーなポップ・ロック」は、"プログレ"と呼ばれたバンドが時代を生き抜く方法論として正しかったはずだ。バンドに新しい活力を吹き込み、80年代以降も延命させたラビンの功績はきちんと評価されるべきだと思う。"イエスの顔"と呼ぶにふさわしい人物はジョン・アンダースンだろう。だが、トレバー・ラビンもまたイエスなのだ。『Big Generator』はプログレではないかもしれないが、Yesというバンドが作った素晴らしいポップ・ロック・アルバムだ、と断言したい。実のところ、定番の『危機～Close To The Edge』(過去ログ参照)を別格とすれば、個人的にもっとも好きなイエスの作品がこのアルバムなのである。つーコトで「Love Will Find A Way」を聴くにはここをクリック。トレヴァー・ラビンに愛の手を!＼(´ー｀)ノ※1　一時的にイエスのメンバーでもあった※2　アルバム・ヴァージョンでは、ギターの前に大仰なチェロが挿入されている。※3　元々はトレヴァー・ラビン、クリス・スクワイア、アラン・ホワイトのトリオによる"Cinema"というバンドが予定されていた。そこにトニー・ケイやジョン・アンダースンが加わって新生イエスの誕生となった。

  2008.09.26

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  David Lee Roth　「Just Like Paradise」

  僕がリアルタイムではじめて聴いたヴァン・ヘイレンのアルバムは『5150』('86年)である。つまりヴォーカリストがサミー・ヘイガーに代わった頃だ。それまでは、ラジオで流れていた「Jump」(過去ログ参照)以外ヴァン・ヘイレンをほとんど知らなかった僕は、「へ～、ヴァン・ヘイレンてこんな感じなの」と思いながら『5150』を聴いていた。デヴィッド・リー・ロスのアルバム『Eat 'Em and Smile』が発売されたのは、それからほんの数ヵ月後(というかほぼ同時期)だったと思う。↑すごいジャケット……(笑ヴァン・ヘイレンの前ヴォーカリストだった彼にとって初の本格的ソロとなる本盤は当時大きな話題となり、「ヴァン・ヘイレンに対する挑戦状」みたいな言われ方もしていた。ラジオでは、シングル・カットされた「Yankee Rose」がかかりまくっており、あるDJなどは「こっちの方がヴァン・ヘイレンらしい」みたいなことを言っていた。バックを固めるのはスティーヴ・ヴァイ(G)とビリー・シーン(B)という途方もないメンツである。当時のデヴィッド・リー・ロス・バンドは、演奏力という意味では、本家にも決して劣っていなかった。ハード・ロック好きだった僕の先輩も「絶対にデイヴ時代の方がいい。サミーはクソ」などと断言していた。クソですか先輩。そいつぁヒドイ。と言いつつ、サミーには悪いが、僕も65%くらい同感だ(笑デイヴは技術的にうまいヴォーカリストではないが、ヴァン・ヘイレンのサウンドや音楽性にぴったりだった。ワイルドでアクの強いダミ声とエンターテイメント性あふれるキャラは、エディのギターと合わさって唯一無比の"バンド・マジック"を生み出していたと思う。サミーのヴァン・ヘイレンも決して悪くはない。彼は歌は上手いしギターも弾ける。だが、サミー時代のヴァン・ヘイレンは、商業的には大成功したものの、デイヴ時代にくらべて音楽的な面白みは低下していたというのが僕の意見だ。ヴァン・ヘイレンは基本的にエディのバンドだ。だが、デイヴという男がいてこそ、このバンドは輝きを増すのだと思う。大股を広げてジャンプをするのが得意な彼の愛称は"ダイヤモンド・デイヴ"だ。『Skyscraper』は、そんなデイヴの2ndアルバムである。発表は'88年。これもまたヴァン・ヘイレンの『OU812』の発表と同じ年だった。バックのメンバーは前作と同じ。違うのは、前作に比べてポップ性がより増したこと、サウンド自体もやや丸くなったことだろうか。ただし全体的なインパクトはもうひとつ。ポップなのはいいんだけど、曲自体の出来がイマイチなんだよねぇ。中途半端というか。ビリー・シーンのベースがおとなしめ(デイヴの指示だったらしい)なのも不満が残る。これじゃ超絶テクのベーシストをやとった意味がないやん、という感じビリーが本作を最後に脱退するのもよく分かる仕上がりです。「Just Like Paradise」は、そんな本盤の中でも突出した一曲だ。シングル・カットされて全米6位を記録。デイヴとブレット・タグルという人物の共作で、「まるっきりパラダイス」というおバカな邦題も納得のパーティー・チューンに仕上がっている。80年代アメリカっぽいカラリとしたイントロが気持ちいい。スティーヴ・ヴァイのギターも快調に唸りをあげる。デイヴの悪ガキのような歌声は"うまいヘタ"を越えてロックだ。輪郭のくっきりしたサビメロは一緒に歌うのに最適。後ろできらびやかに鳴るシンセの音もイイっすあの時代に量産された産業ポップ・ロックのひとつといえばそれまでだが、デイヴらしさは充分に出ている。ブレイクでの「Ho!」という雄叫びも気持ちいいこの曲は、彼がまだダイヤモンドの輝きをはなっていた時代の名作と言いたい。PVと合わせて見ると楽しさ倍増ですぜそういえば当時のデイヴは、東芝のCM(これね)なんかにも出ていましたね。このシングルと共にアルバム『Skyscraper』も全米6位まで上昇。一応の成功をおさめたデイヴだったが、この直後にはスティーヴ・ヴァイにも逃げられてしまい、以後は音楽的にも商業的にも失速してしまう。21世紀に入ってからはカバー・アルバムを出したのみ。すっかり"過去の人"という印象がついてしまった彼だったが、なんと2007年にはまさかのヴァン・ヘイレン復帰(※1)。ベーシストとしてバンドに加入(※2)したエディの息子、ヴォルフガング・ヴァン・ヘイレンを「黙れクソガキ」と罵倒するなど、ロックな精神も忘れないデイヴ親父でした。また日本に来るのかな～?　ヴァン・ヘイレンとして……つーコトで「Just Like Paradise」を聴くにはここをクリック!「黙れクソガキ」発言の映像はこちら。'08年1月26日のライヴ。この日はエディの誕生日で、突然「Happy Birthday」を歌いだしたエディの息子にデイヴが「shut ur f***in mouth wolfie」と言っている(00:15あたりに注目)。エディはうろたえて演奏を中断し、場の空気も凍ったが、4:58あたりの所でデイヴが一応フォローのコメントを入れている。※1 サミー・ヘイガーは'96年にバンドを脱退。三代目ヴォーカリストのゲイリー・シェローンもアルバム一枚のみで脱退した。※2 ヴァン・ヘイレン結成時からのベーシスト、マイケル・アンソニーは2002年に解雇。2004年のツアーにも参加しているが、"雇われベーシスト"扱いだったとか。

  2008.09.25

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• Squeeze　「Hourglass」

  スクイーズは、同時期にデビューしたXTCと並んでニュー・ウェイヴ以降のブリティッシュ・ポップを代表するバンドだ。英国的ではあるが、XTCやエルヴィス・コステロほど毒気の強くないメロディ・センスは個人的にもビンゴだったりする。キーボードを軸とした演奏もスマートで聴きやすい。グルーヴィーなビート・ポップとでも言おうか。クリス・ディフォードとグレン・ティルブルックによる低音高音ヴォーカルも抜群のコンビーネションだ。ソングライター・チームとしても評価の高い二人は"小粒なレノン/マッカートニー"といってもいいかも。そんな彼らだが、日本における知名度はどうもイマイチ。なんせ代表曲として挙げられることが多いのが、ワン・ショット参加だったポール・キャラックの作、ヴォーカルによる「Tempted」だもんなぁ(たしかCMでも使われていた)。他にもいい曲はい～っぱいあるのにね、このバンドまあ、確かに華やかさには欠けるワケですが(笑'87年にリリースされたシングル「Hourglass」は、このバンドの代表曲のひとつだ。アルバム『Babylon And On』(上ジャケット)に収録のナンバーで、僕が初めて聴いたスクイーズの曲でもある。ストレンジなビデオ・クリップがMTVで大ウケしたこともあり、イギリスのみならずアメリカでも15位まで上がるヒットを記録。アメリカでの成功とはあまり縁のない彼らにとって、唯一のTOP20ヒットとなった。ビートルズ的センスに微妙なヒネリを加えたメロディが印象的。ポップだが口ずさみにくいサビは、クセになりそうな味わいがある(笑グレンの歌声は個性には欠けるものの、人懐っこい響きがあり好感がもてる。すき間を埋めるシンセ・ビート、どこか垢抜けないホーンの音色もステキ。ブレイクでのチャカポコした打楽器の音も実に楽しい。「Up The Junction」、「Cool For Cats」、「Another Nail In My Heart」と並ぶスクイーズ流ポップ・ソングとしてオススメです。ちなみに、現時点における彼らの最後のオリジナル・アルバムは'98年の『Domino』。21世紀以降は、クリスとグレンの仲たがいで活動を停止してた時期もあったようだが、現在はふたたびライヴを行っているとのこと('09年1月にはグレンが単独で来日の予定)。去年('07年)はライヴ盤も出たことだし、ここらで久々の新作を期待したいトコロですね。なお、'79年の2nd『Cool For Cats』はブリティッシュ・ポップを代表する名盤としてイチオシの一枚です(解説はこちら)。このグループに興味を持った方は迷わず購入されることをオススメしますつーコトでとりあえず「Hourglass」を聴いてみよう。ここをクリック!『Cool For Cats』に収録の名曲「Up The Junction」はこちら。

  2008.09.25

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• Alan Parsons Project　「Time」

  アラン・パーソンズは、後期ビートルズのエンジニアとしてキャリアをスタートさせた人物だ。その後は、ポール・マッカートニーのソロ、ホリーズ、アル・スチュワート、パイロットなどのセッションにエンジニア、プロデューサーとして参加。有名なピンク・フロイドの『The Dark Side Of The Moon(狂気)』のエンジニアリングを手掛けたのもアランで、あの驚異的なサウンド・クオリティは彼の力による所が大きい、というのはよく知られているだろう。アラン・パーソンズ・プロジェクト(以下APP)は、そのアランが、シンガーソングライター兼ピアニストだったエリック・ウルフソンと組んだユニットである。"プロジェクト"という名義が示すようにはっきりした実体を持たず、曲ごとに様々なヴォーカリストを迎えるという形をとっており、その中にはスティーヴ・ハーレー、デヴィッド・ペイトン(パイロット)、クリス・レインボウ、コリン・ブランストーン(元ゾンビーズ)、レスリー・ダンカンなど、通好みのファンが泣いてよろこぶ名前がいくつも見られた。1stアルバムには、『市民ケーン』や『第三の男』などで知られる俳優/映画監督のオーソン・ウェルズが参加しているのだから驚きだ。ライヴをやらないという姿勢も"匿名ユニット"的な神秘性を強めていた。そんなAPPのデビューは'76年。当初はプログレ色の濃い音楽性だったが、アルバムを重ねていくごとに大衆的ポップ感覚を押し出していく。スケール感を持ちながらもアクの少ないサウンドは、プログレとポップの両方のファンに受け入れられるものだった。エンジニア出身のアランが中心だけあって、(当時としては)非常にクリアな音作りも魅力だった。「Time」は、五枚目のアルバム『The Turn of a Friendly Card(運命の切り札)』に収録の美しいバラードである。邦題、「時は川の流れに」。恋人との別れというシチュエーションを通してこの世の無常観を歌ったものだ。エリック・ウルフソンとアラン・パーソンズの共作であるこの曲は'81年に全米15位を記録。同アルバムからの「Games People Play」(全米16位)に続くヒット・シングルとなり、のちの「Eyes In The Sky」(全米3位)、「Don't Answer Me」(同15位)と並ぶコンパクト・ポップ路線の代表作となった。イントロで聴けるピアノは、文字通り川を流れるよう。シンプルで気品にあふれたサウンド、ゆるやかな演奏がなんともいえない。エリック・ウルフソンの消え入りそうな歌声は、淡々とした曲展開にハマっている。特に「Till it's gone forever...Gone Forever」という、高音を強調した部分の気持ちよさは吸いこまれそうになるほど。バック・ヴォーカルにはアラン・パーソンズ自らも参加。意外(?)なことに、彼自身の声が聴ける数少ない曲のひとつとなっている。また、空間的な音処理の仕方が絶妙で、透き通るような美しさを感じさせる仕上がりは絶品。はかなげなストリングスの音色にも溜息がもれる。エリック・ウルフソンのポップ・センスと、サウンド職人アラン・パーソンズの力量ががっぷり組み合った名トラックですな。この曲の他にも、アルバム『The Turn of a Friendly Card』は全篇が聴き所といえる傑作。プログレ・ファンにもポップ・ファンにも自信をもってオススメできる一枚です。というか、'86年までに残された10枚のオリジナル・アルバムはどれもが名盤。ベスト盤を聴いてポップなシングル曲から入っていくのもよし。『The Turn of a Friendly Card』や『Eyes In The Sky』などの定番アルバムから入っていくのもよし。職人たちによって作り上げられた、美しきAPPワールドに酔いしれろ!つーコトで「Time」を聴くにはここをクリック。メランコリックなポップ・ソング「Don't Answer Me」(ここを参照)も聴こう。ここをクリック。

  2008.09.10

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• TOTO 「I'll Be Over You」

  自分の中でのTOTOは、「好きだけど、あまり聴かないバンド」という位置づけである。曲はポップで分かりやすい。演奏もしっかりしている。けどその分、どこか予定調和的で、ガツンとくるようなインパクトは少ないような気もする。そのくせ、歌える曲はそれなりにあるんだよなぁ「Hold The Line」、「Georgy Porgy」、「99」、「Rosana」、「Africa」、「Pamela」などなど……。そんな自分にとってTOTO初体験となったのが、'86年発表の「I'll Be Over You」である。六枚目のアルバム『Fahrenheit』(上ジャケット)からの先行シングルとして切られたこの曲は、同年に全米11位を記録。当時は日本でもなかなかの話題となっており、ラジオの洋楽番組でしょっちゅうコレが流れていたと記憶している。産業ロック……もといAORグループとして括られることの多いTOTOだが、この曲はそれを証明するかのような手堅いロック・バラードに仕上がっている。この時TOTOは、グループに新しいヴォーカリストを迎えていた。新メンバーの名前は、ジョセフ・ウィリアムス。『Jaws』、『Star Wars』などで有名な映画音楽の巨匠、ジョン・ウィリアムスの息子である、サラブレッドなうえに、伸びやかなハイトーン・ヴォイスと甘いマスクを持ったジョセフの加入が話題にならないはずもなく、メディアはことあるごとにそれを強調していた。おかげで、当時まだTOTOのことをよく知らなかった僕は、「I'll Be Over You」もジョセフが歌っているものだと信じて疑わなかった。が、この曲でリード・ヴォーカルをとっているのは、ギタリスト兼ソングライターのスティーヴ・ルカサーである。後続シングルである「Without Your Love」も、ヴォーカルをとっているのはルカサーだった。なんじゃ、ややこしい。っていうか、それじゃ何かと話題にされたジョセフの立場がないやんかなり後になってこの事実に気付いた僕は、そんなことを思ったのでした。曲の作者は、ルカサー本人と職業作曲家として知られるロバート・グッドラム。イントロはなく、いきなりルカサーの歌からはじまるという作りになっており、出だしのところで彼のブレス音が聞こえるのが、なんとも生々しい。ルカサーのヴォーカルは、線は細いが、ジェントルでなめらかだ。楽曲、アレンジにもソツがなく、派手さはないながらも、しっとりした歌と演奏はなかなか胸にシミるものがある。哲学的な深さを持つ歌詞も素晴らしく、まさに"大人のロック"という感じだ。バック・ヴォーカルには、ゲストとしてマイケル・マクドナルドが参加。後期ドゥービー・ブラザーズをAORバンドとして引っ張っていった彼は、ここでも透明感ある歌声を聴かせ、曲の完成度に貢献している。さらには、本人が望んだのかどうかはともかく、PVにもしっかりと出演。濃いおヒゲにつつまれたダンディなマスクを見せてくれます。間奏とエンディングにおける、短いギター・ソロにしても注目したい。ここでのルカサーは、テクニック的に特別むずかしいことはやっていないが、輪郭のくっきりした音色による良い演奏を聴かせており、「さすが元スタジオ・ミュージシャン」と思わせるものがある。そういえばマイケル・ジャクソンの「Beat It」は、ソロを弾いているエディ・ヴァン・ヘイレンばかりが注目されるけど、ベースとサイド・ギターを弾いてるのはルカサーなんだよね。ちなみにその「Beat It」でドラムを叩いてるのは、これまたTOTOのメンバーであるジェフ・ポーカロ。ポップ・クリエイターであると同時に職人さんなんですね、この人達は(ちょっと脱線)。「I'll Be Over You」はそこそこのヒットとなったが、アルバム『Fahrenheit』自体は商業的に良い結果を残せなかった。その二年後に発表した『The Seventh One』('88年)はさらにセールスを下回り、世間的な意味でのTOTOは"過去のバンド"になってしまった。ジョセフ・ウィリアムスは'89年に脱退。'92年にはジェフ・ポーカロの急死という危機にも直面するが、バンドはルカサーを中心として存続。ドラマーにサイモン・フィリップスを迎えるなどをして頑張ってきたTOTOだが、とうとう'08年の6月に解散宣言が出された。同年4月5日の韓国公演が彼らにとって最後のライヴとなった。なお、同年3月のボズ・スキャッグスとのジョイント来日公演にはジョセフ・ウィリアムスも参加している。ひと昔前は「産業ロック」などと言われていたTOTOだが、ロックやAORのほかにも、プログレやフュージョンなどの幅広い要素を持ったバンドであり、日本でのファンも多かったという。ファンとはいえない僕ですが、あらためて"解散"という言葉を聞くと、やはりサビシイものがありますね。三十年以上にわたる活動、お疲れさまでしたつーコトで今日はTOTOの名曲「I'll Be Over You」を聴こう。ここをクリック!(演奏がはじまるのは00:30あたりから)

  2008.08.22

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• Howard Jones　「No One Is To Blame(悲しき願い)」

  "Retrofest 2008"出演者の中で、もうひとり気になった人を取り上げてみる。ハワード・ジョーンズだ。"エレポップ"の代表選手として、80年代の数年間に人気を博したあの人である。アルバム『かくれんぼ』と聞いて、「なつかし～」と頬をゆるませる方もいるだろう。自分の場合、ハワード・ジョーンズといえば思い出すのが高校の時の同級生だ。洋楽にはまるで興味のないヤツだったが、顔のつくりといい、逆立てたヘアー・スタイルといい、どっからどうみても"ハワード・ジョーンズ"な男がいたなぁ。当初は「現役で東大に受かる」とか言っていたが、最終的には一浪して駒沢大学に行ったというアイツだ。大仲、元気か～?'55年生まれ、イギリスはサザンプトン出身であるハワードは、'83年にシングル「New Song」でデビュー。それまでプログレやパンクなどをやっていたという彼は、デビュー時にはすでに28歳になっていたという遅咲き型である。彼の作る親しみやすいメロディとお手軽エレポップ・サウンドは時代の波にのり、1stアルバム『Human's Lib(かくれんぼ)』からは先述の「New Song」をはじめとして、「What Is Love」、「Pearl In The Shell」、「Hide And Seek」などが次々とイギリスでヒットする。シンセをひとりで演奏するハワードと、パントマイムのダンサー(これもひとり)だけで繰り広げられるというステージも話題を呼んだ。'85年発表の2nd『Dream Into Action』はアメリカでも好セールスを記録し、そこからは「Things Can Only Get Better」(全米5位、全英6位)、「Life In One Day」(米19位、英14位)というヒットも生まれている。「No One Is To Blame(悲しき願い)」は、その2ndアルバムに収められていた曲である。オリジナルは、ハワードの歌とキーボードを中心とした非常にシンプルなサウンドだったが、それにリミックスを施してシングル発売されることとなった。プロデュースをまかされたのはフィル・コリンズである。イントロのチャカポコしたビートからしてフィル色全開。そこにオルゴールのようなシンセが重なるとこなどは、なかなかにシミる。メロディはやさしくて切ない。ハワードのジェントルな歌声、やわらかなピアノにも好感が持てる。そして、ツー・コーラス目からはフィルのタイトなドラムとコーラスがおもいっきり重なり、"With Phil Collins"状態に(笑この辺は好みが分かれる所だろうが、個人的には"許せる範囲"のプロデュースだし、シングル用に加工するならこれで正解だと思う。このシングル・バージョンは、ビルボードで最高4位を記録し、ハワードにとってアメリカでの最大のヒット曲となった。また、米Radio&Record誌では1位を記録したため、同誌を基準とした「ベストヒットUSA」では"This Week's No.1"(←小林克也の声)としてこの曲が紹介されていた。当時それを見ていた僕は、「おお!ハワード1位になりやがった!」と驚いたことを覚えている。が、彼の全盛期はここまでだった。その後に出したシングル「You Know I Love You」はなかなかの佳曲だったが、a～haの「Take On Me」そっくりのPVが災いしたのか(笑)、思ったほどの成績は残せなかった(米17位、英43位)。アリフ・マーディンがプロデュースした3rd『One To One』(上ジャケット)もアメリカでのセールスは惨敗。同時に、本国イギリスでの人気にも陰りが見えはじめていた。'89年に出した4th『Cross That Line』からは「Everlasting Love」(全米12位)というヒットも生まれているものの、その頃にはすでに"過去の人"という印象になってしまっていた。そして'93年に出したベスト盤を最後にハワードはメジャー契約を失ってしまい、そのまま現在にいたる(以降の作品は自主レーベルから)。私論を言うなら、この人の本質は"エレポップ"である以上に"優れたシンガーソングライター"だと思う。だが、その部分を強調しようとした3rd以降、それと反比例するように人気が低迷していったのは皮肉だった。ハワード・ジョーンズというと、ピコピコしたシンセが愛らしい1stが代表作というイメージがあり、それはそれで間違ってないと思う。だが、「No One Is To Blame」のシングル・バージョンが入っている3rd『One To One』も捨てがたい一枚だし、4th『Cross That Line』もスルメ的味わいを持った名盤としてオススメしたいところだ。もちろん1stかベスト盤から入るのが無難だけどね。近年CMでつかわれた「New Song」なんかは若い人も知ってるだろうし。とりあえず、「No One Is To Blame」はホロリとくる名曲。つーコトでここをクリックだ。大仲ぁ、元気か～?

  2008.07.30

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• Blow Monkeys　「Digging Your Scene」

  "Retrofest 2008"まであと一ヶ月となりましたね(8月30、31日)。このブログの読者で、行かれる方はいるのかな?Retrofestとは、英国で開催されるフェスティバル形式のイベントで、80年代に活躍したアーティストが集うのが特徴となっている。今年の主演者はバングルス、ボーイ・ジョージ、ポール・ヤング、キム・ワイルド、 10cc、ハワード・ジョーンズ、ミッジ・ユーロ、ニック・カーショウ……などなど。その中にまじって、オリジナル・メンバーで再結成されたカジャ・グーグーやブロウ・モンキーズなんて名前があったりする。ほっほう懐かしく、そして微妙にソソられますなぁ。特に後者。ブロウ・モンキーズは、Dr.ロバートことブルース・ロバート・ハワードを中心に結成されたブリティッシュ・ポップ・グループである。デビューは'84年。音楽的にはいわゆる"ブルー・アイド・ソウル"に分類されるもので、黒人音楽の影響をあらわにしたオシャレなポップ・ソングは、同時期に活躍していたスタイル・カウンシルと並べて語られることが多かったようだ。この当時は、彼らの他にもWham! カルチャー・クラブ、スパンダー・バレエ、シンプリー・レッドなど、黒人音楽をベースにしたポップ・グループが多く存在していた。その中でも、デヴィッド・ボウイ似のルックスを持つDr.ロバートは、ブラック系のレコードを三万枚所有するコレクターだそうで、そのキザったらしい雰囲気とは裏腹(?)にソウル、R&Bへのこだわりは並々ならぬものがあったとみえる。「Digging Your Scene」は彼らの2nd『Animal Magic』に収録のナンバーで、'86年に全米14位、全英12位を記録。ブロウ・モンキーズといったらコレを思い浮かべる……というかコレしか知らないという人も少なくないだろう。実際、本国イギリスはともかく、アメリカにおけるTOP40ヒットはこれだけ。その昔、洋楽デビューしたばかりだった当時の自分は、アルバム『Animal Magic』をレンタ&テープ・コピーして、この曲ばかりを聴いていた覚えがある。浅はかなビルボード至上主義だったあの頃が懐かしいなぁ弾むようなギター・カッティングではじまるこの曲。ロバートの黒人音楽に対する憧憬をダンサブルに昇華した仕上がりで、華やかに舞うストリングス、いかがわしい音色のホーンが強烈な印象を残す。何より耳をとらえるのはそのメロディ・ラインか。特に、女性コーラスが賑やかに「べぇえいべい!」とキメる部分などは無駄にキャッチーで、思わず一緒に歌いたくなってしまう。ロバートのヌメヌメした歌声、全篇にただよう下世話な雰囲気もタマりませんです。"あだ花"と紙一重のインパクトも魅力的な、ミドル'80sの名曲のひとつだと思う。その後も彼らは、よりダンサブルな「it dosent have to be that way」、メロウな「Out With Her」、そしてハウスに接近した「Wait」などの佳曲を発表。当時の英国首相だったサッチャーを(作品を通して)攻撃したり、カーティス・メイフィールドとの共演シングルを作るなど、アグレッシヴな創作姿勢を見せていくが、80年代の終わりとともに解散してしまう。Dr.ロバートはその後ソロとして活動。が、ソロ作までフォローする気になれなかった僕は、時々思い出したようにブロウ・モンキーズのアルバムを引っ張り出すだけだった。時は流れて2008年。「そういえばブロウ・モンキーズの人って、今ナニやってんだろう?」などと思っていた矢先に飛び込んできたのが、バンド再結成と"Retrofest 2008"の報なのでした同時期の80'sアーティストに比べるとどうも忘れ去られている感も強いが、彼らの音楽は本物だったと思う。今度のフェスティバルでも「Digging Your Scene」で盛り上がるんだろうなぁ(´ー｀)つーコトで、ここをクリックしてブロウ・モンキーズの魅力を再確認しよう。いえーい、べぇえいべい!

  2008.07.29

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• The Jam 「Town Called Malice」

  今年で五十の齢(よわい)を迎え、先日は新作『22 Dreams』を発表したポール・ウェラー。彼のキャリアは、大別して三つに分けられる。90年代以降のソロ、スタイル・カウンシル、そしてThe Jamだ。どの時期のウェラーにも違った良さがあるが、あえて言うなら「ジャムが一番いい」という人も少なくないだろう。実際ジャムの曲は、今聴いても単純に「カッコいい!」と言いたくなるものが多い。ワタシなんかも「Eton Rifles」や「Going Underground」を聴いてひとりでヘッド・バンキングしたものです。ハイッ!にも関わらず、ウェラー兄貴のソロ・ライヴでジャムの曲が演奏される割合はあまり多くない。ソロの曲だけでも充分なステージが出来るという自負からだろうか。あるいは、今の自分の立ち位置(年齢?)からしてジャムの曲は似つかわしくない、ということだろうか。それはソレでごもっともなのだが、あれだけ名曲があるのにもったいないねとも思う。そんな中で「Town Called Malice」は兄貴のライヴ・レパートリーとして演奏され続けている、数少ないジャムの曲のひとつだ。邦題「悪意という名の街」。'82年のラスト・アルバム『The Gift』(上ジャケット)に収録。同年の1月に先行シングルとしてリリースされ、全英1位を記録した後期の代表作である。作詞、作曲はもちろんウェラー。よく知られているように、この曲はシュープリームスの「You Can't Hurry Love(恋はあせらず)」のリズム・パターンが下敷きとなっている。お約束だと分かっていても、イントロを聴いて腰がムズムズしてしまうのは僕だけではなかろう。ちなみに、同じ'82年にはフィル・コリンズがずばり「You Can't Hurry Love」をカバーしてヒットさせていたり(全米10位、全英1位)、さらにはホール&オーツの「Maneater」(過去ログ参照)がヒットするなど、このリズム・パターンがちょっとしたブーム(?)となっている。この時期のジャムはよく「スタカンの予行演習」みたいな言い方をされ、多様化するウェラーの音楽性にリズム隊がついていけてないという指摘もされる。だが、この曲での力強い演奏を聴くと、とてもそんなコトを言う気になれない。オルガンで味付けはされているものの、パンク的な荒々しさを残したこの躍動感はまぎれもなくジャムだ。特にリック・バックラーのタイトなドラミングは素晴らしい。ウェラー兄貴の歌唱もアグレッシヴだ。それでいて初期のような硬さがとれて聴きやすくなっている。反面、メロディの輪郭が思いのほかボヤけており、楽曲自体は若干弱い印象があるのが難点か。が、それも演奏の勢いで帳消しにされているし、「ぱっぱっぱらっぱ～」というスキャットには胸おどるキャッチーさがある。ブルース・フォクストンによるベース・ラインもごきげん 彼のコーラスも含め、ジャムならではの名ポップ・ソングに仕上がっていると思う。ジャムは一般的に"パンク"のカテゴリーに入れられることが多く、当時から"ロンドン五大パンク・バンド"のひとつに入れられていた。だがそれは、ウェラーの世に出るタイミングがその時のムーヴメントと重なっていただけであって、彼の才能はパンクにとどまるものではなかった。「Town Called Malice」発表当時の「14歳の頃からモータウンをやっていた、そこに戻ったんだ」という発言はそれを裏付けるものだ。後期のライヴではカーティス・メイフィールドの「Move On Up」をカバーしている。彼の行き着く先がスタイル・カウンシルというのも当然だったのだろう。かく言う自分も昔はビート信仰みたいなものがあったため、ジャムといったら1stから4thあたりまでの曲をよく聴いており、後期の作品はスルー気味だった。だが、歳を重ねるにしたがってこの時期の曲が好きになってきている。アルバム『Gift』は若干チグハクな部分も見られるものの、充分いい出来だと思うし、「もうちょっとこの三人でやってもよかったんじゃないの～?」なんてことも思ってしまうが、それを言うのは野暮というもの。ここでやめておいたからこそ、ジャムは美しい伝説となったのでしょう。直球パンク・バンドから出発し、紆余曲折を経て自分流のソウル・ミュージックを作り上げたウェラー兄貴。「Town Called Malice」は、彼の過去と現在を結ぶ忘れがたい一曲だ。今年のサマーソニックでも、コレを演奏してくれるのかな?つーコトで「Town Called Malice」を聴くにはここをクリック!ぱっぱっぱらっぱ～♪

  2008.07.19

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• B-52's　「Roam」

  70年代も明けたころ、それまで五年間音楽活動を停止していたジョン・レノンは新作アルバムのレコーディング(＝Double Fantasy)を開始する。B-'52sは、そのきっかけのひとつとなったグループらしい。彼らのデビュー曲「Rock Lobster」('79年)での女性ヴォーカルの声は、オノ・ヨーコそっくりだ。それを聴いたジョンは、ヨーコに向かって「世間は君の音楽を受け入れる準備ができたようだ」と言ったという。もっとも、自分がその逸話を知ったのは90年代に入ってからのことで、80年代の終わりにB-52'sの「Roam」や「Deadbeat Club」を聴いた時には単純に「いい曲だなぁ」と思ったものだった。B-52'sの結成は'76年。ケイトとシンディという女性ヴォーカルふたりと男性ヴォーカルひとりをフロントに据えた編成で、バンド名は女性メンバーの髪形の俗称からつけられたという。奇抜なファッション、50～60年代音楽をエキセントリックに再構築したサウンドが特徴の彼らは、いわゆる"ニューウェイヴ"のカテゴリーに分類された。'79年のデビュー以降、本国アメリカよりもイギリスの方で人気が高く、商業的には中堅クラスながらも順調にアルバムを発表していく。自分が初めて聴いたB-52'sのアルバムは、5枚目(ミニ・アルバムを入れると6枚目)にあたる『Cosmic Thing』(上ジャケット)だった。'89年発表。メンバーの急死(リッキー・ウィルソン)を経て制作された作品である。プロデューサーにナイル・ロジャースやドン・ウォズを迎えたこのアルバムは、全米4位、全英8位とグループにとって最大のヒット作となった。彼ら本来のキテレツな味わいを微妙に残した上で"フツーに良質なポップ・ソングでまとめた"感じの内容となっており、チャートでトップ3に入るシングルも二曲生まれた。「Roam」はそのひとつ('90年、全米3位)で、自分がもっとも好きなB-52'sの曲である。ハッピー&キッチュな響きに満ちたイントロからして、もうタマりません。リヴァーブを効かせたギター・サウンドと軽快なビートに乗っかって、ケイトとシンディが陽気にチャーミングに歌う。メロディは分かりやすく、サビの部分などは思わず一緒に口ずさんでしまうくらいのポップ度の高さ。後ろで鳴る手拍子も能天気でヒジョーによろしい。ビデオ・クリップが輪をかけて楽しいこの曲は、まさしくB-52's印のポップ・ソング。シンプルでトボけた味わいも素敵じゃありませんか。パーティーな気分になりたい時、あるいはイヤなことを忘れたい時に最適な一曲ですこの後、グループからシンディが脱退するも'98年に復帰。日本での人気はイマイチながら、向こうではアリーナ・クラスのライヴ・バンドだという。今年の三月には16年振りのオリジナル・アルバム『Funplex』を発表して、健在ぶりを示すB-52'sなのでした。"生涯ダンスバンド"を自認する彼らの姿勢が大好きなワタシです。つーコトで「Roam」のPVはここをクリック!なぜか日本の特撮ヒーローが出てきます(分かるかな～?)。

  2008.07.10

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• Men At Work　『Down Under』

  "オーストラリアのバンド"と言われて自分が真っ先に思い浮かべるのはAC/DCでもINXSでもなければ、エア・サプライでもない。Men At Workである。若い人が知らないであろう事はもちろん、ヘタをすると80's好きにも一発屋くらいにしか思われていないあのバンドだ。当時は「ポリスのパクリ」とかなんとか言われたらしいが、素朴で親しみやすいポップ・ソングの数々は結構好きでした。あ～ナツカシスコリン・ヘイ(Vo)を中心とするメン・アット・ワークは、大学の同級生達で結成されたバンドだった。ホテルのパブを演奏場としていた彼らがデビューするのは1981年のこと。翌'82年には、1stアルバム『Business As Usual』(上ジャケット)が英米でも発売され、シングル「Who Can It Be Now?(ノックは夜中に)」がいきなり全米1位を記録する。当時のアメリカでは先述のバンドの他にも、リック・スプリングフィールド、リトル・リバー・バンド、ミッドナイト・オイルなども活躍しており、"オージー・ロック"がちょっとしたブームになっていたようだ。ちなみにオーストラリアといえば、同時期の日本ではエリマキトカゲが流行っていたような。。。(うろ覚え「Down Under」はアルバムからの2ndシングルとして発売されたポップ・レゲエ風ナンバーである。'83年初頭、「Who Can It Be Now?」に続いて全米1位を記録。三週間トップを守ったあと、いったんTOTOの「Africa」にその座を譲ったが、翌週また1位に返り咲き、計四週間のNo.1を記録した。イントロの、缶カラを叩くような音からしてとても印象的。ユーモラスで人懐っこい響きを持ったメロディ、ひょうひょうとしたコリンの歌声が独特の魅力を放つポップ・ソングだ。音作りはいたってシンプルで、乾いた感触のカッティング・ギターもさることながら、グレッグ・ハムの吹くホンワカしたフルートの音色が何とも耳に残る。ウィットに富んでいながら、どこか哀愁のある曲調も個人的には惹かれるものがある。曲の内容は、旅行に出たオーストラリア人の話を歌ったもの。歌詞は訛りの強いオーストラリア英語で歌われており、英米人にも翻訳が必要なんだそうだ。"Down Under"とはずばりオーストラリアのことで、国を卑下した言い方らしい。地球儀的に見て下の方（南半球）にあるという意味も含んでいるとか。自国を礼賛するような歌が多い中、こうしたシニカルな感覚を隠そうとしないアーティストはなかなかに貴重だ。この曲のPVは歌詞を忠実に再現しているらしく、コミカルで人を喰ったような映像は覚えておられる方も多いだろう。(うまく説明はできないが)アメリカでもイギリスでもない、"オージー・バンド"の個性が彼らにはあったと思う。ちなみに、国際ヨットレースとして知られるアメリカス・カップ1983年大会の時には、「Down Under」がオーストラリアの非公式テーマソングとして使われたりもした。その年にはなんとオーストラリアが初の優勝を果たし、大きな話題になったという。二曲のNo.1ヒットを出したアルバム『Business As Usual』は英米ともに1位を記録。特にアメリカでは15週間トップを独走するという大ヒット作となった。'82年度のグラミーでは新人賞まで獲得し、メン・アット・ワークはセンセーショナルな存在となる。間をおかずして発表した傑作2nd『Cargo』('83年)も当然ながらヒットを記録する。だが、メンバーの脱退にともなってバンドは勢いを失い、商業的に惨敗した3rd『Two Hearts』('85年)を最後にメン・アット・ワークはあっさりと解散してしまった。なお、'96年にはコリンとグレッグ・ハムが中心となって再結成され、ライヴ・アルバムがリリースされている。片山まさゆきのマンガ『ぎゅわんぶらあ自己中心派』にも出てきたこのバンドは、やはり80年代という時代でこそ輝いた存在だったのだろうか。実は何気にライヴ・エイド('85年)にも出演していたりするのだが、DVDではカットされていたのが残念。今ではオリジナル・アルバムもベスト盤もCDは廉価盤クラス。中古屋ではウン百円単位で売っていますので興味のある方はどうぞ～。つーコトで『Down Under』のPVはここをクリック!嗚呼、80's……

  2008.07.08

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• The Who　「You Better You Bet」

  1978年9月7日、The Whoのドラマーであるキース・ムーンが死んだ。享年32歳。死因は薬物(ドラッグではない)の多量摂取だった。曲を書くわけでも歌えるわけでもなかったが、ドラマーとしても人間としても得がたい個性を持っていたキースは、The Whoにとってなくてはならない存在だった。それを一番分かっていたのは、おそらくピート・タウンゼンド自身だろう。だが、The Whoは解散しなかった。キース・ムーンの後釜に元Small Faces/Facesのケニー・ジョーンズを迎えた彼らは、'79年に活動を再開する。同時期(正確には少し後)、ジョン・ボーナムを失ったことにより解散を決めたLed Zeppelinとは対照的な選択だった。「You Better You Bet」は、ケニー・ジョーンズ加入後初のシングルである。'81年発表のアルバム『Face Dances』(上ジャケット)に収録。プロデュースは、イーグルスなどで知られるビル・シムジクだ。作詞、作曲はもちろんピート・タウンゼンド。この前年に発表された自身のソロ・シングル「Let My Love Open The Door」(全米9位)の流れを汲む、テクノ風ポップ・ソングとなっている。ケニー・ジョーンズ期のThe Whoを「らしくない」「The Whoとはいえない」という声は今でも多い。自分も基本的にそう思う。もちろん、誰もケニー・ジョーンズに恨みがあるわけではない。だが、彼はそもそもキース・ムーンとはタイプの違うドラマーだった。破天荒で独自のリズムを持ったムーンに対して、ジョーンズはオーソドックスなビートをあるがままに叩き出す人だった。曲を聴くと、ドラムの感触がそれまでと違うという事は、素人耳にも一聴して分かる。ビート感はもちろん、スネアの音ひとつとってもだ。なによりもクレイジーな要素が希薄なのが痛い。だが、"それまでのThe Who"にこだわらなければ「You Better You Bet」は良質なポップ・ソングとして聴けると思う。楽曲にピートらしさは充分出てるし、メロディはキャッチーで覚えやすい。ロジャー・ダルトリーの歌声には張りがある。ピートとジョン・エントウィッスルのコーラス・ワークはそれまで以上に洗練されており、耳に心地よく響いてくる。そしてギター・サウンドが後退した分、ジョン・バンドリックの弾くキーボードが前面に出ており、すっきりとしたポップ・サウンドに仕上がっている。この辺は"ハードなThe Who"を好む人には確かに喰い足りないしだろうし、バンド・マジックもここにはない。だが、ポップ・ソングとしては充分水準を越しているし、何より聴いてて楽しいことは事実だ。この曲はアメリカで18位、イギリスで9位と、チャート的にもまずまずの成功を収めた。ピートの書いた曲は、やはりロジャーのヴォーカルで歌われてこそ輝きを増す。キース・ムーンのいないThe Whoの曲ながら、「You Better You Bet」はバンドの代表曲として残り、ライヴ・レパートリーにも加えられることとなった。バンドの解散からすでに四半世紀が経つ。その間に何度も再結成し、そして今年(2008年)の11月にようやく初の単独来日公演が決まったThe Who。この曲の楽しいテクノ・サウンドは、武道館や大阪城ホールでも聴けるのだろうか。「You Better You Bet」を聴くにはここをクリック!※ポム・スフレのメインHPでは、The Whoの名盤『Who's Next』について取り上げています。

  2008.06.25

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• Psychedelic Furs　「Pretty In Pink」

  サイケデリック・ファーズは、イギリスのパンク・ムーヴメントに刺激されて結成された六人組のグループで、'80年にデビュー。そのバンド名からは想像しにくい西欧的デカダンスを押し出した音楽性を売りとしていたが、徐々にビート・ポップ的な側面を強め、人気を高めていく。リチャード・バトラーの爬虫類的なカッコよさと特異なヴォーカルも魅力だった。「Pretty In Pink」は、そんな彼らの代表作と言うべき名曲。'81年発表の2ndアルバム『Talk Talk Talk』(上ジャケット)に収録の、ストレートなロック・ナンバーだ。プロデュースは、前作でも半数の曲を手掛けたスティーヴ・リリーホワイトである。イントロのスネアで気合一発。明快でソリッドなギター・リフ、力強く直線的なビートが気持ちいい。リチャード・バトラーによるガラの悪い歌声(笑)とは裏腹に、曲自体はメロディアスだ。前作のような退廃的雰囲気は引き継がれているものの、全体としては聴きやすくなっている。コンパクトでくっきりとした楽曲構成にも好感が持てる。演奏は程よく荒削りだが、キーボードの音が何気にカワイイ(笑アンニュイにしてポップ。硬派なようで実はリリカル。当時の"ニューウェイヴ"の匂いも感じられはするが、楽曲、サウンド共々、時代とは関係ない魅力を持ったポップ・ロックに仕上がっていると思う。この曲はのちに映画『Pretty In Pink』('86年)のモチーフとなった。それに伴って再レコーディングされたヴァージョンは、主題歌としてサントラにも収録され、全米チャートで18位を記録している。軽さを増した再録ヴァージョンも悪くないが、個人的には鋭さとアクを持つオリジナル・バージョンの方に軍配を上げたい。アルバム『Talk Talk Talk』は他にも「Dumb Waiters」、「She Is Mine」などの佳曲がつまった逸品(なぜか当時、日本盤は未発売だったらしい)。トッド・ラングレンがプロデュースした傑作3rd『Forever Now』と合わせて聴きたい、80年代の隠れた名グループである。まずは「Pretty In Pink」のオリジナル・バージョンを御一聴あれ。ここをクリック!

  2008.06.24

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• Joan Jett & The Blackhearts　「I Love Rock'n Roll」

  '82年の2月から4月いっぱいまでの三ヶ月間、米ビルボード・チャートのトップを制していたのは2曲だけである。しかも、二つともイキのいいロックン・ロールだ。ひとつはJ Geils Bandの「Centerfold(堕ちた天使)」('82年、6週連続1位)。そしてもうひとつは、ジョーン・ジェット&ブラック・ハーツの「I Love Rock'n Roll」である。'82年3月20日に全米1位を記録。以後、ヴァンゲリスの「Chariots Of Fire」に座を譲るまで7週間トップを独走した。この曲の作者はアラン・メリル。ジャズ・シンガー、ヘレン・メリルの息子であり、日本のロック・バンド、ウォッカ・コリンズのメンバーとしても知られるミュージシャンだ。元々はナベプロのタレントとして日本で売り出そうとした('69年頃)アランだったがうまくいかず、その後かまやつひろしのバックをやったり、近田春夫と一緒にバンドを組んだこともあったらしい。その後、大口ヒロシ(元テンプターズ)と一緒にウォッカ・コリンズで活動したアランは、イギリスへ帰国し、自身のバンドArrowsを結成する。そのアロウズの曲として'75年にリリースされたのが「I Love Rock'n Roll」だった。バンド・メンバーであるジェイク・フッカーとの共作であり、二人は30分で曲を書き上げてしまったという。アランはいい出来だと思ったが、当初はシングルのB面としてリリースされた。その後、曲は再レコーディングされ、A面として改めてリリース。そして'76年、当時ランナウェイズのメンバーとしてイギリスをツアーしていたジョーン・ジェットは、テレビで流れていた「I Love Rock'n Roll」を聴いたのだった。素晴らしいと思ったジョーンは、自分達もこの曲を録音しようと考えるが、ランナウェイズの他のメンバーは乗り気ではなく、結局その時はお流れになってしまった。ランナウェイズの解散後、ジョーンは元Sex Pistolsのスティーヴ・ジョーンズやポール・クックと一緒にこの曲を録音する。だが、'79年に作られたそのヴァージョンは、シングル「You Don't Own Me」のB面に追いやられてしまった。そして'81年、ジョーンは再びこの曲の録音を試みる。バックをつとめるのは、自身のバンド、ブラックハーツだ。アロウズのバージョンをほぼ完コピした演奏ながら、ヴォーカル、サウンドともにオリジナルを上回る仕上がりとなった。これを聴いたジェイク・フッカーは「これこそ僕の夢見ていた音だ。絶対1位になると直感した」と語っている。ぶっといギターリフ、小細工なしの演奏は今聴いてもグレイトの一言。終始後ろで鳴り続ける手拍子もベタながら力強い。そして"I Love Rock'n Roll"という、あまりにもストレートなフレーズには胸が踊る。シンプルなものにこそ永遠の命がやどる、とすればこの曲はその典型だろう。コーラスが重なるサビ部分で、思わず拳を振り上げたくなるのは自分だけではあるまい。そういう意味では、クイーンの「We Will Rock You」にも通じる一曲ですな。可愛くてドスのきいたジョーンの歌声にも萌え。技術的にどうこういうものではないが、ここでの姉さんのヴォーカルはロックそのものと言える。男気あふれるキャラも含めて、むしろ女子にアピールしそうなジョーン姉さんですまた、コンパクトにまとめられた作りがカッコいいこの曲だが、小節が奇数で割り振られているなど、どこかキッチュな構成も面白い。エッセンスとして見え隠れするのは、T・レックス、スレイドなどのグラム・ロックだ。作者のアランはローリング・ストーンズのファンでもあり、この曲もストーンズの「It's Only Rock'n Roll(But I Like It)」に誘発されて書いたらしい。ストーンズとグラム・ロックを足して純粋培養したら「I Love Rock'n Roll」になったということか。この曲は後にドラゴン・アッシュがサンプリングしたり、ブリトニー・スピアーズもカバーしているので、若い世代にもおなじみだろう。この世にロックがある限り生き続けるであろう、素晴らしきアンセムだ。つーコトでジョーン姉さんの歌声を聴くにはここをクリック。アルバム(上ジャケット)自体も素晴らしい出来なので、まとめて聴こうぜ!I Love Rock'n Roll

  2008.06.17

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  Milli Vanilli(ミリ・ヴァニリ)　「Girl I'm Gonna Miss You」

  ブック・オフで、ミリ・ヴァニリのアルバム『All Or Nothing』(上ジャケット)を200円で購入。ガキの頃、ダビングしたテープを聴きまくった、思い出の一枚だ。そういえばこのデュオを覚えてる人って、今、どのくらいいるのだろう?いい買い物をしたとニヤける一方で、そんな思いが頭をよぎった。ミリ・ヴァニリは、ロブ・ピラトゥスとファブリス・モーヴァンから成るデュオとして、1988年に西ドイツからデビュー。ヨーロッパでの成功を経てアメリカに上陸した彼らは、「Girl You Know It's True」が同年ビルボード2位まで上がるヒットとなり、いきなり注目を集める存在となる。似たような風貌(しかもカッコいい)の男ふたりというヴィジュアルも、皆の興味を引いたのだろう。当初、その曲にさほど興味を持てなかった僕は、レンタル屋に飾ってあるジャケを見て「ふ～ん、で、どっちがどっち?」などと思うだけで、CDはスルーしていた。だが翌'89年になり、(自分の中での)事態は変わる。アルバムから続いてシングル・カットされた「Baby Don't Forget My Number」は、全米1位になった。さらに後続のシングル「Girl I'm Gonna Miss You」までもが1位を記録する。そして、アルバムもいつの間にやらチャートの1位を記録。「え、なになに?」　目を丸くする僕を置いてきぼりにするかのごとく、このデュオは急激な勢いでトップへと昇りつめていった。当時の自分は、TOP40がすべてだったミーハー少年。あっという間に昇りつめた彼らを見て驚くと共に、こうしちゃおれんと、あわててCDをレンタルしに行った(当時の財力ではアルバムなんて買えなかった)。聴いたアルバムは予想をはるかに超える出来だった。前述のシングルはもちろんのこと、どの曲もシングルにできる程のキャッチーさを持ち合わせており、すぐに全曲歌えるようになってしまった。何よりもラップとメロディを絶妙にブレンドした作りが当時は新鮮に思えた。その後も、アメリカ盤アルバムのみに収録だった「Blame It on the Rain」もシングル・カットされて、これも1位を記録。さらにはタイトル・ナンバー「All Or Nothing」もカットされ、これも4位まで上がるヒットとなる。破竹の勢いとはまさにこの事だった。アルバムは最終的に600万枚を売り上げ、5つのTOP5ヒットを生む、輝かしいデビュー作となった。翌年のグラミーでは新人賞を受賞。二人はその場で喜びのパフォーマンスも披露した。だが、彼らの晴れ舞台はそこまでだった。ケチのつき始めは、お約束(?)ともいえる盗作疑惑だった。シングル・ヒットした「All Or Nothing」が、ブラッド・スェット&ティアーズのヒット曲「Spinning Wheel」にそっくりだというのだ。なるほど、両曲のサビの部分は確かによく似ている。これは著作権にうるさいアメリカでは問題になるだろう。結果、「All Or Nothing」のクレジットには「Spinning Wheel」の作者達の名前も加えられることとなった。まあ、ロブとファブの二人は作曲をしていないので、これ自体は彼らに非はないと言えばそれまでだ。問題はその後だった。ミリ・ヴァニリの曲を歌っているのは、ロブとファブの二人ではなかった。CDで歌っているのはゴースト・シンガーで、彼らは口パクをしているだけだったのだ。噂は以前からあったらしい。そもそもミリ・ヴァニリとは、プロデューサーによって考案された一種のプロジェクトで、ヴィジュアル担当と音楽担当は元から分けて考えられていた。だが、その事を公にする前にグループはブレイクしてしまった。この事を暴露したのは、プロデューサーにして仕掛け人であるフランク・フェーリアン(※)だった。成功ゆえの亀裂、このような形式をめぐる内紛の末の告発だった。この事は、一般のニュースでも話題になり、当時、世界的に報道された。それを知った僕は「ふ～ん、そうなんだ」くらいにしか思わなかったが、世間はそんなに甘くなかった。グラミー賞は当然剥奪。テレビでは、ミリ・ヴァニリのCDを叩き割る人々の姿が映し出され、アルバムはレコード会社のカタログから消されてしまう(つまり廃盤)。記者会見で、「これからは自分のノドで歌う」と豪語したロブとファブはその場で歌を披露するものの、かえって失笑を買う始末だった。彼らは、そのまま事実上の追放となってしまった。絵に描いたような転落。まさに天国と地獄。時は1990年。誰もがバブルに浮かれている真っ最中の出来事である。ミリ・ヴァニリは、典型的な音楽界のあだ花として人々の記憶に残ることとなった。ちなみに、このような事例はミリ・ヴァニリが初めてではない。フィル・スペクターのプロデュースで知られる「He's A Rebel」('62年、全米1位)は、クリスタルズというガールズ・グループの曲として売り出されたが、実際に歌っているのはメンバーでもなんでもないダーレン・ラヴという女性シンガーだった。モンキーズはデビュー当初、楽器も自分達で演奏しているという事になっていたが、1st、2ndアルバムでバックを演奏しているのはスタジオ・ミュージシャンで、これがバレた時にはちょっとした騒ぎにもなったという。また、ミリ・ヴァニリと同時期にヒットを飛ばしたバブル時代のあだ花、C+Cミュージック・ファクトリー(これね)も、シンガーはゴーストでした。ほかにはブラック・ボックスなんてのもいたなあ。。。(遠い目)人に"夢を与える"この業界、ヤラセやインチキなんてのは多かれ少なかれつきものだし、大人のやる事などいつだってデタラメだ。当時ガキだった僕も、その事はなんとなく分かっていたし、ミリ・ヴァニリの"ルックス"に惹かれたわけでなかった事もあってか、音楽そのものまで色褪せて感じられることはなかった。よーするに、音楽さえよければ何だっていいのだ。音楽とは"音"を楽しむものなのさ(´ー｀)セッソーのない自分は、その後もしばらく『All Or Nothing』を聴き続けた。今聴くと、音の軽さにはさすがに苦笑するものの、しっかりと作りこまれた捨て曲なしのポップ・アルバムだと思う。哀しげで美しいメロディが光る「Girl I'm Gonna Miss You」は、今でも大好きな一曲だ。最後に、その後の彼らに触れておく。実際に歌っていたシンガー達は騒動の後、タダでは起きんとばかりに"リアル・ミリ・ヴァニリ"として再デビューする。日本では少し話題になっただけだったが、ヨーロッパではそこそこ売れたらしい。一方、ロブとファブは、今度は口パク事件をネタにマスコミの玩具にされ、こんなCMまで作られる始末。それでも「俺たちはただ歌える機会が欲しかったんだ」という信念のもとヴォーカル・トレーニングに励み、'93年には"Rob&Fab"として改めてデビューする。 が、曲は悪くなかったものの、一度ついてしまったマイナス・イメージゆえか、売れることはなかった。そして、ロブは'98年にオーバードースで死去。32歳という若さだった。彼らの栄光と転落は、ミュージック・ビジネスの影の部分そのものであり、僕に"ポップスターの夢と真実"を教えてくれた、華やかで哀しい物語だった。当時、アルバムを借りてダビングしたテープは今も大事にとってある。だいぶ音の劣化したテープの代わりに、今日は200円で買ったCDを流そうか。つーコトで「Girl I'm Gonna Miss You」のPVはここをクリック。イントロからして、泣かせてくれるねえ。なお、ミリ・ヴァニリの話は、『キャッチ・ミー・イフ・ユー・キャン』の脚本を手掛けたジェフ・ナサンソンを監督として、映画化も予定されているとのこと。また、全盛期の彼らの曲は、現在発売されているベスト盤で大半が聴けます。※ ボニーMのプロデューサーでもあった

  2008.06.06

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• Whitesnake　「Here I Go Again」

  デフ・レパードとホワイトスネイクがジョイントで来日するんですってねぇ。単に両バンドが仲良しなのか、それともピンではキビシイもの同士による営業なのか、微妙なトコ(?)だが、どちらにしても往年のファンは大喜びだろうなぁ。そう、かつて80'sハードロックを聴き狂っていた、自分みたいなオッサンは……(泣つーコトで今日は白ヘビのお話さ～(デフ・レパードの過去ログと合わせてどうぞ)邦題、『白蛇の紋章』。B級ヤクザ映画みたいな邦題をつけられたこのアルバムの原題は「Whitesnake」、つまりグループ名と同じタイトルである（当時はサーペンス・アルバスと呼ばれていた）。このアルバムが発表された1987年はハードロック・バブルとでもいうべき年で、これと前後してボン・ジョヴィ、モトリークルー、ガンズ・アンド・ローゼズ、デフ・レパード、メタリカ、スキッド・ロウ、ポイズン…etcらがヒットを飛ばしまくっていたものだ。余談だが、エアロスミスが「Dude」「Angel」といったヒット曲を出して「エアロ復活」と話題になっていたのもこの時期である（Run.DMCによるカバー「Walk This Way」のヒットの効果もあった）。それまでのエアロは、巷では「過去のバンド」扱いだったのだ。話をWhitesnakeに戻そう。このバンドの中心人物であるデヴィッド・カヴァーデイルは、元々ディープパープルの3代目ヴォーカリストである。彼は、黒人音楽をベースとしたソウルフルな歌とファンキーな感覚が持ち味のシンガーで、'74年発表のディープパープルの名盤「Burn」はそんなデヴィッドとリッチー・ブラックモアのハードロック指向が見事に融合した作品だ(グレン・ヒューズの貢献も見逃せないが)。デヴィッドは、'76年のパープル解散後に自身のグループを結成する。それがWhitesnakeだ。ホワイトスネイクは後期パープルにも通じる、ブルージーなハードロックを身上としており、それなりの成功も収めていたが、本作品で大きな変化が起こる。元シン・リジィのギタリスト、ジョン・サイクスの参加だ。キャッチーな曲作りとトリッキーなギターを得意とするジョンとデヴィッドの相性はピタリとはまり、予想以上の結果を生むに至った。加えて、折からのハードロック/メタルプームの追い風を受けて、このアルバム、売れた売れた。シングルとなった「Here I Go Again」(全米1位)、「Is This Love」(全米2位)は、当時のMTV効果もあって大ヒット。アルバム自体も、全米2位まで上がり、最終的には800万枚を売り上げるヒットとなった。ボン・ジョヴィの『Wild In The Streets』、デフ・レパードの『Hysteria』、ガンズ&ローゼズの『Appetite For Destruction』と共に、この時代を象徴する一枚と言えるだろう。「Here I Go Again」は、前述の通り、デヴィッドに初の(そして唯一の)全米No.1をもたらした名曲。元々は'82年のアルバム「Saints And Sinners」に収められていた曲だが、ハッキリ言って、この新録ヴァージョンの方が断然出来がよい。同じアーティストによる同じ曲でも、プロデュースひとつで"こうも違うのか"と思える好例だ。後になって、オリジナル・バージョンを聴いた時には「これってデモ・テープですか?」と力が抜けた記憶がある(オリジナルが好きな方、ゴメンナサイ)。暗闇から光が差してくるようなイントロは、今聴いても体が震えるなあ。抑えたAメロにおける80'sシンセ・サウンド、堂々たるデヴィッドの歌唱が、とてもまぶしいサビでメタリックなギターが加わり大いに盛り上がるという構成は、HR/HMというより古き良き産業ロックを思わせる。キャッチーなメロディを持ったこの曲は、こういうドラマティックな音作りがよく映える(プロデューサーは、マイク・ストーンとキース・オルセン)。そしてデヴィッドが声高らかに「ひぃらいご～お!」とシャウトする部分で昇天。火薬を使ったPVと一緒に鑑賞すると、さらにカタルシスを味わえますジョン・サイクスによるソロも、短いながらツボをおさえたテクニカルなもので、文句なしにカッコいい。にも関わらず、このアルバムで脱退してしまうのが残念無念。バンドに福をもたらした人物だけに、もう一枚アルバム作りにつきあってほしかったです。なお、「Here I Go Again」と共にこのアルバムの目玉である「Crying The Rain」も既発表曲のリメイクである。さらに、これまた人気の高い「Still The Night」が中期Led Zeppelinの影響まる出しだったりする所も興味深い。後に、ジミー・ペイジと共演するデビさんですが、その下地はしっかりとこの時点で出来上がってたのね(´ー｀)そういえば、この時期の彼、どこかロバート・プラントにも似てるし(笑古くからのファン(つーかこのアルバムも充分古いけどw)は、この作品をホワイトスネイクの最高傑作と呼ぶ事に抵抗があるかもしれないし、今となっては、売らんがために時代の波に迎合した産業ハードロック・アルバムという見方もできなくもない。それでも本作が、今も充分鑑賞に堪えるHR/HM作品のひとつである事に違いはない。「Here I Go Again」のイントロを聴くと、今も力が湧いてくるのは僕だけじゃないはず。つーコトでここをクリックだ!なお、このPVでデヴィッドとイチャついている女性は、後に彼の奥方となる女優さんである(すぐに離婚しちゃうけど)。デビさんが一番シアワセだった時代の記録やねぇ

  2008.05.14

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• Lionel Richie　「All Night Long」

  ライオネル・リッチーといったら、こんな思い出がある。自分が若かりし頃よく行っていたレンタルCD屋には、ライオネルのアルバムが3枚置いてあった。その中の一枚を借りようと思って引っ張り出すと、裏ジャケのすみっこには黒マジックで小さく「ブ男」と書いてあった。そのCDだけではない。他の二枚にも、裏ジャケのすみっこに黒マジックで小さく「ブ男」と書いてあった。黒マジックブ男いったい誰が書いたのか。その人は、ライオネルに個人的な恨みでもあったのだろうか?まあ確かに美男子じゃないけど。。。コモドアーズ時代の名曲「Three Times A Lady」「Still」(共に全米1位)。ダイアナ・ロスとのデュエットである「Endless Love」('81年、9週連続全米1位)。ケニー・ロジャースに提供した「Lady」('80年、全米1位)。そして、ソロによる「Truly」「Hello」「Say You Say Me」(すべて全米1位)といったヒット曲があまりにも有名なため、ライオネル・リッチーといったら"あざといバラードのオッサン"というイメージが強いだろう。もちろん、それはその通りなのだが、この人の場合、決してそれだけではない所がミソ。実はアップ・テンポの曲を書かせてもかなりイケる、才能豊かな人なのである。「All Night Long」は、'83年のアルバム「Can't Slow Down」(上ジャケット)からのシングルで、4週連続全米1位を記録。ポップなメロディ、ファンクとカリプソ風味を混ぜ合わせた演奏が楽しいナンバーだ。中盤で挿入される賑やかな声とジャマイカ語のフレーズにもウキウキ♪サックスの音色もさわやかな気分にさせてくれるこの曲は、彼が「バラードの人」だけではない事を証明するチャーミングな作品だと思う。'84年、ライオネルは、LAオリンピックの閉会式でこの曲を歌うことになった。出演は彼ひとりだ。共演の候補に挙がっていたマイケル・ジャクソンとダイアナ・ロスが辞退したためである。ショウアップされたセットと200人のダンサーをバックに歌うライオネルの姿は、120ヶ国のテレビで放送され、26億人の目に届けられた。彼にとって、それは"未知との遭遇"のようであり、「荘厳で霊感に満ちて感動的」な夜だったという。その歌声や音楽性に黒さがほとんど感じられないため、ソウル・ファンから非難の的になることも多いが、純粋に大衆向けのポップ・シンガーだと思えば問題ない。80年代中盤までの彼はまぎれもない天才であり、マイケル・ジャクソンと並ぶスーパースターだったのだ。あの「We Are The World」を作曲したのもこの人である(マイケルとの共作)。'86年のアルバム『Dancing On The Ceiling』のヒットを最後に、ライオネルはいったん表舞台から退いていく(病気のためもあったらしい)。わが国では、今やほとんど存在を忘れられているこの人だが、ヨーロッパあたりではまだまだ根強い人気があるという。2006年に発売したアルバム『Coming Home』は全米でトップ10入りを果たした。娘(養女)であるニコール・リッチーの活躍もあって、話題には事欠かないようだ。ヘリウム・ガスを吸いながら「Hello」を歌うライオネルが大好きさ＼(´ー｀)ノ(ここをクリック)つーコトで、「All Night Long」を聴くにはここをクリック!Tom Bo Li De Say Di Moi Ya , Yeah Ambo Jumbo～♪(^▽^)LAオリンピックでのパフォーマンスはこちら。(↑3:44あたりの所で、ダンサーのひとり(右側に注目)がおもいっきりコケてます)

  2008.05.08

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  Asia　「Only Time Will Tell」

  ジョン・ウェットン(キング・クリムゾン、UK)スティーヴ・ハウ(イエス)カール・パーマー(EL&P)といったプログレ・バンドの職人たちが、当時の若手であるジェフ・ダウンズ（バグルズ→イエス)を加えて、新時代に向かうべく結成したのがエイジアである。時代は80年代に突入していたとはいえ、一世を風靡したバンドのメンバーが集まったエイジアは"スーパーグループ"と謳われ、大きな話題を呼んだ。そして、彼らが指向したのは冗長で難解な音楽ではなく、コンパクトで聴きやすいポップソングだった。この方法論は見事に当たり、'82年に発表された1stアルバム「Asia(詠時感～時へのロマン)」(上写真)は、米ビルボード・チャートで9週連続1位を記録。ヒット・シングルも次々と生まれ、年間アルバム・チャートでもNo.1に輝いた。対して、本国であるはずのイギリスでは最高11位に終わっているのが面白いといえば面白い(?)「Only Time Will Tell」は、その1stアルバムからのシングルで全米17位を記録。「4分間プログレ」とでもいう彼らのコンセプトを見事に具現化した名曲で、個人的には'83年のシングル「Don't Cry」と並んでもっとも好きな曲のひとつだ。イントロの、安っぽいホーン・シンセに胸が高鳴る。叙情的かつキャッチーなメロディ、透明感のあるコーラス・ワーク、そして無駄にスケールのでかい音作り。プログレの持つ大仰さと密度を4分間に凝縮して、大衆ポップソングに料理してしまう手腕はバカバカしくも感動的だ。クリアな音色のディストーション・ギターや、ブレイク部分でのシンセ・ストリングスにも泣けるよ～ぅ(笑アルバムにおける、「Heat Of The Moment」(全米4位)からこの曲へ、そして「Sole Survivor」(全米10位)へと続いていく構成は、今聴いても鳥肌が立つ。まさにプログレ経由のポップ・ロック。作品的な完成度では次作『Alpha』の方が(わずかに)上かもしれないが、この1stに詰め込まれたワクワク感は何物にも代えがたい。それは、期待を一身に浴びた"スーパーバンド"としてのオーラと「新しい事をやって一発当てたる」というメンバーの気迫ゆえのものだろう。そういう意味では、まさにこの時代ならではの名盤なのだ。エイジアのアルバムが世に出た時、アタマの固い批評家は彼らを批判し、頑固なプログレ・ファンは背を向けたという。だが、それはむしろ彼らの意とする所だったのだろう。そして、代わりに新しいファン(＝大衆)と商業的成功を得た。「産業ロック」というのは、プロとして生き抜けかなければいけない彼らに用意された、言いえて妙な誉め言葉だったのだ。が、翌年に早くも発表された2nd『Alpha』は、一応全米トップ10には入るもののセールス的には前作を大きく下回る。そして、スティーヴ・ハウの脱退という状況下で制作された3rdアルバム『Astra』('85年)はなんと全米67位という結果に終わり、バンドは活動を停止してしまう。ちなみに、僕がはじめて聴いたエイジアの曲は、その3rdからのシングルで当時やたらとラジオで流れていた「Go」だった。宇宙人がしゃがみこんでいるジャケット(下写真)、アザといとしか言いようのないメロディ、展開、サウンドには「ロボット・アニメの主題歌みたいだ」などと思った記憶がある(笑 なおアルバム『Astra』は、むしろ日本でそこそこのヒットを記録し、エイジアは"ビッグ・イン・ジャパン"の称号も与えられたりもした。その後もバンドは、スティーヴ・ルカサーや布袋寅泰などをレコーディング・メンバーに迎えながら、不定期に活動を続ける。そして2008年にはオリジナル・メンバーが再集結し、『Phoenix(不死鳥)』といういかにもなタイトルのアルバムを発表した。僕もそのアルバムは聴いたが、さすがに1st、2ndのような新鮮さはないものの、予想以上のクオリティに「おおっ!」と思わされた。これはファンの人たちは大喜びだろうなぁ。さらにはこの新作をひっさげて、この5月にはオリメンで来日。2008年はファンにとって素晴らしい年になったのでしたとさ。つーコトで「Only Time Will Tell」を聴くにはここをクリック!PVの監督はゴドリー&クレームだぜぃ。ついでに80'sな輝きがつまった名曲「Don't Cry」も聴こう!(ここをクリック)

  2008.05.01

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• REOスピードワゴン　「涙のフィーリング」

  さて、次はナニを書こうと迷っていたらオンデン1970さんがヒントをくれた。つーコトで、ふたたびBack To 80'sだアメリカ製のワゴン型自動車から名前を取ったというREO(アール・イー・オー)スピードワゴンは、'68年にイリノイ州で結成された。デビューは'71年。毎年1枚づつアルバムを発表し、年間300本のライヴをこなすというツアー生活で実力を養っていったが、70年代はまったくといっていいほど芽が出なかった。評論家たちには「アメリカで最も売れていないが長続きしているバンド。ワンパターンで、傑出したボーカリストもいなければ、これといった曲もない。永久にヘッドライナーになれない、万年前座グループ」などと言われたりもした。そんな彼らもデビュー10年目にして悲願のブレイクを果たす。'80年暮れに発売したアルバム「Hi Infidelity(禁じられた夜)」は、翌年15週間チャートの1位を記録(年間チャートでも1位)。アルバムからは「Keep On Living You」(全米1位)、「Take It On The Run」(同5位)、「In Your Letter(涙のレター)」(同20位)など、数々のシングルヒットが生まれた。特に「In Your Letter」は、日本のラジオでもよく流れたという。その後、安易な二番煎じと酷評された「Good Trouble」('83年)を経て、REOはふたたび会心のヒットを放つ。それが「Can't Fight This Feeling(邦題『涙のフィーリング』)」だった。13枚目のアルバム「Wheels Are Turnin'」(上写真)に収録。作者は「Keep On Loving You」同様、ヴォーカル担当のケヴィン・クローニンである。他のメンバー言うところの「ばかげたバラード」であるこの曲は、'85年に三週連続全米1位を記録。年間チャートでも13位に輝いた。この当時、僕はちょうど洋楽を聴き始めたばかりのころで、ドラマティックで甘酸っぱいイントロを持ったこの曲と、赤ん坊のショットから始まるそのPVに大きな衝撃を受けた記憶がある。ケヴィンのハイトーン・ボーカルとピアノをメインにした弾き語り部分がなんとも美しく、ちょっぴり気恥ずかしい。サビに入ると同時に歪んだギターとエコーの効いたドラムが加わり、透き通るようなコーラスもまじえて、曲は雄大に盛り上がる。うーむ、まさしく産業ロック(←誉め言葉)。ツボをおさえたギター・ソロといい、起承転結のくっきりした構成といい、ヒット曲のお手本のような作りだ。同時期にヒットしていたフォリナーの「I Want To Know What Love Is」と並んで、80年代を代表するパワーロック・バラードと言えよう。この曲はLive Aidでも演奏されたほか、日本でも「夜のヒットスタジオ」で披露されていた。彼らの本質は、ストレートで男気あふれるロックン・ロールだと思うのだが、REOといったらこの曲や「Keep On Loving You」などを思い浮かべる人が多いだろう(実際、ヒット曲はバラードが圧倒的に多い)。それもまたこのバンドの宿命か。ちなみに僕が一番好きなREOの曲は、'78年に発表された「Roll With The Changes」だ。また、彼らのヒット曲の邦題はこの曲の他にも「In Your Letter(涙のレター)」、「In My Dreams(涙のドリーム)」など、やたらと涙が多いのだが、そのエンギをかついでか'88年に発表された新曲「I Don't Wanna Lose You」には「涙のルーズ・ユー」なんていう冗談なのかマジなのか分からない邦題がついていた。で、今年の2月に発売された新作の邦題は「涙の道標(みちしるべ)」だ。おいおい演歌かよ、って。そういえばバンド結成が'68年だから、REOの歴史も今年で40年になるんだなあ。。。あれはバブル真っ盛りの頃だったか。街角で「Can't Fight This Feeling」が流れてきた時、一緒に歩いていた女の子が涼しい声でこう言った。「あ、私コレ知ってるぅ～♪　レオ・スピードワゴンっていうんだよね?」冗談なのかマジなのか。どっちとも取れるし、どっちでもイイやと思った僕はとりあえず「まあね」とだけ答えておいた。そういえば、あの頃は西武ライオンズも強かった。「ジョジョの奇妙な冒険」も読んでいたっけなあ。クダらなくも懐かしい思い出。REOを聴いて思い出すのは、楽しかった80年代と生意気で青春まっさかりだった頃の自分だ。つーコトで「「Can't Fight This Feeling(涙のフィーリング)」を聴くにはここをクリック。PVはこちら。結婚式で流すのにオススメだぁ＼(´ー｀)ノついでに、燃え上がるようなギターと、さわやかに盛り上がるコーラスがかっこいい「Roll With The Changes」もどうぞー。ここをクリック。

  2008.04.11

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• Foreigner　「I Want to Know What Love Is」

  フォリナーというバンドは名曲が多い。クールなビートとメロディが耳をとらえる「Urgent」、ソリッドなギターリフがかっこいい「Hot Blooded」、そして音楽そのものよりも邦題の方が衝撃的な「衝撃のファーストタイム」などなどだいたい、「こりゃあハズレだ」という曲自体が少ない。アルバム中にも「Starrider」「Woman In Black」「Tooth And Nail」など埋もれている佳曲が多い。にも関わらず、結局この曲をとりあげることにした。俺ってつくづくミーハー邦題「アイ・ウォナ・ノウ」。フォリナー、というより80's音楽ファンにとって忘れがたい名バラードのひとつである。フォリナーのバラードといえば、これ以前に「Waiting For A Girl Like You」('81年)というビッグヒットがある。だがその曲は、オリビア・ニュートン・ジョンの「Physical」(10週連続全米1位)にトップの座を阻まれ、10週間連続で2位をマークするという何とも苦々しい珍記録を作った。その無念を晴らすべく……というワケでもないらしいが、フォリナーが再びバラード路線で勝負に出たのが「I Want To Know What Love Is」だ。5thアルバム「Agent Provocateur」からの第一弾シングルとして、'84年のクリスマス・シーズンに発売された。作者およびプロデューサーは、バンドリーダーのミック・ジョーンズ。そのソフトでいかにも"産業ロック"な出来に、ヴォーカルのルー・グラムは「バンドのイメージが崩れないか」と懸念したという。ベースのリック・ウィルスは「くだらねえ曲だ」と言った。だが、曲がリリースされた翌'85年、アメリカではマドンナの「Like A Virgin」を、イギリスではBand Aidの「Do They Know It's Chistmas?」を蹴落として1位の座を獲得。グループにとって唯一の英米No.1、そして最大のヒットとなった。しっとりとしたイントロで始まるこの曲は、Aメロ→Bメロへかけてじわじわと高まっていき、サビの部分でお約束通りの盛り上がりを聴かせる。楽曲、アレンジ共によく計算されており、ゴスペル風味もまじえたコーラス・アレンジなどはなかなかにカンドー的だ。エンディングは「さあ泣け!」と言わんばかりの大合唱。アザといとは分かっていても、なんかグッとくるんだよねぇコレ(´ー｀)　ルー・グラムの情感あふれる歌声もいいし。レコーディングには、ニュージャージー・ミサ合唱団、ジェニファー・ホリディの他、トンプソン・ツインズのトム・ベイリーが参加。ベタだし、これがフォリナーの最高傑作だと言うつもりもないが、名曲であることには違いない。'04年には、ローリング・ストーン誌の「オールタイム・ベストソング500」の476位に食い込んだ。フォリナーにはいい曲が多いし、実際ヒット曲も多い。アルバムも、'87年の「Inside Infomation」まではどれも高いセールスを記録している。にも関わらずこのバンド、いわゆる音楽史的にはほとんど評価されていない。産業ロックなるものが見直される動きが出てきても、このバンドだけは不当な扱いを受けていたように思う。バンドの創立者が、キング・クリムゾンとスプーキー・トゥースのメンバーだったにも関わらず、破綻も革新性もないサウンド、いかにも"ヒットを狙いました"風なカッチリとした曲作りがその理由か。基本的にはハード・ロックな人達だし、1stアルバムなんかはプログレの残り香も感じられるんだけどねぇ。かく言う僕も、好きといえば好きなのだが、じゃあ「このバンドのファンか?」と訊かれるとそうではないような気もするし、アルバムはどれも質が高いにも関わらず、今の若い人には「ベスト盤を聴いとけばOK」などと言ってしまいそうな気もする。いいバンドだってコトは充分分かっているつもりだし、歌える曲もたくさんあるのになぁフォリナーって不思議なバンド(少なくとも自分の中では)。肉の塊と化したルー・グラム(現在はバンドを脱退)や、ジェイソン・ボーナムを加えて活動を続ける現在のフォリナーを見るにつけ、なんともフクザツな気持ちになるボクなのでしたそれはそれとして「アイ・ウォナ・ノウ」は名曲。つーコトでここをクリックだ。ちなみに、現行メンバーでのフォリナーのライヴは、なかなかあなどれないらしい。しかもボーナムつながりでか、アンコールではZepの曲を取り上げていたりする。次の来日公演、行こうかな……

  2008.04.08

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• Style Council　「You're The Best Thing」

  歳をとると嗜好が変わる。歳をとると音楽の聞こえ方も変わる。最近、スタイル・カウンシルを聴き直してみて、特にそんな事を思った。スタカンことスタイル・カウンシルは、ポール・ウェラーがThe Jamの次に組んだグループだ。Jamとスタカンは、根っこでつながっている部分はあるものの、音楽的には目指すものが違う。ゆえに、両者を比べたり優劣をつけたりするのが愚かだという事は今さら言うまでもないのだが、それでもポール・ウェラーのキャリアを語る上では「スタカンよりもThe Jamの方がいい」と言う人が多かったような気がする。自分もそうだ。曲はいいが、ちょっとキザな雰囲気も感じられるスタカンよりも、パンキッシュでストレートなポップ・ソングを聴かせてくれるThe Jamの方が断然いいと思っていた。だが、この間スタカンを久しぶりに聴いてみたら、「実はそうでもないかも」などと思ってしまった。あれ～? スタカンてこんなに良かったっけ?(いや、よかったんだけど)俺、断然ジャム派だったんだけどなあまた、スタカンの名盤というと1st「Cafe Blue」と2nd「Our Favarite Shop」なのだが、自分の場合、ジャジーでしっとりした1stよりも、元気で分かりやすいポップスがぎゅう詰めになった2ndの方が絶対イイと思っていた。しかし、近年ではその位置関係が逆転しつつある。ん～、ひょっとして「Cafe Blue」の方がイイかもしれない?(いや、2ndも最高だけど)20年近く聴いているのに、今ごろになってスタカンの魅力再発見か?(←まぬけ)また、収録曲自体の評価もビミョーに変わってきた。それまでの自分のフェイバリットといったら、オシャレに弾けるピアノ・インスト「Mick's Blessing」や定番の「Ever Changing Moods」だったのだが、今回取り上げたいのは「You're The Best Thing」だ。涼しげなアコギとふくよかなストリングスの音色、ウェラー兄貴のソフトな裏声が印象的なこのナンバー。一聴するとちょっち地味だが、シングルカットもされているのね。ソウルやジャズ、ボサノヴァの要素をウェラー流に昇華したバラードに仕上がっており、以前はそんなに耳を引く曲ではなかったのだが、今改めて聴くと、そのメロディ、サウンドがことさら気持ちよく感じられる。シンセの音がやや時代を感じさせるが、全体としては今聴いても古びた気はしない。もう四半世紀前の曲なのにね。パーカッションの乾いた感触もエエでんなあ。歳を重ね、色んな音楽を多少かじって出直してきたためだろうか。トレイシー・ソーンが歌う「Paris Match」にしても昔は退屈にしか聴こえなかったのに、変われば変わるものだ。(逆に、昔はカッコいいと思っていた「A Gospel」が今聴くと失笑モノだったりもするがw)ストレートでキャッチーな「Walls Comes Tumbling Down」や「Shout To The Top」はもちろん最高だし、「Ever Changing Moods」もまごうことなき名曲だが、「You're The Best Thing」の穏やかさやロマンチシズムも捨てがたいそんな当たり前の事にいまさら気付いたのかと恥ずかしくなる反面、これからはまた違った音楽の楽しみ方ができるのか、などとシミジミもする。「Cafe Blue」、紙ジャケ買うかな……ウェラー兄貴も、もうすぐ50歳か。「Your The Best Thing」を聴くにはここをクリック!

  2008.04.03

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• R.E.M.　「Stand」

  R.E.M.が4年ぶりのオリジナルアルバムを発表しますね。先行シングルの「Supernatural Superserious」を視聴してみる(こちら)。むほっ、いい感じ古典的なギターリフとわかりやすいメロディを軸とした、なかなかのロック・ナンバーに仕上がってるじゃな～い。つーコトで、今日はR.E.M.のお話さ。---僕がR.E.M.を初めて聴いたのは'87年。「ベストヒットUSA」で流れていた「The One I Love」を聴いた時だった。グループ初のトップ10ヒットとなったこの曲だが、その時は「いい曲だけど、なんかクラい」という印象を持ったくらいで、彼らの事がさほど気になったわけでもなかった。翌'88年、グループは古巣であるインディ・レーベルIRSを離れ、メジャーのワーナーブラザーズと契約する。その移籍第一弾となった新作アルバムが、彼ら6枚目の作品にあたる「Green」(上写真)だ。ポリティカルな姿勢を信条とする彼ららしく、アルバムは合衆国大統領選挙の当日に発売されている。だが、その音楽自体は(全曲ではないが)今までの彼らとは違う明快さに彩られていた。今回取り上げる「Stand」はアルバムからの最初のシングルである。曲はメンバー全員の共作。マイケル・スタイプ自らが「最高にバカバカしい歌詞」と語るこの曲は、R.E.Mとしてはかなりライトなポップソングに仕上がっている。キャッチーで少々おバカな響きを持つこの歌は、'88年に全米6位を記録した。当時またしても「ベストヒットUSA」でコレを聴いた僕は、即効でアルバムの購入(つーかレンタルw)を決めた記憶がある。ノスタルジックなオルガンに頬がゆるむイントロ。続いて飛び出すストレートに弾けた演奏がとってもチャーミングで、Stand Upとは言わないまでも、聴いていると自然に体が動いてしまう。時間にして3分13秒というコンパクトさ。アレンジ的にも構成的にも変に凝っていない所がイイ。R.E.M節というべきソングライティングは健在だが、メロディは一度聴けば一緒に歌えるほどの分かりやすさ。どっかの学生さん(?)がステップを踏むPVも、見ていてヒジョーに楽しい。ムダに陽気というか、あまりにも屈託のないポップさ加減はこのバンドとしてはある意味異色だし、熱心なファンからすると違和感があるかもしれないが、自分はこのバカバカしさが大好きだ。アルバム「Green」も最高12位を記録。最終的には200万枚を売り上げるヒットとなった。以降の彼らが次々と傑作を発表し、アメリカを代表するビッグネームに成長していくのはご存知の通り。その本格的な一歩となった「Stand」は、彼らの歴史の中でも忘れがたい一曲だと思う……のだが、去年出たライヴ盤にこの曲は入っていなかった。。。最近のライヴでは、この曲演奏してないのかしらん?いい曲だと思うけどなあ…「Stand」を聴くにはここをクリック!

  2008.04.02

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• Boston 「Amanda」

  今から21年前(泣)。1986年の何月頃だったか。「あのボストンが帰ってきた」というキャッチ・コピーのもと、この曲がやたらとラジオで流れていた事を覚えている。「ボストン、8年ぶりのアルバム"Third Stage"」地球を目指す三角形の宇宙船(上写真)。行きつけのレンタル・レコード屋にも、やたら目立つように、そのジャケットが飾られていたっけなあ。とはいえ、当時の僕は、洋楽を聴きはじめたばかりのボーヤである。ボストン? 何じゃそりゃ?「帰ってきた」って言われてもなぁなどと思いつつも、「Amanda」の美しいメロディとブラッド・デルプの歌声には耳を奪われたものだ。"8年ぶりに帰ってきた"彼らの新曲。それが僕にとってのボストン初体験だった。「Amanda」が書かれたのは、発表から6年前にさかのぼる1980年。だが、バンド・リーダーであり偏執狂と言われるトム・ショルツの作業は、なかなか進まなかった(6年間、ずっとミキシングを行っていたという話もある)。その間にレコード会社は変わり、バンドのメンバーも、ショルツとブラッド・デルプ以外は変わっていた。そして'86年。ショルツの執念が世に通じたのか、8年振りの新作「Third Stage」は大きな話題を呼ぶ。先行シングル「Amanda」はあっという間にチャートを駆け上がり、バンドにとって初の全米1位に輝いた。アルバムのオープニング・ナンバーでもあるこの曲。やわらかくて優しいアコギの音色からして心が癒される。ゆったりと、だが静かに盛り上がる演奏、ブラッド・デルプの透明感ある歌声、イーグルスを思わせるハーモニー(デルプの多重録音だけど)。そしてサビにおける、壮大かつ繊細な美メロが感動的。間奏での、いくつにも重ねられたギターの音色も素晴らしい。サウンド的にもさほど古さを感じさせず、70年代ロックの良い所だけを80年代に受け継いだようなこの曲は、スタンダードと言ってもいい名バラードだと思う。サビ終盤の「I Love You♪」のフレーズが何とも泣けるアルバム自体も全米1位を記録。「Amanda」一曲が突出している感もあるが、良作には違いない。本作からは「We're Ready」(全米9位)、「Can'tcha Say」(同20位)などもヒットした。ボストンのアルバムといったら、1stや2ndが挙げられる事が多いが、思い出もあいまって個人的に一番好きなのが、この「Third Stage」だったりする。ブックオフなんかで300円くらいで売られてるのを見ると悲しくなるなあ～この次のアルバム「Walk On」が出るまでに、またまた8年の月日がかかるのだが、聴いた時は、内容のあまりの進歩のなさに閉口した覚えがある。結局、自分にとってのボストンは、初体験となったこの3rdまでなのだ。今年の3月には、ブラッド・デルプが一酸化炭素中毒により死去。自殺だったらしい。サウンドやメロディもさる事ながら、この人の声が好きだった自分にとっては何とも悲しいニュースだった。名曲「Amanda」を聴きながら、改めて冥福を祈りたい。つーコトでここをクリック!ついでに、2ndアルバム収録の名曲「A Man I'll Never Be」も聴こう。 ここをクリック!R.I.P Delp…

  2007.12.27

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• Annie Lennox & Al Green　「Put A Little Love In Your Heart」

  イヴの夜は恋人とイチャイチャそんなアナタに贈るのが、デュエットにピッタリなこの曲さ。ただしカラオケに入ってるかどうかは謎だ邦題「恋をあなたに」。アメリカン・ポップスを代表する名シンガー/ソングライター、ジャッキー・デシャノンのカバー曲である。「ゴーストバスターズ」や「ロスト・イン・トランスレーション」などで有名なビル・マーレイ主演の映画「3人のゴースト」の主題歌でもあった。歌うは元ユーリズミックスのアニー・レノックス。もうひとりは、'72年の全米No.1ヒット「Let's Stay Together」や「Take Me To The River」(※)の名唱で知られるソウル・シンガー、アル・グリーンである。異色にして豪華な組み合わせのデュエットによるこの曲は、'88年に全米9位のヒットを記録している。この曲だけを目当てにサウンドトラック(上写真)をレンタルして、テープにダビングした事を思い出すなぁ(´ー｀)アニー姉さんにとって、初のソロ・ワークとなるこの作品。プロデュースは、ユーリズミックスの相方であるデイヴ・スチュワートだ。ポップなメロディとキラキラしたサウンドが、とても楽しい仕上がり。アニー姉さんの歌声はいつもに比べてやや抑制が効いており、そこに絡むアルのネチっこい歌唱が、バツグンのコンビネーションとなっている。'69年に全米4位を記録し、200万枚を売り上げたジャッキーのオリジナルも非常に魅力的だが、やはりアニー&アルによるこちらも捨てがたい。ポップ・チャートの世界から遠ざかっていたアル(牧師をやっていた)にとっても久々のメジャー・ヒットとなり、以降の彼の本格的な復帰への布石ともなった一曲だ。ユーリズ・ミックスとは違うアニー姉さんの魅力を楽しむのもよし。アル・グリーンの官能的なヴォーカルに酔いしれるのもよし。降りそそぐ雪とミラーボールの光に包まれたPVもいいなあ(なぜか二人のツーショットがないんだけど…)。つーコトでここをクリック!今日のお台場はカップルまみれ!

  2007.12.24

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• Swing Out Sister 「Breakout」

  クリスマスだしぃ。いっちょ華やかで楽しいこの曲でも聴こうかい。Back To 80's!SOSことスウィング・アウト・シスターは、元ア・サーテン・レイシオのアンディ・コーネル､元マガジンのマーティン・ジャクソンの二人に、モデル出身のオネーちゃん、コリーン・ドリューリーが加わる事で結成された。'85年に発表したデビュー・シングル「Blue Mood」は不発に終わるものの、2ndシングルとなる「Breakout」(全英4位、全米6位)で文字通りブレイク。続くシングル「Surrender」もヒット(全英7位)。これらの曲を全て収録した「It's Better To Travel」(写真)は全英1位を記録した。'89年にはマーティンが脱退するも、SOSはアンディとコリーンのユニットとして続行。同年に発表した2nd「Kaleidoscope World」も高い評価を得た。'96年には、日本のドラマのために書き下ろした「Now You're Not Here」が大ヒットしたので、そちらで記憶している方も多いだろう。'99年には、柳田一彦氏(マーキュリー・レコードの社員、交通事故により急死)の葬儀のため、アンディ、コリーンが二人揃って来日。'07年には、セグレタのCMソングとなった「Secret Love」が日本独自の企画盤としてリリースされるなど、わが国とは何かと縁の深いユニットだったりする。で、「Breakout」である。イントロのドラムからして期待を持たせるこの曲は、ジャジーなセンスも盛り込んだ、陽気でスタイリッシュなポップ・ナンバーだ。コリーンによるハツラツとした歌唱、ウキウキするようなメロディ。パーカッシヴなリズムの上を、ホーンが弾け、ストリングスが舞う。聴いてよし。踊ってよし。80'sのハッピーな空気も一緒に詰め込んだ、タイトル通りブレイクアウトしたくなる、文句なしの一曲に仕上がっている。また楽しいのがこの曲のPVで、カラフルな映像と賑やかな雰囲気(フラフープしてるしw)を持った作りは、何度見ても心がはずむ。おかっぱ頭のオネーちゃん、コリーンを見て、「楠田枝里子じゃねえかよ!」とか思ったあの頃が懐かしいなぁ本作はグループの代名詞的名曲となり、現在でも米国ではアダルト・コンテンポラリー系やスムース・ジャズ系のラジオで頻繁に流されるという。僕も当時から大好きな曲だったが、発表から二十年以上たった今も聴き継がれ、ソフトバンクのCMにまで使われるとは思わなんだなぁ～(シミジミつーコトで「Breakout」のPVを観るにはここをクリック。な～るほど、ザ・ワールド!コリーンの眉毛に時代を感じる…ドラマ『真昼の月』に使われた名曲「Now You're Not Here(あなたにいてほしい)」はこちら。

  2007.12.22

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• Dan Fogelberg　「Same Old Lang Syne」

  ダン・フォーゲルバーグが亡くなった(2007年12月16日)事をいまさら知った…恥ずかしさで焼身自殺したいくらいだが、スルーするわけにはいかない。しかも皮肉な事に、この時期にピッタリな歌があるし。'72年にデビューし、「ひとりCSN&Y」とも言われたダン・フォーゲルバーグは、ウェストコースト・シーンを代表するシンガーソングライターである。わが国では、ヘタをすると「Longer」('80年、全米2位)しか知られてないかもしれないこの人だが、その名曲量はベスト盤1枚や2枚だけじゃとても収まらないほど。そんな彼の代表作といったら、'81年の「Innocent Age」(上写真)という事になるか。二枚組というボリュームを誇るこのアルバムは、ダンの集大成的な内容と言えるものであり、ドン・ヘンリー、グレン・フライ、ジョニ・ミッチェル、クリス・ヒルマン、リッチー・フューレー、エミリー・ハリスほか錚々たるメンバーが参加。肝心のクオリティもそれにふさわしいもので、ヒットした「Same Old Lang Syne」「Hard to Say」「Leader of the Band」「Run for the Roses」はもとより、「Only The Heart May Know」「The Lion's Share」「Ghosts」など、名曲がぎゅう詰めとなっている。そんな中で、今回メインに取り上げたいのは「Same Old Lang Syne」だ。邦題『懐かしき恋人の歌』。'80年に全米9位を記録したこの曲は、雪の降るクリスマス・イヴに偶然昔の恋人に会ったという、なんともありえないロマンチックな内容。演奏は、ドラムにラス・カンケル、サックスにマイケル・ブレッカーを迎えている他は、ダン自身が手掛けている。イントロのピアノとストリングスからして涙腺がゆるむ。叙情味あふれるメロディ(チャイコフスキーから一部引用)、繊細でイノセントな感性を思わせる歌声、そして優しくもドラマティックな演奏が胸を打つ。エンディングのサックス・ソロが「蛍の光」なのも泣かせるなぁ。歌の中の二人は、昔を懐かしみながらも、キスをした以外何事もなく終わり、またお互いの場所へ戻っていく。ちょっぴり切ない余韻を残すこの曲は、ダンの魅力がいっぱいに詰まった珠玉のバラードとなった。本国アメリカでは、クリスマス・シーズンの定番曲としてスタンダード化しているらしい。同アルバム収録の、父親への不器用な想いを歌った「Leader of the Band(バンドリーダーの贈り物)」も泣けるよぅ～作風は地味だったものの、優しさと哀しさに満ちた名曲をいっぱい残してくれたダン。短い生涯(享年56歳)でしたが、本当にお疲れさまでした。つーコトで「Same Old Lang Syne」を聴くにはここをクリック!ついでに>「Leader of the Band(バンドリーダーの贈り物)」はこちら。ワシは'74年の名作2nd「Souvenirs」でも聴くか。自分の故郷の事を歌った「Illinois」が好きだったなあ…R.I.P Dan…

  2007.12.21

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• Aztec Camera　「Deep And Wide And Tall」

  青春の名曲(笑)「Oblivious」が発表されてから、来年でもう四半世紀かよ～ここはひとつ、想い出のサニービートな気分でアズテック・カメラでも聴くかい。ロディ・フレイムのワンマン・ユニットとも言えるアズテック・カメラが、先述の「Oblivious」を収録したアルバム『High Land Hard Rain』でデビューしたのは'83年。いわゆる"ネオアコ"の代名詞的名盤とされるそのアルバムを発表した時、ロディはまだ十代だった。キラキラした感性が滲み出るメロディ、素人っぽさも残る演奏が好きだったなぁ。翌年にはマーク・ノップラー(ex:ダイアー・ストレイツ)のプロデュースで、2nd「Knife」を発表。ヴァン・ヘイレンの「Jump」をネオアコ風にカバーするというパンク魂にも、さらに惚れました'87年には3rdアルバム「Love」(上写真)を発表。黒人音楽のファンだったという妻君からの影響で、本人曰く「モダン・ソウルを追求した」内容となっている。名作揃いなアズテックのアルバムの中でも、個人的にはもっとも好きな一枚だ。「Deep And Wide And Tall」は、そのオープニングを飾るナンバー。ロディの滑らかな歌声、清楚なアコースティック・ギター、程よくハネるリズム、そして明快で美しいメロディが、メリーゴーランドのように回る。間奏のスパニッシュ風ギターも、耳に心地よい。聴いていると心の中に陽が差すような、風が通るような気持ちにもなる、実にすがすがしい一曲だ。カッチリとまとまったサウンドについては、プロデューサーであるラス・タイトルマンの手腕も見逃せないだろう。ネオアコというよりは良い意味でAORと呼びたくなる仕上がりで、デビュー時の瑞々しい感性はそのままに、より完成度と成熟を伴った名曲となっている。てゆーか、ロディ・フレイムこの時23歳かよー。破綻がないというか、落ち着きすぎじゃ～これも才能ゆえの早すぎる老成か。まあ、その反動は次作「Stray」(←これもイイ)で来るわけだが。それはともかくとして、この「Deep And Wide And Tall」、メロディ良し、演奏良しの、素敵なポップ・ソングさつーコトでここをクリック!アルバム「Love」は、他にも「Somewhere In My Heart」「How Men Are」などの名曲がいっぱい良質な音楽を求める人やスイーツ(笑)な気分になりたい方は、ぜひぜひ御一聴を。現在、「Love」は次作「Stray」との2in1CDで購入可能。いい時代だなあ～(´ー｀)坂本龍一がプロデュースした'93年の「Dreamland」もオススメよ

  2007.12.19

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• Duran Duran 「Rio」

  一年と十ヶ月ぶりにして四度目の登場。デュラン・デュランである。'82年発表の2nd「Rio」(写真)のタイトル・トラック。アルバムから3rdシングルとして切られたこの曲は、全米14位・全英9位と、彼らにしては大した成績ではないが、DDのレパートリー中、最もキャッチーな一曲である。ライブでのクライマックス時には、必ず演奏されるキラー・チューンでもある。若さと勢い溢れるイントロからしてグイグイ引き込まれる。当時の最新機器(ローランドJupiter 8)を駆使したテクノ・ビートのカッコよさ。全篇に漂う色香と疾走感が今も眩しい。楽曲的にもよく練られており、ソングライターとしての彼らの才能がイヤでも分かる仕上がりとなっている。シリアスなAメロからポップに転調するサビへの展開がお見事。適度に難解なサイモン・ル・ボン(Vo)の詞が想像力を刺激する。サイモンは声もいいけど、歌唱はまだちょっと硬いかな^^サビの部分では、後ろでクリアに鳴るアンディ・テイラーのギターが、気持ちよく響く。プレイヤーとしての評価は低く、テクニック的に大した事をやっているわけではないが、こうしたアレンジ面での貢献は見逃せないだろう。ブレイク部分での、ベースの動きがとってもグルーヴィー。サックス・ソロも実にオシャレだ。ロジャー・テイラーのパワフルなドラムも素晴らしい。シンセの音色はさすがに時代を感じさせるが、本質的な部分は何も古びていない。当時、トップに上り詰めようとしていた彼らの才気とオーラが詰め込まれた、極上の一曲だ。ゴダール張りの色彩感覚が炸裂するPVも必見!「MTV時代の申し子」と呼ばれたDDにふさわしい、音、映像共にセットで楽しみたい作品である。ちなみにこの曲、公式にあるだけでも16のバージョンが存在するとの事。ひえ－アルバム「Rio」は、他にも「Hungry Like The Wolf」「Save A Prayer」「New Religion」など、ヒット曲、佳曲が満載。彼らの代表作というだけでなく、80年代英国ポップを代表する名盤と断言できる一枚だ。デュラン・デュランを語る際に「アイドル」「MTV」という言葉が欠かせないのは事実だが、このアルバムを聴くと、彼らがいかに優れた音楽集団だったかという事が分かる。アイドルとしての盛りを過ぎてからの作品である「The Wedding Album」(1993)や「Astronaut」(2004)が高いセールスと評価を得た事は、その証明だろう。TM・ネットワーク時代の小室哲哉は、ニック・ローズの真似だった。'95年のカバーアルバム「Thank You」が、音楽雑誌「Q Magazine」のワーストアルバム大賞に選ばれたのも人気の裏返しさっ＼(´ー｀)ノ21世紀に入ってから、一旦リユニオンしたDDだったが、2006年にはアンディ・テイラーが再度脱退。先日発売された新作「Red Carpet Massacre」は、内容、セールス共に残念な一枚となった。彼らの今後はいかに…?つーコトで、カラフルな「Rio」のPVはここをクリック!船に弱いニック・ローズに萌えニコニコ顔のアンディ・テイラーが海に突き落とされるカットが微笑ましいなぁ^^

  2007.12.18

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• Queen 「Another One Bites Dust」

  クイーンの曲で最も知られてるものといったら、「Bohemian Rhapsody」や「We Will Rock You」あたりか。日本では「I Was Born To Love You」かもしれないが(笑そんなクイーンにとって、アメリカで1位を記録した曲はわずか二つ。そのひとつは'80年の「Crazy Little Thing Called Love」。エルビス・プレスリーを気取った、ロカビリー調のナンバーだった。そしてもうひとつは、同年、続いてシングル・リリースされた「Another One Bites Dust」である。「地獄へ道づれ」なるぶっそうな邦題がついたこの曲は、ベーシストであるジョン・ディーコンの作。ファンキーな曲調といい、控えめなギターといい、クイーンとしては異色なナンバーだ。「Crazy Little Thing Called Love」と共に、アルバム「The Game」(上写真)に収録。当初はメンバー自身(特にロジャー・テイラー)、この曲に抵抗があったらしいが、マイケル・ジャクソンの進言に押されてシングル・カットする事が決まったらしい。'80年10月4日から、三週間全米1位を記録。黒人音楽系のラジオでもガンガンかかり、R&Bチャートでも2位まで上がるという結果を生んだ。アメリカだけで200万枚、全世界で700万枚を売り上げるという、セールス面ではクイーン史上最大のヒット曲となった。何といっても、そのベース・ラインである。クール、ファンキー、そしてキャッチー。これだけでご飯三杯はいけるってくらいのカッコよさだ。一度ハマったらもう最後。抜け出せない中毒性をもった名フレーズである。「Chicの曲のパクリ」なんて陰口もオマケみたいなもん。…と言いたい所だが、シックの「Good Times」('79年、全米1位)とのクリソツ具合は中々のもので、本来なら訴えられても仕方がない程。だが、シックのメンバーとジョン・ディーコンは元から仲が良く、その作者であるバーナード・エドワーズは「別に構わない」という寛大なコメントを残している。ひょっとして、ジョン本人から「使ってもいい?」などという確認でもあったのだろうか。どちらにしても、両者の関係は円満だったようだ。最終的な出来もクイーンの方がカッコいいと思うし、まあいいんじゃないかと(´ー｀)意外なのは、この曲においてジョンがベースのみならずギターも弾いてるという事。サウンド的にこれといった特色はないものの、リズミカルな良い演奏だと思う。で、ブライアンは何をやっていたかというと、中間部におけるサウンド・エフェクトの担当である。「ぎゅわ～ん」「しゅわわ～」という、ギター・ハーモナイザーを使って作り出したノイズは、曲を大いに盛り立てた。フレディのヴォーカルも切れ味鋭くてカッコいい。クイーン独特のコーラスがないというのも珍しいが、それがまたシャープな印象につながっている。いわゆる「クイーンらしさ」に欠けているためか、一般的な知名度や人気はもうひとつ(本国イギリスではそれほど売れてない)といった感じだが、個人的には、山ほどある彼らの名曲の中でもベストのひとつだ。こういう幅広い音楽性こそがクイーンの奥深さであり、生命線であったと思う。口ヒゲ・フレディが登場したのも、この曲のPVが初めてだった。つーコトでここをクリック!クイーンの魅力は「Bohemian Rhapsody」や「We Will Rock You」だけじゃありませんぜ！興味のある方は、シックの「Good Times」もどうぞ。ここをクリック!(問題の部分が聴こえるのは3:09辺りから)

  2007.12.09

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• Huey Lewis & The News　「Do You Believe In Love」

  ヒューイ・ルイス&ザ・ニュースを初めて知ったのは、映画「バック・トゥ・ザ・フューチャー」の主題歌にもなった「The Power Of Love」だったか。キャッチーで歯切れのよいホーン・リフを聴いた時には、背中に電気が走ったっけなぁ今では、とんと聴く事が少なくなってしまったが、ワシの中では忘れられないグループのひとつである。この「Do You Believe In Love」は、彼らの2ndアルバム「Picture This」(写真)に収録のナンバー。'82年に初の全米TOP10ヒットを記録(最高7位)した、彼らの出世作にして代表作となった名曲である。この曲の作者は、AC/DC、デフ・レパード、Carsなどで知られる名プロデューサー、ロバート・ジョン・ラング。バンドには、ヒューイをはじめとしてソングライターが何人もいたが、オリジナルにこだわらない柔軟な姿勢も、このバンドの魅力だった。肝心の演奏にしても、多少の初々しさを残しつつも、前作に比べて格段にスケール・アップ。ビーチ・ボーイズ的なアメリカン・ポップスにR&Bのエッセンスをブチ込んだような、骨太で爽快なポップ・ナンバーに仕上がった。80'sなシンセ・サウンドによる、カラッとしたイントロが気持ちよい。キップのいい演奏、ガッツ溢れるヒューイの歌声、サビで一気に爆発する、どキャッチーなメロディと分厚いハーモニーに胸が躍る。間奏での短いサックス・ソロもカッコいい。中間部では、R&Bに根ざしたコーラス・グループとしての力量もしっかり見せてくれる。彼らの魅力が余す所なく詰め込まれたこの曲は、後の大活躍を予感させる、グレイトなアメリカン・ポップ・ロックだ。ヒューイ・ルイス&ザ・ニュースは、'84年の「Sports」を皮切りにヒット街道を爆進。80年代を代表するアメリカン・バンドとして名を残した。「We Are The World」でも、暑苦しい声で短いリード・ボーカルをとっていたヒューイ(プリンスの代役)の姿を思い出すなあ(´ー｀)グループは若干のメンバー・チェンジを経て、現在も活動中との事。「Do You Believe In Love」を聴くにはここをクリック!何度聴いてもスカッとするねぃ!

  2007.12.07

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• Eric Clapton　「Double Trouble」

  akikki姉さんのトコロでな情報をげとー。「エリック・クラプトン波乱の人生が、7日間連続ＣＭで見られる」そうです(詳しくはここじゃ)。うわ～、チェックチェックそれにしても、「Sunshine Of Your Love」はまだしも、「White Room」を"クラプトンの曲"みたいに紹介するのって何だかなあ…　そりゃ確かにクラプトンも自分のステージ・レパートリーとして取り入れてるけどさあ。「White Room」はジャック・ブルースの曲だ、と思っているのは俺だけなんだろうか?というムダ話はさておき、'71年の夏にデレク&ドミノスを解散させたクラプトンはその後、デュアン・オールマンの死によるショックもあってドラッグにどっぷりとハマってしまい、結果、しばしの活動停止を余儀なくされる。が、ピート・タウンゼントやスティーヴ・ウィンウッドらの尽力によって実現された'73年のレインボー・コンサート(←美談)をきっかけに見事復活。彼の本格的なソロ・キャリアはここから始まったと言っていいだろう。以降のクラプトンは、火を噴くようなギター・プレイは抑え、代わりにレゲエやレイド・バックなどを取り入れながら、メロウで落ち着いた音楽を前面に出していく。評論家的には、こうした彼の変化を"円熟"と表現する事が多い。ソロ時代の代表作とされる「461 Ocean Boulevard」('74年)や「Slowhand」('77年)は、ポップですがすがしい名盤となった。ソロでのクラプトンといったら、こういったイメージが強いだろう。もちろん、そういうクラプトンも魅力的なのだが、ライヴで鬱憤を晴らすように聴かせてくれる奔放で鋭角的なギター・プレイは、やはりたまらないものがある。そして、そうしたものはブルースのカバーなどに表れる事が多い。唯一の全米No.1曲がボブ・マーリーのカバーだろうが、世間的なイメージ(特に若い人達の)があの曲だろうが、この人の本質はブルースマンなのだなあ……と当たり前な事を言ってみる上写真のジャケットは、'80年発表の2枚組ライヴ・アルバム「Just One Night」。'79年12月の武道館公演を収めたもので、個人的にはクラプトンのライヴ・アルバムで最もよく聴いた一枚…もとい二枚だ。「Wonderful Tonight」「Lay Down Sally」のようなポップな代表曲も入っているが、全体の選曲は渋め。ダイアー・ストレイツの「Set Me Up」なんかが取り上げられているのを見てムホッとする。「Double Truoble」はディスク2の冒頭に入っている曲で、オリジナルはオーティス・ラッシュ。クラプトンのルーツとも言えるブルース・ナンバーだ。秘めた情感が滲み出るボーカルとギタープレイには耳を奪われる。適度な重さ、フレージングにおける絶妙のタメ具合。ん～、スタジオ録音にはない魅力だ。この頃はまだ、アル中の真っ只中だったはずなのにさすがクラプトン。大人の落ち着きとブルースへの情熱が同居した、いい演奏さ(´ー｀)という事でここをクリック!この前年('78年)に行われた、ヨーロッパ・ツアーでの演奏です。※ポム・スフレのメインHPでは、エリック・クラプトンの名盤「Slowhand」について取り上げています。

  2007.11.20

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• F.R. David　「Words」

  80's音楽愛好家にとって忘れられない「素晴らしき一発屋」のひとりが、チェンジニア生まれのフレンチ・シンガー、F.R.Davidだろう。彼の代名詞的な名曲「Words」がヒットしたのは、'82～'83年。僕がこの曲を知ったのはそのだいぶ後なのだが、音がクソ悪い安物ラジオからこの曲のメロディが流れてきた時には、何とも心が癒されたものだ。'47年生まれの彼が、F.R.デヴィッドとしてソロ・デビューしたのは20歳の時。その後、バンド活動をしたりヴァンゲリスのアルバムに参加したりと、それなりにキャリアを重ねていったようだが、彼の名が世界的に知れ渡るのは80年代になってから。デヴィッド自らのペンによる「Words」がシングルとしてリリースされたのは'82年。この時彼は35歳になっていた。この曲はイギリスで最高2位まで上がったのをはじめとして、ヨーロッパを中心に大ヒットを記録。ドイツでは11週間1位に輝き、フランス、ベルギー、オランダ、イタリアなどでも軒並み1位を記録したらしい。日本でも、オリコンでの成績はさほどでもなかったが、ラジオやディスコなどではよくかかっていたという。最終的なセールスは全世界で800万枚。一説には2400万枚とも言われているが、そんなハナシもちょっとだけ信じてみたくなる、素敵なポップソングに仕上がっている。口下手な男の気持ちを切々と歌ったこの曲。憂いを帯びたデヴィッドの歌声、シンプルなビート、柔らかくも優しいメロディが胸に沁みる。80's丸出しなシンセの音は、ダサいけどとても温かい。いかにもフランス人らしい聞き取りやすい英語も泣かせてくれる。80'sの香り、ヨーロッパ的な気品と哀愁をたたえたこの曲は、「懐かしい」の一言で済ますには惜しい名ポップ・ソングだと思う。F.R.デヴィッドのヒット曲はぶっちゃけたハナシこれだけ。この他にも「I Need You」「Sahara Night」「Don't Go」などの佳曲もあるが、「Words」の前ではどれも霞んでしまう感は否めない。そういう意味では、悲しいかな「This Is The 一発屋」の名にふさわしい人なのかもしれない……とベスト盤しか持っていない自分が言ってみるそれでも、「Words」一曲だけでもこの人の名はポップス・ファン(注:30代以上)の記憶に残るだろう。現在発売されているベスト盤には上記の代表曲の他に、「Words」の新録バージョンや、アル・スチュワートや10ccのカバー曲なんかも入っていたりする。ポップスが好きな人や、心が癒されたい人などは、この曲を知っていても損はないかもしれない。F.R.デヴィッドの名曲「Words」を聴くにはここをクリック!Words Don't Come Easy To Me(←うう…身につまされるフレーズ…)

  2007.11.17

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• Belinda Carlisle　「Mad About You」

  元The Go-Go'sにして、名曲「Heaven Is A Place On Earth」('87年、全米1位)で知られるベリンダ・カーライルのソロ・デビュー曲である。LAでのパンク・ムーブメントに刺激を受けた彼女は、ジェーン・ウィンドリンらと共に'78年にThe Go-Go'sを結成。学園祭バンドそのまんまなルックスと演奏で'81年にデビューした彼女らは、「We Got The Baet」(全米2位)、「Our Lips Are Sealed」(同20位)、「Vacation」(同8位)」などのヒットを出し、ピチピチ・ギャル(死語)のグループとして人気を博す。1stアルバム「Beauty and the Beat」は、女性だけのロックバンドとしては、初の全米1位を記録した。そのゴーゴーズも'85年には解散。ベリンダは早くも翌年に、同じレコード会社であるI.R.Sからソロ・デビューする事になった。この「Mad About You」は、彼女のソロ第一弾シングルにして、アルバム「Belinda」(写真)の幕開けを飾る一曲。心がウキウキしてくるチャーミングなポップ・ナンバーだ。作曲はGo-Go'sの末期メンバーでもあったポーラ・ジーン・ブラウン(とジェームス・ウェラン)。プロデュースは'70年代ポップスの職人マイケル・ロイドである。この曲は、'86年に全米3位を記録し、彼女のソロデビューを華々しく飾った。イントロから滑り込んでくる、キャッチーに弾むベース・ライン。これだけで即、名曲決定。このベース・リフを軸にして、曲は軽やかに進む。サウンドも、サビの展開も実に爽やかで、PVと合わせて聴くとカリフォルニアの陽が差してくるような気分にもなる。ベリンダの声は、屈託のないオネーサンという感じで、曲にぴったり。同時にGo-Go'sの頃に比べてだいぶ大人っぽくなっている。だが、ソロデビューにあたっての不安があるのか、ここではいくぶん、こじんまりとした感も。桜で言えば七分咲きといった所か。ヴォーカリストとしての彼女は、翌年の「Heaven Is A Place On Earth」で一気に飛躍する事になるのだが、コレはコレで初々しさがあってヒジョーによい。曲のタイトルは「あなたにゾッコン」という意味。この頃のベリンダは結婚したばかりで、その夫君も出演するPVでは幸せいっぱいの顔を見せてくれる。見ている側としては、しまいには「いーかげんにしろ」と言いたくもなるのだが。なお、彼女は、その2年後にも「I Get Weak(あなたにメロメロ)」('88年全米2位)という曲を出している。もうええっちゅーに。ギターを弾くのは、当時デュラン・デュランを離れたばかりのアンディ・テイラー(PVにも出演)。短いながらも、中音域をうまく使った、曲にピッタリのソロを聴かせてくれる。ベリンダとのつながりについてはよく分からないのだが、天真爛漫(だそうだ)な彼女に「ちょっとぉ、アタシの曲でなんか弾いてよぉ」とか言われて、「ああ、いいよ」という具合にでもなったのだろうか。ここでのアンディの弾きっぷりは、良くも悪くも「軽くお仕事」といったノリを感じる。ちなみに、彼女の'89年のシングル「Leave A Light On(輝きのままで)」ではジョージ・ハリスンがギターを弾いている。ベリンダ、結構オトコ受けがいいのかあ～?以降、ベリンダは前述の「Heaven Is A Place On Earth」をはじめとしてヒットを連発。その勢いは'90年まで続いた。その後はソロと平行しつつゴーゴーズの再結成も実現。21世紀に入ってからは乳を出したりして往年のファンを喜ばせた(笑)。2004年にはゴーゴーズとして来日。近年でもテレビに積極的に出たり、今年には全曲フランス語で歌った新作を発表するなど、50の齢を目前にして、その活動はまだまだ活発なようだ。つーコトで「Mad About You」を聴くにはここをクリック!ん～、このベース・ライン。心が躍るねぇ(´ー｀)ついでに80's屈指の名曲「Heaven Is A Place On Earth」も聴こう! ここをクリック!

  2007.11.03

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• The Georgia Satellites　「Keep Your Hands to Yourself」

  1987年2月～3月のアメリカといえば、ボン・ジョヴィの「Livin' On A Prayer」が飛ぶ鳥を落とすがごとく売れていた時期なのだが、そのドサクサ(?)にまぎれてヘンな曲がチャートの上位をウロウロしていた。「流行? そんなモン知るかよ」と言わんばかりの、泥臭くてストレートなギターサウンド。ふてぶてしさと人懐っこさが同居したボーカル。そして、つかみどころのない、だけどなぜか耳に残るメロディ。それがこの「Keep Your Hands to Yourself」である。1987年、全米最高2位。年間チャートでも35位を記録する健闘ぶりを見せた。この曲を歌ったジョージア・サテライツは、文字通りジョージア州アトランタの出身。1980年に結成された彼らは、クラブ・サーキットで腕を磨くが、'84年に一度解散する。だが、彼らの残したデモテープがイギリスのインディー・レーベルに拾われ、'85年にミニ・アルバムとしてリリースされた。それが思わぬ評判を呼び、バンドは急遽再結成。翌'86年にメジャーからリリースされた「「Keep Your Hands to Yourself」が、まさかの大ヒットとなった。ジョン・レノンの追悼セッションに集まったメンバーが意気投合して出来たというこのグループだが、その音楽はローリング・ストーンズやフェイセズにも通じる南部系ロックンロールだった(アルバムにはロッド・スチュワートのカバー曲もあった)。しかもダン・ベアードのしゃくれた歌声は、ミック・ジャガー直系。節回しも独特で、声が思いっきり裏返るサビの部分は、「マジメに歌っとんのか」とツッコみたくもなるが、これが何ともいえない個性となっている。が、当時の僕といえば視野狭窄のヒットチャート少年。こういう系統の音楽に理解があるはずもなく、最初、この曲がチャートを上がってきた時には、「ヘンな曲がチャートに入ってきた」くらいにしか思わなかった。使ってるコードはA、D、Eの3つだけ。ルーズで骨太なバンドサウンド。スワンプの香り漂うギター・ソロはロールウェル・ジョージの影響か。小汚いパブでウィスキーを飲みながら聴きたくなる、愚直なまでのシンプルなロックンロール。そこに滲み出るのは優れたポップ・センスと、ライブハウスで叩き上げた芸人根性だ。とはいえ、当時の流行にどこまでも逆行していて、どこかネジれている曲には変わりはない。こんな曲をチャートの中で受け入れる事ができたアメリカは豊かな国だなあ、などと思った記憶がある。田舎クサい低予算PVもダサかっこよかっただが、彼らのヒット曲らしいヒット曲といえばこれだけ。この曲を収録した1st(上写真)や、'88年に発売された2nd「Open All Night」も優れた作品だったが、以降は商業的に後が続かなかった。ジョージア・サテライツは'91年に解散。その後、ダン・ベアードはソロ・アルバムを発表。ギターのリック・リチャーズは、Guns N' Rosesのイジー・ストラドリンのアルバムに参加した。大方の予想通り(?)、見事な一発屋となってしまった彼らだが、時代に左右されないロックンロール魂は多くの無名の支持者を得た……ような気もするなあつーコトで「Keep Your Hands To Yourself」のPVはここをクリック!音のいいバージョンを聴きたい方はこちら(映像は関係なし)。トム・クルーズ主演の映画「カクテル」のサントラに入っていた彼らの曲「Hippy Hippy Shake」(カバー曲だけど)も、なんとなく好きだったワタシ。。。

  2007.11.02

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• Eurythmics　「Here Comes The Rain Again」

  そーいえば長い事聴いてないなあ、ユーリズミックス。アニー姉さんなんかは先日も元気に新作「Songs of Mass Destruction」を発表したというのに。。。そんなワケで今日はアニー・レノックスとデイヴ・スチュワートからなる男女ユニット、ユーリズミックスのお話さ～アニーとデイヴが出会ったのは、パンクの嵐が吹き荒れる'77年('76年?)のロンドン。デイヴが立ち寄ったレストランでウェイトレスをしていたのがアニー・レノックスだった。ウェイトレスとして初めて顔を合わせた彼女に、デイヴはいきなりその場で「結婚してくれ」と言ったらしい。アニー姉さんは当然のごとく「頭大丈夫かコイツ?」と思ったが、なぜか二人はその晩から「離れられない関係」になったという。二人は恋愛関係と平行してThe Touristを結成。ギターを中心としたポップ・ロック系バンドだが、ワシなんかはユーリズミックスよりもむしろ、パワーポップ風味が強いこちらの方が好きだったりする。これは音楽的優劣の問題ではないので、念のため。「I Only Want To Be With You」(ダスティ・スプリングフィールドのカバー)や「So Good To Be Back Home Again」などのヒットを放ったツーリストだが、バンドは1980年に解散。恋愛関係にもピリオドを打ったアニーとデイヴだったが、ユーリズミックスの歴史はそこから始まった。再出発した二人は翌年、「Never Gonna Cry Again」でデビュー。'83年には「Sweet Dreams」が全米1位、全英2位のヒットとなり、アニーとデイヴはスターダムにのしあがった。ちなみに、ワシが初めてユーリズミックスを知ったのは、'86年のシングル「Missionary Man」。そのどこかおどろおどろしさを感じさせるアニー姉さんの歌声とPVには、「こ、怖い」などと思ったものだ。この「Here Comes The Rain Again」は、'84年に発表されたアルバム「Touch」(上写真)からの3枚目のシングルで、全米4位、全英8位のヒットを記録。前述の「Sweet Dreams」の流れを汲む、彼らお得意のエレポップ・ナンバーだ。作詞、作曲はアニーとデイヴ。アニー姉さんのダイナミックかつソウルフルな歌声と、デイヴの作り出す無機質でライトなテクノサウンドの組み合わせが絶妙な仕上がりとなっている。曲は、荒涼とした雰囲気を感じさせるイントロに始まり、不穏な響きを持つストリングスを伴ってシリアスに進行していくが、サビの部分でいくぶん明るく転調。「パッシュワッ♪」という合いの手コーラスが入る所などは、なかなかポップスの定石を踏まえていたりする。楽曲の作りも何気にコンパクト。ちょっぴりお耽美な香りも漂う、クールなポップ感覚が魅力の一曲となった。アルバム「Touch」からは、この他にもカリプソ風味が楽しい「Right By Your Side」や、「Who's That Girl」がヒット。ユーリズミックスはその後も、今や定番といえる「There Must Be An Angel」など、数々の名曲を残した。PVの制作にも力を入れた、このユニット。男よりもむしろ女に「キャ～ッ」と言われそうな、アニー姉さんのビザールな美貌も売り物で、PVにおける視覚的なインパクトは、MTV時代にふさわしいものだったと言える。まあ、コレとかコレみたいに、姉さんのセンスには意図を理解しかねるものもあるのだが……ユーリズミックスは1990年に解散。アニー姉さんはソロに。デイヴはプロデューサーとしてそれぞれの道を歩む事になる。だが、'99年にはユーリズミックスを再結成。アルバム「Peace」を発表した。二人は21世紀に入っても順調な活動を続けるが、'03年にはユーリズミックスとして同じステージに立ったり、'05年にはベストアルバムのための新録も行っている。つーコトで「Here Comes The Rain Again」を聴くにはここをクリック!ついでに、甘いメロディがホロリとくるThe Touristの名曲「So Good To Be Back Home Again」も聴こう! ここをクリック!

  2007.10.31

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• Heart　「Alone」

  アンとナンシーのウィルソン姉妹からなるアメリカンロック・バンド、Heart最大のヒット曲である。1987年、3週連続全米1位を記録。その年の年間シングルの2位にも輝いた(1位はバングルズの「Walk Like An Egyptian」)。当時の僕は、毎週ビルボードを購読し、「ベストヒットUSA」をかじりついて見ていたTOP40少年。この曲のチャートアクションもリアルで目の当たりにしていたが、その週のもっとも高い位置でHot100に初登場し、以後あっという間にチャートを駆け上っていく様を見て「ほえー」などと思った記憶がある。ホワイト・ハートという前身バンドに、カナダ出身のウィルソン姉妹が加わる事によってハートの歴史は始まった。バンドは'75年にカナダの小さなレコード会社からデビューを飾る。レッド・ツェッペリンに影響を受けた、そのハードかつ繊細な音楽は高く評価され、「Little Queen」('77年、全米9位)、「Bebe Le Strange」('80年、全米5位)などのアルバムがベストセラーとなった。が、80年代に入ると、メンバー間のゴタゴタやレコード会社とのトラブルで活動は低迷。作品のセールスも大きく落ち込んでいく。そんな彼女達に光明が差したのは'84年。アンが、ラバーボウイのマイク・レノとデュエットして全米7位を記録した「Almost Paradise」(サウンドトラック『フットルース』に収録)のヒットによってであった。翌'85年、レコード会社も移籍して心機一転した彼女達は、再起を賭けたアルバム、その名も『Heart』を発表。プロデューサーにロン・ネビソンを迎え、外部の職業作家も積極的に起用したこの作品が大当たり。アルバムは全米1位。最終的には500万枚のセールスを記録。シングル・カットされた「These Dreams」(全米1位)、「Never」(同4位)も次々とヒットし、ウィルソン姉妹は一気に頂点を極めた。僕がハートを知ったのもこの頃である。そして、その熱も冷めやらぬ1987年。皆の注目を集める中で発売されたシングルが、この「Alone」である。この曲を書いたのは、トム・ケリーとビリー・ステインバーグ。マドンナの「Like A Virgin」や、シンディ・ローパーの「True Colors」の作者としても知られる、80年代最高のソングライターチームである。「Alone」は彼らが'83年に書いた曲だった。聴いた瞬間に「名曲だな」と思わせる、静かでもの悲しいピアノのイントロ。そこに説得力あるアンの歌声が重なって、曲はしっとりと進んでいく。徐々にベースやシンセが重なり、ゆるやかに盛り上がるかと思いきや、曲はサビで一気に爆発する。まさしく静と動。聴く者を引きずり込むべくカチッと計算された、職人的な曲作りだ。ナンシーの声が重なる「How do I get you alone♪」の一節が泣かせる。簡素にして情感ほとばしるギターソロも素晴らしい。そして、アンのヴォーカルが激しく昇りつめた所でまた静かなピアノが流れ、曲は悲しげな余韻を残して終わる。鉄壁な完成度を誇る歌謡ポップ・ロックだ。自作曲にこだわらず、純粋に「よい曲」を求める彼女達の姿勢が生んだヒットと言ってもいいかもしれない。この曲は後にセリーヌ・ディオンやキャリー・アンダーウッドにもカバーされた。ちなみにこの曲のPV。貫禄あふれるアン姉もさることながら、フェロモン全開な身のこなしを見せるナンシーがとってもセクシー(豪快にはだけた乳がタマらん)。このPVの振り付けをしているのは、この数年後にシンガーとして一世を風靡するポーラ・アブドゥルである。「Alone」を収録したアルバム「Bad Animals」(写真)も全米2位、300万枚を売り上げるヒットを記録。アルバムからは他にも、ダイアン・ウォーレンが書いた「Who Will Run To」(全米7位)や、「There's The Girl」(全米13位)などのヒットも生まれた。ハートというと、硬派なロックファンからすれば、名曲「Barracuda」('77年、全米11位)などに代表されるツェッペリンばりのロックを演奏していた70年代になるのかもしれないが、産業ポップ・ロックに徹した80年代もなかなか捨てがたい魅力があると思う。商業的な意味では、この時期が間違いなく彼女達の全盛期だ。彼女達は、'90年にもヒット作「Brigade」(全米3位)を発表。以降はヒットからは遠ざかっていくが、現在もアメリカン・ロックの重鎮姉妹として、元気に活動を行っているようだ。つーコトで、「Alone」を聴くにはここをクリック!レッド・ツェッペリンも真っ青な名曲「Barracuda」も聴け! ここをクリック!(映像は関係なし)

  2007.10.30

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• Kenny Loggins　「Footloose」

  1984年といえば、僕が洋楽に開眼する直前の年だ。マイケル・ジャクソンやデヴィッド・ボウイは知っていても、ビルボードや「ベストヒットUSA」は知らない。そんな時期だった。洋楽ってなんか難しそう。でも、スチュワーデス物語「フラッシュダンス」の歌はカッコよかったなあ…。-----洋楽へほのかな興味を抱き始めたオマセな子供。そんな当時の僕の耳を直撃したのがこの曲だった。映画「フットルース」のメインテーマ・ソング。歌うは「Mr.サウンドトラック」ことケニー・ロギンス。1984年3月、それまで1位の座を独占していたヴァン・ヘイレンの「Jump」を押しのけて見事全米No.1に輝いた、80年代を象徴する名曲のひとつである。当時この映画はやたらと話題になっており、日本でもさかんに宣伝されていた。「13日の金曜日(Part1)」で串刺しにされたケビン・ベーコンがぴょんぴょん跳ねていたCMは今もなんとなく頭に残っているような。その時に流れていたこのタイトル曲があまりにも強烈だったので、思わず親に頼み込んでサントラ(上写真)を買ってもらった覚えがある。学校の休み時間でもこの曲が流れており、クラスの陽気な女の子がコレに合わせて踊っていたっけなあ会社勤めをしながら作曲家をしていたケニー・ロギンス('48年生まれ)は、'70年にポコのメンバーだったジム・メッシーナと出会う。二人は意気投合。1971年にロギンス&メッシーナとしてデビューを飾った。ウェストコースト・サウンドの流れを組んだ音楽性は高く評価され、アン・マレーやニッティ・グリッター・バンドに曲を取り上げられたり、自身でも「ママはダンスを踊らない」('72年全米4位)などのヒットを飛ばしたりした。ロギンス&メッシーナ解散後はソロとして独立。「This Is It」(全米11位)、「Heart To Heart」(全米15位)の他、スティービー・ニックスやスティーブ・ペリー(ジャーニー)とデュエットしてヒットを飛ばしたり、マイケル・マクドナルドと名曲「What A Fool Believes」を共作するなど、充実した活動を続けた。'78年の2ndソロ「Nightwatch」や'82年の「High Adventure」は見逃せない佳作だ。サントラ絡みの初めての仕事は'80年。コメディー映画「ボールズ・ボールズ」に提供した「I'm Alright」(全米7位)だった。そして'84年、彼のアーティスト人生を大きく左右する特大ヒットが生まれる。それがこの「Footloose」だ。彼にとって初めての(そして唯一の)No.1ヒットとなった。ケニーとの共作者として、この曲にクレジットされているディーン・ピッチフォードは、映画「フットルース」の脚本を手掛けた人物である。『(ケニー・ロギンスの)しわがれていて、陽気な声。彼の声には希望が満ちているように思えたんだ』----ディーン・ピッチフォードケニーは脚本のゲラ刷りを見ながら曲作りに取り組んだという。二人はホテルにこもり、4日間でこの曲を書き上げたとか。ロギンス&メッシーナ時代から培ってきた豊かなポップセンスは、ここへ来てひとつの頂点を迎えた。無条件に体が動く強烈なビート。ケニーの力強いハイトーン・ヴォイス。いかにもアメリカンらしい、突き抜けるような楽しさを持ったメロディと演奏。まさに「ハジける」という言葉がぴったりな曲となっており、聴いていると「何でもいいから踊ろじゃないの!」という気分になる。そして「あ～あ～あ～あ～」とタメにタメた上で「あっとりるーす!」とシャウトする部分で昇天。ウムを言わせぬ3分45秒だ。能天気と笑わば笑え。これだけ胸の躍る曲が今の時代にあるか?ここには80年代ならではの楽しさがいっぱいに詰まっている。このヒットによりケニーの株は一気に上昇。翌年の「We Are The World」では、リード・ボーカルをとるパートも二小節分与えられた。サウンドトラック自体も、アルバムチャートで10週間1位を記録するメガヒットとなった。映画本編は激しくどうでもよかったような気もするが、このサントラは最高だった。続いてシングルカットされたデニス・ウィリアムスの「Let's Hear It For The Boy」も全米1位を記録。エリック・カルメンがペンを執った「Almost Paradise」は、マイク・レノ(ラバーボウイ)とアン・ウィルソン(ハート)とのデュエットによって全米7位。ボニー・タイラーが歌った「Holding Out For A Hero」やムーヴィング・ピクチャーズによる「Never」は、日本語カバーも発売され、当時のお茶の間で親しまれた。シャラマーやカーラ・ボノフの曲も実によかった。現在再発されてるCDには、当時未収録だったジョン・クーガーの「Hurts So Good」('82年、全米2位)や、フォリナーの「Waiting For A Girl Like You」('81年、全米2位)なんかも追加されていてとってもお得当時を知る名曲集としても、BGM代わりとしてもオススメな一枚です。思えばこの年はサントラが熱かった。この直後には『カリブの熱い夜』の主題歌である、フィル・コリンズの「Against All Odds(見つめてほしい)」が全米1位を記録。その後にはプリンスの「When Doves Cry(ビートに抱かれて)」が、その後にはレイ・パーカーJrの「ゴーストバスターズ」が、さらにその後には映画『ウーマン・イン・レッド』からスティービー・ワンダーの「I Just Called To Say I Love You」が、それぞれNo.1を記録し、そのどれもがアカデミー最優秀曲賞にノミネートされた。なんという素晴らしい時代だったのか最後に話をケニー・ロギンスに戻す。ケニーはその後、ご存知「トップガン」、「オーバー・ザ・トップ」、「ボールズ・ボールズ2」といった映画の主題歌(および挿入歌)を次々と歌い、ヒットを連発。皮肉も込めて「サントラ男」の異名を与えられた。「ケニー・ロギンス＝サントラ」という固定イメージを持つ人は少なくないだろうし、70年代の彼を知る人の中にはフットルース以降を「堕落」と考える向きもあるかもしれない。だが、彼の本質は何も変わってないと思うし、'90年代に入ってからはこれといったヒットはないものの、着実にアルバムを出し続けている。2005年にはロギンス&メッシーナの再結成も実現し、往年のファンを喜ばせた。現在発売されている2枚組ベストは、ロギンス&メッシーナからソロの代表曲をコンパクトに押さえてあるので、興味のある方は御一聴あれ。つーコトで、「Footloose」を聴くにはここをクリック!スティービー・ニックスとのデュエット「Whenever I Call You Friend」(全米5位)はこちら。映画「ボールズ・ボールズ2」からの名曲「Nobody's Fool」(全米8位)はこちら。

  2007.10.29

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• ヴァンゲリス　「炎のランナー」

  1982年、5月。7週連続全米1位を記録したジョーン・ジェットの「I Love Rock'n Roll」と、同じく7週連続1位を記録したポール・マッカートニー(とスティーヴィー・ワンダー)の「Ebony & Ivory」との合間をぬって、一週だけひっそりと全米No.1に輝いた曲があった。その曲の名は「Chariots Of Fire」。ギリシアが生んだ天才音楽家ヴァンゲリスの代表曲にして、現在も様々な形で聴き継がれるスタンダード中のスタンダードである。実話を元にした映画「炎のランナー」のメインテーマであるこの曲は、当初、文字通り「Titles」と名付けられてシングルリリースされた。'81年12月12日、ビルボードHot100の94位に登場。その後、じわじわとチャートを上昇し、8週目にはタイトルも「Chariots Of Fire」に変えられた。そして'82年5月8日に全米1位を記録。曲がチャートに登場してから、実に21週目の事だった。ヴァンゲリスは1943年、ギリシアはアテネの港町ヴォロスで生まれた。本名は、エヴァンゲロ・オディスィア・パパサナシュー。"いい知らせを伝える天使"の意だという。音楽家の両親を持つ彼は、4歳でピアノと作曲を始め、6歳の時に演奏会を開いたと伝えられる。高校時代からプロとしての音楽活動を開始。'68年に組んだバンド、アフロディティス・チャイルド名義で発表したシングル「雨と涙」('69年)は、ヨーロッパで大ヒットとなった。が、70年代初頭にバンドは解散('72年に一時再結成)。その後、パリを拠点として、今日までつながるヴァンゲリスのキャリアが始まる。彼がはじめて手掛けたサウンドトラックは、フランスのテレビ番組「動物の黙示録」(1973年)だった。'75年にはRCAと契約し続々と作品をリリース。同時期、リック・ウェイクマンの後任としてYesへの加入を打診された事もある彼は、一時期ジョン・アンダーソンと共同名義で作品を発表していた。「Short Stories」（1979年）、「Private Collection」（1983年）などのアルバムがそれである。シングル"I'll Find My Way Home"(1982年)は全米チャートに入ったりもした。70年代には「天国と地獄」(ジョン・アンダーソン参加)「反射率0.39」「螺旋」などの傑作を発表。TVドキュメンタリー「コスモス」('80年に日本でも放映された)でも、曲が印象的に使われていたヴァンゲリスだったが、そのサウンドに注目していたのは一部のマニアおよびプログレ・ファンだけだった。彼の名前が広く知られるようになるのは、やはりこの「Chariots Of Fire」によってであろう。今では映画音楽の大家として知られる彼にとって、最初の大きな仕事でもあった。『1924年のオリンピック・パリ大会に青春を捧げた、二人の若者の話だった。いい話だと思ったので、僕は契約した。オリンピックは好きだし、楽しい仕事だった』-----ヴァンゲリス壮厳な響きを持つサウンドと共に、ゆったりとフェイド・インしてくるこの曲。地中海的な叙情性も感じさせるシンプルで美しいメロディ、穏やかに反復されるシーケンス・リズム、そして重厚かつ温かみを持ったシンセ・オーケストレーション(ほとんど彼ひとりによるもの)の音色は、まさにヴァンゲリスの世界。じわじわと盛り上がる構成も静かな高揚感を呼び覚ます。長年培ってきた彼の感性が大衆的な形で結実した素晴らしい一曲となった。この曲が流れる映画の冒頭部分は、走る事に青春を賭けた若者達の姿と重なって非常に感動的だ。本編も、派手さはほとんどないものの、長回しやスローモーションを効果的に使った演出も相俟って、見る者の心にどっしりとしたものを残してくれる内容だった。「Chariots Of Fire」は、その年のアカデミー作曲賞を受賞。受賞した日は彼の誕生日だった。その時の彼は、前夜の誕生日パーティの後でぐっすり眠っており、吉報を受けたのは早朝の友人の電話によってであった。『遅い誕生日の祝いだったね。電話を切ってからテレビをつけたんだけど、僕がベッドの中にいる最中、信じられない事が起こっていたんだ』------ヴァンゲリスチャート上におけるヴァンゲリスのヒット曲は事実上これだけだが、彼はその後も映画音楽家、舞台音楽家として数々の素晴らしい仕事を残している。「炎のランナー」の翌年にあたる'82年には映画「ブレードランナー」の音楽を担当(ただしサントラが発売されたのはだいぶ後)。さらにその翌年には、日本製作の映画「南極物語」の音楽を担当。雄大な映像にふさわしいヴァンゲリス・サウンドを聴かせてくれた。2002年には、FIFAワールドカップのテーマ曲も担当。その曲はオリコンでもトップ10入りを果たした。音楽家としての良心を保ちつつ、今も精力的に活動を続けるヴァンゲリス。日本公演はやらんのか～!?(公式な来日は未だナシ)「Chariots Of Fire」を聴くにはここをクリック!「南極物語」のテーマ「Antarctica」はこちら。TV番組「コスモス」で使われた曲(『天国と地獄』より)はこちら。ドラマティックで美しいヴァンゲリス・ワールドに萌えろ!

  2007.10.25

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• Prince　「When Doves Cry」

  殿下が先日、またまた充実した新作を発表してくれましたね。50の齢を前にして、いまだ全く才能の衰えないおプリ様そんな殿下に敬意を表して、本日はこの曲じゃ!邦題、「ビートに抱かれて」。殿下六枚目のアルバムにして、本人主演の映画のサウンド・トラックでもある「Purple Rain」(写真)のからの1stシングルである。1984年に5週連続全米1位を記録。その年のビルボード年間No.1シングルにも選ばれたこの曲は、殿下のキャリア史上、セールス的に最も成功した曲である。作詞、作曲、プロデュースはもちろん、演奏も全て殿下本人によるもの。ミディアム・テンポのファンク・ナンバーだが、いつものような濃密さはあまり感じられず、殿下としてはかなり聴きやすいポップ・ソングに仕上がっている。それが大衆に広く受け入れられた要因なのかもしれないが、同時にファンの間では賛否が分かれる結果にもなっている。曲は挑発的なギター・ソロに始まり、パーカッシヴなリズムと、妖しくてどこか哀しいメロディが6分にも渡って展開されていく。聴き手を誘惑するかのような殿下のヴォーカルにも心を奪われるが、それ以上に耳に残るのは、甘くて軽い音色のシンセサイザー・リフだ。エロスと毒、そして孤独を感じさせる響きは、まさに殿下ならではもの。このキャッチーなリフは、後にMC・ハマーのヒット曲「Pray」(全米2位)にサンプリングされた。映画からのシーンも盛り込んだビデオ・クリップは、いきなり殿下の入浴姿から始まるという刺激的なモノ。殿下美学と胸毛はここでも健在よアルバム「Purple Rain」からは、この後もタイトル曲や「Let's Go Crazy」(全米1位)などのヒットを連発。殿下のアルバムはどれひとつとっても傑作だし、個人的に最も好きなのは「1999」か「Sign 'O' The Times」あたりなのだが、彼がトリック・スターとして最もギラギラしたオーラを放っていたのは、「Purple Rain」の時期だったと思えない事もない。個人的には、ちょうど洋楽を聴き始めたばかりの時期で、リアルタイムの記憶は定かではないが、この当時の殿下はマイケル・ジャクソンと無理やり比較されていたらしい。「よいこ＝マイケル、悪いコ＝プリンス」って、なんじゃそら～(ゲラゲラそういえば、昔見たアナログ盤のシングル・ジャケットにも「俺達のボスはプリンスだぜ!」なんてキャッチ・フレーズがあったなあ。才能とカリスマ性を垂れ流しにしていた、この時期の殿下の記録であり、何もかもが楽しかった80'sの甘酸っぱい思い出である。「When Doves Cry」を聴くにはここをクリック!ワン・アンド・オンリーな殿下ワールドに萌えろ!※ポム・スフレのメインHPでは、プリンスの名盤「Sign 'O' The Times」について取り上げています。

  2007.07.28

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• Guns N' Roses　「Paradise City」

  ガンズ・アンド・ローゼズの来日公演が無事終了しましたね。しかも評判は上々だったとか。ご褒美にワシも取り上げてやるか(←エラそう僕がガンズを初めて聴いたのは、1987年(だったと思う)。「ベストヒットUSA」で流れた「Welcome To The Jungle」のPVを見た時だった。後に全米7位を記録するこの曲だが、それは後発の「Sweet Child Of Mine」(1988年、全米1位)のヒットに便乗した結果であり、この時点ではまだどこの馬の骨とも知れない存在だった。その時は、曲自体は「騒々しい」くらいの感想しか持てなかったのだが、アクセルの放つふてぶてしい存在感と身のこなしが、妙に印象に残った記憶がある。↓だがそれ以上に、後ろでPVを流し見していたオカンの一言「うわっっ! キ×ガイじゃ!!」…母ちゃん、キ×ガイって……　いや、そうなんだけどさ……その後ガンズは、「Sweet Child Of Mine」のヒットを皮切りに、狂ったように売れ始めるのだが、彼らの登場はあらゆる意味で衝撃的だった。当時売れていた他のHR/HMバンドにはなかったアンチ・モラルの匂い(あえて言うならモトリーがいたか)。デビュー・アルバム「Appetite For Destruction」(写真)で聴ける荒々しい音の感触と疾走感、暴発するエナジーは、パンクをリアル・タイムで体験できなかった僕には、新しい時代の到来にすら思えた。少なくとも自分にとって、これに並ぶインパクトは、ニルバーナの「Nevermind」(1991)が発表されるまで待たなければならなかった。この「Paradise City」は1989年に全米5位を記録した、ミドル・テンポのロック・ナンバー。「Welcome To The Jungle」、「Sweet Child Of Mine」と共に、前述の「Appetite For Destruction」に収録。現在でもコンサートのクライマックスで演奏される、ガンズの代表曲である。なめらかな、それでいてどこか屈折したギターのアルペジオ。そこに割り込んでくる重いドラムの音色。続けてアクセルが「パラダイス・シティに連れてけよ」と抑えめに歌う。音数を増やしつつ、徐々に盛り上がっていき、笛の音を合図に曲は本編へ。トゲトゲしいギター・リフ、渋めだが耳に残るメロディ、変化自在なアクセルのボーカル。ん～カッコいい。楽曲自体の構造は実に単純だが、聴いてて飽きる気配は全くない。4:35も過ぎた頃、よく伸びるアクセルの歌声や派手なドラミングと共に曲は大円団……かと思いきや、演奏はそこでいきなり大爆発!凄まじい疾走感で一気に突っ走る。鬱憤を撒き散らすかのようなアクセルの歌声、パンキッシュなリズム隊、スラッシュのめまぐるしいリード・ギター。くおおおぉぉぉ! コイツは燃える燃える燃える!!そして、紙吹雪を散らしたくなるエンディングで曲は終わる。完璧。6分48秒という時間が短くすら思える程の完璧さだ。スタジアムで演奏する姿を納めたPVは、エアロスミスとのツアーのもの。おそらくエアロの前座としての演奏だろうが、当時はガンズ自身がスターダムを駆け上る時期だったので、観客もノリノリ。何よりもメンバー皆、足が地についている。アクセルから滲み出る時代の寵児としてのオーラ。この時、スラッシュは23歳。う～ん、渋すぎる。この頃のガンズはカッコよかった。最高だった。アクセルを始めとして、イジーもダフもスティーブンも、そしてスラッシュも、皆危険なニオイをプンプン放っていた。アルバム「Appetite For Destruction」が発表されてからもう20年経つが、今も全く色褪せていない。恥ずかしい言葉で恐縮だが、時代やジャンルを越えた「本物のロック」というものが詰まった数少ない一枚だと思う。…で、10年近く待たされた新作は本当に発売になるのか?(ここを参照)メンバーの姿が最高にイカす「Paradise City」のPVはここをクリック!

  2007.07.24

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• Peter Gabriel　「Sledgehammer」

  今から21年前(←泣…)にもなる1986年。当時の僕が毎週楽しみにしていた「ベストヒットUSA」で、一本のビデオ・クリップが紹介された。しばしの静寂を置いて聴こえてきたのは尺八の音。いきなり映し出されるオタマジャクシに続いて目に飛び込んできたのは、ヘンなオッサンのキモい顔面。「何コレ……?」当時それを見ていた洋楽ファンは、多かれ少なかれそう思ったに違いない。そのPVの曲名は「Sledgehammer」。ピーター・ガブリエルのソロ・キャリアにおける最大のヒット曲にして、80年代を代表する一曲である。PVを流し終わった後の小林克也による解説を聞いて、「どうやらこのオッサンは昔、フィル・コリンズのバンドにいた人らしい」という事は分かったのだが、その時は「奇をてらったPVを使ったヘンな曲」くらいの印象しか持てず、おそらく二度と耳にする事もないだろうと思っていた。反面、その奇妙なインパクトゆえに、その曲及びそのPVが妙に頭にこびりついたのも事実だった。ちょうど同時期には、フィル・コリンズのバンド(だと思っていた)であるジェネシスの新曲「Invisible Touch」が話題になっており、僕もそれに入れ込んでいたのだが、その一方で「Sledgehammer」のPVもあちこちで流されており、「まーた、あのヘンな曲が流れてる」と思いつつも、気がつけばそれが歌えるようになっていた。その後、そのヘンな曲のオッサンが、かつてはジェネシスのリーダーにしてボーカリストであった事を知って驚くのだが、さらに驚いたのはその曲がビルボードのチャートを昇り始めた事だった。「えっ!?こんなヘンな曲が売れちゃうの!?」僕の驚きをよそにその曲「Sledgehammer」は、じりじりとチャートを上昇。ついには'86年7月26日付ビルボード・チャートで1位に輝いてしまった。しかも、その前の週にNo.1の座にいたのはジェネシスの「Invisible Touch」。ピーター・ガブリエルという人は、かつて自分の在籍していたバンドの曲を蹴落として、初の全米1位を獲得したのだった。なんという運命のイタズラか。当時チャート少年であった僕が目を丸くした夏休みの思い出として、今も鮮明に覚えている。この「Sledgehammer」は、ピーター・ガブリエル5枚目のオリジナル・アルバムである「So」に収録。タイトルに初めて自分の名前以外のものを冠した(それ以前のアルバム・タイトルは全て『Peter Gabriel』)このアルバムは、ピーターのターニング・ポイントとなった一枚であり、彼を「コアなファンを対象としたカリスマ」から「世界的なスター」へと押し上げた忘れがたい作品である。当時の僕の理解力では「ヘンな曲」にしか聴こえなかったこの曲だが、それもピーター・バラカン氏の言葉を借りれば「凄く丸くなっちゃった」仕上がりであり、以前からのファンだった人達も似たような感想だったらしい。確かに、それまでのピーター・ガブリエルに比べれば、ポップ・ミュージックとして分かりやすい作りにはなっている。が、それと同時に彼のイビツな個性が決して失われてはいない所がミソ。尺八の音で始まるポップ・ソングなんて、このオッサンじゃなきゃ思いつかねぇよ(笑ピーターは三枚目のアルバム以降、民族音楽の導入にも貪欲になっていくが、この尺八もおそらくそうした発想からだろう。イントロと間奏の二箇所で使われているが、結果として曲にピタリとハマッているのがスゴイ。やっぱりヘンな曲だ(笑そのメロディ・ライン、女性コーラスやホーンの使い方、何気に強力なファンク・ビートなど、黒人音楽の影響を彼流に消化した仕上がりとなっており、特にサビにおけるリズムの刻み方などは中々にカッチョいい。名ベーシストであり、キング・クリムゾンのメンバーとしても有名なトニー・レヴィンの演奏も見逃せない。とはいえ、この曲があれほど話題になったのは、音楽そのものの魅力よりも、変態スレスレの魅力に溢れたビデオ・クリップ(スティーヴン・ジョンソン監督)による所が大きい、というのは誰もが認める所。もっとも、それはヴィジュアル的なインパクトで話題を狙ったというよりも、映像表現にも多大なる関心を寄せるピーターと、MTV全盛だったあの時代の波長がうまく合わさった結果というべきだろう。このビデオ・クリップはMTVミュージック・ビデオ・アワーズのベストビデオ賞を受賞。同アルバム収録のヒット曲「Big Time」(全米8位)でも同路線のPVが制作された。アルバム「So」自体も大ヒットを記録(全米2位、全英1位)。その年のグラミーにもノミネートされた。また、このアルバムのプロデューサーは、後にU2の「The Joshua Tree」を手掛けるダニエル・ラノワである。本作をピーターの最高傑作であるとするかどうかは意見の分かれる所だろうが、彼の代表作である事には違いない。かく言う僕も、個人的によく聴いたのは、ジェネシスの幻影濃い1stや「Biko」が収録されている3rdだったりするのだが、自分の中のピーター・ガブリエルのイメージといったら、いつまでたっても「スレッジ・ハンマーのオジサン」なのである。というコトで、「Sledgehammer」のシュールでアーティスティックなPVはここをクリック!う～ん、やっぱりヘンな曲だ

  2007.07.13

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• Bad Religion 「I Want To Conquer The World」

  バッド・レリジョン好きでした。アメリカン・ハードコアの元祖的な存在にして頂点でもあるバンドだが、僕がその存在を知ったのは90年代も半ば。当時はいわゆるメロコアなる言葉が流行っており、オフ・スプリングやNOFX、日本ではハイ・スタンダードがもてはやされていた。僕もグリーン・デイなどと一緒くたにして、それらのバンドを聴いていたのだが、バッド・レリジョンもそんな流れの中で知ったバンドだった。バッド・レリジョンは'80年に南カリフォルニアで結成。USインディー・シーンの中で将来を期待された彼らだったが、2ndアルバムを発表した'83年には一旦活動を停止してしまう。5年間の沈黙の後、アルバム「Suffer」で活動を再開。だが、その名が本格的に知られるのは90年代に入ってからだった。この「I Want To Conquer The World」は、'89年に発表された4thアルバムにして代表作である「No Control」(写真)に収録の名曲。その激しいイントロからしていきなり首を振りたくなるが、ザラついたサウンドに重厚で疾走感溢れる演奏、グレック・グラフィンの無骨な歌声が何ともカッコよく、そこに込められたエネルギーは今聴いても色褪せてはいない。そして、覚えやすく美しいメロディは彼らの真骨頂。パンクとメタルの美味しいトコ取りをしたようなこの曲は、そうした音楽が好きな人にも、そうでない人にもオススメしたい、ジャンル無用な魅力を放つキャッチーな一曲である。この曲、及びこのアルバムを聴けば、後の世代に多大なる影響を与えたという彼らの偉大さが分かろうというもの。社会的メッセージが特徴でもある彼らだが、英語ヨクワカラナーイな上に歌詞にあまり関心のない僕にとって、バッド・レリジョンの音楽は単純にカッコいいメロディック・パンクである。というコトで「I Want To Conquer The World」を聴くにはここをクリック。首がタテに動くぜ!

  2007.07.11

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• Bangles　「Walk Like An Egyptian」

  80年代を語る上で忘れられないガールズ・ロック・バンド、バングルズの最大のヒット曲である。1986年末から1987年初頭まで、年をまたいで4週連続全米1位を記録。'87年度ビルボードのシングル年間1位にも輝いた。1984年にアルバム『気分はモノクローム（All Over The Place）』でデビューした彼女らは、2年後の1986年、プリンスが変名で書いた「Manic Monday」をプレゼントされ、その曲が全米2位まで上がるヒットとなる。プリンスはスザンナ・ホフス(Vo,G)が特にお気に入りだったらしく、一時は結構強く彼女に迫ったとか(結局カワされたらしいけど)。ちなみにその「Manic Monday」のAメロは、プリンスの自身のヒット曲「1999」の使いまわしでもある。そして、同年の10月にリリースされた「Walk Like An Egyptian」は予想を超えた大ヒットとなった。リズミカルで妖しげなイントロに導かれて始まるこの曲。特別キャッチーというわけでもなく、つかみ所のないメロディなのだが、どこか奇妙な魅力があり、気がつくと結構クセになっているという不思議な一曲である。グループのメイン・ボーカリストはスザンナ・ホフスなのだが、この曲はヴィッキー・ピーターソン、マイケル・スティール(←元ランナウェイズ)、そしてスザンナという順番でリード・ボーカルを分け合うという構成。メンバー全員が歌えるというこのグループの強みが遺憾なく発揮されたものだ。また、彼女達の演奏も、LAのインディ・シーンで活動していたという下地が生かされたもので、すき間を生かしたシンプルなバンド・サウンドと小気味よいビート感が気持ち良い。ブレイクで入る口笛も実にクール!後半で出てくるサイケなオルガンの音色もツボだなあ。だが、それ以上に忘れられないのはそのビデオ・クリップで、シュールでコミカルなエジプト歩きと妖艶な彼女達の姿は強烈なインパクトがあった。この曲のヒットはこのPVによる所も大きいと思われる。この曲の作者はリアム・スタンバークという人物で、彼女達は半分冗談のつもりでアルバムに収録する事にしたらしい。この曲や「Manic Monday」を収録した「Different Light」(写真)は、他にもジュールズ・シアーの「If She Knew What She Wants」やビッグ・スターの「September Gurls」のカバーが収録されるなど、彼女達の選曲眼の高さを示していた。また、彼女達はこの翌年、サイモン&ガーファンクルの「Hazy Shade Of Winter(冬の散歩道)」をカバー・ヒットさせている('87年全米2位)。その後も彼女達は「In Your Room」、「Eternal Flame」などのヒット曲を出すが、80年代の終わりと共に一旦解散。現在ではマイケルを除くメンバーで再び活動しているとの事。今となっては「'80sの良き思い出」以上の評価は与えられていないような気もするが、彼女達の残した音楽は今も瑞々しい魅力を放っているし、優れたガール・ポップのお手本として、これからも残っていくと思う。というコトで「Walk Like An Egyptian」のPVはここをクリック!う～ん、思わず体がカクカクしちゃう♪

  2007.07.06

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• Talking Heads　「Wild Wild Life」

  今月のレコード・コレクターズの特集「80年代アルバム・ベスト100」では、トーキング・ヘッズの「Remain In The Light」が1位に選ばれていましたね。はあ、そですかんー、無難というか芸がないというか……ま、信号音のようなサウンドとスピード感あるポリリズムが絶妙に絡み合うその内容は、確かに今聴いても新鮮ではありますね。それはそれとして、ワシにとってのトーキング・ヘッズの魅力といったら、デヴィッド・バーンのひきつったような歌声と、トリッキーでお茶目なポップ・センスにある。この「Wild Wild Life」は、7枚目のオリジナル・アルバムである「True Strories」(上写真)からのシングル曲で、彼らにとって数少ないTOP40ヒットのひとつである(全米25位)。バーンの個性的かつ人懐っこさを持ったヴォーカル、覚えやすく親しみやすいメロディ・ライン、奇をてらった所のないシンプルでストレートな演奏は、ポップバンドとしてのトーキング・ヘッズの魅力を分かりやすい形で伝えてくれる。サビのリフレインがいつまでも頭に残る、とってもチャーミングな一曲さ「Born Under Punches」や「Once In A Lifetime」も確かにカッコいいが、この曲や「Road To Nowhere」などの方に惹かれるものを感じるオレはやっぱり少数派?そういえば、ワシが好きな作家の一人である絲山秋子さん(←芥川賞作家)は、フェイバリットとしてこの曲を挙げていた事があった。絲山先生、ナイスです!つーコトでここをクリックして、トーキング・ヘッズのポップな魅力に触れてみて

  2007.06.23

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• Van Halen　「Jump」

  auのコマーシャルでVan Halenの「Jump」が使われてますねいい機会だからオレも取り上げとくか。1984年、5週連続全米1位。ヴァン・ヘイレンの代表曲というのみならず、"80年代を代表する"という言葉がふさわしい名曲中の名曲である。ヴァン・ヘイレンは知らなくても、この曲は知っているという人も多いだろう。というか、この曲を知らない人ってこの世に存在するのか?作曲はエディ・ヴァン・ヘイレン。ヴォーカリストのデヴィッド・リー・ロスが歌詞を付けたのは、エディがこの曲を作ってから2年後の事だった。『だってイヤというほど曲があるんだぜ。何がヒットするかなんて誰も知るもんかい』------デヴィッド・リー・ロス何といっても冒頭から聴けるシンセサイザー・リフである。暗雲から光が射すようなポジティヴな響き。地を切り裂くようなインパクト。このイントロを聴いて胸を躍らせるなというのは不可能だ。『全く凄かったね。僕は早速レコード会社の連中に聴かせたんだ。歌詞はまだできてなくて、シンセサイザーのパートだけだったけど、みんなそれを聴いて狂っちゃったのさ』--------テッド・テンプルマン(プロデューサー)80年代シンセの音は、今聴くと「ダッセ～～w」と思う事が多い。だがこの曲は、典型的な80'sの音であるにも関わらず「ダッセ～」どころか全く古さを感じさせない。それどころか、このシンセの音でなければこのリフの魅力は引き出せないと思う(少なくとも半減はする)。そういう意味では、まさに80年代だからこそ生まれた名曲と言える。そしてデヴィッド・リー・ロスのワイルドでダイナミックなヴォーカル。ヴァン・ヘイレンの特徴であるカラッとしたポップ・センスは、アクの強い彼の歌声でこそ最大限に魅力を発揮する。シンセサイザーをメインとしている上にエディのギター・ソロも思いのほか短いので、ある意味最もヴァン・ヘイレンらしくない曲とも言えるが、彼らの本質はポップ・バンドだと思っているので、これが最大のヒット作になったのは皮肉ではなく、むしろ当然の帰結だと考える。この曲を収録したアルバム「1984」も最高2位を記録(その時の1位はマイケル・ジャクソンの『Thriller』だった)。アルバムからは他にも「Panama」「Hot For The Teacher」のヒットが生まれた。だが、本作を最後にデイヴィッド・リー・ロスが脱退(※)。バンドはヴォーカルにサミー・ヘイガーを迎えて、さらにヒット作を連発していく(サミー在籍時のアルバムは全て全米1位)が、音楽的なピークはやはりこのアルバムだろう。この曲のリフはこれからも多くの人を勇気づけるに違いない。80'sならではの曲でありながら永遠の生命力を感じさせる、不滅のハード・ポップである。それではここをクリックしてみんなでJump!う～ん、エディは何度見ても野村義男だ。※2007年2月、バンドはデヴィッド・リー・ロスを再び迎えて活動を再開するとの声明があった(ただし実現はしていない)。

  2007.06.12

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• Starship 「We Built This City(シスコはロックシティ)」

  成宮が宙をくるくる回るCMで、スターシップの「シスコはロックシティ」が使われとる。むほっ、懐かしいこれってワシがちょうど洋楽聴き始めた頃の曲やんか。ベストヒットUSAを思い出すのう。…って、あれからもう22年!?　げげーん。ワシも歳をとるワケだ。ごほごほ。スターシップ(宇宙船)の母体は、サンフランシスコ出身のロック・バンド、ジェファーソン・エアープレイン(飛行機)で、その活動は60年代にまで遡る。ヒッピー/フラワー・ムーヴメントの重要グループとしても知られる人達だったが、メンバー・チェンジに伴ってジェファーソン・スターシップと名前が変わり、オリジナル・メンバーがいなくなった'85年には、スターシップというシンプルなグループ名で再スタートを切る。この「We Built This City」は、新生スターシップの第一弾シングルであり、アルバム「Keep Deep In The Hoopla」(写真)のオープニングを飾るこのナンバーだ。作曲を手掛けたのは、オーストラリア人プロデューサーのピーター・ウルフ(J・Geils Bandの人とは別人)、デニス・ランバートにジェレミー・スミス、そしてマーティン・ペイジ。作詞には、エルトン・ジョンの相方としても有名なバーニー・トーピンが加わっている。コンパクトかつ計算された曲作りが光る明快なポップ・チューンで、いきなりサビのメロディを歌い上げるイントロからしてグイグイ引き込まれる。そのシンセの音色といい、ドラムの音処理といい、典型的な80's産業ポップロックだが、思わず一緒に歌ってしまうメロディと、力強くポジティヴな演奏は何度聴いても胸が高鳴る。ミッキー・トーマス(男性)のハイトーン・ヴォイスと、グレイス・スリック(女性)の円熟した歌声によるツイン・ヴォーカルもカッコいい。中間部分で挿入されるDJの声とシンセ・ストリングスの音色にも泣けるなあ。過去にこだわらない、良い意味での商業ポップス指向が功を奏してか、1985年に全米1位を記録。グループの全歴史を通じても初のNo.1ヒットとなった。反面、古くからのファンには「商業主義に身を売った」と言われたり、どこかの雑誌では「編集者が選ぶロック史に残るワースト･ソング」に選ばれたりもした。耳が腐ってる……というか、まあ、無印スターシップから入った世代にとってはポカーンなオハナシですね。同アルバムからは名バラード「セーラ」も全米1位を記録。それに伴うツアーでは初来日も果たした。「僕らがこの街を作ったんだ、ロックンロールで作ったんだ」と歌うこの曲は、その突き抜けるようなメロディと相俟って、どこまでも楽しい気持ちにさせてくれる、80年代屈指のロック・アンセムだ。「シスコはロックシティ」という邦題も素晴らしい。「We Built This City」の楽しいビデオ・クリップはここをクリック!80年代の空気がいっぱい詰まってるなあ(泣

  2007.04.06

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• The Police 「Don't Stand So Close To Me '86」

  一週間程前から「ポリスが再結成？」とかナントカで騒がれているようですが、結局今の所はハッキリしないみたいですね。スティングを中心として'77年に結成された、この3人組(当初は4人だった)。何といっても有名なのは、'83年のビルボード年間No.1シングルとなった「Every Breath You Take」(8週間全米1位)で、その曲を収録したアルバム「Synchronicity」を最後に彼らは活動停止してしまうのだが、その当時、僕はまだ洋楽を聴いていなかった(ちなみに「シンクロニシティ」という言葉を覚えたのも、後追いで聴いたこのアルバムがキッカケだった笑)。そんな僕にとって、かろうじて唯一の「リアルタイム・ポリス」となったのが、この曲である。「Don't Stand So Close To Me(高校教師)'86」と名付けられたこの曲が発表されたのは、読んで字の如く1986年。'81年の彼らのヒット曲のセルフ・カバーであり、同じ年にリリースされた、ポリス初のベスト盤「The Singles」の目玉として録音された企画シングルだった。オリジナル・ヴァージョン(全米10位・全英1位)が、どこかパンク的な焦燥感を持っていたのに対し、このリメイク・バージョンの方は「Every Breath You Take」を思わせる、ゆったりとした仕上がり。まるで「『Every Breath You Take』があれだけアタったんだから、こうするっきゃないでしょ」と言わんばかりのようでもあったが、レコード会社の意向もあったのだろうか？この曲は、当時のラジオやMTVなどでやたらと流れており、僕もシングルを購入するまでもなく、すっかり歌えるようになってしまっていた。話題になった割りにはさほどヒットしなかった(全米46位・全英24位)このヴァージョンだが、僕にとっての「高校教師」といったら、まぎれもなくこちらの方である。「ポリス再始動か？」という噂も当時は飛び交ったようだが、ゴドリー&クレイム監督によるそのPVは、そんな期待を抱くファンに対する引導であるようにも思えた。だが、結局正式な解散表明は出される事なく、三人はそれぞれの道を歩んでいった。ポリスのアルバムはどれも好き(個人的なベストは1st)だが、ただでさえ歯切れの悪いフェイド・アウトだったんだし、「いまさら中途半端な再結成はしてほしくないなァ…」というのが、リアルでポリスを体験できなかった僕の心境であったりする。つーコトで「Don't Stand So Close To Me '86」のPVはここをクリック！

  2007.01.13

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• The Cars 「You Might Think」

  80年代を代表するグループのひとつであるThe Carsは、リック・オケセイックの独特なマイナー・ポップ感覚と、ライトで無機質なキーボードを武器に、ヒット曲を次々と生み出した5人組で、スタイリッシュなヴィジュアル・センスや、リックとベンジャミン・オールという二人のボーカリストを擁した編成も売りだった。また、グレッグ・ホークスによるピコピコしたキーボード・サウンドは、後にウィーザー(リックがプロデュースを務めた)に受け継がれるなど、その影響はパワー・ポップにも及んでいたりする。カーズのアルバムはどれも良質だが、代表作として挙げられる事が多いのは、'84年の五作目「Heartbeat City」(写真)。AC/DCやデフ・レパードなどで知られるプロデューサー、ロバート・ジョン・ラングを迎えて制作されたこのアルバムは、全篇エネルギッシュかつキャッチーな内容となり、彼らにとって最大のヒットを記録する一枚となった。この「You Might Think」は、アルバムからの1stシングルで、全米7位を記録。まさに80'sな、軽～いキーボードの音色からして、何とも楽しい気分にさせてくれるこの曲は、リックの人を喰ったようなボーカルと、トボけたようでいて、とてもポップなメロディが小気味良い一曲。このキーボードの音色は、今聴くと脱力と紙一重とも言えるが、このチープさもカーズの魅力というもの。エリオット・イーストンのギターも、何気に曲を引き締めている。だが、その楽曲以上にインパクトがあったのは、この曲のPVで、そのシュールでコミカルな内容はとにかく見ていて楽しい。キング・コングのパロディはもとより、劇中で史上最低の映画として名高い「Robot Monster」(1953年)が使用されているのがソソる。無表情なリックがハエになって飛ぶのも、なんともシニカルだなあ。このPVは、第一回MTV大賞を受賞した作品として、忘れられない一本となった。おまけにリックは、PVに出てくる女優と後に結婚するなど、オイシイとこ持っていきすぎ。人生って不公平だなあだが、この後'87年にリリースした6th「Door To Door」が思うような成果を上げられなかったカーズは、翌年あっさり解散。リックはソロ活動やプロデュース業を行う一方で、2000年にはベンジャミンが逝去してしまった事により、カーズというグループは「80年代の思い出」として永遠に封印される事となった…かと思いきや、2006年には、エリオット・イーストンとグレック・ホークスが何とトッド・ラングレンを迎えて、リックもベンジャミンもいないカーズ(New Cars名義)を再編するという信じがたいマネをしてくれた。そのNew Carsも思った程悪くはなかったが、やはり僕にとってのカーズは、リックやベンジャミンの歌声と共に、80年代で止まったままだ。つーコトで「You Might Think」のPVはここをクリック！ベンジャミンの歌声が切ない「Drive」(全米3位)はこちら。※ポム・スフレのメイン・ホームページでは、カーズの傑作アルバム「Heartbeat City」について取り上げています！

  2007.01.12

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• Tears For Fears 「Sowing The Seeds Of Love」

  ちょっち遅いけど、みなさん、あけおめ&ことよろです！つーコトで、ポムブログ2007、サクッとスタートだ！今年の第一発目は、愛とサイケに満ちた、この曲でいってみよ－！1983年にデビューしたデュオ、Tears For Fears(以下TFF)は、1stアルバム「The Hurting」が、いきなり全英1位を記録。続く2ndアルバム「Songs From The Big Chair」(1985年)は、さらに世界的な大ヒットとなり、ローランド・オーザバルとカート・スミスの二人は、一気にスターダムにのしあがった。アルバムからは、「Shout」、「Everybody Wants To Rule The World」が全米No.1を記録。日本でもCMで使われたその2曲は、当時洋楽を聴き始めたばかりの僕も大好きで、カセット・テープに録って、よく聴いたものだ。さらなる飛躍が期待されたこのデュオだが、その後の彼らは4年間の沈黙に入る。「出せばヒットが約束されている」という、超大物アーティストならともかく、移り変わりの激しいポップ・ミュージックの世界において、まだアルバムを二枚しか出していない若手の、4年間というブランクはかなり長く感じられた。その間、これといった活動も情報もなかったTFFに対して、当時の洋楽ファンも「そんなんで大丈夫なの？」という反応だったように思う。そんな事もあって、この「Sowing The Seeds Of Love」が発表された時には、僕も「やっと出たかあ～」という印象を、まず持った記憶がある。アルバム「Seeds Of Love」からの1stシングルであるこの曲は、1989年に全米2位・全英5位のヒットを記録。「皆が期待していたTFF」とはちょっと違う曲調とサウンドに、最初は「アレ？」となったものの、堂々たる風格と完成度を持ったその仕上がりには、「待たされた甲斐があったなあ」と一人で納得したものだ。ポジティヴなメロディと中期ビートルズを彷彿させるサウンドは、それまでの彼らにはなかったものだが、とびっきりのキャッチーさと練りに練られたプロダクションは、グウの音を言わせぬインパクトがあった。特にサビにおける開放感は、今聴いても感動的だ。ローランドの力強いヴォーカルと、カートの透明感ある歌声、という対比も実にいい。五分半という長さを全く感じさせない、完璧な一曲だ。サウンドがビートルズっぽい、というのは当時から散々言われた事だが、ビートルズへの憧憬をダイレクトに表しながらも、あくまでTFFならではのポップ・ソングに仕上がってる所に、彼らの非凡さを感じさせる。アルバム自体も佳曲揃いで、磨き抜かれたサウンドと構成は、素晴らしいの一言。特大ヒットとなった2nd程のような派手さには欠けるものの、本作も負けず劣らずの大傑作だ。しかし、こんな名盤が中古屋で300円で売られている、という日本の状況はあまりにもお寒い。TFFはこの後、すぐに空中分解してしまい、1993年には、ローランドによる「ひとりTFF」のアルバム「Elemental」が発表されたりもしたが、2004年には二人による再結成アルバム(未聴)が発表されている。つーコトで、「Sowing The Seeds Of Love」のPVはここをクリック！2007年はみんなで愛の種を蒔こうぜ！

  2007.01.06

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• Phil Coliins 「Take Me Home」

  つーコトで、今年最後のポム・ブログである。最近では、こんな自己満ブログでも読んでくれる人が増えてきたようで、思わぬ所からコメントを頂けたりして嬉しい。ヤメようと思った事も何度かあるが、やはり続けて良かったなあ、と思う。チリも積もればマウンテン。継続は力なり。そして、11月の下旬あたりには「年内50000ヒット」なる目標を定めて、毎日更新というものに挑戦してみたが、はっきり言ってこれはキツかった。かなりキツかった。書いててウンザリする事もたびたびあったが、このブログ自体、いつまで続けられるか分からないのに、まだまだ書きたいものが山程あるので、「書けるウチに書いとこう」という気持ちも含めて頑張った。やってみて改めて思ったが。。。毎日更新できる人ってスゲーな(キッパリ)。中には一日に2つも記事を書く人もいるようだが、そういう人にはアシスタントでもいるのだろうか?、と。まあとりあえず、こういう芸当は、文章力もバイタリティもない、ワシみたいな人間には無理だという事かねよって来年からはペース・ダウンする事になるだろうが、もうちょっと続けていきたいと思っているので、物好きな方はお付き合いいただけると嬉しい。今年はYou Tubeという強力な味方(?)を得た事もあって、ブログの内容もややパワー・アップしたかも、と思う反面、「来年はもっとマニアックなものもドンドン紹介していく」という去年の宣言とはウラハラに、そうしたモノはほとんど書けない結果になったのが、心残りでもある。いっその事、来年は誰も知らないようなモノばかりを取り上げて、孤立無援のブログにしてみようか。変態のワシにはピッタリじゃつー事で、ポム・ブログは冬休みに入ります。ポム・スフレを応援してくれる(←妄想)皆さん、今年もお世話になりましたそして来年もよろしくです。今年最後の曲は、フィル・コリンズの「Take Me Home」。メガ・ヒットを記録した'85年の傑作アルバム「No Jacket Required」(写真)のラストを飾るこの曲は、同年全米7位・全英19位のヒットを記録。叙情的で伸びやかなメロディと、親しみやすくも雄大なサウンドが、グッとくるポップ・ナンバーだ。当時は、フィルのソロに引っ張られるかのように、ジェネシス自体もどんどんポップ化していたのだが、この曲にしても、同時期のジェネシスのサウンドとほとんど大差ない仕上がりになっているのはご愛嬌。しかもコーラスにはピーター・ガブリエル(とスティング)が参加している、というオマケつき。世界各国で撮影された映像が次々と出てくるPVも実に楽しい。では今年最後の、ここをクリック！この曲を聴きながら、お別れしましょう。それでは皆さん、よいお年を！※ポム・スフレのメインHPでは、フィル・コリンズの「No Jacket Required」について、取り上げています。

  2006.12.30

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