[クラシック音楽]の記事一覧 | 投資の余白に。。。

[クラシック音楽] カテゴリの記事

全302件 (302件中 101-150件目)

< 1 2 3 4 5 6 7 >

こんなコンサートに行った〜東京混声合唱団第229回定期演奏会

東京混声合唱団、略して東混の夏の北海道公演がすばらしかったので東京まで定期演奏会を聴きにきた。伊藤翔という若い指揮者のコンダクター・イン・レジデンス就任記念。プログラムはすべて未知の曲。しかも委嘱新作の初演もあるという。札響は日本の若い指揮者を定期演奏会にあまり登用しない。だから若手指揮者を知るにはこういう機会をとらえるしかない。その伊藤翔という指揮者は1982年生まれだから30歳になったばかり。2011年のヴィトルド・ルトスワフスキ国際指揮者コンクールで2位になった人。東京シティ・フィルや神奈川フィルと関係の深い人らしい。閃きのようなものは感じなかったが、手堅く端正でバランスのよい音楽を作る。謙虚だが思い切りのよい一面もある。期待してよい指揮者だと思う。プログラムはすべて無伴奏。前半はイギリス近代。イギリスの合唱音楽には魅力的な作品が多い。アイルランドやスコットランドの美しい民謡の数々を思えば当然だが、日本ではほとんど演奏されない。一曲目のスタンフォード「青い鳥」は美しいメロディラインといかにもイギリス的なハーモニーが魅力的な佳作。「8つのパートソング」の第3曲とのことだが、他の7曲もぜひきいてみたいと思わせた。いずれも１０分程度のブリテン「5つの花」、ヴォーン・ウィリアムズの「シェイクスピアの詩による3つの歌」は、小品ながら大作曲家の独創性が感じられる曲。特にブリテン作品のユーモアと構成力には舌を巻く。芸術作品として格が一段上という印象。後半は委嘱作品の初演を含む池辺晋一郎の合唱曲4曲。30年以上前にやはりこの東京文化会館小ホールで東混の定期をきいたときも、プログラムに池辺晋一郎の作品があった。よほどこの団体と関係の深い作曲家なのだろう。この日演奏された4作のうち3作が東混の委嘱作。プロ合唱団としての経営には並大抵ではない困難がともなうと思うが、その中にあっての新しい音楽の創造への貢献は高く評価されるべきだ。1970年の相聞１と２は、かなり実験的な書法で書かれているようでいて、いまとなっては柔らかな叙情性さえ感じさせる。2005年の相聞３、小池昌代の詩による新作「窓の声、光の声」はもちろん円熟味と叙情性が格段と深まっているが、実験的な書法の初期作でも、この作曲家が本質的に抒情とドラマの人であることがわかる。後半では作曲者自らが自作について語ったが、得意のギャグは健在。現在は8番と9番の交響曲を同時に作曲しているそうだが、ハチクの勢いで作曲しなければいけない、というギャグは爆笑を誘った。しかし彼の作品は多面的ではあるもののごった煮に感じられることが多く、深い体験として残らない。多様式主義というより折衷的に感じてしまう。１９７０年代のホープだった水野修孝、三枝成彰、そしてこの池辺晋一郎といったひとたちに共通するのは職人技であり、それ以上でも以下でもない。アカデミズムの補完物で終わりかねないというか終わりつつあるのは彼らの才能に照らすとき惜しい。12月14日、東京文化会館小ホール。

December 14, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ベルリン古楽アカデミー

ベルリン古楽アカデミーの演奏会からの帰り道に強く思ったのは、もうコンサートに行くのはやめようということだ。それは、彼らの演奏がダメだったからではない。反対に、あまりにすばらしかったからだ。彼らの生命力のある演奏に比べられる演奏はほとんどない。ほとんどないのだから、この日得られた感動や音楽的感興を、もうくだらないコンサートで汚されたくないと思ってしまったのだ。札幌コンサートホール（キタラ）の館長は、大学でピアノを専攻したチェンバロ奏者であり、古楽に造詣がふかい。そのせいか、このホールの主催事業には、公的ホールには珍しく古楽関係の催しが組み込まれている。カルミニョーラとヴェニス・バロック、ゴルツとフライブルグ・バロック、オランダ・バッハ・アカデミー・・・かなり以前にはブリュッヘンと１８世紀オーケストラが来たこともあるが、いずれも衝撃的な演奏会だった。旧東ベルリンで３０年前に結成されたというベルリン古楽アカデミーは、公的援助をまったく受けずに寄付と公演収入だけで活動しているという。彼らの生き生きとした音楽の１％くらいはそのことが関係しているかもしれないが、決して大ホール向きではない彼らのような団体が命脈を保つことができる、その文化的な懐のふかさはヨーロッパならではだ。前半はテレマンの組曲「ミュゼット」でスタート。会場はガラガラだったので前から二番目の中央で聴いたが、それでも始まってしばらくはオリジナル楽器の「小さな音」に耳が慣れなかった。５分くらいたって、やっと聴覚が自発的に動くようになった。これは、ふだんから、いかにがさつな大きな音にさらされていて、受け身の聴取行為があたりまえになっていることを表している。オリジナル楽器アンサンブルの響きに比べると、ロックバンドはともかく、オーケストラでさえも、ニュアンスのない騒音発生器のようなものに感じられてくる。そうして「耳を澄まして」きくこのオーケストラが奏でるバロック音楽の、なんとリズミカルなこと。リズムとは音量の加減で作り出すものだということがわかる。それでも、前から二番目さえ、リュートの音は聞こえてもチェンバロの音は聞こえない。それほどまでにチェンバロの音はかそけくも小さい。こうした音楽では、チェンバロの役目はロックバンドにおけるドラムのようなものなのだろう。前半２曲目にバッハのヴァイオリン協奏曲第１番、後半の最後に二つのヴァイオリンのための協奏曲が演奏されたが、やはりこの２作の音楽の豊かさはテレマンやヴィヴァルディを圧倒している。演奏も、あちこちに独自の装飾音を入れたりと遊び心は隠さないが、やはりシリアスさで引き込んでいく。バッハのこれらの作品をきいたのはかれこれ３５年ぶりだろうか。故江藤俊哉夫妻の、様式感のない甘ったるい演奏がずっと耳の奥に残っていた。清冽この上ないこの日の演奏をきいて、過去の忌まわしい演奏の記憶を払拭できた。前半の最後に置かれたヴィヴァルディの協奏曲第１１番ＲＶ５６５、後半の２曲目に置かれたテレマンの「４つのヴァイオリンのための協奏曲」はおもしろいききものだった。どちらも、教会での演奏を考慮しているのだろうか、エコーの効果が上手に使われている。特に後者はヴァイオリン４本だけの編成で音が４人の間を自在に行き交うさまは現代の実験音楽のよう。これが２０００人収容のホールでなく、２００人くらいのホールだったらどんなにおもしろかったことかと思う。唯一不満だったのは後半の最初に演奏されたバッハのチェンバロ協奏曲第５番。チェンバロが（前から２列目でさえ）よく聞こえず、聞こえたと思ったらミスタッチだった、という感じ。この曲だけはテンポもやや弛緩気味（遅いという意味ではない）だったのは、チェンバロ奏者が演奏に必死で周囲とのコンタクトが不足していたせいのように思う。アンコールは２曲。アントニオ・ガルダーラのシンフォニー第１２番の第３楽章と第４楽章、ヴィヴァルディのハ長調のコンチェルトから第３楽章。１２月１０日キタラ大ホール。同内容のコンサートは１２日に東京のトッパンホールでも。

December 10, 2012

コメント(1)
こんなコンサートに行った～札響の第九　二日目

日曜マチネは土曜マチネよりも観客は少なめ。演奏は常に二日目の方がいいものだし、一日目をきいていいと思ったら二日目にも行きたいと思うのが人情。東京のように複数の催しがだぶるということは札幌のばあいほとんどないのだから、二日目の方が入りが少ないというのは不思議。やはりこの日も中高生はまったくといっていいほど見かけない。空席があっていろいろ選択肢があったので、一階席最後列できいてみた。経験則では、この席は声楽が最も美しくきこえる。はずだったのだが、１４型のオーケストラと大人数の合唱のため、音が歪んでひどかった。これが自分のオーディオなら故障をうたがうくらいのレヴェル。天井桟敷できくべきだったと後悔した。やはりこの曲のばあい、キタラホールならオーケストラは１２型、合唱はオーケストラと同人数くらいで演奏されるべきではないだろうか。１万人とか２万人でこの曲を歌うといったプロジェクトもあるらしいが、それならオーケストラもそれくらいに、１００型とか２００型に増強すべきだろう。エリシュカのベートーヴェンの長所について考えてみた。まずあげられるのはテンポの適切さ。インテンポのようでいて、インテンポだと走っているようにきこえてしまう部分、逆に遅くなってしまうようにきこえる部分で、微妙にテンポを動かす。いちばんはっきりしていたのは第４楽章の行進曲ふうの部分の終わりから弦楽合奏を中心としたフーガに入る部分。いったんテンポを落としたあと早めることでこの部分の重要性を浮き立たせていたのには、こういうやり方もあるのかと舌を巻いた。合唱が「合唱のテーマ」をはじめて最初から歌う部分の直前１小節の力感をともなったリタルダンドにはしびれた。バーンスタインでさえあっさりやっているあの部分である。若い指揮者などがやるといかにも受けねらいときこえかねないが、まるで虚空から突然音楽が現れたかのような強烈な印象をのこした。この１小節のためだけにでもくる価値があった。歪んでしまってよくきこえなかったが、合唱は健闘していた。特に男声陣の熱演が目立った。声が割れる寸前、絶叫の一歩手前まで声を出していた人が多かったように思う。スケールが大きいというより密度の濃い響きになっていたのはそのせいだろうが、こうした合唱もまた東京の「第九」では決してきくことのできないものである。

December 9, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～札響の第九　一日目

「東京のオーケストラ聞き比べ」を年末の第九でやってはどうかと思ったことがある。実際、３年前には読響の第九をきいてみた。感想は「ダメ。まったく意味がない」というものだった。何せ東京のオーケストラは年末には連日のように第九をやる。飽き飽きしているのだろう。ルーティンな演奏しかしない。１９８０年ごろ、小澤征爾指揮新日本フィルの年末の第九もきいたことがあるが似たようなものだった。それでしばらく「第九」は敬遠していた。１９８８年１２月にサヴァリッシュ指揮バイエルン国立管弦楽団来日公演できいた第九は、サヴァリッシュはともかく、ソプラノのアンナ・トモア・シントウからバスのベルント・ヴァイクルまでの独唱陣、さらにはバイエルン国立歌劇場合唱団が見事で、「もうこれ以下のソリストや合唱ではききたくない」という出来だったから、「もう第九をきくのはやめよう」と思っていた。その方針を曲げたのは、札響首席客演指揮者のラドミェル・エリシュカが指揮するというから。年末に第九を演奏する習慣は、別によくも悪くもない。ただ定期的にこの曲が演奏される意義というのはある。それは、音楽に親しみはじめたばかりの中学生や高校生にとって、この曲が、たとえルーティンな演奏であったとしてもかけがえのない体験になるからだ。１０代のころにこの曲をきいて音楽を志すようになった人間は有名な音楽家の中にも少なくない。しかしどうだろう。土曜マチネは満席に近い入りというのに中高生の姿はまったくなく、比較的年配の人ばかり。平均年齢は６０歳を超えているのではないだろうか。エリシュカの指揮を見るために最前列中央。合唱や独唱はほとんどきこえず、オーケストラ、特に弦楽器の音がダイレクトにきこえる。そうした席できいて思ったのは、ベートーヴェンがこの曲の内声部にこめたパッションの激しさ。ビオラや第２バイオリンに、「こんな音型があったのか」と思うような破天荒なフレーズがあって驚いた。やはり漫然ときくのではなく、スコアを子細に読み込んでからコンサートに足を運ぶべきと思った。ウィーンではそういう音楽ファンを何人も見た。もう一つ気がついたのは、札響は東京のオーケストラとちがってルーティンでこの曲を演奏していないということ。年末でも２回しか演奏しないというせいもあるだろうが、音を大事にしているとでもいうしかない演奏態度が感じられる。札響の楽員が持っている「音と音楽に対する畏怖の念」を高く評価したのは４０年前の武田明倫であり武満徹だったが、メンバーがすべて入れ替わった現在でも札響のそうした美点が残っている。エリシュカのベートーヴェンはひたすら正攻法。速めのテンポだが決して走ることはなく、引き締まった造型の辛口の音楽。かつてリハーサルまで見学してきいたやはりチェコの指揮者、ズデニェク・コシュラーの演奏を思い出したが、オーケストラは当時よりはるかに骨太な響きがしている。こうした点では満足したが、「第九」に１０代の姿がないということはクラシック音楽には未来がないということだ。戦後教養主義の世代が死に絶える３０年後には日本からクラシック音楽は消滅するにちがいない。

December 8, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～トリオ・リゾナーレ　室内楽の夕べ　

「トリオ・リゾナーレ」はフルートの佐藤ゆきえ、オーボエの中山あや、ピアノの西藤亜美の３人が今年２月に結成したアンサンブルとのこと。大谷大学音楽科の同窓生という点が共通している。３人とも安定したテクニックを持っている。３人の中ではやや年長に見えるフルートの佐藤ゆきえがリーダーのようだが、ピアノのテンポ感がしっかりしているのでその上を管楽器が華麗に舞う曲（後半のジュナン「協奏的大二重奏曲」やゴーベール「タランテラ」）などはエンタテイメントとしても楽しめた。前半はクヴァンツの三重奏曲とシューマンの幻想小曲集（オーボエ・ソロ）、クーラウの三重奏曲というバロックとロマン派の作品が並べられたが、ここはバロック音楽でまとめてほしかった。ピアノという楽器は伴奏楽器としては最低で、音色がどんな楽器とも合わないからだ。チェンバロを使えないのなら、オーボエ・ソロやフルート・ソロの曲を持ってくるとか、無伴奏のデュオを並べることもできた。そうすれば記憶に残るコンサートになったと思うが、こうして書いておかなければ半年後にはこのコンサートに来たことは忘れている。記憶といえば、唯一記憶に残るほど印象的だったのがメシアンの「クロウタドリ」。フルートとピアノのためのこの曲の演奏は「間」の感覚の生きた優れたもの。最後のアーノルド「ブルジョア組曲」がすっかりかすんでしまうほどの印象。初めてのコンサートということで変化に富み盛り沢山だったが、むしろ特定の音楽に集中した方が記憶に残る。もしメシアンの曲がなかったら、ちょっと高尚なサロン音楽をつかの間楽しんだというだけで、翌日には忘れてしまったかもしれない。フルートの佐藤ゆきえという人は何年か前にリサイタルを聴いたことがあるが、しばらく見ないうちに成熟した音楽をやるようになった気がする。機会があればまた聴いてみようと思う。（ザ・ルーテルホール）

December 1, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～宮崎陽江ヴァイオリンの夕べ

宮崎陽江（ようえ）はジュネーブを拠点に主にヨーロッパで活躍している人らしい。長身で色白、そして黒くて長い髪が印象的で、舞台映えがするだけでなく存在感がある。なぜこのコンサートに行くことにしたかというと、ダリウス・ミヨーのヴァイオリン・ソナタが２曲演奏されるから。コンサートは、知らない曲、知らない演奏家、知っているが実演を聴いたことのない曲、知っているが実演を聴いたことのない演奏家の順に選んで行くことにしたので、そうすると札幌ではめったに行くべきコンサートがない。その点、このコンサートはピアノの菅野潤という人も未知。知らない演奏家二人と知らない曲という理想的な組み合わせだったので選んだ。その結果はというと、みのもんたふうに言うと「正解！」４００以上あるミヨーの作品のうち、聴いたことがあるのは１割にも満たないが、初期の作品と思われる２曲のヴァイオリン・ソナタはその存在すら知らなかった。１番は特に力作であり、フランク作品の影響などが感じられるものの、完全にミヨー自身の語法に消化されている。パリ的な洗練よりも南フランス的な素朴さが魅力で、交流のあったアンドレ・ジイドに献呈されたというさらにミヨーの個性が開花しつつあることを感じさせる２番と同様、傑作と言っていいのではないかと思う。こんなところで日本の音楽界のドイツ・オーストリア音楽びいき、「枢軸国」びいきを思い起こすことになるとは思わなかった。ピアノの菅野潤も「発見」だった。ロビーでメシアンの「幼子イエスに注ぐ２０のまなざし」のライヴＣＤが売られているのを見て、すごいピアニストかもと思っていたらその通りだった。１９５６年生まれでフランスで学び、メシアン夫人のイヴォンヌ・ロリオに師事した人らしいが、紳士の音楽とでもいうのか、実に端正で温かい音楽を作る。思い起こしてみれば、札幌でも東京でも大阪でもこういう音楽をやるピアニストを聴いたことはない。パリには何の興味もなかったが、彼のピアノを聴いて、しばらくパリに住んでみたいと思ったほどだが、彼のＣＤは全部集めることにした。肝心の宮崎陽江は、ミヨー作品のほかは生彩がなかった。超一流と呼ぶにはあと一歩、テクニックの完成度が足りない。後半のパガニーニの無伴奏曲やヴィエニャフスキの「華麗なるポロネーズ」のようなコンサート・ショウ・ピースは、悪くはないにしても超絶技巧「だけが」とりえの数多くのヴァイオリニストが演奏しているだけに分が悪い。ミヨーの２曲のヴァイオリン・ソナタの実演を次に日本で聴けるのは３０年後か、５０年後か（１１月２２日、札幌キタラ小ホール。１９日には同内容で東京・浜離宮朝日ホールでも）

November 22, 2012

コメント(1)
こんなコンサートに行った～ミハウ・カルロ・シマノフスキ　ピアノリサイタル

指揮者の及川光悦という人が代表をつとめる日本音楽文化協会というのがあり、年に一度全国でコンサートを開いている。北海道では４カ所で開かれた、そのうちの札幌公演（札幌市教育文化会館大ホール）。実はこのコンサートの直前に、ピアニストをはじめとする地元の若手演奏家の演奏を集中して聴く機会があった。以前は首をかしげるような人もいたが、みなさすがに技術的には立派で甲乙つけがたい出来で進歩を感じた。しかしその一方で、何かが足りない、あるいは何かが過剰だという思いももった。それが、このポーランドの２４歳のピアニストの演奏をきいてわかった。日本の若手演奏家の演奏は、おしなべて幼稚なのだ。大きな音、速いテンポ、ダイナミックな曲はダイナミックに、繊細な曲は繊細に、メロディー部分は浮き出させるようにする・・・曲に真摯に取り組んでいるように見える反面、聴き手に何をつたえたいのか判然としない。ベートーヴェンの「ピアノ・ソナタ３２番」とブラームスの「３つの間奏曲」を並べた前半から、力みやてらいのない音楽にほっとさせられる。日本にいるとアメリカ的な消費文化にさらされて感性が干からびるが、そういう毒に侵されていない健全さがこのピアニストからは感じられる。テクニックの安定もさることながら、親しい人に語りかけるような演奏に日本の若手演奏家との落差というよりは断絶を痛感させられた。後半はスクリァビンとシマノフスキの作品を２曲ずつ。これらも通常のコンサートではほとんど演奏されないし、音楽ファンのほとんどのいないこうした「交流事業コンサート」では珍しい。ショパンやラフマニノフではなく、こうした曲を選ぶところにも、ショービジネス化したこんにちの音楽界とは無縁の立場をとるこのピアニストの美点が出ている。東欧や南欧からはときどきこうした演奏家が出てくるが、それは音楽的伝統というより、抑圧された少数民族であったり、侵略された側であったりといった民族の歴史的記憶がＤＮＡとなっているからだろう。わたしの両隣の客は演奏中に携帯をいじっているなど、最悪の聴衆だった。ステージの上のおとなの音楽と幼稚な聴衆。幼稚な聴衆しかいない国からは幼稚な演奏家しか生まれないだろう。日本の音楽大学に行かず外国に出る人が多いのは道理だが、かえって団塊世代くらいまでの日本の演奏家には優れている人が多いのは才能だけでなく、世代的に歴史意識を持っているからだろう。日本が朝鮮の王妃を殺したことも知らないような音楽家は美しい、しかし幼稚な演奏しかできないのだ。

November 19, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～武満徹の全合唱曲

８月には、５月のラ・フォル・ジョルネで「発見」した指揮者の山田和樹を３度聴くつもりだった。東京混声合唱団「八月のまつり」での林光「原爆小景」、サイトウキネンフェスティバルでのオネゲル「火刑台上のジャンヌ・ダルク」、そしてサントリー芸術財団サマーフェスティバルでのクセナキス「オレステイア」である。しかし鼓膜を破るケガをしたので諦めるほかなかった。ベルリン在住の彼は、大野和士のように「来日」演奏家になってしまうかもしれない。ブレイクはしたが、知る人ぞ知る存在であり、ソールドアウトを連発するまでにはなってないいまがチャンス。そうかんがえたので、武満徹の全合唱＝重唱作品が演奏されるこの記念碑的演奏会を聞き逃すわけにはいかなかった。もちろん最大のめあては、混声合唱のための「うた」全１２曲。何種類かのＣＤもあり実演でも聴いたことがあるが、いつも不満があった。音程に不満があったり、こぢんまりしすぎていたり、歌詞がよく聞き取れなかったり。しかしこの日の演奏はもうこれ以上の名演は必要がないというくらいすばらしいものだった。同じ曲でも指揮者によってこんなにちがうのかという経験をすることは多いが、山田和樹が指揮をするとどんな短い曲でも音楽が充ち満ちてくる。こんな指揮者は世界的に見ても少ない。ヨーロッパ中を飛び回っている「スター指揮者」のだれが「ヤマカズ」と比べられるだろうか。クシシュトフ・ウルバンスキほか数人しか思い浮かばないし、大野和士をしのぐ才能と巨匠性を感じる。混声合唱のための「うた」は、最前列で聴いてみた。感じたのは「ヤマカズ」が、一曲ずつバラバラに覚えているのではなく、全曲を覚えてその一部として各曲を指揮しているということ。だから様式感が統一されているし、しみじみとした感傷が芸術的な美の水準に高められている。１１番目に「死んだ男ののこしたものは」を置き、最後に「さくら」を演奏したのも、こうした統一感を保つ上で最善の配列だったと思う。「さくら」だけが異質だからであり、他の指揮者はヤマカズのこのやり方を学ぶべきだろう。最前列で、つまり言葉がもっともよくききとれる場所できいたがゆえに感じたことは、この作品の「昭和のテイスト」、あえていえば「戦後の昭和」的テイストだった。戦争が終わり、貧しくても希望のあったあの時代の「明るさ」が、この歌集からは感じられる。それはまた作曲者の青春そのものでもあったのだろう。音楽には国境がないといわれるが、それはウソだ。たとえばこの曲を外国の指揮者と合唱団が演奏するのは不可能だ。たとえ演奏したとしてもどこかウソっぽさがつきまとうだろう。さらにいえば、５０年後の日本人にはもう「戦後の昭和」テイストなど無縁になっているだろうから、音楽は世代をすら超えることができない。「小さな空」の風物は街灯がほとんどなかった時代のものだし、「小さな部屋で」は家電以前の世界を描く。「死んだ男ののこしたものは」は直接にはベトナム反戦運動のために作られたが、非戦闘員をさえみな殺しにした日本帝国主義のアジア侵略から第二次世界大戦、朝鮮戦争をへてベトナム戦争にいたる「昭和の戦争」の残虐さが明滅している。こうした世界は無人戦闘機がターゲットを捕捉する近未来の戦争になれてしまえば想像すらできなくなり、音楽からリアリティを感じることはなくなるだろう。それでいいのであり、それが音楽というものだ。時代と民族を超えたニュートラルな芸術的価値などもともと存在しないのである。アンコールはこの「死んだ男ののこしたものは」を林光が編曲したピアノ伴奏版を山田和樹がピアノを担当。このサプライズなプレゼントに会場は熱狂、人生に二度あるとは思えない至福の一時間の最後に「小さな空」がもう一度演奏された。前半は演奏順に「風の馬」、男声合唱のための「芝生」、男声六重唱のための「手作り諺」と沼尻竜典編曲の「ＭＩ・ＹＯ・ＴＡ」。これらはハーモニーを味わうために２階後列できいたが、武満徹の無調で書かれた合唱作品は、オーケストラ作品のような完成度には届かなかったという印象。（１１月１７日、第一生命ホール。１８日には名古屋のしらかわホールでも同内容で）。

November 17, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～東京フィル第８２４回サントリー定期

１０月には読響と日本フィルをきいた。東響と新日本フィルと東京シティフィルは２００９年、東京都響は２０１０年にきいた。首都圏には１２のプロオーケストラがあり毎日のように公演を持っているが今回は東フィルをきくことにした。札響の首席オーボエ奏者が国際コンクールで２位入賞したことをみてもわかるように、最近の若手の台頭は著しいものがある。オーケストラの黎明期に入団したような世代はどんどんリタイアし世代交代がすすんでいる。２０年前にきいて「ひどい」と思ったオーケストラでも、生まれ変わったようになっているケースもあるだろう。そう思って日本のオーケストラを一通りきいてみようという個人プロジェクトも首都圏のオーケストラに限っていえば７つ目と、峠を越えた。東京フィルはオペラやバレエの仕事が多いせいか、昔から馬力はないが器用できれいな音のするオーケストラだった。その伝統はよくも悪くも保たれているように感じたが、以前とは比較にならないほど自発的な演奏を繰り広げているのには好感を持った。正直に言って東フィル自体にさほど興味はない。それでも行ったのは、指揮者の三ツ橋敬子を一度きいておきたかったからだ。ストラヴィンスキー「火の鳥」組曲、ブロッホのヘブライ狂詩曲「シェロモ」（ソロはガブリエル・リプキン）、ムソルグスキー（ラヴェル編曲）の「展覧会の絵」というプログラム。「火の鳥」はファサードできいたが、一見して優れた指揮者であることがわかった。小柄で華奢ながら、オーケストラから豪快な音を引き出していくさまは見ていて気持ちがいい。「魔王カスチェイの凶悪な踊り」や終結部分など胸のすく快演。細部もきちんと手の内に入っていてどういう音楽を求めているかがわかる。オーケストラも演奏しやすいのではないかと思う。ガブリエル・リプキンのチェロは雄弁そのもの。しかし三ツ橋も負けてはいない。「シェロモ」の後半でのではその雄弁なチェロに負けない熱いクレッシェンドをきかせた。「展覧会」は２０年前にきいた東フィルと同じオーケストラとは思えないほど豪壮な響き。あのときは大野和士の指揮で同じ「展覧会」をきいた。オーケストラは非力ではあったが、音楽はあのときの大野の方が造型の厳しさとラストの高揚で優っていた。この日の演奏は細部によく血が通っているし、オーケストラの制御も見事だし、終結に向けての盛り上がりなども万全なのだが、彼女の音楽には何かが足りない。それは、いまここでなにかとてつもないこと、ただならないことが起きている、というような時間の創出には至っていない点だ。これは指揮者のせいなのか、東京のオーケストラに共通した特徴である上品なクールさのせいなのかはわからない。わからないが、皿数は多いが満腹にならない懐石料理を食べたときのような印象は今回も残った。

November 16, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～読売日本交響楽団名曲シリーズ

最近は外国の指揮者を音楽監督や常任指揮者に招くケースが増えている。その中でも最もめざましい活躍をしているように見えるのがシルヴァン・カンブルラン。読響の常任になってから話題作、大作の公演を連発している。現代曲を得意にしている人だけに、またフランス人でもあることだし、ラヴェルの「マ・メール・ロワ」と「ダフニスとクロエ」は聞き逃せない。こうしたプログラムは地方巡業では絶対にありえないだけに注目した。サントリーホールで日本フィルをきいたばかりの耳には、格段と美しい響きにきこえる。東京芸術劇場がいいのか、読響のサウンドがきれいなのか、たぶん両方だろうが、オーケストラとしての洗練の度合いがまったくちがう。しかし音楽的感動はまた別の話だ。読響のサウンドはきれいで、ミスも少なく、大音響の部分でも濁らないのだが、どこか冷血動物のように感じる。人間味のない音というのか、無機的ではないのだが、ふくらみとか温かみがない。管楽器のソロのパッセージもファゴットなど一部をのぞいて個々の奏者のパーソナリティを感じることがない。結局、いちばん印象に残ったのは「ダフニス～」で合唱を担当した新国立劇場合唱団。合唱指揮の三澤洋史という人の名は初めて見たが、きわめて優れた指揮者のように思う。カンブルランは流れのよい音楽を作っていた。随所できかせた光彩陸離とした色彩感はフランス人ならではだろうと思う。しかしもう少し個々の音楽のキャラクターを誇張した方が（多少流れは犠牲になっても）長大なこの曲を面白く聴けるし、バレエ音楽とは本来そういうものではないだろうか。Ｎ響や読響が常任指揮者や名指揮者と繰り広げる定期演奏会の演奏は、日本のオーケストラ芸術の最高峰を表すものだろう。音が大きいだけで汚かった時代は過去のものになったようだ。録音できけば、世界の一流とさほど差は感じないはずだ。しかし、東京のオーケストラの多くには「自分の番が来たのでつつがなく演奏しました」といった守りの姿勢を感じる。指揮者のいうことをおとなしくきくだけでスタープレーヤーとして輝こうという気迫や意気を感じることがない。楽譜通りミスなく演奏して音楽になるかというと決してそんなことはないのに、年末の第九に端的な消化試合のように感じられてしまう部分がある。人間の熱が感じられない演奏や音楽は決して人を動かすことはない。とうぶん東京のオーケストラをきかなくてもいいかなとかすかに思いながら横須賀に向かった。１０月２０日、東京芸術劇場。

October 20, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～日本フィル第６４４回東京定期

首席指揮者アレクサンドル・ラザレフが取り組んだ「プロコフィエフ交響曲全曲演奏プロジェクト」は興味深い企画だった。プロコフィエフの交響曲といえば１番と５番の演奏頻度が圧倒的に高く、ほかの５曲はまず聴く機会がないからだ。特に４番や６番は５番と演奏時間も同じくらいの大曲であり編成も大きい。全部ききたかったがそうもいかない。第６回の「最終章」で第６番だけをきくことができた。前半はチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲でソリストは川久保賜紀。このヴァイオリニストは、もちろんうまいが音楽が硬く、もう一度ききたい演奏家ではない。こういう曲には「狂気」をききたい。端正な演奏も否定はしない。しかし彼女の演奏は官能性にも歌謡性にも不足して音楽にのびがない。オーケストラも凡ミスが散見されて興をそいだ。しかしプロコフィエフは圧巻。エキストラを大量動員（たぶん）したためか音が粗く、響きも濁ったりした部分があったが、ラザレフの豪快な音楽作りとそれに応える日フィルの奮闘はすさまじかった。ロマンティックな部分の高揚などにはこの曲の真価をこ教えられた思い。このシリーズの最高の出来だったのではと思う。このラザレフのような指揮者こそ日本のオーケストラが最も必要としている。オーケストラ・ビルダーとしてはどうかとは思うが、型にはまらず豪壮で雄大なスケールの音楽を作る。一方で細部にもきちんと血が通っている。やりすぎるとエンターテイメントになってしまう危険はあるが、この曲のこの部分でこういうことをつたえたいという気持ちはよく伝わるし、聴衆はそれを聴きたいのだ。ミスのない優等生なだけの演奏には音楽が不在であるケースが多いが、この演奏には音楽が満ちていた。日本フィルは経営難に陥っているということだが、ラザレフのような指揮者と独自の世界を作っていくなら１０年後には日本を代表するオーケストラになっているかもしれない。１０月２０日、サントリーホール（マチネ）。

October 20, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ロハン・デ・サラム＆児玉桃

日本では、目が見えない、あるいは聴力を失った難民出身のピアニストとか知恵遅れの作曲家が人気を集める。不幸な境遇に同情するあまり音楽まですばらしいと思いこむ優しい人が多い国なのだ。そうでなければブランド志向。個人的な判断を信用せず誰かが保証してくるものだけを選ぶ謙虚な人が多い国でもある。たしかに音楽会は星の数ほど開かれているし、音楽教師の発表会的なものも多い。うかつに出かけるとスカをつかむことは稀ではない。それでは、どうやっていい音楽、演奏家と出会えばいいのだろうか。諦めるしかないのか。最もいい方法は、それなりの人が評価する音楽や演奏家にアクセスすることである。たとえば、指揮者としての岩城宏之はあまり評価できなかったが、彼が「一流」と評価する指揮者は間違いがない。カラヤン、バーンスタイン、ミュンシュ、バルビローリ、シューリヒト。小澤征爾の音楽にはいろいろと欠点もあるが、彼が評価するものに間違いは少ない。カラヤン、バーンスタイン、ミュンシュ、シューリヒト、バックハウスやフィッシャー＝ディスカウ、高橋悠治やピーター・ゼルキンから川本嘉子まで豊富なリストができるだろう。バッハの無伴奏チェロ組曲に凝っていろいろ聴き漁っていたころ、小耳にはさんだのが、武満徹がアルディッティ弦楽四重奏団のチェリストの録音を高く評価しているという話だった。調べてみるとスリランカ出身のロハン・デ・サラムという人であることがわかった。それ以来、いつかきいてみたいと思っていたが、今回やっとその希望がかなった。サラムは１９３９年生まれだから７３歳。演奏家としてのピークは過ぎていて、シューマンの「５つの民謡風の小品」では不安定なところもあった。しかし、細川俊夫の「リート」、エリオット・カーターの「フィグメント」、クセナキスの「コトス」といった現代曲で見せた集中力は驚異的。特に難曲と思われるクセナキス作品の演奏は息を飲むほど鮮烈。グリッサンドと低音の雑音のような響きが交錯する、乾いた官能とでもいうべき不思議な魅力に満ちた音たちが目に見えるかのような鮮やかさでホールの空間に放たれていった。フォーレのエレジーとＲ・シュトラウスの「ソナタ」では、児玉桃がやや勝ち気ながら抜群のリズム感で胃もたれしない清潔な音楽でサラムを支えていた。ＮＨＫの収録が入っていたが、有料入場者は半分もいないと思われる。それでも熱心で集中した聴衆が多かったのはさすが東京というところだが、いくらコンサートが多いにしても、サラムのコンサートに空席があるというのは末期症状かもしれない。（１０月１９日、津田ホール）

October 19, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦ－ＧＡＬＡコンサート

音楽監督ファビオ・ルイジがＰＭＦの本拠地で指揮をする最後の室内コンサートを含む「ＰＭＦガラコンサート」に、第１部の後半から行った（２８日、札幌コンサートホール大）。札幌という都市のよさは、ホールにしても映画館にしても都心もしくは交通の便のいいところに立地しているので、はしごのようなことがしやすい点にある。これで都心に常設のオペラハウスでもあればウィーンやミュンヘンといい勝負だが、東京だとこうはいかない。東混の演奏会は３時２０分に終わったが、キタラホールまでの移動は２０分かからない。着いたときは、３時に始まったガラコンサート第１部の前半がちょうど終わったところだった。この最終コンサートはソールドアウトになることがほとんどだった。数年前までは少し余分な枚数を買っておいたくらいだ。しかし今年は満席にならなかった去年よりさらに空席が目立つ。メーンの「アルプス交響曲」は実演で聴く機会の少ない曲であり、札幌では過去２回しか演奏されたことがない。ルイジは９月からチューリヒ歌劇場の音楽監督に就任しいきなりヤナーチェクのオペラを指揮するが、到達できるポストとしてはすでに世界の最高位にいる指揮者の見納め、聴き納めになるかもしれないというのに、翌日の野外コンサートには１万人近くも集まるというのに、これはいったいどうしたことか。札幌の主なコンサートが厚生年金会館（当時）で開かれていたころは、いつもゲネプロにもぐりこんでいた。客席にほとんど人のいない状態だとホールは格段とよく響く。客席が埋まった本番との音響の落差にいつも落胆させられたが、音響面では空席の多い方が好都合だ。だからなるべくクラシックのコンサートには来ないように。特に最前列中央の席は買わないように。ソロや室内楽、協奏曲の場合はその席に座り、オーケストラ曲の場合は１階後列の中央からやや右よりの座ることにしているので、こうした席もなるべく買わないように。いちばん音響がいいのは天井桟敷であるというのは常識だから、どうしても聴きたければ最安席を購入することだ。前後左右に人のいない状態で聴く一流の音楽ほど王侯貴族のような気分にしてくれるものはほかにないので、わたしが行くようなコンサートには誰も来ないのが望ましい。第１部後半はヨハン・シュトラウス（シェーンベルク編曲）の「皇帝円舞曲」で開始。フルート、バイオリン、ビオラ、チェロ、クラリネット、コントラバス、ピアノという編成で、声部の動きがよくわかる編曲はさすがシェーンベルクといったところ。管楽器は教授陣、その他はアカデミー生による演奏だったが、教授陣の音楽性の豊かさ、特にフルートのホスクルドソンのそれは際だっていて、ほかは邪魔に感じられたほど。ファゴットのダニエル・マツカワが指揮したグリーグ「ホルベアの時代」からの「前奏曲」とチャイコフスキー「弦楽セレナード」第１楽章は、可もなく不可もない出来。マツカワはフィラデルフィア管弦楽団の首席奏者なので、フィラデルフィアのような音が聴けるかと期待したがあてがはずれた。ホルストの「ジュピター」を田中カレンが編曲した「ＰＭＦ賛歌」で、巨大クラッカーの爆発と共に第１部が終了したが、この編曲がひどかった。聴衆が一緒になって歌うようになっているが、素人に歌わせるには音域が高すぎるのだ。半音上がる後半の転調も経過句が素直でなく転調しにくい。第２部はＰＭＦオーケストラ演奏会。ブラームスの二重協奏曲とＲ・シュトラウスの「アルプス交響曲」。３０日には東京でも演奏される。ブラームスのソリストはメトロポリタン歌劇場管コンサートマスターのデイヴィッド・チャンと首席チェロ奏者のラファエル・フィゲロア。やや速めの引き締まった演奏で、二人の丁々発止のかけ合いは見ものであり聴きもの。硬質のチャンのバイオリン、豊かに歌うフィゲロアのチェロというちがいはあるものの、アメリカという国のバイタリティを感じさせるアグレッシブな演奏。歌い込んでもテンポが遅くならず、少し速めのテンポの中で目一杯歌うといういい演奏の条件を満たしていて、いささか冗長なところもあるこの曲を一気に聴かせた。メーンの「アルプス交響曲」は圧巻。前半はＰＭＦアカデミー生だけによる演奏だったが、この曲では教授陣が首席の位置に座る。「氷河で」や危険な瞬間」でマーク・Ｊ・イノウエのトランペットをロバート・ワードのホルンが引き継ぐといった演奏はＰＭＦならではで、鳥肌もの。その鳥肌がおさまらないうちに、フィラデルフィア管弦楽団やシカゴ交響楽団、メトロポリタン歌劇場管弦楽団の木管奏者たちのきらめくようなアンサンブルが明滅してまた鳥肌が立つ。「頂上にて」でのユージン・イゾトフのオーボエ・ソロを引き継ぐ金管セクション、思い出したらまた鳥肌が立ってしまったが、鳥肌がおさまらないうちに次の鳥肌が立つという、生まれて初めての経験をした。この「頂上にて」の盛り上げはオペラ指揮者ルイジの面目躍如。息の長いフレーズをまったく弛緩なく周到に盛り上げていったが、クライマックスにおけるパッションの表出は溶鉱炉のような熱さだった。この曲のアプローチには２種類ある。この曲の発想の元となっているガルミッシュ・パルテンキルヒェンはごつごつした岩山だが、そうしたごつごつした感じを出した起伏の大きい演奏。もう一つのタイプは、こちらの方が多いのだが、作曲者自身がつけた各部分のタイトルの内容に沿いつつ、統一した音楽作品としてとらえてオペラのように流れを大事にしたもの。しかしルイジの演奏は、ごつごつした起伏の大きな演奏でありながらも流れのよさを確保したもので、この二つのタイプを高度に止揚した演奏といえようか。アラン・ロンバールのような荒削りの演奏が実は好きなのだが、聞き終わったあとの興奮ではない充実感はこういう演奏の方が得られるものだ。ひとつだけ難点をあげれば、静かな部分の音量が少し大きかったこと。音色もやや固く感じられた。ウィーン・フィルのような柔らかい音色は望むべくはないにしても、たとえば武満徹作品の演奏経験があれば、ああいう音色をこの曲の演奏に反映させるようなことはできたと思う。これで札幌でのＰＭＦの室内コンサートはすべて終わった。２４日間の会期中に開かれた３０ほどのコンサートのうち行くことができたのは３分の１ほど。来年は少なくとも半分は行くようにしたい。アカデミー生はバーンスタイン没後に生まれたような人たちの割合が増えている一方、客層はバーンスタインの壮年以前に生まれたような人がほとんど。ＰＭＦの聴衆は比較的年齢層が低かったが、ここへ来て様相が変わってきた。この日のコンサートには１０本ものマイクが立てられていたが、テレビ収録はなかった。これは前代未聞のことのような気がする。ＮＨＫは経費節減で再放送ばかりやっているが、こんなところにも影響が出ているのだろうか。録音は残っても、映像として記録されないとすればこんな残念なことはない。先々週の「悲愴」にしても、神技としか思えない指揮の瞬間があった。ファサード席から見たかったと思ったことである。

July 28, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～東京混声合唱団　札幌特別演奏会

芸術には２種類ある。大衆芸術と限界芸術である。大衆芸術とは表現主体と観衆が分離しているもので、限界芸術とは両者が一体となっているものである。合唱や吹奏楽はその両方にまたがっていて、観客の多くは自分でも演奏する人か出演者の身内だが、そうでない人も混じっており、音楽会が初めてという人もいる。音楽ファンではない人の割合が多く、しかもそういう人が音楽が好きになるきっかけになりやすい最大のジャンルではある。東京混声合唱団を聴くのは２０年ぶり以上か。前回聴いたときのメンバーはひとりもいないのではないかと思う。若手からベテランまでバランスよく揃っているのが、高齢化が目立つアマチュア合唱団との大きな差。東京混声合唱団、略して東混は、毎年８月に「８月の祭り」を開催し、林光の「原爆小景」を演奏している。このコンサートにはずっと行きたいと思っていた。しかしチケットがソールドアウトのことが多いし、お盆前の時期なので動きにくく、行けないでいるうちに林さんは亡くなってしまった。林さんが指揮する「８月の祭り」を聴くのが人生の目標のひとつだったのに、果たせぬままに終わってしまった。だから「原爆小景」の完結版が北海道初演されるこのコンサートに、ある種の贖罪のような気持ちで出かけた。ＰＭＦガラの室内楽コンサートとだぶったが、こちらに出かけることにした（２８日、札幌教育文化会館大ホール）。後半ではその「原爆小景」（完結版）が作曲者追悼ということで演奏された。完結版とは、１９５８年と７１年に作曲された３曲に、２００１年の「永遠のみどり」が加えられたもの。この「永遠のみどり」は調性感の明るい、そして短い曲。この曲が加わることで、前衛的なイメージの強いこの曲が、全体としてはむしろ「わかりやすい」音楽であるという印象になった。東混はこの曲を何度もレコーディングし、何百回も演奏している。そして作曲者からの直接の薫陶を受けてもいる。演奏は、そうした東混ならではのよくこなれたもの。ただ、初めてこの曲に取り組むような団体の緊張感はなく、なめらかで優しい曲作り。これは流麗な音楽を作ることで知られる指揮者・大谷研二の個性の反映でもあるのだろう。この芸術的に密度の高い音楽のあとには、東混の愛唱曲５曲とアンコールに武満徹の「翼」。この６曲の選曲や編曲はどれも見事で、帰り際には、こうした音楽会には縁のないような人たちが口々に「来てよかった」と語り合っていた。１５００の会場を満席で埋めた聴衆は、背中の丸くなったような人がほとんどだが、オーストラリアの原題作曲家リークの「コンダリラ（滝の精）」は現代曲にもかかわらずこうした聴衆にもアピールしていた。男声合唱だけがステージにのり、女声は客席のあちこちに配置される。自然音を模した響きが会場全体にこだまし、コンセプチュアル的ではあるものの（したがって同じ手は使えない）不思議な空間感覚の創造に成功した佳曲だった。こういう音楽のよさは録音では決してわからない。前後左右すべての方向から美しい人間の声に包まれる体験というのはライブでしかありえない。橋本国彦の「お菓子と娘」は林光の粋で洒落た編曲に耳を奪われる。宮沢和史の「島唄」（若林千春編曲）は、優れた編曲のためもあって最も感動的だった。よく知られた沖縄音階のメロディが豊かなハーモニーや効果的な擬音、口笛を伴って大ホールに響いていく。この音楽に永遠に浸っていたいとさえ思ったほど。いま思い出しても涙が出るほどだが、この懐かしくも美しい音楽は万人を魅了するだろう。黒人霊歌「ジェリコの戦い」は、ホーガンのモダンな編曲が素晴らしく、この日のコンサートに大きなクライマックスを作った。合唱を聴いていつも思う不満は、アタックが優しく、攻撃的な音楽が生まれにくいことだが、東混はさすがだった。２４人という少人数にもかかわらず、迫力あるダイナミックな、それでいて機敏な演奏にプロの底力を感じた。最後は三善晃編曲の「ソーラン節」。凝りに凝った芸術性の高い編曲とやはりダイナミックな演奏に「高齢者ばかりの」会場も沸いた。アンコールの「翼」は気品と格調を保って優美に歌われた。前半は「東混と歌う会・結」との合同で信長貴富の「初心のうた」（木島始の詩による）と、札幌の陣内直が東混を指揮してハンガリーの現代作曲家レヴェンテの「美しく～愛と欲望のうた～」。後半の印象が強いのであまり記憶に残っていないが、レヴェンテの曲は古今のいろいろな作曲技法を折衷的に取り入れた洒落た感じの作品。陣内直という人の指揮も端正かつ機敏な素晴らしいものだった。素人が素人を指導していたような傾向の強かった札幌の合唱界に本格的な指導者が現れてきたのを心強く思うが、三陸地方の漁師なみにすすむ高齢化だけは何とかならないだろうか。音楽の敵はいくつもある。この３０年では、カラオケとゲームという強力な敵が誕生した。この強力な敵はこんにちますます強大化しているが、こうした「文明」にアナログな文化が死滅させられていくのを眺めるのも一興だと考える。心に血の一滴でもながすことにしよう。コンサートは大谷研二の話をはさみながら進行した。ＮＨＫ－ＦＭの合唱番組でもおなじみのその語り口は簡潔にしてユーモラス。５０代後半くらいと見たが、ポイントだけを押さえた解説と語りかけにはただものではない知性を感じた。このあと聴いたＰＭＦガラコンサートの軽薄な司会とは比較にならない。二人の（誠実さなど人間的にも非常に優れていると思われる）合唱指揮者の発見など、いろいろな収穫のあったコンサートだった。

July 28, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～山田亜希子ピアノ・リサイタル

ＰＭＦアメリカ・リサイタルシリーズで独奏・伴奏共にしっかりした音楽を奏でていた山田亜希子のリサイタル。長大な難曲をどう弾きこなすか興味があったし、めったに聴くことのできない曲でもあるので出かけてみた（２７日、札幌コンサートホール小）。曲目はベートーヴェンの「ディアベリのワルツによる３３の変奏曲」ただ１曲。実のところ、この曲は苦手だ。というか、苦手でない人は稀だろう。ライブ演奏を最後まで寝ないで聴き通せる人は少数だと思う。そう思ったので、じゅうぶんな休養（昼寝）をして出かけた。それでも眠気を押さえるのは、特に前半では苦労した。それは曲のせいであって演奏のせいではない。山田亜希子はこの曲にはよほど自信を持っているらしく、全曲をしっかりした緊張感と構築感を保ちながら雄弁に演奏した。暗譜で、ほぼノーミスの演奏は驚異的ですらある。５０分強のこの曲に比べると、６０分弱のバッハ「ゴールトベルク変奏曲」やジェフスキー「不屈の民の主題による３６の変奏曲」は１変奏ごとに刺激的で退屈することがない。それではなぜこの曲が退屈なのか。端的に言えば、他者の理解をまったくあてにしていない作曲者晩年の「ひとりごと」のような音楽だからだ。聴衆のウケを狙うのではなく、「ほんとうはこういう音楽ばかり書きたかった」という本音だけの音楽なのだ。第２２変奏ではモーツァルトの「ドン・ジョバンニ」のレポレロのアリアが唐突に出現し戯画的に扱われるが、なぜここにこの音楽を持ってきたか意味深ではあっても音楽的なつながりもない。このあとバッハに回帰したような音楽も現れるが、そのままバッハ的に高揚していくこともない。長大な割に壮大ではなく、「変奏」と言っても和声進行によって気づかされる程度。前後のつながりもなく、小さな曲が次々に演奏されているような印象を与えるのが「退屈」の原因だろう。この主題による変奏曲の創作はディアベリ自身の発案で、当時の音楽家５０人に「提案」されたらしい。その中からアンコールでモーツァルトの次男とシューベルトの作品が演奏された。録音で聴いてよさがわからくてもライブで聴くと驚くほど素晴らしい音楽だったりすることはよくある。しかし「ディアベリ変奏曲」はどちらで聴いても退屈だ。退屈だということは飽きないということでもあるので、無人島に持って行くには最適の１曲かもしれない。

July 27, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・アンサンブル　イヴニング・ウィズ・ベートーヴェン

ＰＭＦヨーロッパ・アンサンブルはオール・モーツァルト・プログラムだった。ＰＭＦアメリカ・アンサンブルはオール・ベートーヴェン（２６日、札幌コンサートホール大）。オーケストラの各セクションがひとりずつの教授陣を中心とした室内楽というと、編成上、曲目が限られる。過去のこのコンサートでも、シューベルトの八重奏曲やベートーヴェンの七重奏曲が繰り返し演奏されてきた。こうしたサロン音楽に毛のはえたような曲目は苦手で、大金を払って聴くようなものでもない。しかしそれではなぜ出かけることにしたかというと、ＰＭＦアメリカ・リサイタルシリーズを聴いて、このアメリカの一流オーケストラのプレーヤーたちに興味を持ったから。最安席１０００円という入場料も後押しした。この日のプログラムは３曲。すべて作曲者２０代のころの作品で、フルートとバイオリンとビオラのための「セレナーデ」、管楽八重奏曲、七重奏曲。アンコールに七重奏曲の第３楽章がリピートされた。演奏はすべて見事の一語に尽きる。ヨーロッパの演奏家たちと比べると陽性というか外向的な演奏。ダイナミックだが決して乱暴にならず、繊細なニュアンスも神経質にならない。特筆されるのは音程のよさ。曲にはさほど魅力がなくても、美しい音の美しいハーモニーを森林浴のように浴びるだけで、寿命がのびるような気がする。こうした音楽は「音楽浴」とでもいうべき態度で鑑賞すべきなのだろう。「セレナード」ではホスクルドソンのフルートの格調高い演奏が印象に残る。「八重奏曲」ではＰＭＦオーケストラメンバーが４人加わったが、教授陣にまったくひけをとらない演奏だったのに驚いた。ただ、その中でもホルンのロバート・ワードの名人ぶりは際だっていた。後半の「七重奏曲」は、ディヴィッド・チャンのリードのもと、熱演が繰り広げられた。「オーケストラの基本は室内楽」といわれるが、メンバーがみな自発的に演奏し、しかもそれが個性のぶつかり合いにならず、共通の音楽イメージの創造にダイレクトに結びついていく、そうした光景はめったに見られるものではない。そうしたアンサンブルの理想が実現されていたが、コントラバスのハロルド・ロビンソンやチェロのラファエル・フィゲロア、バスーンのダニエル・マツカワといった低音部を支える人たちが強力だったことが成功の大きな原因だろう。ただの名人を集めてもこのように高度な音楽は生まれないものである。ＰＭＦアメリカの教授陣で、もしひとりだけ来年も聴きたい演奏家を選べと言われたら、ハロルド・ロビンソンだろうか。ＰＭＦには６回目の参加ということだが、来年以降も毎年来てほしいものだ。この日も客席はすいていた。おかげで最前列中央で「音楽浴」できた。ＰＭＦが初期の盛り上がりを取り戻す日は来るだろうか？来年の音楽監督がまだ決まっていないという「惨憺たる状況」はいつ解決されるのか。

July 26, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・リサイタル２

２４日のシリーズ１も７割程度と客席は寂しかったが、この日はさらに寂しい。おかげで最前列中央に、しかも両サイドにまったく人がいない状態で最高の音楽を堪能できた（２５日、札幌コンサートホール小）。前日よりも空席が目立った理由はわからなくもない。何せ、知らない曲ばかりなのだ。知っている曲ばかり聴きたがる音楽ファンの悪癖、未来より過去に生きる人々のおかげで、今回もまた極上の音楽を優雅な気分で堪能できた。会場で会った音楽評論家は「空席がもったいない。ブラスバンドをやっているような中高生にぜひ聴かせたかった。主催者は招待してはどうか」と言っていたが、その意見には反対だ。学生割引を使うと学生は２０００円で聴くことができる。それ以上の「若者優遇」は優遇ではなくスポイルだ。自分でコツコツ稼いだお金で聴くから真剣に聴く。７０年代までの若者は、食費を切りつめて芝居や映画やコンサートに通った。そうして行くから身につくし実になるのだ。このコンサートシリーズは未来永劫、ガラガラであってほしい。１１曲中、知っていたのはブラームスのピアノ曲「ラプソディ第１番」だけ。ほかの１０曲は札幌で演奏されるのは初めてだろうと思う。ボーエンの「ファンタジー四重奏曲」は４つのヴィオラのための作品。この曲のみＰＭＦオーケストラメンバーが参加。偶然だろうが、３人ともアジア系のファーストネームを持つ人たちで、第一ヴィオラをワシントン・ナショナル交響楽団首席のダニエル・フォスターが担当。哀愁を帯びた、ハーモニーの微妙な移り変わりが美しい曲。アーノルド・バックスやディーリアスの音楽に雰囲気が似ている。初めて聴いたがじゅうぶん楽しめた。ベックス「ヴェイディミーガム（バス・トロンボーンのための入門書）」は２０１０年に作られた曲だそうで、３つの部分からなる。モダンなハーモニーと変化に富む構成が見事で、特徴的な音型から魅力的な音楽が生まれていくさまが目で見えるような印象の曲。２０分近い大曲を余裕さえ感じさせたメトロポリタン歌劇場管弦楽団首席奏者ポラードは神技。この曲でのピアノの山本真平のサポートはポラードに位負けしないくらい見事だった。コルグルス「４つのドラムとヴィオラのための変奏曲」は、編成から唯一の現代音楽風の作品を予想していた。４つのドラムの音程は曲ごとに変えられていたが、４つの音しか出せないというドラムの制約を逆に音楽創造に生かした、その創造力と発想力には圧倒された。決して奇ををてらった音楽ではなく、打楽器音楽特有のエキゾチズムへの逃避もない。非常に高度な前衛ジャズの即興のような対話も随所に見られ、間然するところのない２０分だった。ヴィオラはフォスター、打楽器はボストン交響楽団首席ティモシー・ジェニスが担当。後半は前日と同じ山田亜希子のピアノソロで幕開け。ブラームスの「ラプソディ第１番」は、演奏は立派だったが、この日のプログラムの中では異質でとってつけたような印象を免れない。フィラデルフィア管弦楽団首席コントラバス奏者のハロルド・ロビンソンが演奏したのはボッテジーニの「エレジー」とフランソワ・ラバトの「スペイン頌歌」。豊かな響きで歌心たっぷりに演奏された「エレジー」もよかったが、ピチカートだけで演奏される「スペイン頌歌」は曲・演奏共に圧巻。激しさを秘めた瞑想的な音楽もさることながら、深い呼吸で、まるで即興演奏のような自在なロビンソンの演奏には痺れるような快感を味わった。会場も沸き、前日に続いて耳が痛くなるような歓声が飛んだ。その興奮がさめやらないうちに登場したのはサンフランシスコ交響楽団首席トランペット奏者のマーク・Ｊ・イノウエ。エネスコの「レジェンド」を演奏したが、スピード感のある音、正確無比のテクニックには脱帽。この人が世界一のトランペット奏者と紹介されたら、１００人うち１００人が納得するだろう。ＰＭＦアカデミー出身で、いまは教授陣の中心になっているファゴットのダニエル・マツカワ（フィラデルフィア管弦楽団首席）が演奏したのはルシエの「パッセージ」。乾いた感傷とでもいうべき魅力をたたえた作品。共感豊かに演奏され、短い曲にもかかわらず深い感動に誘われた。トリをつとめたのはＰＭＦ初参加のサンフランシスコ交響楽団首席ホルン奏者、ロバート・ワード。ベルグマンの「レ・ルトゥール」、ガベーユの「春のセレナード」、ポートの「レジェンド」という２０世紀の作曲家の３作品を演奏。ホルンの名手はいろいろと聴いたきたつもりだが、今まで聴いてきたのはいったい何だったのかと思うくらいの腕前。これほどミスのない完璧なホルン演奏はありえないものと思っていたが、あり得たのだった。ホルンは最前列より、少し離れたところで響き全体を楽しみたい。翌日のＰＭＦアメリカ　アンサンブル演奏会にはこのワードも出演するので、きゅうきょ行くことにした。ひとつ、いい勉強をした。知っている曲より、知らない曲の多い演奏会の方が楽しめるということ。有名曲のだめな演奏に失望することは多いが、知らない曲なら失望のしようがない。というわけで、人とは逆に、知らない曲、知らない演奏家のコンサートに行くのを心がけることにした。ベックスの曲以外で伴奏をしたのは山田亜希子。少しピアノを鳴らしすぎる部分があったが、アンサンブルは完璧。ピアニストにありがちなひとりよがりが全くなく、ＰＭＦで重用されるのもわかる。

July 25, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・リサイタル１

いったいどれくらいの数のコンサートが開かれているのだろうか。ジャズクラブのようなところを加えればジャズが圧倒的に多いだろうが、そうでなければクラシックのコンサートがいちばん多いにちがいない。ちょっと計算してみても、世界中で毎日千以上、年間では数十万回のコンサートが（少なめに見積もっても）開かれている。しかしそんな中でも、ＰＭＦヨーロッパとＰＭＦアメリカのリサイタルシリーズほど素晴らしい音楽会は稀だ。なぜなら、世界の超一流奏者が入れ替わりで次々と演奏するコンサートは、ＰＭＦやタングルウッドのような大規模な教育音楽祭でなければ開催不可能だからだ。風邪のため先週のＰＭＦヨーロッパ・リサイタルは欠席したので、ＰＭＦアメリカ・リサイタル１には前日から十分な休養をとって出かけた（２４日、札幌コンサートホール小ホール）。当日でも最前列に空席がある。観客の多くはアカデミー生で、アカデミー生のホームステイ先のファミリーなども多く、普通のコンサートとは雰囲気が少しちがう。有料入場者は１００人に満たないのではないだろうか。楽器学習者には黄金のような価値のあるコンサートだというのに、音大生の姿もない。でもそんなことはどうでもいい。これら極上の音楽は自分が楽しめばそれでいい。こういうのは行った者勝ち、聴いた者勝ちなのだ。最初はメトロポリタン歌劇場管弦楽団首席奏者、ステファン・ラグナー・ホスクルドソンの吹くバッハ「無伴奏フルートのためのパルティータ」。ホスクルドソンはアイスランド出身だそうだが、ドイツやフランスともちがう流麗なバッハにはやはりアングロサクソンの文化を感じる。ドイツ的な構成感を残しながら、華やかで流れのよい親しみやすいバッハ演奏は、インターナショナルな感性によるバッハとしては最上級。フルート奏者の中には、一流でもフルートの歌口から音が出ていると感じさせる人がいる。しかしホスクルドンは、楽器が全部鳴っている。歌口から入った空気がしっかりと管の中を通り、楽器全体を鳴らしているという印象がある。タンギングもていねいかつナイーブで、激しい部分でも決して荒々しくなく気品がある。各楽章がバラバラになることのない、緊張の糸が一本通った集中力も見事だが、「自分はバッハのこの曲をこう感じる」という信念がすべての音に感じられる。そしてそれが実に真摯でごまかしのない、純度の高い音楽になっている。次はクリーブランド管弦楽団の第２バイオリン首席、スティーブン・ローズでやはりバッハのソナタ作品番号１０１６。アメリカのオーケストラを聴くと、その音量に驚くことが多いが、ローズのバイオリンも実によく鳴っている。朗々と歌い、もってまわったところがない素直な音楽にはアメリカの音楽家の長所を感じる。前半の最後はメトロポリタン歌劇場管弦楽団の専属ハープ奏者、安楽真理子が登場。ヘンデルの「プレリュードとトッカータ」、サルゼードの「古代様式の主題による変奏曲」を演奏した。この演奏、特にサルゼードが当夜のハイライトだった。こんなに雄弁なハープ演奏を聴いたのは初めてかもしれない。どちらの曲でもまったく弛緩のない、音楽的密度の高い演奏が繰り広げられていく。ヘンデル作品では真摯で深い音楽が印象に残るが、その印象もさめないうちに始まったサルゼードは、難曲で名人芸も要求されるのに名人芸の存在をまったく感じさせない。音楽そのものに入り込んで一体化した地点から音が奏でられていくので、聴き手もまったく気を抜くことができない。冷房のきいたホールにもかかわらず、終わったときにはすっかり汗をかいてしまったし、会場の拍手は文字通り爆発的だった。今後、安楽真理子を聴く機会を決して逃すようなことはしないと固く決意したことである。後半はまずシカゴ交響楽団首席オーボエ奏者のユージン・イゾトフがテレマンの幻想曲から２曲を演奏。「軽い」オリジナル楽器のスタイルとは異なる伝統的なスタイルによる演奏だが、ソリスティックな吹き飛ばしはまったくなく、ごまかしのない自分の音楽をやっている。オーボエを吹いている、のではなく音楽をやっているのだ。次は２２日に北広島の公演にも登場したメトロポリタン歌劇場管弦楽団コンサートマスターのデイヴィッド・チャンと、やはり首席奏者のラファエル・フィゲロアによるハルヴォルセン「ヘンデルの主題によるパッサカリア」。実はこの曲と彼らの演奏をもう一度聴きたいと思い、この曲目当てに来場したのだが、さらに音響のよいキタラ小ホール最前列で聴くのは至福のひとときだった。これは重音奏法を多用する曲で、後半にいくほど技巧的な難易度が高まっていく。超絶的な名人芸がぶつかり合うさまは壮絶だが、ここでも名人芸の存在を後景においやる誠実で真摯な音楽が圧倒的な感動を呼ぶ。会場の興奮も最高潮で、終わった瞬間の歓声は耳が痛くなるほど。山田亜希子がひくショパンの前奏曲「雨だれ」に続いて登場したのはメトロポリタン歌劇場管弦楽団首席トロンボーン奏者のデンソン・ポール・ポラード。グノーの「愛の音楽」を夢見るような美しさで演奏した。いちおう、古い時代から近代へと配慮されたプログラムだったが、後半のメーンにおかれたのはサン＝サーンスのクラリネット・ソナタ。メトロポリタン歌劇場管弦楽団副首席奏者のジェシカ・フィリップ・リスキがが演奏。この人はＰＭＦには初参加だそうだが、地味だが堅実な音楽をやる人。コロンビア大学で政治学を学んだ経歴もあるが、音楽一筋の人とはどこかちがう、思慮深さのようなものを演奏から感じた。最後はチャンのバイオリンと安楽真理子のハープで「タイスの瞑想曲」。終わってみればあっという間の２時間。

July 24, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦアンサンブル北広島公演

７月２２日はＰＭＦアンサンブル演奏会が道内５カ所で開催された。いずれも主会場である札幌からは１００キロ圏内。その５つのうち、札幌に最も近い北広島で行われたコンサートに行ってみた（北広島市芸術文化ホール）。ＰＭＦ出身者はベルリン・フィルなど世界の一流オーケストラで活躍している。一般の音楽ファンが群がる国際コンクール入賞を経てソリストといった道を歩む人とは異なるので、彼らの演奏を聴く機会はほとんどない。オーケストラに就職してしまえばなおさらだ。しかし、ＰＭＦのオーディションに合格すること自体、世界で通用する実力であることを認められたのと同様であり、そうした若者たちのアンサンブルが悪かろうはずがない。指導陣も超一流である。そうしたことを重々承知した上で出かけたのだが、予想をはるかに超えるレヴェルの高い演奏が続き驚かされた。前半はニールセンの木管五重奏曲とブラームスの弦楽六重奏曲第１番の前半２楽章。ニールセンは演奏時間２６分の大曲。牧歌的な雰囲気の佳曲だが、ニールセン特有の個性的な音型があちこちに出てくる。演奏はニールセンのこうした音楽の特徴を明快に表現したもので、その開放的な演奏には、会期後半を指導するアメリカの教授陣たちの影響が感じられた。中ではカロリーヌ・マルシェッソーという女性フルート奏者がフランス風の音色で地味な響きに明るさと柔らかさを加えていたのが印象的。ブラームスの弦楽六重奏曲第１番は、ブラームスの最高傑作ではないかと思っている曲。全曲が聴けるものと期待して来たが、前半だけというので落胆した。しかし、この演奏では二人の優れた演奏者を知ることができた。ビオラのダニエル・キムとチェロの荒井結子である。１００人超のＰＭＦ参加者を毎年のように眺めていて、優れた演奏家は顔でわかると思うようになった。どんなジャンルでも、優れた人間からは黙っていてもオーラが出ていてすぐわかるものだ。ＰＭＦ参加者はみな若いので若者特有の明るく陽気な「気」が出ている。そんな中でも、つらがまえがしっかりしていて、しかも表情が豊かな人というのはそう多くない。各パートに数人である。見ていると、そうした学生が首席や副首席、いずれにしても前の方に座ることが多い。六人全員が素晴らしかったのだが、荒井結子は突出していた。誰に習った人なのか、師匠を知りたいと思ったほどだ。第２チェロ、つまりこの特異な編成の最低音部分を担当したが、リズム感が抜群に優れている。リズム感とは規則正しく拍子を刻む能力のことではなく、音量の微細な変化で音楽に躍動感や落ち着きを与える与える才能のことだが、彼女は完璧だった。機敏さといいい音楽の先を読む力といい、これほどのアンサンブル力のある音楽家にはそう出会えるものではない。彼女に触発されたのか、第１楽章は実に生気に富んでいたし、第２楽章の少し感傷的な音楽は崇高な美にまで高められていた。ビオラのダニエル・キムは、荒井結子の峻厳な音楽に比べるとたおやかで叙情的な音楽性が素晴らしい。西洋人音楽家にしばしば感じる「エゴ」を彼の演奏から感じることはない。映画俳優のような甘いマスクの青年だが、少しアジア系の血が入っているように見える。彼なら武満徹の「ア・ストリングス・アラウンド・オータム」のような曲を見事に演奏できそうだ。こうした優れた奏者の発見に「興奮」して迎えた後半。ＰＭＦアメリカの教授二人、バイオリンのデイヴィッド・チャンとチェロのラファエル・フィゲロア（二人ともメトロポリタン歌劇場管弦楽団によるハルヴォルセン「ヘンデルの主題によるパッサカリア」には絶賛以外の言葉が見つからない。ＰＭＦアカデミー生の演奏は、優れていてもどこか呼吸が浅い。フレーズ感もやや短く感じる。というのは、この二人の演奏を聴いたからそう思うのだが、それほど、この二人の演奏は白熱した時間が長く続く。８分ほどの曲だが、一瞬の弛緩もなくひとつながりの音楽として聴かせた彼らの力量、そしてアメリカの音楽家の底力には打ちのめされるほど圧倒された。最後のドヴォルジャークの弦楽四重奏曲「アメリカ」は、演奏としてはこの日の中では最低だった。第１ヴァイオリンのアイファ・ジャンとヴィオラのエリカ・ブシュチュウカは優れた奏者ではあるものの、「自分のパートをひいている」というだけで、他の奏者の音楽と対話しようという姿勢が乏しい。いや、乏しくはないのだが、第２ヴァイオリンの佐藤奏やチェロの吉岡知広に比べると少ない。そのため、どこか音楽が無機的に響き瞬間ができてしまう。後半では、この日本人奏者ふたりが驚きに値する「発見」だった。この両名ともコンクールで入賞していたり本選にノミネートされたりしたことのある経歴の持ち主のようで、すでに立派な自分の音楽を持っている。特に佐藤奏の機敏さには瞠目させられた。吉岡知広は日本のオーケストラならすぐにフォアシュピーラーをつとめられるのではないだろうか。ダニエル・キム、荒井結子、佐藤奏、そして吉岡知広。クラシック音楽は死んだと思っていたが、死んだのは大指揮者や名歌手が不在のオペラやオーケストラの世界のことであって、こうした無名の若手たちの中にしっかりと生きている。コンサート通いは、こうした発見と遭遇があるからやめられない。

July 22, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦオーケストラ演奏会

２０日と２１日に、ほぼ同内容のＰＭＦオーケストラ演奏会があった。ちがうのは指揮者で、２０日はファビオ・ルイジが、２１日はＰＭＦコンダクティング・アカデミーに参加した４人の指揮者が指揮をした点。２日目を聴いて、両日聞き比べるべきだったと後悔した。というのは、ＰＭＦヴォーカルアカデミーの出演者が、それぞれ一曲しか歌わなかったから。二日共聴けば、ほんとうの実力がさらにわかっただろうし、ルイジのようなベテランと駆け出しの若手指揮者たちのちがいもわかって面白かったと思う。プログラムはオペラ・ガラで、実質的にはＰＭＦヴォーカルアカデミー演奏会といえる内容。モーツァルト、ヴェルディ、ロッシーニ、プッチーニの有名なアリアに、オペラの序曲や間奏曲をはさんだ構成。このコンサートも最安席は１０００円。指揮者は４人ともなかなかの才能の持ち主と見た。山崎隆之は棒のテクニックは抜群。端正な音楽作りに日本人指揮者の長所を感じる。カナート・オマノフというアジア系の風貌の指揮者は、どこかゲルギエフの指揮を思い出させる。オペラ指揮者の適性を感じさせる歌心豊かな指揮が個性的。女性のカリーナ・カネラキスと、まだ少年のような風貌のイリアス・グランディは舞台度胸がさすが。第一回のＰＭＦに参加した佐渡裕ら３人の指揮者に遜色のない実力の持ち主ばかりだが、中ではカナート・オマノフのような個性は注目に値する。好悪は別にして、自分の信じる音楽に没入するような音楽家は珍しくなったからだ。出演した８人の歌手では、前半と後半のトリをつとめた二人の日本人、バリトンの後藤春馬とソプラノの中村真紀が優れていた。マスコミ風に書くなら「健闘目立った日本人参加者」といったところだが、すぐにでも国際的なオペラハウスの舞台に立てる実力の持ち主。もう一人の日本人参加者、バリトンの大野浩司にも将来性を感じた。他の出演者も、６０代のミレッラ・フレー二やニコライ・ギャウロフより豊かで機敏な演奏を聴かせていた。これくらいのコンサートが１０００円や２０００円で聴けるなら毎日でも行きたいくらいだ、というか行くだろう（２１日、札幌コンサートホール、マチネー）。

July 21, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ファビオ・ルイジ指揮ＰＭＦオーケストラ

９日夜に発熱しこの週のＰＭＦコンサートに行けなかったのはかえすがえすも残念だ。特に東京カルテットの解散記念コンサート（１３日）を逃したのは痛恨のきわみ。それでも、瀕死の身でありながら来日し第一回のＰＭＦで空前の名演をのこしたバーンスタインの恩に報いるべく、重い体をひきずって出かけた。曲目はストラヴィンスキーのペトルーシュカ（１９４７年版）とチャイコフスキーの交響曲第６番「悲愴」（１４日、札幌コンサートホール、マチネー）。ポピュラーな、しかもバーンスタインが名演をのこしている２曲にもかかわらず、客席の入りは７割未満。ルイジの人気のなさを表しているが、それがルイジのせいなのか、札幌の聴衆がミーハー趣味なのかはよくわからない。たぶん両方なのだろう。１９９１年以降、ＰＭＦの最も優れた音楽監督はルイジだと思う。もちろん、ハイティンクやムーティといった指揮者もいたが、トレーナーとしての手腕と音楽家としての力量を総合的に見たときルイジに軍配があがる。ハイティンクやムーティはあくまで客演指揮者に過ぎなかった。しかしそれではなぜ現在、指揮者が得られる世界最高のポストを手にしている彼の人気がいまひとつなのだろうか。それは、たとえばバーンスタインならマーラーやシューマン、カラヤンならワーグナー、小澤征爾ならラヴェルやベルリオーズといった、ルイジでなくては、というレパートリーの不在が原因だろうと思う。また、巨匠性もいささか不足している。そんなわけで、この日のコンサートは、ルイジの長所と欠点を同時に感じさせるものになった。「ペトルーシュカ」は、実は「春の祭典」よりも演奏が難しい。指揮も難しい。オーケストラ泣かせの曲である。へたをすると、異なる音楽をただ継ぎ接ぎしただけのような演奏になってしまう。アンサンブルに気をとられすぎるとつまらない演奏になる。しかしルイジの統率は見事でＰＭＦオーケストラも立派だった。この曲の諧謔味やグロテスク一歩手前のおどろおどろしさも、ちょうどいいバランスで表現されていた。名手ぞろいとはいえオーケストラ経験の少ない人たちをまとめあげる力量はさすがで、メトロポリタン歌劇場首席指揮者だけのことはある。後半の「悲愴」も立派な演奏ではあった。ＰＭＦヨーロッパの指導陣が加わったせいもあるが、響きが格段にまとまっていた。トレーナーとしての手腕はそうした響きを一聴しただけで明らかだ。この曲はマルティノンに代表されるスタイリッシュな演奏と、バーンスタインに代表されるユダヤ的な情緒纏綿な演奏の両極端の解釈がある。多くの指揮者はトスカニーニの厳しいスタイルをベースにした演奏をする。どんな解釈にもそれぞれの良さがあり、一概にこれがベストだとは言えない。しかし、一つだけはっきりしているのは、この曲は交響曲の歴史上、初めて両端楽章が静かにゆっくりと終わる曲であるということである。死と絶望を主題とした初めての交響曲であり、ベートーヴェンの第５交響曲に典型な、苦悩や闘争を通して勝利をかちとる音楽ではない。マーラーがあの交響曲第９番で「悲愴」と同じ構成を踏襲しているのは偶然ではないだろう。そうしたことから導き出されるのは、この曲を「音楽的に美しく」演奏することよりも、聴く者をして絶望と恐怖のどん底に突き落とすことの大事さだ。トスカニーニとバーンスタインの演奏は、スタイルは正反対といえるほどちがうが、その点において共通している。映画「メランコリア」ではないが、絶望を知る者だけが魂を救済できるのだ。ルイジの演奏は手練手管がなく、ごく正統的だ。第一楽章の２１３小節でのリタルダンド、第３楽章３０５小節からのディミニエンド＝クレッシェンドなどは実に自然で音楽的な生理にかなっている。しかしチャイコフスキーはスコアにそういう指示を書いてはいない（自筆譜を参照したわけではないが）。そのどちらの部分も、あえて無表情に機械的に演奏することで非情さが生まれる。だから「音楽的に美しく人間的な呼吸の生理に合っている」ルイジの演奏解釈は間違っていると思う。神は細部に宿るので、こういう人為的な「自然さ」は致命傷となる。優れた指揮者の条件にはオペラの経験が必要とされる。しかしオペラ指揮者の長所がオーケストラ指揮においては短所に転じることもある。ルイジも決して若いという年齢ではない。彼の年齢ですでに巨匠性を獲得していた多くの指揮者を思い起こすとき、イタリア版サヴァリッシュのような指揮者で終わる懸念なしとしない。これまでに聴いた数十回のこの曲の生演奏ではベストに思えるこの演奏も、幾多の巨匠たちの名演の前では影が薄く、１０年後には聴いたことすら忘れてしまっているだろう。

July 15, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦヨーロッパ・アンサンブル演奏会　イヴニング・ウィズ・モーツァルト

ＰＭＦの前半を指導するヨーロッパの一流オーケストラ・メンバーを中心とした室内楽コンサート。前日に聴いたアンドレア・バケッティがあまりに素晴らしかったので急きょ行くことにした。これだけの出演者で最安席１０００円の入場料はヨーロッパよりも安い。金管アンサンブルによる「魔笛」序曲と「夜の女王のアリア」でスタート。金管アンサンブルのような華やかなサウンドでコンサートが始まる趣向は好ましい。日常から非日常への切り替えが、最初の数秒でスムースにできるからだ。やけに上手なトランペットだと思ったらベルリン・フィルのタマーシュ・ヴェレンツェイだった。柔らかい音色で吼えないホルンだなと思ったらシュターツカペレ・ドレスデンのロベルト・ラングバインだった。要所をしっかり決めるトロンボーンだなと思ったらドレスデンのニコラ・ノードだった。これら名手とひけをとらないＰＭＦメンバーの力量もたいしたものだが、やはり細部のあらは目立った。続く「フルートとハープの協奏曲」では、前日の「英雄」でのスター・プレーヤーだったカール・ハインツ・シュッツと、シュターツカペレ・ドレスデンのアストリッド・フォン・ブルックがソリスト。指揮者なしでの演奏。オーケストラにはやはりＰＭＦヨーロッパ指導陣がちらほら。以前、シュターツカペレ・ドレスデンを聴いたとき、ハープ奏者の音楽性に驚嘆したことがあった。それで期待もしていたのだが、ややソリスティックな表現に走りがちのシュッツとアンサンブル重視のブルックでは音楽的に相性がいまいちで、標準的なできというべきか。アンサンブルの精度も十分ではなく、楽しむ分に不足はないが、この曲の天国的な美しさ、美しさの奥に感じられる明るい哀しさのようなものを感じ取ることはできなかった。後半はいよいよバケッティの登場。「木管とピアノのための五重奏曲」と「ピアノ四重奏曲第２番」をＰＭＦヨーロッパのソリストたちと競演。ウィーン響とシュターツカペレ・ドレスデンのメンバーである。そういうメンバーだったせいか、大ホールでの演奏にもかかわらず、家庭での親密な会話のような暖かみのあるモーツァルト演奏が続いた。とくに弦楽奏者にそうした志向を感じたが、聴き手に訴えかけるというより、聴き手の耳を引きつけるような表現にヨーロッパの音楽家、特にドイツ・オーストリア圏の音楽家ならではの良さを感じた。バケッティは協奏曲よりもさらに見事だった。スコアの中の重要な音をさりげなく目立たせ、後景に退くべきところは退く。そうすることによって音楽に奥行きと立体感が生まれる。モーツァルト自身が生き返って演奏してもこうはできないだろうというくらい、楽譜を対象化した上で消化している。一度聴けばもうじゅうぶん、という演奏家がほとんどの中、バケッティの演奏、特に室内楽のそれは、知的にエキサイティングでもあり、いつまでも聴いていたいと思わせる。「木管とピアノのための五重奏曲」は、モーツァルトの室内楽の中でも傑作の一つだと思うが演奏される機会は少ない。ドレスデン・シュターツカペレの超美人オーボエ奏者セリーヌ・モネをガン見しながらバケッティのピアノを聴く。右脳は陶酔しつつ左脳が明晰に覚醒していく、こんな体験をしたのは初めてかもしれない。

July 9, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～イェンセン指揮ＰＭＦオーケストラ演奏会

２３回目のＰＭＦが始まった。去年のＰＭＦ参加者のレベルは低かった。今年はどうかと危ぶまれたが、この日の演奏を聴く限り過去の平均的なレベルまで回復したようだ。やはり、去年は震災と原発事故の影響が大きかったのだろう。今年はノルウェーの若手指揮者、エイヴィン・グルベルグ・イェンセンが登場。ベルリン・フィルを指揮したこともある俊英ということなので期待した（７月８日、札幌コンサートホール）。バーンスタインの「キャンディード」序曲はいささか生真面目で華やかさや面白味にかける演奏。リズムが重い。資質的にこの指揮者にはバーンスタインだけでなくアメリカの音楽は合わないのではと思う。続くモーツァルト（ピアノ協奏曲第１７番）も平板。もっと室内楽的にのびのびとオーケストラを開放的に演奏させる方がいいと思った。しかしソリストのアンドレア・バケッティの演奏には度肝をぬかれた。モーツァルトで度肝をぬかれるというのはいささか誤解を招く言い方だが、たとえて言えば国際コンクールの入賞者などにはまったく不可能な演奏。自己顕示やけれんが全くなく、ひたすら音楽が要求する表現に忠実。ピアノがときおりチェンバロやエオリアンハープのような響きをたてるのにも驚いた。冒頭こそ２拍早く飛び出すという大きなミスをしたが、そういうキズがまったく気にならない感興豊かな演奏。このピアニスト、軽薄なマスコミ風に呼ぶなら、現代のグレン・グールドといっていい資質を持っているように思う。イタリア人にしては小柄で、大ホールでロマン派のコンチェルトをバリバリと弾くタイプではないが、これほど楽譜を深く読むこむことのできる音楽家はヨーロッパといえども少ないのではと思う。アンコールで弾いたスカルラッティのソナタイ長調の、最初の右手で弾く下降音階の４つの音の何と素朴だったこと。厚化粧というか板金化粧のような演奏が流行する中、音楽の地肌を根気よく磨いて輝いた素肌の美しさには耳が洗われる思い。まるでチェンバロのような響きがした。アンドレア・バケッティ。年齢不詳だが小柄なので２０代にも、４０歳くらいにも見える。いずれにしてもこういう演奏家はヨーロッパではきちんと評価されていくものなので、ブレイクしてギャラと入場料が跳ね上がらないうちにできるだけ聴いておくべきだ。後半はベートーヴェンの交響曲第３番「英雄」。この曲ではオーケストラの響きががらっと変わった。やけに上手な首席フルートだなと思ったらウィーン・フィル首席のシュッツだったが、要所にこうしたメンバーが座るだけで世界の一流オーケストラに遜色ない響きになるから驚きだ。演奏はピリオド奏法による軽いベートーヴェンとは対極にある伝統的なスタイルの演奏。ドイツ的ながっしりとした構えの、それでいて躍動感ある演奏で、久しぶりに「立派なベートーヴェンを聴いた」という印象。この「英雄」は去年、ウィーン・フィル定期で聴いた曲だが、フィナーレのソロをシュルツは外しまくっていた。一方、シュッツはそつなく演奏し（少し転んだが）、実力の違いを見せつけた。「英雄」には何カ所かキメのポイントがある。最大のものは第一楽章のクライマックス。最高音が半音で激突する、あの部分。第二楽章の葬送行進曲でも、ティンパニが「運命」のリズムを発狂したかのように連打する部分があり、あの高揚はベートーヴェンの作品中でも群をぬく。そうした部分をきちんと意識して対象化した演奏とは言い難かったが、輝かしく力感に満ちた演奏にはバスチーユ蜂起からブリュメール１８日にいたるフランス革命の混沌やパッションと共通するものを感じたから、この演奏は成功といえるだろう。ルンペン・プロレタリアートとブルジョアジーと国王派が血みどろの戦いを繰り広げたあのフランス革命を音楽で表現するとこの曲になる。音は血しぶきとなって聴き手に降り注ぎ、数え切れない死体の上に青々とした緑が生い茂っていく。

July 8, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～アナ・ヴィドヴィチ　ギターリサイタル

３年前、初来日のアナ・ヴィドヴィチのリサイタルは衝撃だった。上手なギタリストはたくさんいるが、テクニックというものの存在を感じさせないその音楽性は奇跡としかいいようがない。優れた音楽家のひとりではなく、この世にひとりだけの絶対的な存在としてその名は刻み込まれた。ロベルタ・マメリ、ジュリアーノ・カルミニョーラ、アラベラ美歩シュタインバッハー、そしてヴィドヴィチの４人はあらゆる困難を排してでも聴きたい、聴く価値のある演奏家だと思うが、中でもマメリとヴィドヴィチはマリア・カラス以来の音楽家だと思っている。３年前の比較でいうと、まだ少女っぽさを残していたのに比べると、大人の女性の雰囲気が出てきた。演奏もストレートさがやや後退し、一拍目にやや重みが感じられるといった変化があった。とはいえそれは持ち前の流麗な音楽性を損なうものではなく、熟成を感じさせた。グールドといえばバッハ、みたいなトレードマークとなるような「１曲」があるのが、大音楽家の特徴だと思うが、最後におかれたウォルトンの「５つのバガテル」は、彼女の１８番といえる曲・演奏であり、他の演奏家には決して真似できない完成度と高みに達している。前回の来日でも聴いたし、録音も持っているが、あらためてその感を深くした。後半の最初はバッハの名曲、リュートのために作曲された「前奏曲、フーガとアレグロ」。実はＣＤを聴いて、ヴィドヴィチの唯一の弱点がバッハではないかと思っていた。流麗にすぎ、また楽天的にすぎて深みが足りないと思っていたのである。しかしこの演奏はそんな杞憂を吹き飛ばすものだった。前奏曲は洗いたてのシャツのような清潔さで、フーガは真摯だがスケール感のある息の長い高揚で見事に演奏された。たしかにドイツ的な構築感はないが、立体性と流麗さが同時に実現した奇跡的な名演。どんな名演奏家が演奏してもたどたどしさがぬぐえない同じ曲とは思えない演奏で、ここまで完成度が高いと楽器の存在は消えて音楽だけがたちのぼる。同じ意味で特筆されるのは前半に演奏された武満徹の「ギターのための１２の歌」から。シークレット・ラブ、オーバー・ザ・レインボー、イエスタディの３曲は、作曲者じしんの「繊細な精神のためのエチュード」という言葉を思い出させる演奏。技巧的に困難なのにいわゆる外面的な演奏効果のない繊細な編曲はギタリスト泣かせと思われるが、神経質な繊細さはまったく感じさせず、雄弁な表現でも決して大げさにならないバランスは、彼女の中に音楽の神の存在を感じさせる。ほかはすべてラテン系作曲家によるギター曲。テデスコのソナタ、タレガの「アルハンブラの想い出」、アルベニスの「スペイン組曲」からの２曲とバリオスの「大聖堂」。ラテン色、スペイン色を強調しない、コントラストの淡い演奏は、屋台やバルではなく、洗練されたレストランの素材の持ち味を生かした料理を思わせる。アンコールは「カバティーナ」とラウルの「エル・マラビーノ」。東京の客はいまいちノリが悪く、前回５曲のアンコールがこの２曲だった。松本や横浜の公演はあっという間にソールドアウトだったが、東京公演は当日券がかなり残っていたよう。おかげで聴くことができたが、次回はもう少し芸術のわかる聴衆の多い土地で聴きたい。上野の文化会館小ホールは空調の音がうるさいのをのぞけば後方席まできちんと音が届いていたが、やはりヴィドヴィチほどの美人ギタリストは、できればかぶりつき席で見て聴きたい。

June 25, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ジャパン・グスタフ・マーラー・オーケストラ

井上喜惟（いのうえひさよし）という指揮者がいる。中学を出てすぐ渡欧し、チェリビダッケ、ホルスト・シュタイン、ベルティーニ、バーンスタインらに師事したという人だが、なぜか日本ではポストに恵まれない。許光俊のブログで名前その他を知り、いつか聴いてみたいと思っていたが、アマチュア・オーケストラの演奏会とはいえやっとその機会をえた。アマチュアといっても、要所にプロ奏者の参加をえたなかなか水準の高いオーケストラ。指揮者の意図や音楽性を把握するのには不足を感じなかった。曲目はマーラーの交響曲第９番。個性的な指揮者だと思った。ふつうの日本人指揮者とは音楽のとらえ方がちがうと感じた。きっちりと拍を刻んで縦の線をそろえることを第一とする指揮者が多いが、この指揮者は横の流れ、フレーズを重視しているようだ。だから音楽が柔らかい印象になり、（対抗配置のせいだけでなく）細部が精緻にきこえる。チェリビダッケの浮遊するような音楽作りに共通するものを感じるが、チェリビダッケに感じる西洋的なエゴはない。高性能のプロオーケストラで一度聴いてみたいと思わせる指揮者だ。ただ、中間のふたつの楽章のテンポには共感できなかった。特に第２楽章は表現が入念にすぎ、リズムが弾まない。第３楽章も平板で、狂気の爆発が爆発にきこえない。一方、両端楽章はなかなかに精緻な表現で、透明感もあった。フィナーレの高揚はもう一つだったが、アマチュアならではの熱演と指揮者の透徹した解釈が相乗効果を生んでいたと思う。作曲家の柴田南雄は、マーラーの交響曲が演奏されるなら、地方都市まで出かけても、アマチュアの演奏であっても聴きにいくと書いていたことがあるが、たしかに空間に明滅する独特の響きはコンサートならではという気がする。ホルンやチェロセクションの健闘が目立ったし、トランペットやトロンボーンも大きな破綻なくまずまずだった。

June 24, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～第４８３回ほくでんファミリーコンサート

デリック・イノウエ指揮札響でモーツァルト「魔笛」序曲、Ｒ・シュトラウス「バラの騎士」組曲、シューベルトの交響曲第８番「ザ・グレイト」を聴いてきた。５０代になり、同世代の友人・知人の中にも病に倒れたり亡くなったりする人たちが出てくると、意識が変わる。何をするにも「これが最後かもしれない」という意識がついて回るし、いまこの瞬間をいちばん大事にしようという気持ちが強まる。音楽でも、まだ生演奏で聴いたことのない曲や演奏家、めったに演奏されない曲を聴けるときに聴いておこうという気持ちが強まってきた。そういう意味では、このコンサートはよく演奏される曲ばかりだし、指揮者も数回、聴いたことがある。それではなぜこのコンサートに行くことにしたかというと、無料だから、というのは冗談で、「バラの騎士」組曲をいい演奏で聴いておきたいと思ったからだ。この曲は比較的よく演奏される。しかしこの甘くとろけるような音楽は日本のオーケストラは苦手というか、官能がしたたるような演奏を聴いたことがない。メトロポリタン・オペラなどで活躍するこの指揮者なら、ウィーン情緒と明るい退廃に満ちたこの曲をそれらしく聴かせてくれるかと思った。結論から言うと、まだまだ。アンドレ・プレヴィンがウィーン・フィルを指揮した録音からきこえるような甘美さはまったくきこえない。楽員たちの音楽に対する感覚がやはりまだ日本的にスクエアなのだろう。もっとひきずってほしいリズムが弾んでしまったり、ニュアンスの変化も乏しい。むしろ「グレイト」がよかった。きりっと引き締まった筋肉質の「グレイト」。ムーティがＰＭＦで指揮したときのカンタービレはなかったものの、力強くても乱暴にならない端正で推進力に満ちた演奏は楽しめた。楽しめたが、それだけ、という感想が残ったのがこの指揮者の限界を表しているかもしれないという危惧はもった。キタラ大ホール。

June 4, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～小川京子ピアノ・リサイタル

音楽の楽しみはアンサンブルにあると思うので、よほどのことがなければ独奏楽器のリサイタルに行こうとは思わない。特にピアノのようにがさつな響きの、音色の変化の乏しい楽器の場合は。しかしこのコンサートはどうしても行ってみたかった。チェルニーがピアノソロに編曲したモーツァルトの「レクイエム」が演奏される非常に珍しい機会だからだ。小川京子は小樽生まれで札幌育ち、モーツァルト研究者で評論家の海老沢敏をパートナーに持つピアニスト。前半はシューベルトの「グラーツ幻想曲」と「さすらい人幻想曲」というハ長調の作品２曲を並べ、後半にピアノ版「レクイエム」という構成。「レクイエム」は弦楽四重奏版などでも聴く機会は増えたが、ピアノで演奏する場合に危惧される点がいくつかあった。ピアノは音を点としてしか表現できない。歌や弦楽器や管楽器のように、ひとつの音を長くのばしてクレッシェンドできない。琴と同じで、出された音は減衰するしかない。だから、ピアニストの演奏はたいていのばあい、テンポが速くなっていく。もっとじっくり細部を聴きたいと思ってもどんどん進んでいってしまうと感じるケースが多い。しかしベテランで重鎮の小川京子はさすがだった。響きの空白をおそれることなく、適切なテンポでじっくりと歩をすすめていく。チェルニーの編曲もかなり原曲の意図をつたえるもの。ただ、もう少しダイナミズムの変化があった方がこの曲の劇性を表現できたとは思う。前半のシューベルトにも感じたベテランならではの味わい。コンチェルトをバリバリ弾きまくるようなコンサート・ピアニストからは聴くことのできない、枯淡でもなく熟練ともちがう何か、それを聴くことができたのもいい経験だった（キタラ小ホール）。

June 3, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～助川龍コントラバス・リサイタル

助川龍は札響に入団して１０年目になる若手。首席コントラバス奏者をつとめる俊英である。会場（キタラ小ホール）は満員。早めに行ったから入場できたが、少し遅ければ当日券もソールドアウトになるところだった。これは地元演奏家のリサイタルとしてはきわめて稀な現象。それだけ、人望と音楽性のある人なのだろう。コントラバスのリサイタル自体、非常に珍しい。コントラバスが独奏楽器でありうることを示したのはゲーリー・カーだったと思うが、そのカーに師事したことのある人らしい。このコンサートの注目点は３つあった。一つは、そもそもめったに接する機会のないコントラバス・ソロをたっぷり聴けること。もう一つはピアノの寺嶋陸也との共演。そしてこれが最も重要なのだが、作曲者がこの奏者の演奏を想定して作曲した林光の幻想風ソナタ「はんの木の歌」（２０１０年）が演奏されること。今年１月に８０歳で急逝した林光の作品は二つの部分からなり、ショスタコーヴィチ風の諧謔味のある第一部に、マーラーの「巨人」のソロメロディーがいつのまにかよく似たフランス民謡「フレール・ジャック」に変容していく第二部が続く。少ない素材を使って音で遊んでいるような、作曲家の余裕と巨匠風の筆致が感じられる作品。巨匠風といっても重々しさとは無縁で、音が自由に生き生きと、軽やかにかけていく、まるで作曲者の人生を象徴しているかのような曲だった。その前に演奏されたエミール・タバコフの「モティビ」はコントラバスの特性をよく表した瞑想的なソロ曲。タバコフはブルガリア出身の作曲家・指揮者でコントラバス奏者だというが、コントラバス奏者の標準的なレパートリーになるべき作品だと思った。後半の最初におかれたヒンデミットのソナタでは、寺嶋陸也の抜群のアンサンブルセンスを堪能。前半はチェロ原曲作品２曲（ペルゴレージのシンフォニアとブルッフの「コル・二ドライ」）に、札響コンサートマスターの伊藤亮太郎を加えてボッテシーニの「協奏的第二重奏曲」がユーモラスな演出を加えて演奏された。助川の軽妙な語りその他に会場はわいたが、後半にシリアスな作品、前半にポピュラリティのある曲を並べるという通常のリサイタルの逆をいく構成が後半の作品への集中を助けたのには刮目。

May 27, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～LFJ最終日　台北市立交響楽団ほか

５日は２時すぎから反原発パレードがあるので前日と同じ「カペラ・サンクトペテルブルク」の午前の公演と１２時からの台北市立交響楽団、夜９時からのウラル・フィルハーモニーのコンサートに行った、というか当日になって残席のあるコンサートはこれ以外には数えるほど。カペラ・サンクトペテルブルクを聴いたのは８２２席のホール「チェーホフ」。このホールも平土間にパイプいすという悪条件だが、反響板などそれなりの工夫がされている。幸い、前の方に空席があったのでほとんどの曲で登場するソロを至近距離で聴くことができた。合唱自体もさることながら、このソロがどの人も実にいい。素朴だが木訥ではなく、雄弁だが上滑りではない。精神的に深いのに暗くなく、プロにありがちなあざとさがない。こういう質の音楽は、東京のような生活が猛スピードで動いているところの住人には理解できないのではと思ったが、そういう人たちは最初からこのコンサートにはこなかったようで、アンコールのロシア民謡「奥様小唄」など湧きに湧いたし、演奏の熱気と会場の興奮にこちらも巻き込まれるほどだった。もしこの団体が響きのいいホールで演奏することがあれば万難を排してでも聴きに行きたいと思う。台北市立交響楽団が演奏したのはチャイコフスキーの「ポロネーズ」と「交響曲第４番」。指揮はドリアン・ウィルソンという人。１２型の女性の多いオーケストラで、そのせいか響きが弱い。ホルンやトランペットなどはかつての日本のオーケストラのような途上性を感じさせるし、フレーズ感が短いなど、日本のオーケストラの共通の欠点もある。しかしごまかしのない誠実な演奏で、要所の印象的な奏者たちの存在がなかなか興味深かった。コントラバス首席の積極的な演奏は見事だったし、演歌のように歌い回す首席ファゴット、センスのよいオーボエ首席、鮮やかなピッコロなど全体としての「弱さ」を補ってあまりある。チャイコフスキーの交響曲第４番を聴きながら思ったのは、この曲はオーケストラの力量を知るのに最適な曲ではないかということ。第一楽章クライマックス近くのアンサンブルの難所、ほとんどの楽器にソロがあることなど、個人と集団の両方の力量をはかるのにいい。ウィルソンの指揮は大味ではあったが精力的で、よく流れる音楽を作っていて不満はない。５００８席のホール「プーシキン」で聴いたのは、今年のLFJの「顔」ともいうべきドミトリー・リス指揮ウラル・フィルハーモニー。チャイコフスキーコンクール覇者のボリス・ベレゾフスキーをソリストに迎えてラフマニノフのピアノ協奏曲第２番をメーンに、チャイコフスキーの「イタリア奇想曲」とボロディン「だったん人の踊り」。リスは、悪い指揮者ではないが深みはない。音楽をそつなくおもしろく聴かせる大衆性のある音楽性の持ち主。こういう器用でどんな曲でもやりすぎずにしかもダイナミックに聴かせることができるというのも才能だろう。このコンサートで印象的だったのは、何と言ってもウラル・フィルの、特に弦楽器の優しく温かい響き。ステージからチョコレートの香りが漂ってくるかのような甘い響きのロシア音楽の数々は、やはりロシアの団体以外からは決して聴くことができない種類のもの。オーケストラとしては馬力のモスクワ派より甘美のサンクトペテルブルク派に近いサウンドを持っている。ベレゾフスキーのピアノはデビューのころから聴いてきたが、自然で流麗だがひっかかるものが何もない、というロシアのピアニストにありがちな演奏。音楽が許容するぎりぎり速いテンポで演奏するのが演奏と心得ているようで、技巧的には完璧なだけに、音楽に感動ではなくスポーツ的快感を求める聴衆には大受け。クールな東京人がスタンディングオベーションを送っていたが、山田和樹の聴衆とは明らかに人種のちがう人たちのようだった。ゴールデンウィーク前後はハイシーズンで飛行機代が高いが、特集と演奏者によっては来年も来たいと思った。３日の二つのコンサート、権代敦彦作品などを集めた「祈り」と「渋さ知らズオーケストラ」を聴けなかったのが残念だが、１５０のうち６つのコンサートを聴いた印象では、ロシアの３つの合唱団のコンサートが、今年のＬＦＪの中核であり核心といえるものだったのではないかと思う。「カペラ・サンクトペテルブルク」は、「だったん人の踊り」でもその壮麗な声で、全体としては軽薄なコンサートを救っていた。

May 5, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～LFJ２日目　モディリアーニ弦楽四重奏団ほか

LFJについては懐疑的だった。音楽祭というのはウィーンやドレスデン、松本や別府や札幌といった自然が豊かだったり、静かで落ち着いた環境で開かれるものだという思いこみがあったからだ。しかも東京国際フォーラムには音楽専用ホールはないし、そう質の高い音楽を聴くことができないのではないかと思っていた。そういう一面がなくはないが、しかしこういう音楽祭はあっていいし、むしろ各地でどんどん開かれた方がいい。そんな印象をもった。チケットはほとんどソールドアウトだったので、オークションを漁ったりして聴けたコンサートはモディリアーニ弦楽四重奏団、カペラ・サンクトペテルブルク、山田和樹指揮横浜シンフォニエッタの３つ。平土間にパイプいすと、たしかに環境はよくないが、２５６席のホール「ツルゲーネフ」でのモディリアーニ弦楽四重奏団の演奏は繊細でニュアンス豊かながら神経質さのない、これ以上の演奏を想像するのが難しいほどすばらしいもの。現在の世界を代表する弦楽四重奏団の一つといっていいと思う。ボロディンのあの「ノクターン」を含む弦楽四重奏曲第２番とショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲第１番、「黄金時代」より「ポルカ」というプログラムの演奏は、ロシア的な土臭さはなく、温かく明るい音色でモダンな感性に満ちたもの。内声部ふたりの積極的なアンサンブルも聞きもので、この「イケメン四人組」はタダモノではない。こういう団体を発掘してくる音楽祭主宰者ルネ・マルタンの慧眼に感服。そのマルタンいちおしというカペラ・サンクトペテルブルクは、ロシアの合唱を体験する上で最上の団体。６０名弱の無伴奏コーラスの作り出す響きは、非常に深い精神性が感じられる。１４９４名収容のホール「ドストエフスキー」での演奏だったので、その響きのすべてを堪能するというわけにはいかなかったが、指揮者のチェルヌチェンコの虚飾のない音楽性ははっきりとわかった。こういう音楽家に出会うと何か救われる思いがする。その同じホールで夜９時すぎから聴いたのが山田和樹指揮横浜シンフォニエッタ。ふたつのすばらしいコンサートを聴いたあとだったにも関わらず、圧倒的な感銘を受けた。チャイコフスキーの「フィレンツェの思い出」と「弦楽セレナード」というプログラムだったが、まず山田の指揮がすばらしい。若手指揮者では川瀬賢太郎とこの人に注目していたが、若手にとどまらず、もしかすると日本で最も優れた指揮者かもしれない。「第二のなになに」という表現は使いたくないが、第二の小澤征爾の呼び声が高い大野和士をさえ凌駕する音楽性と才能の持ち主という印象を持った。横浜シンフォニエッタは若手の楽団で、やはり若い山田の指揮に完全に同期し積極性に富んだ演奏だったことはプラスに作用したかもしれない。これが小姑の多いオーケストラならこうはうまくいかなかったかもしれないとは思う。小澤征爾のばあいと同じで、山田和樹もこれからの主要なキャリアは欧米の一流の団体と作っていくことになるのだろう。いまのうちに、できる限り聴いておくべき指揮者だと思う。３つ合わせても３時間ほどのコンサートは、やはり食い足りない。しかし、前菜を少しずつ食べて、いちばんおいしかったものを追加する、というような感じでこのLFJは使える。この３つのコンサートは、どれもメーンディッシュになる水準のもので、去年ウィーン芸術週間で聴いたコンサートと比べても全く遜色がない。

May 4, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～札響第５４８回定期演奏会

同世代の音楽愛好家、それも筋金入りの知人と久しぶりに話したら、オーケストラのコンサートにはもう興味がないと言っていた。詳しくは聞かなかったが、決まり切ったプログラム、巨匠音楽家の不在、世代交代による演奏技術の向上とトレードオフの関係にある音楽的感興の減少といった複合的な要因からそう思うようになったのだろう。それは同じだが、１９３１年生まれのチェコの名指揮者がドヴォルジャークの「新世界から」を指揮するとなれば聴いておかなくてはならない。また、首席フルート奏者が交代したので札響の音がどう変わったかを確かめたいという好奇心もあった。日本のオーケストラの団員が定年までに最も多く演奏するのがこの「新世界より」と「第九」だろう。リハーサルや練習を含めたら１０００回は演奏するにちがいない。したがって、「この曲はこう演奏するもの」という暗黙の前提ができあがっていて、それがルーティンな表現になりがちだ。ラドミル・エリシュカの、日本のオーケストラから慣習的な表現を取り除こうという努力は、一日目を聴く限り途上という印象をぬぐえなかった。小手先の表現を避け、風格あるスケールの大きな音楽を作ろうとするエリシュカに対し、いわゆる「走って」しまう部分が散見されたからだ。前半の「スケルツォ・カプリオーソ」と交響詩「野鳩」ではそういう部分はなかったので、この２曲にリハーサルが集中し、「新世界から」は練習不足のまま本番を迎えたのかもしれない。この指揮者は、多くの指揮者が煽りに煽る部分でも、決してテンポを動かさず一回性の感興を求めることを志向しない。それが地味な印象を与える反面、落ち着きと風格を生む。この指揮者がマイナーな存在にとどまってきたのは、旧共産主義国で活躍していたという事情ばかりでなく、こうした音楽作りの姿勢のためもあるのだろう。首席フルートの交代は好ましい。今までの首席は積極的すぎる表現がオーケストラに求められる調和を破壊していたケースが多かった。新しい首席奏者は、逆に自己主張が乏しすぎるような気がしないでもないが、オーケストラ・プレイヤーに求められる安定性や確実性は万全に近い。オーケストラで重要なのは、指揮者とコンサートマスターを除けば、まず第一にティンパニ奏者であり、次いでオーボエ首席、ホルンとフルートの首席と続く。現在の首席オーボエ奏者が悪いわけではないが、国際級の奏者に交代したとき、札響は１０年前とはまったく別のオーケストラに生まれ変わるだろう。このコンサートのライブ録音は今までのエリシュカと札響の演奏と同じようにＣＤ化されると思われる。ライブ特有のミスやアンサンブルの乱れはかなり耳ざわりではあるが、手元にあるクーベリックのチェコ復帰を記念した歴史的ライブや、アンチェルからノイマンに至る多くのチェコの大指揮者による「新世界から」の名盤を凌駕する演奏になっていることが客観的に検証できるだろう。

April 28, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ハルモニア・アンサンブル×波多野睦美

林光は死んでしまった。小澤征爾は１年間の休養に入った。そうすると、「追っかけ」をする価値のある音楽および音楽家は世界的に見ても少ない、というか少なくなってしまったが、１９３８年生まれの高橋悠治の作曲およびピアノ演奏はそのひとつだと思う。巨匠たちは世を去り、ひとりの指揮者が多数の演奏者をリードする音楽のあり方は過去のものになりつつある。古楽や室内楽の隆盛はこうした時代の趨勢の反映であり、ひとりひとりの自発性が作り出す生き生きとした音楽が時代の主役に躍り出ようとしている。こうした中にあって、作曲者は音楽の手がかりを提供するだけで演奏者がその場で自ら作り出していくような音楽が高橋悠治のそれであり、指揮者をおかない合唱団であるハルモニア・アンサンブルとこの作曲家との出会いは、波多野睦美という歌手を媒介にしてはいるにせよ、必然だったといえる。「ハルモニア・アンサンブル」は音楽大学の声楽科学生たちが中心になって２００９年に結成された小編成の合唱団。２０１１年に行われたフロリレージュ国際合唱コンクール（フランス）でグランプリを獲得している。この合唱団が委嘱した高橋悠治の新作を聴きたくて来たが、ほかのプログラムも曲・演奏共にみずみずしい魅力にあふれるもの。正味８０分のコンサートが一瞬のうちに終わってしまったように感じた（３月１１日、牛込箪笥区民ホール）。３・１１ということもあり、最初の曲は「アメージング・グレース」。気負いなく歌い出されたが、完璧な音程のハーモニーはこの世のものとも思えない美しさ。国際コンクール優勝の実力は最初の１０秒で明らかだ。前半はイギリス・バロックの作曲家二人の作品、ダウランド３曲とパーセル１曲。アイルランド民謡「柳の庭」（寺嶋陸也の見事な編曲による）、Ward・Ｓwingle「恋する男とその彼女」、アメリカ民謡「シェナンドー」。すべて英語の曲が選ばれていた。後半は最初と最後に委嘱新作。ノーベル文学賞候補になったことのある詩人、西脇順三郎の詩（英語）による「京都の一月」（高橋悠治）。「たまおぎ」「エピクロスのおしえ」「クリマ・タウガニ」など、この作曲家には合唱曲に優れた作品が多いように思うが、メロディがひとつの線から二つに分かれていったりといった今までの作品にもあった特徴が見られたり、独自の楽想があったりと興味の尽きない曲。辻征夫の詩による「鳥籠」もそうだが、行間が多くを語る音楽といえようか。この２曲の間に中世から２０世紀までのラテン語で書かれた宗教曲を４曲。中ではDamijan Mocnik「今日キリストがお生まれになった」（１９６７）はモダンなハーモニー進行が魅力的な佳曲だった。アンコールに喜納昌吉「花」とロンドンデリーの歌。すべての演奏に共通するのは、この演奏をそのままＣＤにしても、誰もライブとは思わないほどの高い完成度。若い人たちの合唱なので声は明るく響きは軽い。昼間のデモでも若者が大活躍していたが、ここでも商業主義に毒されていない若者たちが意義あるすばらしい音楽をやっている。感動するコンサートには時々遭遇するが、こんなに晴れ晴れとした気持ちになったコンサートははじめてかもしれない。

March 14, 2012

コメント(1)
こんなコンサートに行った～プラハ・フィルハーモニア管弦楽団

終演は21時20分。長いコンサートだった。しかしまったく退屈しなかったのは、このオーケストラの刺激的なところのないまろやかな音色が心地よくその響きにいつまでも包まれていたいと思ったこと、弱冠31歳の音楽監督ヤクブ・フルシャの作る若々しい音楽が(若さゆえの多少の欠点はあるにせよ)清新ではつらつとしたものだったから。モーツァルトのホルン協奏曲2曲(第1番と第3番)を吹いたラデク・パボラークの圧倒的なヴィルトゥオーゾぶりも、これだけを聴きにきてもじゅうぶん満足したといえるくらいのすばらしさ。割高感を感じることが多い外来オーケストラのコンサートだが、この値段(会員割引で B席3000円)なら毎週でもききたいくらいだ。そのバボラークは今年36歳。アンコールに3番の3楽章を演奏したが、あと何曲でも軽々と吹けそうなタフネスぶり。気取りのないステージマナーといい、東京弁がかった日本語といい、好感度満点。技巧を見せびらかすところはまったくなく、ニュアンスも豊かで実に上品。繰り返すがこの演奏だけでもくる価値があった。ドヴォルザークの「弦楽セレナーデ」とメーンの交響曲第9番「新世界より」は、平均年齢34歳のオーケストラを31歳の指揮者が指揮したせいか、ボヘミアのひなびた味わいより、インターナショナルなというかモダンな感性の勝ったもの。それでもクライマックスでも絶叫せず、緩徐楽章でもだれない演奏には自分たちの音楽に対する愛情をかんじる。要するにビジネスライクではなく心がこもっているのだ。これに対してアンコールの２曲、ドヴォルザークの交響曲第8番第3楽章とスラブ舞曲第1番は、大きくテンポをゆらしてお国訛りを感じさせる表情付けが印象に残った。過密スケジュールの長時間のコンサートの連続にかかわらず、集中を保ちスタミナ切れのない演奏には札幌では異例といえるほどのブラヴォーがとんでいた。

March 8, 2012

コメント(1)
こんなコンサートに行った～札響第５４７回定期演奏会

下野竜也が指揮する定期演奏会クラスのコンサートでは、必ずと言っていいくらい一般的ではない曲目が組み入れられる。それを見て、あるいはサイトウキネンフェスティバルでの小澤征爾の代役といった活躍ぶりを見てこの指揮者にはひとかたならない興味を持っていた。また、ヒンデミットの交響曲「画家マチス」は、札響の二代目常任指揮者だったペーター・シュバルツが好んで取り上げた曲。４０年ぶりくらいに聴くが、どんな風にきこえるかという興味もあって行くことにした。ブラームスの「ピアノ協奏曲第３番」は、バイオリン協奏曲をこの日の独奏者デヤン・ラツィッチがピアノ用に編曲したもの。オーケストラ部分はそのままでソロ部分だけアレンジし、カデンツァも自作したらしい。闊達なソロを含めておもしろいききものではあったが、第一楽章など原曲よりも聴取に集中を強いられる一方で冗長にも感じられる。中では第三楽章の編曲が最も成功していたように思うし曲想にもピアノが合っていた。ただ、作曲者自身が編曲したベートーヴェンのバイオリン協奏曲のピアノ版に比べると、「オーケスレーションが変」に聞こえるところがあり、おもしろいが、落ち着かないところがなくはない。休憩後はブルックナー（スクロヴァチェフスキ編曲）のアダージョ。前半のブラームスでは残っていた堅さがとれて、札響の弦セクションの温かい響きを聴くことができた。「画家マチス」は同名のオペラの音楽をオーケストラ用に編曲したもの。プレ・トークで下野竜也はブラームスだけが決まっていたので、全体を「編曲」もので構成することを考え、調性配置を考えてこういうプログラムになったと語っていたが、なるほどと納得できる。演奏はオーケストラの自発性を尊重したもので、特に管楽器にその傾向が顕著。指揮者は要所だけおさえ、あとはソリストのように演奏してもらうというスタンスだったように思う。印象的だったのはトロンボーンセクションの充実。札響が一回り大きなオーケストラになったように感じるのはこのセクションのメンバー交代によると気づかされた。もうひとつ印象的だったのは下野の解釈。神秘的な雰囲気よりも明るさが勝った解釈で、クライマックスの盛り上がりも熱狂的ではなく節度を保つ。最後の音をふわっと鳴らしたのはスコアにそう書いてあるからなのか、独自の解釈なのか興味深く感じた。録音ではただ派手に終わるようにしか聞き取れない演奏が多いと思うが、この終わり方の方が品がよく、音楽の余韻も深い。空席が目立ったし、客層の高齢化は目を覆うばかりだ。若い観客をつかんでいるＰＭＦとは対称的。同じオーケストラを同じホールの同じ席で聞き続ける、というのがクラシック音楽を深く理解する最良の方法であることを知る人が少ないということだ。

March 4, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～札響第546回定期演奏会

メシアンのトゥーランガリラ交響曲の札響初演は、二日目を聴く限り大成功だった。一日目を聴かなかったのを後悔した。成功の立役者はなんと言っても札響正指揮者としては最後となる指揮の高関健。この曲のスコアは見たことがないので、拍子やアップビートかどうかわからないところがたくさんある。そのため指揮の見られるファサード席に座ったが、そのムダのない正確で的確な指揮は、映像で永久保存してはどうかと思った。指揮法のお手本の教材として全世界で発売してはと思うくらいだ。彼がこの曲を指揮するのは初めてとのことだが、日本初演のときは練習に１０日間要したこの曲をたった３日で、細部まできちんと仕上げたのだからすごい。もちろん札響のレベル向上もあるのだろうが、先日BSで放送されたNHK交響楽団（プレヴィン指揮）の演奏のような、ただ音を出しているというのではなく、音やフレーズの意味がきちんと全楽員に伝えられている。よほどしっかりと勉強し研究したのだろうと思う。したがってていねいな演奏で、この曲の２つの側面、暴力性と官能性はどちらも控えめにしか表現されなかったのは残念ではあった。ただ、５楽章や１０楽章終結部の盛り上がりは開放的というよりは密度の濃いもので、圧倒的な法悦感はライブならではだった。そういえば２００８年のＰＭＦで準メルクルの指揮でこの曲が演奏されたことがある。立派ではあっても明るく輝かしい演奏で違和感があったが、その演奏に比べると東洋的な瞑想感が出ていたのは、やはり日本人の指揮で日本のオーケストラだったからで、メシアンが生きていたら評価した演奏だったのではないかと思う。現代曲のせいかチケットの売れ行きは悪く、客の入りは一日目は６割、二日目も８割程度だったようだ。当日割引券なども配布されてこの程度だから、札響の客はＰＭＦの聴衆などと比べて保守的なよう。この曲を小澤征爾の録音で初めて聴いて４０年以上になる。メシアンの作品の中でもこの曲は調性的で折衷的に感じあまり評価していなかった。そういう人は多いだろうが、やはり音楽は生で聴いてみないとその真価やおもしろさはわからないと痛感したコンサートだった。高関健は在任中、二回、驚天動地の名演をのこした。２０１０年１２月定期でのラベル「ラ・ヴァルス」とこのトゥーランガリラである。どちらもバーンスタインゆかりの曲であるところが興味深い。

February 11, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～奏楽（そら）ニューイヤーコンサート

奏楽（そら）は札幌と近郊在住の若手演奏家と札響の首席オーボエ奏者岩崎弘昌によって２００８年に結成されたグループ。このグループの演奏は２０１０年にモーツァルトのピアノ協奏曲シリーズを聴いたことがあるが、今回はバロックの室内楽を集めたニューイヤーコンサート。時計台ホールは満員であやうく入場できないところだった。運良く最前列に席を確保できた。満員だが、いわゆるクラシック・ファンは数えるほどしかいない。出演者の教え子などがほとんど。こういう催しより、障がいがあったりテレビによく出る演奏家ばかりに観客が集まる傾向は格段と強まっている。お金を払うのだから超一流の有名演奏家に群がる気持ちはわからなくはないが、かつて宮廷のサロンで演奏されていたような典雅な音楽に触れるのはこういう機会以外にはない。この世の二大バカは映画ファンと音楽ファンだろう。というわけで、お目当てはコンサート・タイトルの「バロック・ドッペルコンチェルト」ではなく、ヴィヴァルディの「フルート、オーボエ、ヴァイオリン、ファゴット、通奏低音のための四重奏曲ト短調」とテレマンの「食卓の音楽第１集より四重奏曲ト長調」の２曲。どちらも理屈抜きに楽しく、憂愁さと典雅さと活気が共存した魅力的な音楽。かつてパリ・バロック・アンサンブルの録音で親しんだが、立花雅和の木製フルートの柔らかい響きはさらにこうした音楽にふさわしい。ほかには有名なヴィヴァルディとバッハの有名な短調の二つのヴァイオリンのための協奏曲。最後に珍しいアルビノーニの２本のオーボエのための協奏曲ハ長調作品９の９。弦楽器はコントラバス以外全員妙齢の女性で総勢８人と華やか。中ではチェロの渡辺文という人の余裕ある演奏が印象的だったが、たまたまの参加だったよう。今回の「発見」はファゴットの諸岡今日子とオーボエの岡本千里。どちらもなかなか気迫のある堂々とした演奏で記憶に残った。ファゴットの人はまだ学生だということだが、集中力といい積極性といい大したものだ。アンコールは「G線上のアリア」と「主よ人の望みの喜びよ」。このグループは東北の被災地で慰問活動もしているらしいが、心のこもった温かい演奏は感動的だった。

January 24, 2012

コメント(1)
こんなコンサートに行った～音楽を越境した音楽たち

今年はアメリカの作曲家ジョン・ケージの生誕１００年にあたる。昨２０１１年はクセナキス没後１０年だった。この二人を２０世紀の生んだ最も重要な作曲家と考えているが、残念ながら没後１０年にちなんだクセナキスのコンサートに遭遇することはなかった。ウィーンでのオレスティア上演は道に迷ってたどりつけなかったし、リトアニアやギリシャでのフェスティバルは気づくのが遅すぎた。このコンサートはケージ生誕１００年と謳ってはいても、ケージ作品は１曲だけで、フェラーリ、カーゲル、フェルドマンの作品を集めた「現代音楽入門講座」といった内容。そのケージの「クレド・イン・アス」は最初と最後にソロと集団のバレエを伴って二度上演された。そのせいかチケットの売れ行きがよく、売り切れに近い状態だったよう（会場はキタラ小ホール）。高校生のころＬＰで聞いたこの曲には驚愕した。クラシックの名曲を荒々しい打楽器の音楽が切り裂く、といったイメージだったのだが、何度か聞くと、そういう部分の音楽が美しく、洒落ていたりして、何とも人を食ったおもしろい音楽だと思ったものである。特設アンサンブルによる演奏は、見事だが、流麗にすぎたように思う。特に空き缶を鳴らす特徴的な、どこかふざけたようなリズムがあまり浮き出なかったのは残念。このあたり、やはり若い世代の感性には隔たりを感じる。上手すぎてひっかかるものがない。もちろんへたなのは困るが、この曲では特にヘタウマな感じがほしかった。フェラーリの「偶然的出会い」とフェルドマンの「ヴィオラ・イン・マイ・ライフ」を演奏したコンビ、ヴィオラの甲斐文子とピアノの大須賀かおりはすばらしかった。札幌にもすごい若手が、と思ったら東京の演奏家のよう。カーゲルの民俗楽器のための「エクゾティカ」は、悪意のあるタイトルのようだ。この曲をヨーロッパやアメリカで演奏したならこの悪意は通じるだろうが、アジアではどうということはない。反ヨーロッパ音楽を志向したカーゲルの真価は、むしろ純粋な西洋楽器による作品の方がわかりやすいのかもしれない。しかしそれにしても「クレド・イン・アス」を生きている間に聴く機会があるとは思ってもいなかった。空き缶さえコレクトできれば演奏はさほど難しくないと思うし、いまとなってみればほとんど「ポピュラー名曲」といっていい曲だと思うので、中学校や高校の音楽部ではどんどん取り上げてはどうかと思う。

January 21, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～フライブルク・バロック・オーケストラ

１２月６日に聴いたオランダ・バッハ協会のバッハ「ミサ曲ロ短調」があまりにすばらしかったので、初来日というドイツはフライブルクの古楽器オーケストラ（ＦＢＯ）も聴いてみた。古楽器オーケストラは音が小さい。だから大ホールでのコンサートを敬遠してきたが、キタラホールのようないいホールだとさほど不満はなく、遠くまでよく音が届く。バッハの管弦楽組曲４曲を人気のある順にならべたプログラムはなかなかよく考えられている。華やかな３番で始め４番で締めくくり、ニ長調の３番の次にロ短調の２番、ハ長調の１番という風に上がっていってニ長調の４番で終わる。最初はこの曲順が不思議な気がしたが、終わってみるとこれ以外にない必然的な並べ方だという気がしてくる。室内楽や小編成オーケストラを聴く最大の楽しみは、演奏者の自発性に富んだ演奏を楽しめることにある。モダン・オーケストラは指揮者の解釈を聴くためのものであり、大指揮者が少なくなった現在、その人気が落ちるのは当然。一方、古楽器オーケストラが盛んになるのは必然だし、モダンとオリジナルの両方の活動をしている音楽家も決して少なくないようだ。２３人からなるこのＦＢＯも、まずそうした生き生きとした自発性に富んだ演奏がすばらしい。しかも、ただアグレッシブに演奏するというのではなく品がある。「なんと上品なのだろう」とため息が出るほどだった。これはやはりヨーロッパ人のＤＮＡからしか生まれないものと思う。こういう品のいい音楽を「響きが痩せていて貧乏くさい」と言下に否定する許光俊は、いったい音楽に何を聴きたいのだろうか。前半はその上品な音楽（第２番のフルートソロなど圧倒的なテクニックなのに、そうしたテクニックの存在をまったく感じさせないのだからすごい）に感嘆するうちに終わったが、後半では彼らのアンサンブルを「眺める」余裕もできた。そうして気がついたのは、リーダーで音楽監督のゴットフリート・フォン・デア・ゴルツのすごさ。目や弓や体の動きで的確に他のパートにさりげなく指示を飛ばす。楽譜はというと、ほとんど見ていない。つまり暗譜で演奏しながら、指揮者のような采配をふるっていて、しかもそれが自分の解釈をおしつけるのではなく、ちょうどジャズのアドリブのように自分の演奏とそのフォームで全体からさらに活気ある音楽を引き出しているのである。こんなコンサートマスターというのは初めて見たが、このゴルツという人は超人的な大音楽家に違いないし、さほど知名度もないのにこういう人がいるというのにはヨーロッパ音楽界の底力を感じる。すでにクラシック音楽の主流は、オペラやオーケストラからこうしたアンサンブルに変わっているのかもしれない。バロック・オーケストラについてはほとんど知らないが、もしこのＦＢＯが世界最高のオーケストラではないとしたら、考えるだけでもおそろしい。それらをすべて味わうのに残された時間が足りるかどうかが問題になってくるからだ。

January 15, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～住吉雄一フルート・リサイタル

札幌の若手フルート奏者の（たぶん）初リサイタル。若手といっても３０代はじめといったところだろうか。以前から、札幌の若手フルート奏者では立花雅和とこの人が双璧ではないかと、演奏も聞かずに勝手に思っていたが、その予想は当たっていたようだ。二人とも、プロ・オーケストラで活躍できる実力を持っているだけでなく、のびのびとした演奏はオーケストラに長く在籍した演奏家からはめったに聴けない種類のもの。とんだ拾いものをしたコンサートだった。プログラムからしてすごい。バートンのソナチネ、タクタキシヴィリのソナタ、マルティヌーの第一ソナタという本格的な曲目に、シューマンの「３つのロマンス」とゴーベールの「ロマンス」という繊細でロマンティックな作品をはさみ、さらに難曲として知られるマルタンの「バラード」を配した構成。ミスらしいミスのない演奏なだけでもたいしたものだが、流麗でもどこか端正さを感じさせる清潔な演奏が続いたのに驚いた。少し年長の立花雅和がフランス風の洒脱さや開放的な音楽作りをするのに比べると、この人の演奏はややおとなしく生真面目。といっても堅苦しくなることはなく、知的に統制が行き届いていて吹き飛ばすようなフレーズがひとつもない。こういう人が音楽以外の仕事で生計を立てているとしたら、とんだ音楽後進地ということだろうが、少し早く生まれたせいでポジションを得ることができただけのプロ音楽家たちは穴でも掘って冬眠することだ。澄んだ美しい音、のびやかでていねいな音楽作りは、元札響首席フルート奏者の細川順三を思わせるところがあった。ほとんど非の打ち所のない演奏が続いたが、一曲だけ、マルタンの「バラード」は、彼の素直な音楽性が裏目に出ているような気がした。第二次世界大戦前夜に作られたこの曲は、不安と緊張、恐怖と切迫が全曲を支配しているが、ピアノも含めてこの日の演奏はシリアスさが不足していたように思う。もしかしたらこれは世代的なもので、「高度成長以後」の音楽家には求めようのない感覚なのかもしれない。長い間音楽を聴いてきて思うのは、３０代までの音楽家の演奏が印象に残っていることだ。１０年、２０年と同じことを続けていると、それなりの円熟はするにしても新鮮さを失うことも多い。これは別に音楽家、それも演奏家に限らない。作曲家も３０代までの作品にいいものが多いし、映画や演劇作品でもそうだ。さらにいえば、一般人も、３０代までは感性が開いていると感じる人が多い。これは、３０代くらいまでは、どんな人でも世の中が新鮮に見えるということだろう。４０代にもなると、人生で経験する一通りのことは経験してしまうもので、未知の体験や発見に心躍るということが急速に少なくなる。それを超えて自己を刷新していける人は音楽家に限らず少ないものだが、住吉雄一という人はそれができる数少ない一人のような気がする。ピアノは小杉恵という人。はじめて聴いたが、いいバランスと流れるようなテクニックで木製のフルートの柔らかい響きを支えていた（キタラ小ホール）。

January 14, 2012

コメント(0)
こんなコンサートに行った～道教大学岩見沢校芸術課程音楽コース第３回定期演奏会

この大学の札幌校と岩見沢校の芸術課程が岩見沢校に統合されて３回目の定期演奏会。何でも今年はじめて、大学院生まで含めて入学時から全員が岩見沢校の入学者とのこと。両校の「統合」は、デメリットもあったのかもしれないが、外部から見た限りではメリットが大きいと感じる。大人数の曲を演奏する場合は人数が多い方がいいからだし、分散していたいい教師が集まるメリットは計り知れない。札幌校に集中していた優秀な学生が岩見沢に入ることで全体の底上げがされるはずだ。こう考えて期待して行ったのだが、期待をはるかに上回る出来だった。最も印象に残ったのは前半の最後に演奏されたバッハのミサ曲ロ短調からの４曲。正確には知らないが、１００人近いコーラスのうち、声楽専攻者は一握りだろう。大学に入ってはじめて合唱を経験した人がほとんどだと思う。しかし、その「シロウト以上にシロウト」の合唱がすばらしいのである。テノールなどはパートとしてのまとまりが弱く音程も怪しかったりするのだが、フレーズ感がしっかりしていて、アマチュアの演奏でしばしば遭遇する句読点の場所を読み間違ったりするような居心地の悪さがまったくなく、立派なバッハになっている。音楽評論家の許光俊がこんなことを言っている。「私が日本のオーケストラや演奏家に対してほとんど常に決定的に物足りない思いを抑えられないのは、前後関係がまったく意識されておらず、今出ている音にしか奏者の注意が向いていない点だ。その音ひとつだけを聴けば、確かにきれいな音かもしれない。だが、どの音からその音がやって来て、これからどうなって行くのかという流れがまったく感じ取れないことがほとんどなのだ。さらにはもっと大きな時間的な単位ではどうなるかなど、皆目わからない」これは極論だが、たしかにそう感じることがある。一般にフレーズ感が短いのは確かだ。もっと言えば、音楽が高揚していくときのフレーズ感はあるが、たゆたうようなフレーズ、音楽が減衰していくときあいまいなフレーズ感のまま消えていくことが多い。特にテンポの速い曲ほどその傾向がある。しかしこのコーラスはただ声を出して歌っているだけの凡百の合唱団とは決定的にちがう。それは、コーラスメンバーとしてはシロウトであっても、ただ音楽や歌うことが好きなだけのアマチュアとはちがい、小さいころからしっかりとした音楽教育を受け、楽譜を物語として読む訓練を受けてきた人たちの集団だからだろう。指揮者のトレーニングもよかったのだろうが、もし指揮者が何の合図や指導をしなくても、「大きな時間的な単位」のしっかりとした音楽が生まれていたのではないかとさえ思うほどだ。それはメーンプログラムのチャイコフスキー「交響曲第５番」でも感じたことで、演奏技術の割には内実のある音楽が生まれていた。オーケストラは専攻生が要所を固めているようだったが、オーボエやファゴット、フルート、ティンパニといったオーケストラで最も重要なパートに優れた人材を得ていたことも成功の理由だろう。ただ、阿部博光の指揮は堅実だがきまじめで、この曲ではもう少し白熱した高揚や官能性、ケレンを聴きたかった。最初に吹奏楽でバード「オックスフォード伯爵の行進曲」とショスタコーヴィチの「カテリーナ・イズマイロヴァ」からの３曲。弦楽合奏でシャゾットの「アルビノーニのアダージョ」。後半にモーツァルトの「クラリネット協奏曲第１楽章」。アルビノーニでオルガンを弾いた二橋潤一という人の鋭敏さ、全体をリードしたチェロの鈴木友美という人のセンスのよさが光っていた。吹奏楽、弦楽合奏、合唱、協奏曲、そして交響曲と変化に富む内容はこうした演奏会でならではで、２時間を優に超える長いコンサートながら一瞬も退屈しなかった。１４日、札幌コンサートホール（キタラ）。

December 14, 2011

コメント(0)
こんな映画を観た～かすかな光へ

映画館の中は暗い。字を書くことができない。いままでそれが不便だと思ったことはないが、この映画を観てはじめて不便さを感じた。メモを取りながら観たい、そんな部分がたくさんあったからだ。１９１８年生まれだから今年９３歳になる教育者の大田尭（おおたたかし）さんのドキュメンタリー（森康行監督、２０１１年作品）。東大名誉教授というこの人は、しかしそうしたイメージとはかけ離れている。人間はひとりひとりちがっていていい。教育は自分らしさを演出し援助してあげること、という理念を持って一貫した教育活動を行ってきた。講演に現在この人が取り組んでいる見沼フィールドミュージアムを取り上げた部分などを再構成したつくりかたは、淡々としていて最初は少し退屈する。しかし、その退屈をガマンして観ていると、次第にこの教育者が放つなんとも言えないオーラにひきこまれていく。東大の学生時代に出征したとき、農民や漁民出身の兵士の持つ「生活の知恵」に感銘を受けたといい、そこが戦後の彼の教育の出発点になっていく。それが現在の、自然を守りながら子どもたちがそこで自然に親しむことができるような「フィールドミュージアム」運動につながっていくまでの経過はごく自然に理解できる。この見沼フィールドミュージアムの近くにある知的障害者の施設の活動が、ひときわ印象的だった。この人たちの作る美術工芸品の何とすばらしいこと。自然も障害者も、むかしはごく身近にあり、それが人間の精神を健全にしていたと思うからこの見沼フィールドミュージアムの意義ははかりしれないほど大きいと思う。小さな活動かもしれないが、ここにはたしかに「かすかな光」がある。映画のいちばん最後に講演会で聴衆からの質問ふたつに答える部分があるが、この答えには舌を巻いた。こんなにも大切なことをこんなにもシンプルな言葉で語ることができるのかとほとんど驚愕した。林光の室内楽の簡素な明るさ、山根基世の落ち着いたナレーションもこの映画にふさわしいが、「こんな人がいるのか」という嬉しい驚きにひたる８４分だった。

December 12, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～石本裕子ピアノリサイタル

札幌出身でハンガリー在住のピアニスト、石本裕子のリサイタルを聴いた（８日、ザ・ルーテルホール）。今回は札幌のほかにブダペストで２回、東京で１回のリサイタルを開いた由。このピアニストは２０年近く前に一度だけ聴いた記憶がある。しかしステージに現れた人を見て、２０年前のピアニストと同一人物だとはまったくわからなかった。それほどまでに風貌が変わっている。音楽の印象も同じ。とがった若さはなくなり、余裕と語りかけるような優しさが支配的。冒頭のスカルラッティのソナタ作品２３、モーツァルトのソナタ作品３１０も、日常性の音楽というか、すぐ近くで聴いている人に語りかけるような演奏。かといってリストの「愛の夢第３番」やシューマンの「献呈」は神経質な繊細さにおちいることがない健やかさが印象的。前半をしめくくったリスト「ペトラルカのソネット１０４番」と、後半のメーンのやはりリスト「ハンガリー狂詩曲第１２番」はこうした音楽になじみのない聴衆にもわかりやすく聞かせるような落ち着いた表情の演奏だが、こうした曲ではもう少しケレンがあってもよかった。ほかに吉松隆編曲の左手のための曲が３曲。館野泉のために作られたものらしいが、編曲自体、独創性に乏しく中途半端な音楽に聞こえる。ペダルからまだ足の離れないうちに拍手する聴衆（というより観客か）には唖然。音や響きや余韻を楽しむことができなくて、いったい何を楽しむというのか。

December 9, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～オランダ・バッハ協会合唱団＆管弦楽団

中島敦の短編小説「山月記」は、詩人になりそこねて虎になった男が旧友と会う話。虎になってあやうく旧友を食い殺すところだったその男は、長い年月のうちに、人間の心に戻る時間がだんだん短くなっていくと旧友に語る。しかしこの話とは逆に、人間は一般に歳をとるほどに寛容になり他人に対する優しさを獲得していくものだ。しかしそうでない人もいる。特に過酷な競争にさらされている人は、人間らしさを失っていくケースも多い。会社人間、組織人、教育ママ・・・鬼か人か見分けのつかない人というのは、いくらもいる。また、見たくないものに目をふさぐ自己防衛本能は加齢と共に強まるのがふつうだ。健康や体力の衰えを感じ始めると弱者への同情心は弱まっていく。バッハ「ロ短調ミサ」のすばらしく格調の高い演奏を聴きながら思ったのは、この演奏を聴かなかったら、自分はもしかしたらいつか虎になっていたかもしれないということだ。いや、いくぶんかはもう虎になっているかもしれない。しかしこの音楽のおかげで、つかの間かもしれないが人間の心がよみがえったような気がした。これはもう音楽的感動などという次元を超えている。ありがとう。指揮のヨス・ファン・フェルトホーヴェン。ソプラノのドロテー・ミールズとヨハネッテ・ゾマー、アルトのマルゴット・オイツィンガー、テノールのチャールズ・ダニエルズ、バスのピーター・ハーヴェイ、そしてオランダ・バッハ協会合唱団と管弦楽団の３６人の音楽家たち。きみたちの作る音楽は虎を人間に変える力がある。気乗りせず出かけたコンサートだった。貧しい時代に生まれ育った世代の人間がクラシック音楽に求めるのはゴージャスさであり、オリジナル楽器オーケストラにはそれが欠けている。管楽器など演奏も不自由そうで、あえてモダン楽器を避ける理由がわからないことも多かった。だいたい、大きなホールの後ろの方で聴くと音が届いてこない。何だか損した気になることがほとんどだったから意識的に避けてきた。しかし、わずか１０人のコーラスと２６人のオーケストラの紡ぐ音楽の、何と天衣無縫で自在なこと。まるで最高級のシルクで作られた色彩豊かなタペストリーが風に舞いながらオーロラダンスのように虚空に漂うかのよう。荘厳にそびえ立つ建築のようなバッハではなく、優美に舞い踊り、しかし優しいだけでなく表情はきりっと辛口。音楽的に最も感銘を受けたのは、フレーズ感。ほんのわずかの音量の差をつけて大きなフレーズを作っていくので、繊細な響きの優しい表情の演奏なのに、スケールが大きく感じる。実際に鳴り響いている音よりも豊かな響きに感じるのはそのためだろう。短い曲の集まりに感じることの多いバッハの音楽が、これほどひとつの音楽としてきこえたのははじめてだ。もしひとりだけ敢闘賞をあげるとしたらバスのハーヴェイか。よく通る声、思い切りのいいアクセント・・・変なたとえだが、この世で最高の「演説」があるとしたら、ハーヴェイの歌うバッハではないか。すべての演奏者が指揮者のロボットではなく室内楽奏者のように自発的なのがこうした団体の最大の長所だが、中でも、コントラバスのロベルト・フラネンベルグの演奏は際立っていた。調べてみるとロッテルダム・フィルハーモニーの平のコントラバス奏者らしいが、すべての音の意味を理解して適切な音量と表情で奏でられた通奏低音というものをはじめて聴いた。こういう演奏に親しむと、ふつうのオーケストラの演奏が生気のないビジネスライクなものに感じられるようになってしまうにちがいない。それにしてもヨーロッパ音楽界の底力はすごい。わたしには「世界一」と思えるコントラバス奏者が平のメンバーだというのだから。ただ音響のいいキタラホールの１階席だったからよかったものの、やはり大ホールで古楽は辛い。１階席でさえ、たとえばチェンバロの音はほとんど聞こえない。もっと小さなホール、紀尾井ホールやトッパンホール、あるいはヨーロッパの教会のようなところでなら、印象はますます鮮烈になるだとうと思う。

December 7, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～弦楽四重奏によるレクイエム

毎年、モーツァルトの命日の時期に行われているコンサート。今年で６回目になる。文屋治実が編曲したモーツァルトの「レクイエム」をメーンに、前半は毎年あまり知られていない作曲家の弦楽四重奏曲を置く構成。今年はフンメルの弦楽四重奏曲第３番。ただしフンメルの作品は失礼して「モツレク」だけ聴いた（ザ・ルーテルホール）。アンコールは「アヴェ・ヴェルム・コルプス」。文屋編「モツレク」を聴くのは３度目。演奏は年々、熟成を増しているようだ。以前は調性感がわからなくなるようなこともあったが、６年目ともなるとそういうことはなくアンサンブルにも瑕疵はない。しかしカール・ベームやカラヤンの演奏でこの曲に親しんだであろうほとんどの音楽ファンは、編曲はともかく、演奏にはかなり違和感を感じるのではないだろうか。その違和感の原因を考えながら聴いたが、最大の原因はテンポ感覚にある。端的に言って器楽的で速すぎるのだ。もっとこの和音、このフレーズに浸っていたいと思っていてもあっさりと前に進んでいってしまう。各曲の終わりの部分など、いかにも呼吸が浅い。もしこの曲を木管四重奏で演奏したとして、管楽器奏者は絶対にこうは演奏しないだろうと感じる。テンポが速くても歌謡性に富む演奏というのはある。優れた演奏は、ぎりぎり速いテンポで歌謡性に富んだ演奏が多いということから考えると、歌謡性が不足しているということだろう。特に第一バイオリンには、アンサンブルが崩壊する寸前までの大胆な表現をのぞみたいところ。結局、このアンサンブルにはリーダーが不在で、この曲をどういうスタンスで演奏するかというグランドデザインがないのだ。そのため、個々のパートはしっかり弾かれていても、音楽としての表現は弱くなってしまうのだと思う。元は声楽曲なのだから、歌うつもりで演奏するという基本に帰るべきだ。そもそもモーツァルトの音楽が同時代の他の作曲家と決定的に違っている点は、すべてのパートが「歌って」いることにある。出席率は５０％だが、実はこのコンサートは楽しみにしている。いつもこの曲で第二バイオリンを弾く長谷川加奈という女性が、テレビ東京の相内優香似の、いや彼女以上の美人なのだ。だからいつもこのコンサートでは前列中央やや左側に座る。それがなにか？

December 5, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～宮澤功行音楽活動４０周年記念コンサート

宮澤功行と言っても今では知らない人がほとんどかもしれない。４０年ほど前ベートーヴェンのピアノ協奏曲第５番「皇帝」でデビューしその剛毅な演奏で一世を風靡したピアニストである。オッテルロー指揮の読響との全国ツァーのあと、たしか札響のベートーヴェン・ツィクルスでも協奏曲を共演した。その後「札幌ピアノ音楽院（のち札幌コンセルヴァトワール）」を設立し教育活動に比重を移していった。その音楽活動４０周年を記念したコンサートは３部からなり、第１部は彼の１０代の教え子１１人のピアノソロ、第２部は講師とＯＢによるコンサート、第３部は宮澤功行指揮オーケストラＨＡＲＵＫＡ（札幌のアマオケ）とのピアノ協奏曲という構成。４時間以上のコンサートなので第１部は失礼し、第２部から。年譜を見ると２００９年に指揮者デビューとある。毎年、このアマオケを指揮してピアノ協奏曲を演奏しているらしい。その宮澤功行の指揮が噴飯もの。何事も自己流によらず、きちんとした指導者によるトレーニングが必要なのは自身がよく知っていると思うが、シロウト以下というか稚拙そのもの。オーケストラもそのあたりは心得ているのか、コンサートマスターの指示で演奏するというおとなの対処をしていたため壊滅的な破たんは免れたものの、トゥッティのアインザッツはまったくと言って揃わず悲惨。１曲目のバッハ「２台のピアノのための協奏曲ハ長調の第一楽章」はそれでも曲の性格から何とか音楽になっていたが、２曲目のモーツァルト「ピアノ協奏曲第２０番の第一楽章」は悲惨のきわみ。デリカシーのないソロもさることながら、デモーニッシュに煽り立てるだけの指揮者が作る音楽は、史上最低のモーツァルトといっても褒めすぎか。トリは宮澤氏のデビュー曲である「皇帝」を千野宣大という人のソロで。この人のソロは落ち着きと力感のある立派なベートーヴェン。やや平板なものの、安定した確実なテクニックで安心して聴けた。この曲はタコ踊りのようにクネクネした指揮姿が見えない位置に移動して聴いたので視覚が聴覚の妨げになることはなかった。７人のピアノ奏者と１人のフルート奏者が出演した第２部では、ゲストとして招かれた弘中孝が宮澤むじかとラフマニノフの「組曲第２番」を演奏したのが注目された。勝ち気にがんがんと弾きまくる宮澤むじかに対し、力まずにさらっと弾いているようでありながら音量もありニュアンスも豊かな弘中のピアノに感心。４０年ぶりくらいに聴いたが、かつて国際コンクールを次々と制覇した腕前は健在のよう。デュオではなく彼が得意とするブラームスあたりをソロで聴きたかった。宮澤功行氏に勧告する。指揮活動をするなら、まずスポーツトレーナーについて上半身の柔軟性を獲得し、武術家に師事して腹のすえかたと立ち方を習得すること。腕を振り回すのはそのあとで、基礎的な打点の打ち方くらいは、たとえば中村隆夫氏に習うことだ。そうでなければ、今度指揮台に立ったら野次りたおすから覚悟するように。はた迷惑なので指揮台で醜悪なタコ踊りをやるのはやめろ。

December 3, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～第482回ほくでんファミリーコンサート

「ほくでんファミリーコンサート」は、原発推進企業である北海道電力が札幌交響楽団を起用して１９７３年から開いているＡＭ放送向け実況録音コンサート。かつては札幌で行っていたが、いまは全道各地で開かれており、札幌で開催されることは少なくなったこともあり、足が遠のいていた。足が遠のいた理由はほかにもある。３日間練習をする定期演奏会に比べ２日と練習時間が短く平板な演奏が多いこと、首席奏者を欠くことが多く演奏レベルが低いこと、無料コンサートのためかマナーを知らない客が多いので不快な思いをすることなど。２０年ぶりに来てみたこのコンサートでも、隣席は４歳くらいの落ち着きのない女の子で、学齢未満の子どもを入場させる主宰者、そうした子どもを連れてくる母親のＫＹぶりには辟易とさせられる。天下のキタラホールのロビーでは、手作りのお弁当やコンビニ食を食べている人たちが少なくなく、まるで１９７０年代にタイムスリップしたようだ。しかしコンサートそのものは意外によかった。指揮とバイオリンの服部譲二という人を初めて見聞したが、指揮にもバイオリンにも華があり、誰のマネでもない自分の音楽がしっかりとあり、それがまた多くの人を納得させる豊かな音楽性を感じさせるものになっている。一曲目、ニコライの歌劇「ウィンザーの陽気な女房達」序曲では個性的なモチーフをさりげなく際立たせたりと、指揮者として一流であることをうかがわせて期待が高まる。続くモーツァルトのバイオリン協奏曲第４番は、よく響く美音でのびやかな歌が奏でられて気持ちがいい。この人の音楽にはどことなく日本人離れしたものがあり、日本人特有のスクエアな感じがない、と思ったら少年期からウィーンにいた人という。そういうことが関係しているのかもしれないが、元気なのに粗さのない優れたモーツァルトを満喫できた。長所は同時に短所でもある。チャイコフスキーの交響曲第４番では、思い切りよくオーケストラ、特に金管を鳴らし、ダイナミックな表現で会場を沸かせたが、第２楽章は寂寥感に乏しく明るすぎるし、第３楽章は平板に流れてしまいもう少しエキセントリックな衒学性がほしかった。フィナーレも明るくダイナミックなのはいいが、狂気の爆発には届かないし、鳴らしすぎで重要な音が埋もれてしまう部分もあった。ただ、指揮を見ているとそうした重要な音はきちんと把握して指示をしていたので、凡庸な指揮者ではないことは確かだ。アンコールはシベリウス「悲しいワルツ」。この人が指揮すると特に弦楽セクションが柔らかく明るいいい音がするが、昔の札響を思い出させるサウンドを久しぶりに聴くことができた。バイオリニストの余技かと思って出かけたが、この人は本格的な指揮者であり、音楽を楽しく聴かせる独特の才能を持っている。それに、彼がスコアから読みとる音楽の表情に関しては違和感を感じる部分がまったくない。これは極めて稀だし貴重なことだ。バイオリニストとしては年齢的にピークにある（４２歳）と思われる。指揮者としても、極端にシリアスな音楽以外は楽しく、そして音楽的に充実した時間を提供してくれると確信できる。コンサートの帰り道を楽しく華やいだ気分にさせてくれる存在として、この人の右に出る指揮者は世界的に見ても稀だろう。

December 1, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～大森潤子　バッハ　無伴奏ヴァイオリン演奏会

札幌に北星学園大学というキリスト教系の大学があり、そのチャペルでは毎月のように小規模なコンサートが行われている。３０年以上前はオルガンのあるホールは札幌にはなかったので、このチャペルでオルガンと弦楽のための音楽など聴きに来たことがあった。約３０年ぶりに来てみると、チャペルは新築され、明るい雰囲気になっている。暖房も完備され隔世の感がある。大森潤子は札響の首席奏者だが、ソロを聴いたことがなかったので来てみた。バッハの無伴奏ソナタとパルティータは２００８年から２０１０年にかけて２曲ずつこの場所で演奏したことがあるらしい。今年のプログラムを考えるにあたって、東日本大震災の鎮魂からバッハ以外は思いつかなかったといい、アンコール公演となった。演奏されたのは２番と３番のソナタ。彼女がコンサートマスター級の実力の持ち主であることは最初の数分でわかった。正確な音程、確実なボーイング、安易に流れることのない集中力・・・コンクール優勝歴に納得したし、メジャーなコンクールに参加しても入賞は無理でもファイナリストには残ることができただろうというレヴェルの腕前なのは明らか。しかしチラシにある「祈りのバッハ」は、とうとう最後まで聞き取ることができなかった。「とてもうまくいった練習」を聞いているような感じで、この演奏家の目指しているものが見えてこない。バッハの作品中でも、最も崇高で敬虔で感動的な美しさに満ちた３番のソナタの第３楽章「ラルゴ」も、祈りというよりそれこそ４楽章ソナタの一部にしか聞こえない。雪の舞う平日昼間のコンサートにも関わらずチャペルは満員。無料コンサートは敬遠していたが、こんなところで静かに音楽が根付いているのを知ったのは収穫だった。

November 30, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～ＰＭＦチェンバー・オーケストラ

札幌地下鉄開業４０周年を記念した無料コンサート。川瀬賢太郎指揮ＰＭＦチェンバー・オーケストラの演奏で５曲が演奏された。整理券ではなく応募が必要だったためか、熱心な音楽ファンの割合が比較的多いコンサートだったようで、ざわついた雰囲気もなく、途中退場者もほとんどいない。いい席から埋まり、開演３０分前に行ったのに、２階席横しか空いていなかった。弦楽だけの曲を集めた前半は、しかしこの席でよかった。指揮者を含めた演奏者の表情がよく見えるし、弦の音は直接音が届く。２６人の弦楽奏者は川瀬賢太郎のきびきびした指揮に実によく反応し、切れ味のいい、しかし歌やニュアンスにも不足のないモーツァルト（アイネ・クライネ・ナハトムジークの第一楽章）、バッハ（Ｇ線上のアリア）、Ｊ・シュトラウス（ピチカート・ポルカ）、チャイコフスキー（弦楽セレナードの第一楽章）を響きかせた。モーツァルトやシュトラウスでは拍にとらわれがちな日本人音楽家によく見られる悪癖を感じたが、バッハやチャイコフスキーではこの若い指揮者のみずみずしい感性を聴くことができた。休憩後は１階７列目に移動。そこで聴いたベートーヴェン「交響曲第７番」は、いままで聴いた最速の「ベト７」ではなかったろうか。しかしそうしたテンポにもかかわらず音楽が前のめりになったり舌足らずになったりすることなく、爽快な中にも強い音楽的密度を感じさせる演奏で、すべての音にこの音はこう響かなければならない、という指揮者の強い信念が感じられる。大指揮者のモノマネはまったくなく、この指揮者ならではの個性的な楽譜の読みがひとりよがりになっていない。要所で叩きつけられる強烈なアクセントはこの曲にふさわしく、スケルツォのメリハリといいフィナーレの急加速といい、胸のすく快演。若手指揮者では山田和樹とこの指揮者に注目していたが、初めて聴いて、この世代のトップランナーのひとりと確信した。バーンスタインを直接知らない４０名弱の、平均年齢３０歳前後とおぼしき若者オーケストラは、機敏さなどいわゆる名門オーケストラにはない魅力があり、指揮者の実力をストレートに聴くことができる。まじめでひたむきな演奏態度にも好感。中ではオーボエとフルート首席はプロ・オーケストラの首席になる実力の持ち主と感じられた。

November 29, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～文屋治実チェロ・リサイタル２６

札響のチェロ・セクションでただひとり定期的にリサイタルを開いているチェリストによる、クラシック・シリーズ２６回目にして札幌のピアニストとの共演シリーズのｖｏｌ．６。ピアノは二宮栄美歌（道教大准教授）。このコンサートの注目点は２つ。グリュッツマッハー版によるバッハの無伴奏チェロ組曲第４番と、ショパンに心酔していた１９世紀フランスのピアニスト・作曲家のアルカンの「チェロとピアノのためのコンサート用ソナタ」という珍しい作品が演奏されること。なじみのない２曲を最初と最後に置いたせいか、真ん中にはいわゆるポピュラー名曲が３曲。バッハ/グノー編曲の「アヴェ・マリア」、フォーレ「エレジー」、マスネ「タイスの瞑想曲」が並べられた。なじみのある・なしではなく、やはりこの３曲のメロディーの美しさ、鳴り響く音楽の容姿容貌のよさが抜きんでていることが印象に残る。グリュッツマッハー版のバッハはあまりにも１９世紀的な改変がいまとなってはバッハの濃密な音楽を薄めてしまうように感じられるし、アルカンの作品は部分的には美しいものの全体として聴いたときの印象が希薄。埋もれたチェロの名曲を発掘しようという演奏者の意欲には敬服するが、この種の曲はナクソス・レーベルのＣＤが中古で出ていたら買って聴いてもいいと思う程度の人が大半ではないだろうか。この曲のよしあしはともかく、アルカンの他の作品も聴いてみたいと思うことはなかった。このホール（ザ・ルーテルホール）はピアノが響きすぎる傾向があるが、この日のピアニストはあまりバランスに配慮せず屈託なく鳴らしていた。強打しても響きが汚れないなど美点も多いし、屈託のなさも長所。しかし、長所はそのまま短所にもなるということを意識したとき、もっと深い音楽を奏でられるようになるにちがいない。アンコールのショパン「夜想曲」は心にしみいる曲であり演奏。

November 28, 2011

コメント(0)
こんなコンサートに行った～札響名曲シリーズ　愛しきアマデウス

札響が定期演奏会とは別に年に４回（来年からは５回）開いている名曲シリーズの第３回はオール・モーツァルト・プログラム（札幌コンサートホール・キタラ）。このコンサートの注目点は何と言ってもソリストのカール・ライスターの来演。カラヤン時代のベルリン・フィル首席奏者としての声名は今では考えられないほど高かったが、１９３８年生まれのライスターは７３歳。いま聴いておかなくては、という気持ちで出かけた。オペラ指揮者として評価の高い児玉宏を初めて見聞したが、モーツァルト指揮者として一級と感じた。最初の「フィガロの結婚」序曲で感じた、柔らかく温かいドイツ・オーストリア風のモーツァルトを聞かせる人という印象は最後まで変わることがなかった。「クラリネット協奏曲」では、さすがにライスターに往年の切れ味はない。音量は小さいし、技術的に不安定なところも散見される。しかし、弱音が雄弁で、華美に走ることのない落ち着いたおとなの音楽はヨーロッパの音楽家ならではのモーツァルトという印象を与える。技術を超えた音楽の生命と魅力を堪能できた３０分。後半はディヴェルティメントＫ．１３６と交響曲第３５番「ハフナー」。考えてみればすべて長調のプログラムでしかも３曲がニ長調という弦楽器がよく鳴る調。コンサート全体が統一された印象だったのはそのせいかとも思うが、いずれも日常性のモーツァルトというか、大向こうのうけねらいのない誠実な演奏で、「強い個性はないが、何だかいい音楽を聴かせてもらった」という印象が残った。アンコールも長調の曲で、ヘ長調のディヴェルティメントから。個人的なことだが、今年はじめてザルツブルクに行きモーツァルトゆかりの場所など観光してきた。驚いたことに、それ以来、意識したわけではないのにモーツァルトの音楽が非常に身近に感じられるようになった。音階と和音だけでできているようなモーツァルトの単純な音楽から細かいニュアンスを聴き取れるようになったし、深みも感じるようになった。そうして思うのは、いいモーツァルト演奏というのは案外少ないということである。鈍重だったり攻撃的すぎたり、ニュアンスがありすぎたり平板だったりと不満が残ることが多い。この日の演奏は少なくともそういう不満を感じさせるところはなかったが、それ自体、かなり稀有なことである。

November 26, 2011

コメント(0)

全302件 (302件中 101-150件目)

< 1 2 3 4 5 6 7 >

投資の余白に。。。

[クラシック音楽] カテゴリの記事

こんなコンサートに行った〜東京混声合唱団第229回定期演奏会

こんなコンサートに行った～ベルリン古楽アカデミー

こんなコンサートに行った～札響の第九 二日目

こんなコンサートに行った～札響の第九 一日目

こんなコンサートに行った～トリオ・リゾナーレ 室内楽の夕べ

こんなコンサートに行った～宮崎陽江ヴァイオリンの夕べ

こんなコンサートに行った～ミハウ・カルロ・シマノフスキ ピアノリサイタル

こんなコンサートに行った～武満徹の全合唱曲

こんなコンサートに行った～東京フィル第８２４回サントリー定期

こんなコンサートに行った～読売日本交響楽団名曲シリーズ

こんなコンサートに行った～日本フィル第６４４回東京定期

こんなコンサートに行った～ロハン・デ・サラム＆児玉桃

こんなコンサートに行った～ＰＭＦ－ＧＡＬＡコンサート

こんなコンサートに行った～東京混声合唱団 札幌特別演奏会

こんなコンサートに行った～山田亜希子ピアノ・リサイタル

こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・アンサンブル イヴニング・ウィズ・ベートーヴェン

こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・リサイタル２

こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・リサイタル１

こんなコンサートに行った～ＰＭＦアンサンブル北広島公演

こんなコンサートに行った～ＰＭＦオーケストラ演奏会

こんなコンサートに行った～ファビオ・ルイジ指揮ＰＭＦオーケストラ

こんなコンサートに行った～ＰＭＦヨーロッパ・アンサンブル演奏会 イヴニング・ウィズ・モーツァルト

こんなコンサートに行った～イェンセン指揮ＰＭＦオーケストラ演奏会

こんなコンサートに行った～アナ・ヴィドヴィチ ギターリサイタル

こんなコンサートに行った～ジャパン・グスタフ・マーラー・オーケストラ

こんなコンサートに行った～第４８３回ほくでんファミリーコンサート

こんなコンサートに行った～小川京子ピアノ・リサイタル

こんなコンサートに行った～助川龍コントラバス・リサイタル

こんなコンサートに行った～LFJ最終日 台北市立交響楽団ほか

こんなコンサートに行った～LFJ２日目 モディリアーニ弦楽四重奏団ほか

こんなコンサートに行った～札響第５４８回定期演奏会

こんなコンサートに行った～ハルモニア・アンサンブル×波多野睦美

こんなコンサートに行った～プラハ・フィルハーモニア管弦楽団

こんなコンサートに行った～札響第５４７回定期演奏会

こんなコンサートに行った～札響第546回定期演奏会

こんなコンサートに行った～奏楽（そら）ニューイヤーコンサート

こんなコンサートに行った～音楽を越境した音楽たち

こんなコンサートに行った～フライブルク・バロック・オーケストラ

こんなコンサートに行った～住吉雄一フルート・リサイタル

こんなコンサートに行った～道教大学岩見沢校芸術課程音楽コース第３回定期演奏会

こんな映画を観た～かすかな光へ

こんなコンサートに行った～石本裕子ピアノリサイタル

こんなコンサートに行った～オランダ・バッハ協会合唱団＆管弦楽団

こんなコンサートに行った～弦楽四重奏によるレクイエム

こんなコンサートに行った～宮澤功行音楽活動４０周年記念コンサート

こんなコンサートに行った～第482回ほくでんファミリーコンサート

こんなコンサートに行った～大森潤子 バッハ 無伴奏ヴァイオリン演奏会

こんなコンサートに行った～ＰＭＦチェンバー・オーケストラ

こんなコンサートに行った～文屋治実チェロ・リサイタル２６

こんなコンサートに行った～札響名曲シリーズ 愛しきアマデウス

こんなコンサートに行った～札響の第九　二日目

こんなコンサートに行った～札響の第九　一日目

こんなコンサートに行った～トリオ・リゾナーレ　室内楽の夕べ　

こんなコンサートに行った～ミハウ・カルロ・シマノフスキ　ピアノリサイタル

こんなコンサートに行った～東京混声合唱団　札幌特別演奏会

こんなコンサートに行った～ＰＭＦアメリカ・アンサンブル　イヴニング・ウィズ・ベートーヴェン

こんなコンサートに行った～ＰＭＦヨーロッパ・アンサンブル演奏会　イヴニング・ウィズ・モーツァルト

こんなコンサートに行った～アナ・ヴィドヴィチ　ギターリサイタル

こんなコンサートに行った～LFJ最終日　台北市立交響楽団ほか

こんなコンサートに行った～LFJ２日目　モディリアーニ弦楽四重奏団ほか

こんなコンサートに行った～大森潤子　バッハ　無伴奏ヴァイオリン演奏会

こんなコンサートに行った～札響名曲シリーズ　愛しきアマデウス