よんきゅ部屋

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• エキストラ無事終了

  今日は、エキストラ出演の演奏会。これまで数少ない練習ながら、このオケでもいろいろなことを吸収することができた。指揮者の方からは音楽を形作っていくやり方、指揮の動きなど、刺激を受けた。シンプルな動きの中に、音楽が詰まっていて、そこから自分の音が引き出されていく、そんな感覚がとても幸せだった。後ろまで目を配り、出した音についてのフィードバックもたくさんもらった。一緒に音楽したなあという感じ。本番はさすがにいつもと違う緊張感に包まれた。最初の「レオノーレ」序曲第3番は、やはりどうしても様子を見てしまうところはあったにせよ、ときどきゾクッとする瞬間があった。こういう瞬間がたくさんあるときっと楽しいんだろうなと思う。次はモーツァルトのピアノ協奏曲第12番、ソリストは高校生だった。といっても、とてもいい音をしていた。音の形がとてもよく見えて、心地よく運んでくる演奏。軽いタッチのトリルがとても印象深い音色だった。今後の活躍に期待という感じだ。この曲では古典奏法が要求された。ビブラートをかけないような指示があったので、これはもう完全に音程と音色だけの勝負になった。フレーズの中でどの音に頂点を持ってくるのか、どの音で収めていくのか、とにかく頭を使った。さらに、弓を短く持つように(バロック・ヴァイオリンみたいに）という指示もあり、拳1つ分短く持って演奏した。長い音を弾くときの音色がなかなか面白かった。こういうのもモーツァルトだったらいいなあと思った。そして、休憩後にいよいよ「運命」。集中力勝負の曲である。ホールの響きが比較的長く残るようだったので、とにかくアタックをきっちりつけていくことを念頭に置いて弾いた。フォルテは落ち着いて、フォルティシモで炸裂、というスタイルで行った。所属オケの団員が聴きに来てくれていたのだが「よんきゅさん、遠慮して弾いていたんじゃないの？」と言われた。いつもならもっと爆演状態になるはずなのにと言われたのだが．．．その人は私のことをわかって言っているのだが、どうも私は爆演的な弾き方であると多くの人に誤解されているらしい。豪快に見えるらしいのだが、無駄な動きはしないように計算している。音楽の流れが求めるテンションに持って行くことを常に考えて演奏しているという自覚は持っている。テンションと動きの大きさとのバランスを限界に近いところでとっているのだ。ピアニシモはたぶん、他の人よりももっと小さい音で弾いているはずだ。楽譜に書いてあることに忠実に、それもスコアまで遡って音色や音量を計算しながら弾いている。もちろん、それが正しいのかどうかは他の人のコメントに委ねるより他ないのだが．．．。「運命」は何とか首尾よく終了。オケとしての演奏もなかなかよかったように思う。楽しく弾かせていただくことができた。いつもいる大規模なオケとはまた違った雰囲気で、古典派の曲を演奏し、何となく新鮮な気分だった。と同時に、また腕を上げなければという思いを新たにした。終わった後は飲みに行く暇もなく、ヘロヘロになりながら、所属オケの練習。「運命」弾いた後なんて、何も弾けないぞ．．．。というわけで、タイミングや弱音の音色に重点を置くことに。あの高いテンションはさすがに無理だった．．．。結局、練習してから飲みに行って勝手に個人的に打ち上げ気分。まあ、それもいいだろうということで。疲れた．．．。

  May 27, 2007

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• エキストラ

  エキストラと言っても、ドラマや映画のではなく、オーケストラのそれは、かなり難しいものである。テレビドラマのエキストラも学生時代に出たことがあるが、それは演技指導されるものではなかったし、その他大勢という感じだった。しかし、オーケストラの場合、それとはまったく異なり、人数が足りない場合に音を補強するために呼ばれるものである。私はときどき、他のアマチュアオケからエキストラとしての演奏を依頼されることがある。こういう依頼は、もちろん知り合いがいるから成立するものである。そのオケにさらに他の知り合いがいたりすると行くのは緊張しすぎずに済むのだが、そうではない場合もある。私の場合、学生の頃はいろいろな大学オケにおじゃまさせてもらったのだが、さすがに働き始めるとそうも行かない。さらに子供がいたりすると、週末をそれで使うというのは非常に評判が悪くなってしまう。しかし、それでも「練習回数は少なくてもいいから」と言われて承諾するケースもある。ところが、実はこれがよくないなと自分では思ったりする。学生時代にエキストラに行っていたときは、そのオケの知り合い以外の人と仲良くなれてしまうくらい、何度も練習に参加していた。そのオケがどういう練習をしているのか、指揮者にどう反応しているのか、といったことをわかった上で演奏しなければ役割を果たせないと思っていたからである(今でも基本的なスタンスはそうだ）。最近では、指揮者の要求がどういうことなのか、どのように持って行きたいのかは、短時間でわかるようになったのだが、そのオケに気持ちの上でとけ込んでいく(相当高いテンションで)ことは以前ほど十分にはできていないような気がする。もちろん、努力をしていないわけではないし、限られた時間の中で最大限のパフォーマンスになるように工夫もしている。それでも、エキストラとして出る場合の最近の悩みは、どこまでやっていいのかということである。指揮者にきっちり反応していくというのは、プロのエキストラなら多くて3回の練習、その中での勝負なのだが、アマチュアの場合は半年以上の積み重ねがある。間違って迷惑をかけないことはもちろんのこと、どこまでとけ込むように持って行くのかが重要なのだと思う。具体的には、指揮者を見ながらコンマスの弓の動きも見ることが必要になるのだが、何も考えずに「見て」いては絶対に間に合わないので、常に少し先を見通しながらやらなければならない。「どうするんだろうか？」ではダメで「こうするんじゃないな、たぶん」と思いながら、動きが違うととっさに反応しなければならない。人数を足す、ちょっと音量を足してもらえれば、ということではなく、ちゃんと同じテンションできっちり音を出すということが必要なのだ。だからこそ、エキストラはとても難しい。そんなエキストラとして、今日これから舞台に上がる。曲目が「運命」だなんて、エキストラとしては恐ろしいことこの上ないのだが、頑張ってこよう。

  May 27, 2007

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• パヌフニク「祭典交響曲」関西初演に立ち会う

  今日は、すごい雨の中、授業を終わって急いで片づけを済ませてザ・シンフォニーホールへ。関西フィルの演奏会へ行った。演奏会を聴きに行くときは最近ずっと雨続き、傘を客席の下に置くのがいつも鬱陶しく感じる。プログラムは、最初にブラームスの交響曲第2番、次にメンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲、そして最後に関西初演となるポーランドの現代作曲家パヌフニクの「祭典交響曲」である。指揮は尾高忠明氏、ヴァイオリン・ソロは川久保賜紀氏、尾高氏の指揮は大阪フィルで見て以来2度目、川久保氏のヴァイオリンは初めて聴いた。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－ブラームスはプログラムのどこに持ってくるのかによってちょっと感じが変わるなという気が何となくした。それは私がメインの曲だと思っているからなのだろう。しかし、演奏はとてもよかった。随所に美しい管楽器のソロ、第4楽章のはじけっぷり、やはりブラ2はこうでないとと思う。やはり指揮に興味がある者としては、尾高氏の指揮とオケの弾き方のつながりをずっと見ていた。尾高氏の指揮は無駄に大きな動きがなく、本当にお手本のような感じがする。自分が奏者で弾いているつもりで見ていたが、とてもわかりやすい。無駄に煽らなくても、オケはあれだけの音がするというのがすごい。でもお、お手本のように見える指揮をすることって、本当はとてつもなく難しいんだよな．．．。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－メンコンもよかった。川久保氏の弾き方は、見ていて力強い。といっても、重さを感じるのではなく、鋭さを感じる強さのように思えた。聴いていた場所によって違う印象になるのだろうが、私のいた場所だと、弱音のつくりかたがとても素晴らしいと思った。ダウンボーが連続するような力強さの必要な場所よりも、弱音の場所で音が遠くまでまっすぐ届いてくることに感動した。私の知人でアメリカに留学していた人が川久保氏のヴァイオリンをあちらで聴いて一度にファンになったという話を聞いていて、今日初めて聴くのを楽しみにしていたが、その人の気持ちがわかったような気がする。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－さて、最後はパヌフニク。現代音楽と聞いてどんな感じなんだと思いながら会場に行った。「祭典」でなおかつ現代音楽と聞けば「春の祭典」のイメージだが、会場に行ってパンフレットを見るとどうもそれとも違うらしい。オケの配置で特徴的だったのは四隅にトランペットが配置されていることだった。これは立体的な響きが期待できそうな感じ。曲が始まると、最初はトランペットが4本でひたすら掛け合い。音はとてもわかりやすい。時に不協和音があってもそれは問題のない許容範囲だと私は思った。その後、弦楽器が出てきて繊細な和音をずっと弾いていくのだが、ここは「ミーレー」と弾くグループと「ラーシー」と弾くグループがあって、協和音が出てきたりするので、意外と聴きやすい印象。と、その後場面が変わって、打楽器が大活躍！ティンパニはペダルを駆使したり、激しいリズムを刻んだりする。弦楽器も細かい音符を急速に弾きまくり。オケも指揮者もすごい集中力だった。おそらくちょっとでも気がそれると振り落とされそうな感じだ。プロオケのプレーヤーが必死でリズムをカウントしている姿はそう見られるものではない。素晴らしいものを見た気がした。それから曲は静まり、今度は弦楽器がフラジオレット（「ヒー」という音がする奏法、例としてはマーラーの交響曲第1番冒頭が有名）で繊細に弾く。音に肌触りというのはないのだろうが、何となく違う生地の服に着替えたような印象。しばらく色のコントラストが多くない音楽が続くが、最後の方はオケがどんどんふくらんでいくように曲が展開されていく。指揮者の棒もどんどん図形が大きくなっていく。そして、最後は音を押し出すように終了。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－初演の泣き所は、終わった瞬間というのがわからないことだ。知っている曲なら、そこでブラボーなんだろうが、今回はそうは行かず。しかし、指揮者の動きに比べてフライング気味にブラボー隊が登場してしまった。結局、そこでおしまいだったというのは正解だったが、危なかったぞ．．．(チャイコフスキーの5番や「悲愴」みたいなブラボー大事故にならなかったことが救い)。それはさておき、終わった瞬間の会場の雰囲気は微妙だった。慣れない曲だからなのだろうが、それでもホールから出て階段を下りるときには「面白かったね」と言っている人がけっこういたので、この曲をやったことは成功だったのではないかと思う。関西フィルは20世紀の曲に取り組んでいるということだが、それはとてもいいことだと思う。いつも慣れた曲というのではなく、めったに聴けない曲を入れることでレアなことに立ち会う楽しみもできる。何かやってくれそうだという期待感を持って演奏会に行くこともできる。現代音楽は特に響きを立体的にしているので、ライブで聴くのが一番だと思う。そういった意味で、関西フィルの試みはいいなと思っている。またぜひ行ってみたい。今度はどんな驚きに出会えるのだろうか。

  May 25, 2007

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• たぶん、疲れてる？

  昨日も遅くまで仕事して帰った。なかなか寝付けずにいただけでもしんどいのに、朝はなんと夢にうなされて起きた。その夢とは．．．今いるオケをクビになる夢。なぜか私が実家にいて、そこへベテランの団員と、別のオケの人がいる。ベテラン団員が「今からテストをやる。もしできなかったらクビだ。」と言われる。そして、最初に「君は、ピアノをどれくらい弾けるのかね？」ときかれた。私は正直言ってまともに弾けないのでその通りに話すと、「話にならんねえ．．．」と言われる。しばらく沈黙があってから、別のオケの人がピアノの前に座った（ちなみに、実家にピアノはないのに、なぜかあった）。そして、「今から和音を聴き取ってもらうテストをやります。3秒以内で答えられなかったら、クビです。」と言われる。最初は「ドミソ」だった。これは簡単、ホッとしていたら、「じゃ、次の問題です」と言われ、次の瞬間には「ドミファソラシ（レ以外のすべての白い鍵盤を同時に叩いた和音）」という音が鳴らされた。何の音だ？と考えるうちに、何とその人は女子プロレスの悪役レフェリーによる3カウントのように1.5秒ぐらいで「はい、3秒です。できませんでしたね。あなたはクビです。」と言われてしまった。3秒で何とか答えたはずなのに．．．。「ガ～ン！！」と思った瞬間に目が覚めたのだが、やっぱり疲れているのかなあ．．．。どうも最近、いろいろと考えなければいけないことがあって、潜在的にいろいろなものが蓄積されていて、それが自分の好きなことができなくなるという夢につながっていたのかなとも思ったりする。もちろん、この夢の登場人物に個人的な恨みはまったくない。今日こそいい夢見られないかな．．．。

  May 16, 2007

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• どこまで具体的に言うべきか

  夕方からはオケの練習。アマオケの練習は本当に難しいと今さらながらに実感。ある曲の冒頭、4パートによるソリ(ソロの複数形）で始まるのだが、これが全然寄り添ってこない。フレーズの取り方が人によって微妙に食い違っているために、時間的にも合わなければ、音色的にも合っていない。本当は合唱で歌われてもいいような旋律(実際にそうしている演奏もあるくらい）で、弱々しくないものの声を張り上げるでもないという音色が必要で、それぞれのパートが溶け合うようにならなくてはいけないものだ（もちろん、最高音の旋律のみ多少強めという操作は必要だが）。しかし、残念ながらそうなってはいなかった。そこで、たまりかねたコンマスが作曲の経緯をふまえてちょっと文学的なことを言ったら、そのパートのある人が「それじゃ、どうすればいいのか？！具体的に言ってもらわないとわからないよ！」と言った。「具体的に」というのはなかなか難しいものだ。そもそも違う楽器の人が言っている（もちろん、コンマスの指摘はある程度納得できるものであったとは思う）のだから、具体的なこと(奏法とか）まで言うというのは難しい。しかも、この場合、弓を使う量や場所が違うという問題ではなく、歌い方や音色、イメージの問題である。どうやれば出せるのかについては、その楽器をずっと弾いてきた人だからわかるのではないだろうか。それを言ってしまっては、「言われなければ何もできない」と言っているのと同じだとも言える。そうでなければ、少々うがった見方ではあるが、「弾けないヤツに言われたくない」と言っているようにもきこえてしまう。まあ、そこまで悪気があるとは思わないのだが．．．。練習の過程で「具体的な指示を」と言う人は少なからずいる。まあ、抽象的なことばかり言って、まったく具体性のない話だとイライラするというのは理解できる。それは人を集めて何かを話すときにはいつでも当てはまることだろう。しかし、音楽は具体的な奏法といったレベルまでブレークダウンすることが難しいこともある。人によって弾き方のクセは千差万別、それを揃えようとするなら、表現上のことを言っていくしかない場面もあったりする。歌い方を揃えるという場合はまさにそれが当てはまるように思う。こういう場合はいっそのこと、みんなで楽器を置いて口で歌ってみたらどうなのだろうかと思ったりする。実は意外としっくり行ったりするものだ。きっと口で歌えば、そんな歌い方はしないはず．．．。もっと溶け合わないと、オケの中でケンカしているようで、もったいない。

  May 13, 2007

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• オケネタで大いに語る

  午前中の授業が終了して部屋に戻り、携帯を見ると着信メール。大学時代のオケの後輩からで、今日は帰り道の繁華街近くである会社の研修が早く終わるというので飲みに行かないかというお誘い。帰り道だし、久しぶりにゆっくり話したかったので、もちろんOKする。午後の授業を終わった後、同僚の先生と共に、学部のカリキュラムの問題について話し合いながら乗換駅まで一緒に帰る。話し合いというか、お互いのボヤキに近かったかもしれないと思う。ともあれ、意見交換はした方がいい。交流がなく、半ば強引に物事が決まってしまうことが一番の問題だろう。その後、繁華街の最寄り駅まで行き、合流。いろいろと後輩を誘ってくれていたようだが、結局私を含めて3人で飲んで語ることに。もう一人が来るまで先に店に入り、早速一杯。しばらくは2人で話をする。2人とも指揮をやっているので、指揮について話をする。管楽器と弦楽器という、プレイヤーとしては違う立場にいるが、それを超えて全体をどうやってまとめていくのかという話では意見がだいたい一致する。お互いが理解できるという楽しい瞬間。一致した意見は「名選手、必ずしも名監督にあらず」ということだった。それから、もう一人の後輩が最寄り駅に到着したとの連絡があったが、あまり来たことのない土地だそうで、場所がわからないのだという。結局携帯を通話にしたまま場所を指示してやっと到着する。その後もオケの話で、特にOBオケの話。次回の演奏会に向けてどうやっていくといいのかということをインフォーマルに話す。なかなか身になる話だったとおもう。その後、なぜか早く閉まる店が多かったので、某ハンバーガーチェーンのテーブル席で話をしつつまったり。誘っていたが仕事で遅くなり、来ることができなかった後輩からのメールで盛り上がる。「ありがとう。今日は発狂してるねん。」という文面に、一同「？？？」。「ありがとう」と「発狂」とはどういう理由で同居できるのかという話で盛り上がる。何だか学生に戻ったような気分だった。楽しく週末の心の洗濯をして帰宅。

  May 11, 2007

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• 指揮を普通にできるのは

  それだけですごいことだとここ数日実感している。もちろん、これは他人を相手にして合奏をきっちりと成り立たせるという意味での指揮であり、オーディオセットの前で気持ちよく振っているそれとは別の話だ（それはそれできっと気持ちいいのだろうとは思う)。先日、知人から指揮者講習会のビデオを見せてもらった。この講習会は、コンクールに出られるような第一線の指揮者を教えるのとは少し違うものだった。こういった講習会はピアノや弦楽四重奏を前にして指揮をして、教わるというスタイルが多い。見ていると、いろいろな意味で勉強になる。先生が指摘している内容はもちろんのことだが、受講生の指揮の仕方を見ているだけでいろいろなことがわかる。テンポキープの難しさ、左手の使い方の難しさ、打点を打ちすぎるためにその直前の振り方がいい加減になりやすいという難しさ、そして何よりも、演奏を形にするように引っ張っていくことの難しさがよくわかった。引っ張るためには常に1拍先を見越して棒を振り下ろさなければならない。オーケストラに引っ張られてしまったら、そこでアウトだ。かといって、引っ張ろうとしすぎるとオケは絶対について行けない。いい指揮者とは、常に先を見越して案内し、お客さんの疲労の程度などをきっちり見ながら登っていくペースを考えられる山のガイドのようなものであるような気がする。ガイドをするためにはもちろん、行程のすべてを頭にたたき込んでおかなければいけない。足を踏み外しやすい場所、疲れやすい斜面、安心して休息できる場所、もしもの時の対応方法などなど．．．。だからこそきっちり勉強しなければいけないのだと思う。それも誰と誰がかみ合わなければいけないのかとか、ダイナミクスがどうだとかというのは当たり前の話で、例えばアンサンブルが乱れやすい場所で誰に向かってメッセージを送るようにすべきか、どのようなニュアンスで弾いて欲しいのかをも考えなければ、うまくいかない。動きは足りなくてもいけないし、無駄があってもいけない。私はそこまでできないが（っていうか、それを完璧にできるからこそプロなのだろう)。指揮を見ながら弾く立場にいると、そのあたりがたくさん見えてくる。こういうのはダメだなと思うのは．．．・予備拍と演奏が始まった拍のテンポが違う・アンサンブルで危ないところを練習するのではなく、とにかく振る側にとってやりやすい場所や、自分が好きな場所から練習する・奏者に呼吸をする間を与えない（6拍目から始まるときに1,2,3,4,5,という。運動会？？）・大きい動作の方がわかりやすいと思って大きく振りかぶりすぎてテンポが遅くなる。しかもそれで「速いからダメ」と奏者のせいにする・拍を数えると流れが悪くなるから数えるなと言う（これをやると誰かが一回崩れたら二度と取り戻せない。体で拍をとりすぎて表現が悪くなることはあるかもしれないが、それとちゃんと数えることとは別の話）・自分が参考にしたCDの通りになっていないとダメ出しをするとまあ、こんなところか。確かにテンポキープのみの練習とかはつまらないとも言える。しかし、テンポキープできないまま練習してもまったく意味はない。要はバランスだと思う。表現をないがしろにすることなく、音の各次元(音程、ダイナミクス、テンポ）について要点を押さえていくことが必要だと思う。とかいいながら、自分がやるべき立場に立ったときにどこまでできているかどうかは不明。全員を満足させる練習はアマチュアでは無理なことだとは思うが、せめて「それはアカンやろ」と言われないようにやっていこうとすることがとても大事なことだと思う。私に指揮を教えてくれた音楽の師が言っていたのは「指揮というのは奏者がやりたいことを邪魔しているとも言える。邪魔をするのにはそれなりの覚悟がいるし、やり方というものがある。邪魔をさせてもらうのだから、その分全体をより高いところに連れて行けなければみんなに納得してもらえない。だから勉強しなければいけないんだ」ということ。だから謙虚でなければいけない。その場で納得できないクレームがもしあっても、実際には後で自省してみると確かにそうだと思えることがたくさんある。考えれば考えるほど、普通にちゃんと指揮できることというのはすごいことなんだなと思う。やはりそれは職人技だ。料理で言えば「鉄人」と、上手なアマチュアでも「主婦が認める料理上手の主婦」、普通の人なら「小学生」ほどの違いであると思う。ここまで書いてくると、「オケで指揮をやったことがあります」なんて少なくとも「胸を張って」言えたものではないなと思うのだが．．．うまく行ったときはやっぱりうれしいものだ。まあ、ホームランではなくシングルヒットなのだが、それでもあるとうれしい。

  May 5, 2007

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• 危機感を持てるか

  今週のオケは、本番指揮者による練習だったが、いろいろと考えさせられる練習だった。以前から言われてきたよくない点を繰り返していることが一番の問題である。それは「他人に対する関心を感じない演奏」をしているということだ。弾けているのかいないのかはもちろん問題だが、一緒に歌っていないことの方が、実は問題が大きい。指揮者はそんなに無理な要求は基本的にしていないと私は思っている。テンポをあと2割ぐらい速くしたいということは言われることはあるが、それは練習次第で十分カバーできる範囲にある。むしろ問題は、今の遅いテンポですら周りの状況を考えないで弾いている人の多さにあるのではないかと私は思う。「自分は周りとずれている」という感覚があるかどうか、それがなければオケの音にはならない。「100人みんながソリスト」では絶対にあり得ない。100人分の音を集めて同時に鳴らせばそれでオケだなどと言っていてはいけないと思う。作曲家はそう思って書いていないはずだ。指揮者が言いたかったのは、周りに気を遣う、もっと言えば思いやりを持つという、シンプルなことができていないことが問題だということであって、演奏のパフォーマンスがよかったかどうかではないと思う。だから、「1ヶ月に一度来てそのとき悪かったからダメだと言われても」などと言う人がもしいたとしても、それは違うのではないかと思う。逆に言えば、そんなにたまにしか来ないのに、バラバラであるという状況を見破られているこちらがいけないのだ。本当にちゃんとした腕を持っている指揮者ならば、何が大事なのかはわかっている。百戦錬磨の演奏職人を相手にしているプロの指揮者が、素人よりも大事なことをわかっていないなどということはまずあり得ない。もっと謙虚にならなければいけない。「学芸会じゃなくて、演奏会をやりたいのではないのですか」という言葉は、まさにそうだ。かりにアマオケが下手な演奏をしても客が離れることはないのかもしれない（いや、それもないだろうと私は思う）が、演奏の責任者であるプロの指揮者はそうは行かない。「1000人いてそのうちの1人でも下手な演奏だと見破られるのが怖い」とは別の超ベテラン指揮者から聞いた話。それは何年やっても同じことなのだそうだ。危機感を持てるのかどうか．．．それが今後大事なことになってくると思う。もっと「みんなで作っている感」があってもいいはずだ。今回の練習で演奏していく中でいろいろと考えさせられた。指揮者の正面でかつ一番近い場所にいるので、指揮者が「何もさせてもらっていない」状態になっているのは、痛いほどわかった。100人いれば、オケに参加する人の思いもそれぞれあるのは確かだ。もっといい演奏をみんなでしたい人(私はこのカテゴリーだと思う)、自分がオケの中にいて気分よく弾けることが大事だと思っている人などなど．．．。でもこれって、合唱だったらあり得ないんだろうなと最近思ったりする。合唱団にテンポが半拍以上ずれるようなカラオケオヤジが入ったら間違いなくクビだろう。「オレは気持ちよく歌いたいんだよ。ダメか！？」と言ったら、みんな「ダメ！！」というだろう。オケはなかなかそこまではいかないのかもしれない。もちろん、厳しい練習ばかりでみんながイヤになるようでは大問題なのだが、団体戦である以上、最低限のルールは守らなければならない。しかもお客さんは演奏をオケとして耳で捉えるわけだ。何も個人技で捉えるわけではない。だからスタンドプレーはダメだとおもう。しかし、だからといって隠れて小声で歌っているだけでは何のためにやっているんだかわからなくなる。と、いろいろと書いてきたのだが、特に今回思ったのは、アマオケも自分たちだけで公演ができるわけではなく、周りにいる人によって支えられているということを忘れてはいけないという、きわめてシンプルなことだ。聴きに来てくれるお客さんだってそうだし、指揮者だって、そしてエキストラだってそうだ。こういう人々にいかに気持ちよく協力してもらえるかを考えなければ、そのうち見放されてしまう。いい演奏を知っている人がやっているのを聴きたい、いい演奏を一緒にやりたい、そう思ってもらわなければ、それはただの独りよがりになってしまう。うまくいかないことが自分のせいじゃなく、お客のせいや指揮者のせいなのだと思うのは簡単なことだ。ちょっと八つ当たりしてみたくなることもあるかもしれない。でも、それは何の前進ももたらさないことも理解していなければならないだろう。協力してくれると必死で動いてくれている人から見放されるのだけは絶対に嫌だと思う。そういう意味での危機感をちゃんと持たなければいけないはずだ。周りの人あっての自分、そう思わなければ何もつくれない。

  Apr 29, 2007

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• 「息の合った」演奏

  とは、まさにその通りで、合奏するなら絶対にできなければならないことだと思う。昨日は市民オケの練習だったが、最近これがきっちりできていないなと思う。もちろん、自分も合わないことに対して片棒を担いでいるんだろうと思うのだが、合っていないということを意識していない人がたくさんいることも確かなように思う。ただし、だからといって、音が鳴っている時間が合っているだけでは「息の合った」演奏ではない。それはまったく知らない人同士が同じ電車を待っている状態に似ている。それぞれ関心を持っていることは違っていて、たまたまそこにいるだけという状態なのだ。そして、電車が来たことに気づかずに乗り遅れかけてしまう人、早く座りたいために急いでしまう人と、いろいろいる。そんな状態の駅で客をさばいてドアを閉めている車掌が指揮者みたいな状態になっているような気がするのだ。合奏練習では、限られた時間の中で、どうしても「ちゃんと同時に音が鳴っているかどうか」に焦点を当てて練習せざるを得ないことも多い。しかし、時間的に合わせにかかると演奏としてはかえってバラツキが出てしまったりする。むしろ、歌い方や音質を合わせていくことで時間が合ってくることもある。息づかいやフレーズの取り方については、それをみんながきっちり意識していかないと「息の合った」演奏にはならないのだが、なかなかそこまでは行っていないというのが現実だ（これは楽譜の読み方にかなり原因があると私は思っている）。練習をしていく中で「置いて行かれる」とか「引きずられる」ということが多いと感じる。全体としての流れがまだしっくり行っていないなと思う。もっと「他人への関心」をちゃんと持たなければいけないはずなのに．．．。それができるだけで、結果は飛躍的によくなるはずなのだが、なぜその方向になかなか動けないのか、悩ましいところだ。こんなことを言っているが、アマチュアオケがこうなりやすいことは、いろいろな場所で身をもって体験している。最も難しいのは、「どこまで厳しく考えを追求して実行に移すか」だ。言い方を間違えると「そこまで厳しくやって、うまくなろうとは思わない。だって、弾いていることが楽しいわけだし」とか「仕事じゃないんだから、自由にやりたいよ」と反発されてしまうこともある。「楽しい」にもいろいろあって、「新しいことを知ること、成長することが楽しい」という価値観の人には、ある程度厳しいことを言ってもうまくいくものなのだが、そうでないときついこともある。そこで、何とかして全体に向上心が浸透していくような言い方をしなければならないし、そのための仕掛けが必要なのだと思う。いろいろなアイデアを考えていく必要があるなと思う。「100人が全体として自由に動ける」状態、いつかできたらいいなと思う。

  Apr 22, 2007

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• もっと寄り添えれば

  今日は本番指揮者の練習日。と、その前に、ゼミの卒業生から電話が。「今、何人かで集まって近くまできてるんですよ。ちょっと会いませんか？」とのお誘い、もちろんOKする。まずは調整に出していた娘のヴァイオリンを楽器屋で受け取り、その足で会場へ。ちょっとビールを飲んで、そこからいきなり練習へ（もちろん、酔っぱらうほど飲んだりなんぞはしていない）。今日の練習では、徹底的なトレーニング。ただ．．．プロの指揮者の仕事をしてもらっていないなというのが感想。問題はまだちゃんとさらえていないことなのだが、指揮者がもっと気にしていると思われるのは、オーケストラとして一緒に動いている雰囲気が感じられないということだ。確かにアバウトで時間は合っているものの、音の志向性が同じではない。いや、志向性があるのかどうか．．．少なくとも、オケ全体としての志向性はないようにきこえるだろうなという気がする。アバウトで合っているというのは、実はめがねを外した乱視の状態に似ていると私は思う。乱視だと、アバウトでものの形は識別できるものの、その輪郭は二重に見えたりする。演奏全体がそういう感じかなという気がする。流れも音質も志向性は感じられなかっただろうな。問題は、これからそういったものをみんなで意識するようになれるのかということだ。同じ方向を向いて、みんなが100％の力を出す、それが組織としてのオケの姿だと言えるのではないだろうか。ただし、それが軍隊的ならば音楽からおもしろみは消えていく。個人の表現はちゃんとあるべきで、それでもちゃんと全体としてパフォーマンスがよいというのが楽しい。ただ．．．その領域に達するためには、各自がしっかり責任を持ってさらうしかない。たとえ楽器を触る時間はなくても、歩きながら、電車に乗りながらCDでも聴いて、一緒に歌えるようになることはできると思う。頭の中でちゃんと歌えればオケの中に入って合わせることはできる。ちょっとしたことで、もっと演奏はよくなるはずだ。みんなこのオケは大好きなのだから、それがよりよい方向でまとまることができたら最高だ。もっと寄り添えればと思う。

  Apr 14, 2007

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• オールチャイコプロの指揮トレ

  恒例の練習後の飲み会で遅い帰宅、一日遅れの更新。昨日は久々にオケの練習に参加。仕事の都合や体調を崩して休んでしまっていたのだが、復帰初戦がいきなり本番指揮者の練習。特に先月末はゆっくり練習しようと思っていたのに無理で、しかも3曲中2曲は初めて演奏する曲、しかも休んだときに限ってその2曲の練習だったために、合奏は初めて、あまりの条件の悪さに開始前はかなりビビっていた。いつもより早く練習場に到着、難しい場所をとにかくゆっくりからさらう。曲はどれも知っているし、ある程度通勤電車でスコアを見ながら勉強していたので、入りの場所を間違えることはほとんどないと思っていたが、とにかく弾けないのでは話にならないので、練習を。もちろん、こんな状態は不本意で、しっかり準備をしていくのが当然と思っているので、仕方なくこの状態である。さて、本番指揮者がかなり早めに到着。まだ数人しかいないところに登場されたのでびっくりしたが、ときどき別の仕事でこちらに来たときに飲みに誘われ行くことがあるので、久しぶりという感覚がまったくないのは不思議な気分だ。とはいえ、今回は仕事の相手なので、容赦なく指摘が来るだろうなと思っていた。いよいよ練習開始、今回はオール・チャイコフスキー・プログラムである。真ん中が「モーツァルティアーナ」なので少し軽めになっているが、その両側はこってり！合奏の全体的な感じとしては、譜読み的な感じの演奏になっているかなと。もちろん、最初はそう言う段階なのだから、ある意味当たり前ではあるのだが、音程やリズムに意識が行き過ぎて（というか不安なために様子を見すぎて）、ニュアンスが曲が求めるものと合わないということがけっこうあった。例えば、戦いの場面なのに、テンポが思っているよりもゆっくりであり、かつ音量を小さく演奏するようにという指示が楽譜にあると、弱々しく演奏してしまうということがあった。戦いのファンファーレを弱く演奏するというのは、「遠くから敵がやってくる」ことを表していると考えなければいけなくて、ただ遠くから叫び声がきこえてくるだけの話なのだ。ファンファーレ自体が弱くなると、指揮者の言葉を借りれば、「パジャマで戦争に来ている状態」なのだ。楽譜はマニュアルではなく、もっと頼りないメディアであることを改めて実感した。練習終了後は、指揮者を交えていつもの飲み会。相変わらず濃い話をする。昨日の練習はとりあえずのアウトラインを伝えただけで、次回からしっかり絞りますよとのこと。どのように演奏が磨かれて変化していくのか、楽しみである。アマチュアオケの楽しみは、本番もさることながら、練習の中での成長感と充実感にあると私は思うので。（おまけ）ちょうど桜の季節、これまでに近所の桜の名所で撮影した写真をつけています。

  Apr 8, 2007

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• まだまだな自分

  昨日のOBオケの反省会、自分にとって反省することばかり。時間のやりくり、自分の準備などいろいろと大変だったのだが、さてちゃんとできていたのかといえば、そうではないなと思うことしきり。演奏会当日は満足感があったとはいえ．．．もっとうまくできたはずのことがたくさんあった。実際に練習や演奏をを仕切っていかなければならない立場になった場合、そうではない人と求められることが違ってくるのは当然のことだし、いろいろな要求が来るのも当然のことだ。しかもやっかいなことは、それがメンバーの心理や志気に関わってきてしまうということだ。組織というのはどんなものでもそうだと思うが、やはりコアになる人がちゃんとしているのか、いや、しているつもりではなく結果としてできていたかということが問題なのだ。それだけに、「やれることをやったんだからいいのだ」と自分が胸を張って言えるのかといえば、それは違うなと思った。そのようになってしまうことはやむを得ない部分もあるし、要求に対して反論したいこともある。ただ、感情的に反論するようでは話がそこで終わってしまう。あくまで建設的に考えていくしかない。逆に言いたいことが伝わってくるということは全体にとっていいことなのだということをちゃんと理解する必要がある（これは自分が一番そうあるべきだと思う反省）。仕切るべき立場の人はもっともっと全体のことをしっかり考えていく必要があるだろうし、仕切るように任せた人はできるだけのことをしてこたえていく必要がある。どちらも大変であることに変わりはないし、相手を尊重しながら「次はもっとうまくできるようにしていこう」という気持ちを持ち続けていくことが大事なのではないかと思った。お互いがお互いのせいにするのではなく、前向きにやっていくこと、相手が少しでも期待してくれるのならば、ありがたいと思って進んでいくことがきっと大事だろう。ここまで考えていても、心の底から100%納得するまでにはまだまだな自分がそこにいる。情けないことだけど、それをわかった上でもっと前へ進みたい。

  Mar 25, 2007

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• どこまで考えて反応できるか

  今日は市民オケの練習、その前にOBオケの反省会。いろいろと話をしていて、また練習をしていて思ったのは、もっと楽しくしたいというときに、どういう手順をふむべきなのだろうかということだった。どのような手順を踏むにしても大事なこと、そしてみんながおそらく望んでいるのは、「楽しみたい」「いい演奏会にしたい」ということだろう。そのためにはやはりそこそこのレベルまで行っている（ちゃんとできている）という実感が大事だと思う。ではそのためにどうするのかというのが、どうしても問題になってくる。気持ちの上での温度差といったものもあるだろうし、入れ込める状況がちゃんとつくれるのかということも引っかかってくる問題だ。また、練習時間をどこまで取れるのかということもある。これらのバランスを取ろうとするときに、「何とか簡単なレベルの曲で」と考えてしまいがちだが、実はどの曲もちゃんと取り組もうと思ったらキリがないものだ。また、曲がある程度簡単なものになったら練習はちゃんとできるのかといえば、Yesかもしれないし、Noかもしれない。どのように運営していけばいいのか、スケジュールを組めばいいのかと行ったことについては、工夫していくしかないだろう。演奏面で言えることは、やはりどこまで考えて、反応できるか、その範囲をどうやって広げて、精度をどう高めるかということになるように思う。練習の方法にしても、楽譜に書いてあることのチェックだけでやってしまうと、どうしてもその先の表現に行けないということもある。しかし何となくの表現だけを語ったところで、それは聴き手にとって聴けたものではないものになる可能性もあるだろう。メンバーがどこまでちゃんと考えて、演奏会にあるいは毎回の練習に照準を合わせていくのかということ、そして演奏面でも知恵を出し合っていくことが大事であるように思った。アマチュアオケは本当に難しいなと思う。

  Mar 24, 2007

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• 「悲愴」リスタート

  昨日は、市民オケで演奏会後初の合奏練習。メインはまたもや「悲愴」。2週間前に演奏したばかりの曲。しかし、今回は定位置の2ndVnである。出る場所や音の動きは1stと違うところもけっこうあったりする。メンバーから「1stと間違えて弾いていたりするんじゃないの？」と言われたのだが、不思議とそういうことはなかった。それは家を出る前に少しさらって行ったこともあるのだが、自分としてはパート譜よりも先にできるだけスコアを頭に入れていくことを習慣にしているので、パート譜にフレーズの切れ目さえ書き込んでいけば混乱せずに済む。全体の中で自分がどこにいるのかを先に理解してから演奏するというアプローチである（オケのメンバーによれば「マニアックな弾き方」らしい）。これは数をこなすのではなく一曲をじっくり組み立てていくアマチュアオケだからこそできるやり方だとも言えそうだ。ということで、初回からほとんど落ちることもなく、間違いも少なく練習できた。この曲を経験したのが直前だったことがとても大きい。記憶が新鮮な打ちにまた取り組むので、前回得たものを忘れずに済んでいる。オケ全体としてはもちろん初見大会なのでまだまだなのは当然なのだが、これから慣れていって、本番指揮者が来て考え方を聞くともっと変わっていくのだろう。それもまた楽しみだ。よく「同じ曲をして飽きないの？」と言われるが、指揮者が変わればアプローチも違うし、自分の弾き方もまたそれなりに変わっていて同じだということはない。使う楽譜は同じでも、演奏はやはり一期一会の世界、何が出るのかわからないのが楽しい。いつも新鮮な気持ちを持ち続けること、その時その時で何か新しいものを得ることができるかもしれないからその用意を自分の心の中でしておくことが、とても大事なのではないかと思う。前回やった「悲愴」のスコアは書き込みだらけなので、新しい「悲愴」のスコアを買った。何かまた新しいものが見えてくるといいなと思う。

  Mar 4, 2007

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• 非常口の緑のランプまで

  音を飛ばせるようにしたいと思う。明日はいよいよ本番。「英雄」とブラームスの交響曲第1番、ドイツの交響曲の王道を行く作品。今日の練習ではかなり自分の中で弾き方は固まってきた。いいテンションで明日を迎えられそうだ。楽器も今日、長時間弾いたので明日は早く鳴るようになっていくだろうと思う。ライブは一回きりだ。だからこそいいものだ。そのための準備はできる限りやってきたつもりだから、明日は思い切ってやるだけだ。とはいっても、ただ気合いと根性だけでやったのでは芸がないので、少しずつでも成長したことがわかるような演奏にしたい。個人的には、力が入ってしまって音をつぶしてしまうことは避けたいと思う。とにかくテンションは高くとも、どこかで落ち着いていられること、また音質でも勝負できるようにすることが課題だ。あとは、キザミでセコバイのいいエンジンぶりを発揮できればと思う。内声がしっかりしているから重厚な音になったと感じてもらえるようにできたら最高だ。さて、頑張って（？）寝るとしよう。

  Feb 24, 2007

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• 今度はシンフォニーの王道へ

  「悲愴」の演奏会が終わってから2日が経った。余韻に浸っていたい気もするのだが、今週末にまた本番。今度はベートーヴェンの「英雄」とブラームスの交響曲第1番、いわゆるダブルメインである。こちらは所属している市民オケの演奏会で、ブラームスでは2ndVnトップをする。こちらは毎週の練習の積み重ねということで、先週ほど直前の不安感はない。こちらも両方大好きな曲なので、そのままのテンションで行けそうだ。こうしてオケネタばかり書いていると仕事をしていないかのように思われそうなのだが、仕事はしている。オケの本番の後は、日常に戻りたくないというよりは、元気をもらって頑張れるからやるぞという気になっていることが多い（さすがに打ち上げの帰り道だけは「明日は仕事か．．．とは思うが）。やるべき仕事はたくさんあるのだ。今日は会議のために大学へ。とても天気が良かったので、いつもと違う駅で降りてちょっと長い時間歩いてみた。本当に気持ちいい（写真のような天気、場所は本文とは無関係）。そこで歩いている間のBGMを「英雄」に変えて頭の切り替え、「悲愴」からの引力を断ち切る。帰宅時にはブラームスを聴いて、モード切替完了。これからいよいよテンションを高めて週末の演奏会へ。本当は「コンマスをやったら怖いものなし」と言いたいところなのだが、やはり事前の準備を満足できるレベルまでしておかないと怖いものだ。怠らずに心の準備、体の準備をしておかなければならない。また今週末の楽しみのために頑張ろう。

  Feb 20, 2007

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• 言葉と経験を残す

  「悲愴」演奏会が終わって、いい余韻を濃く味わえたのは昨日まで。それからいろいろと思い返してみると反省すべきことがたくさんある。自分が失敗したこと、迷惑をかけてしまったことなど、いろいろあった。よく知る仲間だからこそ、本当に申し訳ないという思いも強くある。こういった反省を乗り越えて次回また演奏会ができたらなと思う。他方で、自分自身がかなり苦労した部分というのもある。めったにやらないコンマスだとか、近年はこのオケでしかやっていない練習指揮など、濃い経験をした。次にこんなことがいつできるかわからないので、これまでに書いてきたものの中から今回の演奏会にまつわるものをピックアップして、フリーページに掲載することにした。「悲愴」演奏会までの「よんきゅ的」あゆみというのがそれである。これをつくる過程で読み返してみると、いろいろと考えていたのだと思う。いざその経験から離れてみると、好きなことを勝手に言っているなあと自分で思ってしまうところもあるのだが、そういうことを感じたことも事実であり、それも含めて次回につながる反省にしたいと思う。また、こうして経験を書き留めることは、別の意味でもとても役立った。それはプロの音楽家から教わった言葉を記憶が新鮮なうちに残すことができたということだ。記号一つに込められた意味や音楽の楽しさ、オケに活を入れたり元気を与えたり、いろいろな言葉とそのときの思いが残っているということは大事だ。もちろん、楽譜に指揮者の指示をメモすることは当たり前のことなのだが、スペースが限られているのでどのような背景においてその指示が出たのかまでをメモすることはできない。それを忘れないようにメモしておくことというのは、これからまたずっと演奏していくときに役立っていくことだ。たくさん自分の中の引き出しを持つことができるようになる。今回の演奏会に限らず、他にもこれまでに指導していただいた指揮者の言葉はたくさんあるし、ずっと書き留めてきた。まとめたらかなりの分量になると思う。時々見返していくと楽しいなと思う。やっぱりメモをして残すことは大事だなと思う。

  Feb 20, 2007

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• 心地よい余韻

  テンションの高かった本番の翌日（って毎回そうだが）は、やはり体が疲れている。特にコンマスをやった後というのは毎回こうなる。昨夜は、打ち上げが終わってから後ろ髪を引かれながらも最終電車で帰ったが、その帰り道もテンションが高すぎていつもなら寝てしまうところがまったく眠くならずに自宅まで帰り着いた。しかし、今朝はいつになくスッキリとした目覚めだった。演奏自体が充実したものになったということもあるが、他にもうれしいことがあった。それは、大学を卒業してからずっと会っていなかった同期のメンバーに会うことができたことだ。さすがに仕事の都合や気持ちの変化などで、大学を卒業してからオケを続けている人というのはどうしても限られている。オケで顔を合わせる同期とは現役学生の演奏会でいつもOBとして一緒に出ていたのだが、そうでない人とは本当に会わなくなった。前回の演奏会では、まったく会っていなかったメンバーが3人、OBオケのコンサートを聴きに来てくれていた。1人は演奏が終わって拍手をしてもらっているときに舞台の上から発見してびっくりしたし、あとの2人の姿をホールのロビーで姿を見て驚いた。そして、今年も1人新たに聴きに来てくれていた。ご主人（大学オケの先輩）とお嬢さん（ヴァイオリンを習っているそうだ）と3人で。こういったことがあると、それまでにしてきたいろいろな大変だったことが報われたような気になる。ただ会うだけじゃなく、ステージと客席という場所の違いはあっても、プレーヤーと聴衆として同じ時間を共有できたこと、それがうれしさを何倍にもしてくれる。今回は、前回客席で見つけた人に隣で弾いてもらった。この組み合わせは大学オケで現役として最後の演奏会のとき以来だ。その人も卒業後はずっとヴァイオリンを弾かずにいたそうだが、演奏会に来てもう一度やりたいという気持ちが固まったのだそうで、積極的に参加してくれた。今回はいろいろな面でかなり頼った、というかこちらがずいぶん甘えさせてもらったような気がする。細かいことによく気がつく人で、演奏のこと以外はかなりアバウトな性格である私は本当に助けてもらった。一緒に演奏しようと思ってくれたこと、そして一緒に弾けたことがとてもうれしかった。今は市民オケにも入ってレギュラーに活動している。こうして仲間が増えていくというのは本当にうれしいことだ。こうしていろいろな人と再会し、また一緒に演奏するということ、それはやはり自分にとって特別な意味を持っていると思う。この充実感、次回もまたできたらもっともっと増えていくんだろうなと思う。また集まりたい、そしてもっと戻ってきたり新たに参加してくれる仲間がいてくれたらうれしいなと思う。今日は天気と同じで本当に爽やかな気持ちだった。

  Feb 19, 2007

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• ついに「悲愴」本番

  ついに「悲愴」を弾いてきた。いろいろと細かい事故はあったと思うが、やっぱり本番が一番いい演奏だった。やれることは最大限やった。さすがに天から降りてくる奇跡はなかったかなとは思うが、素晴らしい経験ができた。大学のOBオケ、年末には大宴会をする素晴らしい仲間たちとの真剣勝負の音楽は本当にいいものになった。このオケはただの同窓会ではなく、ちゃんと一般のお客さんも入れていい演奏をやろうということで始まった。メンバーはそれこそ関東から九州まで各地から集まってくるということで、なかなか集合するのは大変だったが、それでも何とかここまでたどり着いた。何だかんだいっても、同じオケで育ったメンバー、本当にいざというときの力はすごいものがあった。根気強く指導してくださった指揮者の先生には、もちろん大感謝である。私自身はコンサートマスター（になぜかなってしまった）をやった。市民オケではセコバイなので無縁の場所なのだが、ここの席だけは他の席とまったく違うものだ。「みんなが落ちてもコンマスだけは落ちたらダメ」というわけで、責任は相当重い。もちろん、アンサンブルを乱さないようにちゃんと弾けることも重要だし、同時に曲の進行を見極めながら合図を出したりと大変である。常に周りに対してアンテナを張っていなければ、そしていざというときに引っ張っていく力量がなければいけない。そんな重圧もあって、今朝も早く起きてしまった。「変な夢シリーズ」は必ずコンマスをやる直前に訪れる。今朝の夢は記憶にないのでうなされたわけではないが、起きてしまったのだ。昨日のリハーサルではかなりピリピリしていたのが隣の人にばれるほどひどかった。さて今朝はどうかと思ったが、前日のリハーサルで疲れてかえって力が抜けていい具合になった。ゲネプロの間もかなり集中力が高く、感覚がどんどん研ぎ澄まされていく感覚が弾きながら出てきた。というわけで、本番までそれがうまく続いてくれた。各楽章の難所も問題なくクリアしていくこともできた。第4楽章の一番好きな場所（1つ前の日記にある楽譜の写真の場所）にさしかかったとき、半分泣きそうだった。この曲、実はクラシック音楽が大好きだった祖父から初めて借りたレコードの曲だったことを思い出したのだ。透き通った音が届くようにと思いながら弾いた。その後何度も葛藤を繰り返すような場面では、血管が切れそうな感じでヤバイなと思った。こういう感覚は演奏していてもあまりないのだが、それだけテンションが高かったのだろう。コントラバスの3連符音型とチェロとで最後に向かうところはたまらなかった。コンマスとしてはテンションは高くても絶対に我を失ってはいけないわけで、これがけっこう大変だったが、「冷静と情熱」との同居の具合は今までにない感覚だった。いろいろと貴重な経験ができた。しかも「悲愴」でというのがとても幸せだ。今日は疲れたが、明日からの元気をもらったような気がする。来週また本番があるのだが、この勢いを持ったまま臨みたいと思う。仕事からも家族からも離れて音楽に集中できた2日間、リフレッシュできたと思う。こうして大好きなヴァイオリンを弾けることに感謝。共に演奏をつくってきたメンバーに、そしてそんな行動を理解してくれる家族に。

  Feb 18, 2007

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• 演奏会本番が近いと

  必ず変な（というか嫌な）夢を見て、中途半端に早い時間に目が覚めてしまう。今朝もまたやってしまった．．．。遠足の前の日に決まって眠れない小学生とはまた違ったパターンなのだが、睡眠時間が短くなるという意味では同じことである。今朝は、リハーサルに遅刻しそうになるという最悪の夢だった。これは、以前にある演奏会で交通トラブル（これは不可抗力だったのだが）によりリハーサルに5分ほど遅刻してしまって（たまたまそれに出演されていた）プロの方に怒られたという苦い経験が頭のどこかにあったからなのだろう。プロのオケは時間に厳しいというのは有名な話で、遅刻をすると演奏するための席がなくなっていたという恐ろしい話も聞いたことがあるし、またあるプロオケのリハーサルを見せてもらったときにも何らかのトラブルで何人か遅刻してきた団員がステマネからものすごい勢いで怒られていたのを見たことがある。今朝見た夢というのは、こんな感じだった。予定がタイトで一本でも電車の接続が悪いと遅刻するという状況になっていて、こういう時に限って電車が遅れ始め、いよいよ（なぜか）新幹線に乗り換えないと間に合わないという状況に。ところが、切符を買おうとすると券売機がいきなり全部故障。駅員に事情を話して切符を売ってもらうが、今度は駅員の手が滑ってそこら中におつりの硬貨がばらまかれ（しかも何で7000円とかが全部小銭なんだ！？）全部拾って新幹線ホームに駆け上がっていくところで目が覚めた。時計を見たら5時45分、また震災の時刻とほぼ同じ．．．。こういう時に目が覚めるのは必ずこの時刻だ。今度こそ、交通トラブルなしでリハーサル会場にたどり着きたい。

  Feb 17, 2007

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• たった一つのフレーズで

  プロはここまで考えているのかと思うことが昨日あった。市民オケの練習で、本番指揮者がスコアを読んでいて気づいたことという話。ブラームスの交響曲第1番第4楽章にある有名な旋律（「ソ／ド～シド／ラ～ソ」）と、ベートーヴェン「英雄」の第2楽章葬送行進曲風の冒頭（「ソーソ／ソ～ド～シド～レミ♭」）とを見ると、どちらも「ソ」から「ド」へと上がる進行をするという点では共通するのだが、その心とは．．．。ブラームスはベートーヴェンを超えられないといつも思っていて、最初の交響曲を発表するのに20年もかけた。ブラームスはベートーヴェンの70年近く後に生まれた人なので、おそらくベートーヴェンの作品は知らないはずがない。ベートーヴェンは「ソ」から「ド」への進行とその後の展開で暗く悲しい世界を表現したが、ブラームスはそこに明るく幅広い世界を表現することでベートーヴェンを超えたかったのではないのだろうかと指揮者は感じたというのだ。ブラームスのこの部分はベートーヴェンの第9との類似性が指摘されているが、むしろ精神的な部分ではこういう要素の方が大きいのではないのかということだった。もちろん、ご本人曰く「あくまで仮説」と断っていたが。たった一つのフレーズからこんなことを思いつくとは、やはりプロはすごい。きっとこの2曲は何十回も本番をこなしてきただろうし、そのためにすべて覚え込んでしまうほどスコアは読み込んでいるはずだ。それでもまだこうして新しいことを考えていく、あるいは気づいてくる。もちろん、それだけ読み込んでいるからこそ見えてくるのだろうなと思う。これまでにも指揮者から演奏でいろいろと指摘されてきたのだが、自分もこういうことの意味が少しずつではあるが、理解できるようになってきたし、演奏にどう反映させていくかを考えて、気をつけるようにもできるようになってきた。こういうことを経験すると、本当にプロの指揮者ってすごいなと思う。演奏する側はそれをもっと謙虚に感じて少しでも求められている領域に近づけるようになっていかないといけないなと思う。こういうプロフェッショナルと一緒に演奏させてもらえることの幸せを感じながらやれたら最高だ。

  Feb 11, 2007

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• 準備と度胸

  OBオケと市民オケ、演奏会で指揮するのは別の指揮者だが、表現の違いこそあれ、言いたいことは同じなのだなと感じる。音楽を演奏する側にとって絶対にわかっていないといけないことがいくつかある。これも言われることは同じだ。まず、「本番は一度しかない」という単純な事実、そしてそれは失敗を二度と取り返せないことを意味する。すべての音を一発で仕留めていかなければならない。「みなさんは二回演奏すれば、つまりやり直せばできる。でも、残念ながら本番は一度しかない」ということはまったく同じだった。オケが違っても言われることはまったく同じということは、これってアマチュアオケによくあることなのかなと思う。一曲への練習に費やす時間はプロの何倍もあるのだが、それだけにやり直しがきく状態（まあ、直されてなんぼのところもあるから当たり前といえば当たり前だが）に慣れてしまっていて、本番近くの通し練習になってくると、ボロが出やすくなる。そこで必要なことは、事前の準備（練習と研究）と、一瞬ためらったりすることのない度胸である。ためらってしまったらそれだけでコンマ何秒かタイミングが遅れるわけで、それで音はうまくつながらなくなってしまう。常に先取りして度胸よく踏み出していかなければ、お互いが足の引っ張り合いをすることになってしまう。あとは練習。通し練習をすることでかなり苦手な場所がはっきりしてきたので、その微調整をしっかりやって備えていかなければならない。練習の中できっちりと次の課題を見つけていくのも大事なことなのだ。あとは、「聴き手」としての気持ちを捨てることだ。たいていの人は自分のお手本になる大好きな演奏のCDを持っているもので、表現もそれに引きずられていく傾向にある。しかし、表現するときには、大好きな演奏の記憶が邪魔になってしまう。「今あるこの演奏が最高なのだと思わなければやっている意味がない！」というのは、本当にそう思う。いかにプロの演奏を参考にしつつも、そこから独立した表現ができるかが重要なことだ。目指すべき音質などを参考にすることはありだと思うが、一番困るのは違うテンポで勝手に演奏する人がいるのは困ってしまう。今この瞬間に集まった仲間から生み出される音楽、それを一緒につくってこそ価値があるわけで、そこから新しい感動が生まれていくのだ。ただ弾くだけではなく、一緒につくることの楽しみ、そして自分がその中で成長していけることの楽しみ、もっともっと自分のやっていることを味わい尽くせるようにしていきたいものだ。という話をうまくフレーズを変えて学生にも伝えられて行けたらなあと、いつもこの日記を書きながら思う。

  Feb 4, 2007

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• 記号一つに「なるほど」

  今回のOBオケを指揮してくださる先生はの練習は、いろいろと勉強になる。指揮者にはいろいろなタイプの人がいて、さらに練習のスタイルも違い、そこがまた面白い。今回の指揮者はそれぞれの曲の音楽史における位置づけを説明したり、それぞれの時代の演奏スタイルといったものを説明してくださる。そんな中で「なるほど」と思ったことを書き留めておきたい。モーツァルトの曲に出てくる「くさび形のスタッカート」は弦への触り方をより丁寧にするとうこと。なるほど、これならばニュアンスの違いも出るし、いい音が出やすい。古典派の時代に属する曲のスラーはロマン派と違っていっぱいまで延ばさずに端折ってつぎの音符をはっきり弾くということ。今回はニコライの曲だが、ベートーヴェンに応用可能。メインがチャイコフスキーなので譜面が同じでも違う弾き方が要求される。スイッチの切替が必要だ。小節の最初の音に出てくるfz（フォルツァート／強調して弾く音で音の大きい時間が少し長い）は小節の切れ目を表していると考えて弾くこと。音のつながりがとぎれてフレーズがつながらない弾き方になりやすいので注意が必要。これらはすべて楽譜に書かれた記号の一つだ。これをどう考えて弾いていくのかが、奏者には問われている。これにはプロもアマチュアもないというのは、本番が近づくとどの指揮者も必ず言うことだ。記号に込められた作曲家の思いをどこまで表現できるかが問われる。

  Feb 4, 2007

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• まだまだ演奏には課題が

  今日はオケの練習、ブラームスの交響曲第1番だった。それなりに楽譜に書いてあるわかりやすい部分、音の高さと音の強さについてはぼちぼち形になってきたかな。ところが、今日の練習で気づいていて、後でコンマスと一致したのは、「流れの悪さ」だった。フレーズが脈絡のない場所で間違って切れてしまったり、さらには切り刻みすぎて旋律をどういう形で見せるべきかといったところがわからなくなっていた。理由はいろいろあると思っている。例えば、練習不足で楽譜を目で追いながら弾くのに精一杯で見えやすい指示を必死で守ろうとするところにとどまっていることがそれだろう。あと、フレーズを間違って切ってしまっている場合には、運弓の都合で勝手にそうなっているというのもあるし、さらには解決音を無神経に弾いてしまうということもある。解決音は曲における句読点を示す重要な役割を持っているために無神経にやると旋律の形が崩れてしまう。これでは文法をまったく考えないで英語を話しかけているようで、聴いていてしんどいのではないかなと思う。とまで言ってしまうと、「アマチュアなんだし、楽しければいいじゃない」と言われそうだが、いつもパート練習で言っているのは、「新しいやり方を理解して成長していく楽しみもたまにはいいじゃないですか」ということだ。もっと神経を使っていいものを作っていく楽しみが実感できると、さらに演奏するという行為が楽しいものになっていくのではないかと私は思っている。今まで知らなかったことがわかったり、できなかったことができるようになってくると楽しい、そして、みんなが同じ方向性を持って(もちろん個性はあっていいと思う）合奏していければいいなと思う。そう考えてみると、まだまだ課題が多くあるなと思う。ただ弾くことの楽しさから、さらに成長していく楽しさへ、一人で何とか弾けていることの楽しさから、みんなで一緒に歩いていく楽しさへ、やり方には工夫が必要だが、できるようになりたいものだ。

  Jan 20, 2007

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• today's serendipity

  セレンディピティとは、「思いがけない掘り出し物」という意味なのだが、今日はそんな感じに思えた。1つめの授業を終えて部屋に戻ると、所属オケのメンバーからメールが。いつも仲良くしていただいている指揮者が大阪に来ているとのことで、「一緒に飲みませんか」という連絡があったらしい。予定が空いていたのでOKして集合場所へ。楽しく音楽の話。業界四方山話などを聞いて、楽しく飲んだ。こういう異業種交流はやはり楽しい。指揮者の先生もやはり新鮮なようで、よかったよかった。プロとお話しさせていただくことは本当に勉強になる。といっても、単なる「お勉強」ではなくて、より楽しく音楽をすることにも、より楽しく生きることにもつながることだ。

  Jan 19, 2007

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• プロオケは大変

  NHKで昨日放送された「クローズアップ現代」で、経済的に苦しいプロのオーケストラの実情と取り組みというテーマが扱われていた。文化事業を採算ベースにきっちりと乗せることができているオケはごく限られているそうで、多くは自治体や企業からの援助がなければ財政的に難しいということだった。昨年からの「のだめ」ブームで、私の知り合いの関係者はみんな「ここがチャンスだ」と揃って言っている。まさにその通りなのかなとも思う。しかし、最近ではどこもいろいろと工夫されるようになったなと思う。大阪には4つのプロオケがあるが、いずれも独自の工夫を打ち出している。それはプログラムであったり、出張演奏であったり、コンサートでのトークショーであったり、多様である。大事なことはやはり何らかの特徴があることと、届けている音楽の質を向上させるということ、そしてサポーターを増やすことだろう。番組では堺屋太一氏がJリーグと比較対照しながら話をしていたが、確かに同じショービジネスとしては参考になる点も多いのかなという印象を持った。もちろん、熱狂的な大人のサポーターも重要であることは確かなのだが、実は将来の演奏家になるかもしれない世代の子供たちをサポーターにすることも大事なのかなと思った。子供はクラシック音楽にちゃんと触れることのできる環境があれば、最初から嫌がることはないと思う。実際に合奏することは楽しいことだと言うし、曲もちゃんと選べば喜ぶだろう。ビジュアル的に面白い派手な曲を並べてみることもけっこう喜ぶかもしれない。まだまだアイデアを出す余地はあるんじゃないかなと思ったりもする。もちろん、いろいろな試みがあり、必死でアイデアを出していることは知っているし、見られる限り感じ取ることができる。あとはどれだけ通じてくれるのか、通じるためにどれだけお客さんに近づくことができるのかがきっと大事なのかなと思う。プロオケに知り合いが何人かいたりする私の場合は特に応援したいなという気持ちがあって演奏会に足を運んだりもするのだが、1人の力ではなかなか．．．。それでも応援していきたいなと思う。オケを減らせばいいという意見なんて吹っ飛ばしてしまうくらい、頑張れオーケストラ！！

  Jan 18, 2007

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• ベートーヴェンのカルテット

  を弾いた。聴いていた人はみんな楽器をする人ばかり、なかなか緊張する演奏だった。ベートーヴェンの12番だったのだが、後期のカルテットはとにかく構造が入り組んでいて、しかも深い音楽になっている。選曲が渋いと言われたが、確かにその通り。ヴィオラ奏者の選曲だったが、いい曲だったし、とても勉強になった。いつもはオケの練習が終わってから飲みに行く親しい仲間4人なのだが、アルコール抜きのガチンコ勝負で作る音楽もとてもいいものだ。このメンバーだからこそできる音楽がある。せっかくやるのだから好きな曲にどんどんチャレンジしていきたい。でもその前に、もっとヴァイオリンうまくならないとね．．．。充実感と反省とが入り交じって、それでも楽しい、素晴らしいことだと思う。

  Jan 14, 2007

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• 楽譜を読むということ

  一日遅れの更新。昨日は本番指揮者を迎えてのOBオケの練習。だんだんと曲にも慣れてきて、この演奏における約束事もかなり覚えられるようになってきたというのは、ここ1，2回の練習の収穫だった。しかし、演奏をつくるためにはここから先の努力がさらにたくさん必要になる。確かに、楽譜に書いてある音符として記述された音の高さや長さを守ることは大事なことなのだが、これは演奏をつくるための第一歩なのであって、本当にいい演奏なのかどうかを決めるのはその先の作業がどれだけ緻密に行われてきていて、どれだけ体で表現できる状態に持って行くことができているのかということにかかっていると思う。チャイコフスキーの「悲愴」第1楽章の合奏では、それが課題であることを痛切に感じた。単純な音型一つ取り出しても指揮者はいい演奏をさせようとして、そこからたくさんの言葉を引き出してくる。なるほどなと思うことがたくさんあった。例えば、第1楽章の第2主題では「方向性さえ合っていれば、全体が一糸乱れぬアンサンブルでなくてもいいし、メトロノーム的に正確でなくてもいい」と言われたが、それはまさにその通りで、メトロノームに従ったような正確感は逆にない方がいい。むしろ、テンポが狂ったと聴き手に思わせない程度の微妙な時間的ズレがあった方が、揺れ動く心情が表現されているようで逆にいい演奏になったりする。そして、これが前提となって「最初の音を少し長めに」といった指示があるのだ。この指示を逆にすると物理的に音を長くすることに注意が行ってしまって、逆に音楽的な意味が抜け落ちた状態で体に入れてしまうことになる。演奏を作っていく過程ではこれだけいろいろなことを考えなければいけないのだ。指揮者はそれを他人にやってもらうのだから本当に大変だ。次に練習したモーツァルトのヴァイオリン協奏曲第5番は、ソリストを迎えての合奏となったが、オケの伴奏は奥が深いなとさらに感じることになった。一般的に協奏曲の伴奏パートは、交響曲のパートよりも簡単である。つまり、どうしても技術的に弾けないという場所が出てくる確率はかなり低い。しかし、伴奏はソリストの音楽にちゃんとついていかなければならないし、逆に伴奏パートだけで音楽が展開されていく場所もあるので、その切替をちゃんとしていかなければならない。これがかなり難しい作業になってくる。練習が終わった後でソリストと話したが、そのときに言われたのは「音程やリズムはもちろんだが、今弾いている音が頂点に向かっているのか、おさまっているのかをもっと意識して演奏した方がいい」ということだった。確かに、伴奏パートはかなりでこぼこした感じになっていたなと思う。昨日、特に考えさせられたのは、やはり「楽譜を読む」ということは、ちゃんと音楽の文法を意識して、その背後に隠されたメッセージを読むということでなければならないということだ。どうしても、演奏するとなると音程だのリズムだのというところに意識が行きがちになって、それ以上のことはなかなかできないものだが、実は「それ以上」のことができたら、もっと演奏の楽しみが広がっていくのだ。演奏する側は楽譜を見ながらやっているわけだが、聴く側が楽譜を持っていることはまずない（ところが、たまにスコアを見ながら聴いているというコワーイお客さんもいたりする．．．）。楽譜を持たない人に聴いてもらって「ええなあ」と思ってもらうためには、音の「かたち」をしっかりと見せていかなければならない。もちろん、さらに音の質にも気を配っていく必要がある。もちろん、アマチュアオケなので、聴衆のほとんどはプレイヤーの知り合いとか常連さんが多いので、それだけでも十分プラスに見てもらえるし、気合いや根性も認めてもらいやすい。でもそこからさらに一歩でも先に進むことができたら素晴らしいことだ。ただし．．．そういう意識を持つことがさらに高度な演奏の「楽しみにつながる」ように持って行かなければならないのが大変なところだ。新しい意識を持つというのはなかなか難しいし、無理に押し込もうとすると拒否反応が起こってしまう可能性もあるからだ。ちょっとずつ、長い時間をかけていかなければならない問題なのだろうと思う。でも、みんなでそれができたらきっとすごい演奏ができるんじゃないかなと思っている。

  Jan 14, 2007

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• 指揮者コンクールのチラシから考える

  先日、オケのメンバーと練習場にあったチラシを見ていたら「指揮者コンクール入賞者のコンサート」なるものがあった。それを見て、「指揮者コンクールの順位って、どうやって決めているのかなあ？」という話が出てきた。これは素朴な疑問なのだが答えるのはとても難しい質問である。指揮者にもいろいろな人がいる。プロオケをひたすら振って海外まで行ってしまう人、国内中心でアマチュアオケを振ったりもする人、オケを指揮する機会もなくていろいろな仕事をしないと生活できない人、本当にさまざまだ。コンクールで上位に入賞しないとなかなかオーケストラからの仕事はもらえないとかいろいろと聞いたりもする。プレイヤーのコンクールもさすがに上位となると意見が分かれてくることもあったりするようで、順位づけをすることというのはとても難しいことだ。まして、指揮は自分で歌うのでもなければ、楽器を弾くわけでもない。他人を動かす力というとてつもな難しいものを要求されるわけで、そんなのわからないぞという感じだ。大事なことはやりたい音楽の形を示す力と、状況を瞬時に察知できる耳の良さといったことなどがきっと大事なのだろうと思う。それに、リハーサルを見るということなので、そこでの指示の的確さということも重要であるようだ。しかし、能力があるというだけでは仕事は取れないのも事実で、いわゆる「嫌なやつ」にはやはり仕事は来ない。これは特にオーケストラが人間の集まりであることにも大きく関わるのだろうと思う。何事でもそうだが、他人に何かをしてもらうと同時に、パフォーマンスに対して自分で責任をかぶるということほど難しいものはない。丸投げするだけなら楽なのだろうが、後半部分こそが実は重要だ。だからといって、自分だけでかぶって片づけてしまおうとするのも指揮者の場合は不可能である。日常の仕事でもこういう問題ってたくさんあるように思う。本当に問われている力は、丸投げをすることでもなければ、自分でかぶって「これだけやったんだから勘弁して」ということでもなく、確実に意思を伝えて仕事をしてもらうことであるように思う。そのためにはやっぱり他人から信頼されるだけの勉強量と、他人を信頼しつつ重要なところをきっちり押さえておく力との両方が必要だということだろう。それがうまくできる人って、やっぱり魅力的なんだろう。自分がそうなれるかどうかはわからないが、いろいろな素晴らしい指揮者に触れる機会がある自分にとってはとても勉強になる。

  Jan 7, 2007

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• 1年の締めくくりは懐かしい仲間と

  帰宅が終電になったため、一日遅れの更新。昨日は、毎年12月30日にある恒例の飲み会。大学オケのOBから現役まで集まれる人は集まって飲むぞという会。最初は10人ほどだったと思うが、会を追うごとに人数は増えていき、今回はなんと40人！昼から「０(ゼロ)次会」なるものをやっていた強者も何人かいたらしい。私は正規の待ち合わせ時間に集合場所へ。1時間ほど電車に揺られて行った。どこも年末は人が多い。集合した後にさっそく店へ。ここは一昨年も来た和風の料理を出す店。料理もお酒もおいしかった。私はけっこう現役学生の人たちと話をしていたが、途中いろいろな人が絡んできて面白かった。2次会は、電車の駅にほど近い場所、毎年同じ店で開かれている。ここでも楽しく話す。正面に座っていたのが現役の4年生元部長、3年生前部長の2人だった。そこで言われたのは「よんきゅさんはただ弾きに来るんじゃなくて、自分のことだけで精一杯でもなくて、オケ全体のことを考えて弾いてくれているのがとてもわかるからうれしいんです」ということだった。それはどういうことなのかと尋ねてみたら、「もちろん最終的には指揮者を見て合わせているんでしょうけど、必要なところではコンマスを見てちゃんと合わせているし、抑えるべき場所はきっちりとやっているように見えるんで」ということだった。ちなみに彼はホルンパート、1stヴァイオリンはよく見える位置にいるので、吹いていないときにはけっこう見ているそうだ。これは照れくさい感じがしたのだが（めったに褒められないもので．．．）、とてもうれしかった。大学オケは自分が育ててもらった場所だし、できる限りのことをして恩返しをしたいという気持ちはいつも持っている。オケ全体としての演奏がよくなればいいし、そのためのことをちゃんとやろうと心がけてきた。あくまで演奏の主役は現役学生、もちろん同じ舞台にのる者として話し合っておきたいことはあったし、それだけはちゃんとやろうと思ってきた。そういう気持ちが伝わっていて、それを喜んでくれる人が一人でもいたことが何よりもうれしいことだった。そんな話をしているうちに、隣のテーブルで始まったのは「鉄道研究班」によるジオラマ制作（？）。一人が別のメンバーへのおみやげとしてJRの特急「はまかぜ」のミニチュアを持ってきていたのだが、「これで何か遊べないかな」ということをきっかけに余部鉄橋を制作することになった。高い鉄橋なので、とっくりの上に割り箸を渡し、氷をつかむ道具を間の橋脚に見立てて、そこに「はまかぜ」を乗せたらそこのテーブルだけ大喝采。さらに調子に乗ってきて今度は「餘部駅を作ろう」という話になり、キャベツの千切りを列車撮影スポットになっている山に見立ててとっくりの上にのせる。さらに別のメンバーが「反対側にトンネルがいるやん」と言いだし、もう一方のとっくりの上におちょこをひっくり返してのせてついに完成！いろいろな角度からケータイで写真を撮りまくる（かなり重症だ．．．）。さらにエスカレートしてマグロの刺身を「オハ50系(赤い客車）」にしてみたり、「DD51（ディーゼル機関車）」にしてみたり、果てには「煙！」といってその上に紫キャベツの破片をのせてみたりと、かなり濃いテーブルとなった。そんなこんなしているうちに、あっという間に6時間近くが経過して、とりあえずお開き。私は終電で帰宅。同じ高校出身の後輩も実家に帰るというので一緒に1時間ほど電車に揺られて帰った。いつもこの会の帰りは一人で寂しかったのだが（去年は飲み過ぎてリバースとの闘いだったが）、今年は楽しく会話して帰ることが出来てとてもうれしかった。会場の近くに住む人々はどうやら3次会に繰り出したらしい。いつかは泊まりでやりたいのだが、妻子持ちはなかなかそうもいかないものだ。まあ、最後に帰らなければならないというのは、無茶への歯止めになると考えればそれはそれでいいのだが．．．。とにかく楽しい年の瀬となった。

  Dec 31, 2006

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• オケ仲間と会う会う

  今日は妻のフリータイム。私が子供を昼食に連れて行き、室内遊戯施設で遊ばせて子守り。子供たちは楽しくて満足してくれたようだ。こういう日も作らなければならないだろう。喜々として遊ぶ子供たちの顔はやはりかわいいものだ。などと思いながら、夕方になり、ここから妻とバトンタッチして、私の楽しい時間。オケのごくごく親しい仲間とささやかな忘年会が企画されていたのだ。まずは、行きの電車を降りたところで背中を叩かれる。ぎょっとして振り返ると、オケのメンバーの奥様。いろいろと話すうちに、忘年会に参加したいとのお話、快諾して待ち合わせの時間と場所を伝える。それから待ち合わせまでの時間、某大手CDショップに立ち寄り、久しぶりにCDを買い求める。「のだめ」の影響か、ドラマで出てきた曲を購入、さらに以前からプロの指揮者に一聴するようすすめられていた演奏が復刻されたのを見つけて購入、そしてさらに聴いてみようかなというフィーリングであまり聴いたことのない曲を2枚購入。結局15枚ほど候補を手にとって5枚だけ購入。いろいろと品定めしているのが至福の時．．．。と！背中を叩かれる。ビックリして振り返るとまた別のオケのメンバーが立っていた。こういうことはときどきあるのだが、何やらいろいろ探している様子だった。知っている範囲で探してあげてその後別れた。そしていよいよ忘年会。結局予定より人数が増えて5人。最初に餃子屋に立ち寄って軽く腹ごしらえ。それからビヤホールに行き、ショットバーへ行く。いろいろと話して楽しかった。メンバーの奥様は違うオケで活動されているので、オケによるいろいろな違いなどで話が盛り上がる。最後は2人だけ残ってお互いの子供やヨメの話をしながら軽く飲んで仕上げ。至福の時だった。

  Dec 28, 2006

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• スコアの意外な使い道

  スコア(総譜）は、曲を構成するすべてのパートをすべて並べて書いた楽譜のことで、指揮者は言うに及ばず、オケや室内楽のプレイヤーにとっても必需品とも言えるものだ。持っておくべき理由は曲の勉強のためであり、パート間のつながりを理解するためである。しかし、私はそれ以外の使い道でスコアを重宝している。1つは、初対面の人との待ち合わせで使うという方法。これは、以前にも書いたが、オケに入団したいという人と一度会って話をしようということになったときに使った。普通は場所を指定することはもちろんのこと、あと服の色や形、自分の姿などの特徴を言うものだが、ターミナル駅での待ち合わせではなかなか使いにくい手段である。そこで、「ブラームスの交響曲第1番のスコアを持って立っていますんで、声をかけてください」ということにしたのだ。スコアを持って(読むフリをして）立っている人はまずいないので、ほぼ間違いなく会うことができる。しかも、曲目を指定しておけばまず間違いない。これで間違ったらミラクルである。もう1つは、座席等の確保が必要なときに置いておくという方法。ウィーンのオペラ座の立ち見席ではハンカチを手すりに巻いて場所取りをするということだが、ファーストフードなどで場所取りをするときに使うことがある（これはたまたま持っているというのが条件だが）。例えば、子供を遊ばせる室内施設などでちょっと荷物を置いておきたい場合にバッグを置いておくのは不安である。しかし、スコアならまず盗ろうとする人はいない。というわけで、かなり邪道な使い道であるのだが、意外と重宝する。もちろん、スコアは大事なものなので決して粗末に扱おうというわけではないことは言うまでもないことである。傷をつける行為ではないし、一瞬のことなので「ブラームスさん、ちょっとだけ許して」という感じである。

  Dec 28, 2006

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• セコバイ魂！

  私が日頃オケで演奏しているパートはセカンド・ヴァイオリン、略して「セコバイ」と呼ばれている。このパートはファースト・ヴァイオリン（略して「ストバイ」と呼ばれている）に比べてポジション移動（要するに左手があちこちに動く）が少ないこともあり、オケでヴァイオリンを弾く初心者は必ずここに入る。これは理由のあることで、ひとまず音をちゃんと取ることに専念できるということだろう。しかし、この名称が今ひとついただけないなと思う。ストバイは確かに難しい。旋律を担当するケースが多いし、音が高いのでストレートに浮き出てくる。そういう意味では責任重大である。とはいえ、そこだけが大事であるように思われるのはどうかなと思っている。これはお客さんよりも弾く側にそういった考えがあるように思われるのだ。オーケストラは、全体として音づくりをして、それが複雑に織りなされて有機的にまとまってお客さんに届くというのがいいのだと思う。一枚の絵を見ても、確かに主となる対象があるのだが、周りの色遣いやタッチなどがその作品の味を決めている。見る人は知らず知らずのうちにそれらまで味わっているはずなのだ。音楽でもそれは同じことだと思う。セコバイはオーケストラの味を引き出す重要な役割を背負っているのだ。ベートーヴェンの「英雄」や交響曲第7番などがあれだけの推進力をもってきこえるのはセコバイの細かい刻みのおかげだと思うし、スメタナの「モルダウ」が本当に川の流れを感じさせているのもセコバイのアルペジオがあるおかげだと思う。弦楽四重奏などでもストバイからヴィオラへの旋律の受け渡しがスムーズに行くように、セコバイの補強が必ず使われている。ストバイがきらびやかな高音を弾いていてもそれが悲鳴のようにきこえないのはセコバイがオクターブ下で補強しているからだと思う。つまり、セコバイはオケの中でいろいろな役目を背負っているのだ。車で言えばストバイがボディだとして（カッコイイと思わせる）、セコバイはエンジンだと思う。車好きの人は性能のいいエンジンにこだわるのと同じで、オケにも性能のいいセコバイが必要だと思う。表面的には目立たなくても、確実にお客さんには見えないながらも届いているはずだ。私がその人の指揮で素晴らしいなと思った指揮者はみんなセコバイをきっちり聴いているし、厳しい指摘を飛ばしてくる。それはきっとセコバイがそういう意味で重要だと思っているからではないかと思う。私ももちろんストバイをやるというのも好きだが、今いるオケではやっぱりセコバイがいいなと思う。ストバイは器用な人に任せて、私は器用でないながらもいろいろなことをきっちり考え抜いて、旋律をきっちりサポートでき、また出るべき場所できっちりと出ることのできるセコバイ奏者でありたいし、そういう風にパートをまとめていけるトップでありたい。それでオケの響きが良くなるのならば、最高の喜びだ。まあ、理想ばかりかなという気もしないではないが、いつかそうなればいいなと思う。セコバイ魂をもって、頑張っていきたいものだ。

  Dec 22, 2006

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• 今シーズン2回目の演奏会

  昨日はエキストラとして出演したオケの本番だった。市民オケのエキストラはかなり久しぶりだった。打ち上げの後帰宅して疲れ＆酔いによりすぐに寝てしまったので一日遅れの更新。昨日の演奏会はロシアもの2曲。チャイコフスキーのピアノ協奏曲第1番と、ショスタコーヴィチの交響曲第10番だった。チャイコフスキーは1年ちょっとの間にこれで3回目。ピアノパートも頭に入っているので演奏にはほとんど苦労しなかった（自分のできる範囲においてだが）のに対して、ショスタコーヴィチはかなり苦労した。もちろん初めて演奏する曲だったこともあり、個人練習はしていたものの合奏練習への参加回数がどうしても少なくなってしまうので、一瞬変なことが起こってしまうとなかなか対応しづらいものがあった。ずれないか、落ちないかといった不安は初体験の曲でなおかつエキストラでの出演の場合、どうしてもつきまとってしまう。少しでも集中がとぎれる瞬間があるとすぐに振り落とされてしまうかのような感覚だ。しかし、この日記でよく書いているとおり、それを理由にしてテンションを下げてしまうのは嫌だし、時間的に合っているだけでは芸がないので、とにかく曲の勉強はかなりした。合奏のために必要な他のパートのかみ合わせや強弱記号はもちろんのこと、それにとどまらずいろいろな表現や曲のかたち、フレーズの意味などもチェックし、オケのテンションに乗っかっていけるようにしていった。そのおかげで、テンションにもついていけたので楽しく演奏することはできた。でも、所属しているオケのように、作り上げる段階から参加していないので、いつもの演奏会とはまったく違った疲労感があった。終わってから打ち上げまでの待ち時間で椅子に座り込んでしまう疲れだった。初体験の多かったこの演奏会だが、アンコールでめったに演奏されない曲を演奏できたというのもよかった。いろいろと楽しかったが長い一日、打ち上げもしっかり参加した。お酒を飲んだら復活してしまうのが不思議であるが、これってドリンク剤と同じで一定時間しか効果がない。効果が切れたら余計に疲れが出てきてしまうのだ。帰ってすぐに寝てしまった．．．。心地よい疲れだった。これでオケ関係のイベントは年内最終。来年も楽しくやりたいものである。

  Dec 17, 2006

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• 演奏＝非日常の世界

  これまでにいろいろなアマオケで演奏してきたが、実はこのこと（演奏が日常の世界から抜け出せないこと）がどこのオケに行っても課題になっているような気がする（もちろん、限られたサンプルなので一般化するには不十分であり、あくまで自分の経験の範囲内で）。その意味は、演奏しているそのときにずっとアクティブであり続けることと、「イッてしまっている」のに近い状態にまで持っていけていないことだ。例えば、何とか無難にその場を通り過ぎるために、「こなす」「飛び出さなければOK]「弓の上げ下げだけ揃える」「時間的に合っているように何とか音を出す」「指揮者に言われたとおりにしておけば」と考えてそれでおしまいにしてしまうことが問題である。所属オケをよく振っていただく指揮者の先生は、このことについてこう言っていた。「音楽を演奏するっていうのは、非日常の世界でしょう。会社で仕事をするときに思っていることをそのままやってどうするんですか。日常の世界は忘れてください。」会社組織でははみ出さないことが重要であることはわかる。日本ではなおのことだろう。しかし、「はみ出さない」ということで思考停止になるのではなく、もっと積極的にやりたいことをぶつけあって合わせていくことにまで踏み込んだ方がいいのではないかと、オケをやっていて思う。もちろん、そうするためには多大なエネルギーが必要で、ともすれば面倒だと思ってしまう。しかし、そうした先にこそ、もっといい組織の姿ができるのではないのかと思う。もちろん、本当に感情の赴くままにイッてしまうのはオケでもダメなことである。しかし、それに可能な限り近づくことが演奏の上では必要だと思う。思いはきっとそれぞれたくさん持っているだろうから、さらには曲への理解を深めて頭を鍛え、練習をして腕を鍛えることが必要だ。その状態でみんながぶつかりあえたらなと思う。それがたぶん生きた音楽になるのだろう。こなすべき仕事であるプロオケはともかくとして、年に何度も演奏できるわけではないアマオケなら「演奏＝非日常」である。アマオケにしかできない演奏はそういうところから生まれてくるのではないかなと思う。

  Dec 16, 2006

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• やっぱり室内楽が基本

  先日、オケの仲間4人で弦楽四重奏の練習をした。内輪での本番だが、聴く人がいるのといないのとでは大きな違い、せっかくの機会というので出演することに。私にとっては合奏を一緒に楽しむ上ですばらしいメンバーだ。取り組んでいる曲は、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲第12番第1楽章である。ベートーヴェン後期の作品、作品番号で言えば第九のすぐ後である。ヴィオラ奏者の発案で決定した曲、最初は何とかなるかなと思っていたら、とんでもない！確かに音を出すだけ、物理的にタイミングが合っているというだけなら確かにそうなのだが、やればやるほど奥が深い。最初のコラールの部分は2ndVn泣かせ、大事な音がことごとくやってきており、なおかつ2つの弦を一度に弾かなければならない。音程をとることがとても難しいのだ。シンプルな譜面だけにごまかしは一切きかない。塩ラーメンのスープだけでおいしいと言わせるような難しさだ（例えがこれでいいんだか．．．）。コラールを抜けると穏やかに流れるような主題、美しいのだが、これも調や音型を変えながらいろいろと受け継いでいく。中間にある不協和音の連発は音を取るだけでも難しいのに、さらに弓使いもきわめて難しくなるように書かれている。譜面を見ただけでは感じなかったことだが、いざ弾いてみるととんでもなかった。また、クレッシェンドしていきなりピアノに落として解決するという場所が何度もあって、これがまた難しい。聴いている方は気持ちよく放り出されるような感じなのだが、弾く側は次に戻ってこないといけない。おまけに最後は遠ざかるように美しく終わるというのがまたベートーヴェンにしてやられている感じ。と、嘆き節ばかりのようだが、実はこういう課題をみんなで一緒にクリアしていくのが楽しいのだ。4人が適当に音を出せばそれで形が出来上がるということがないというのが、合奏の基本だ。オケのように100人規模となるとそれに気づくことは難しくなるが、4人というシンプルな編成で個人の音が丸裸できこえるということは、ごまかしがきかず、またうまくいかなければ気持ち悪いのを感じることができる。おのずと4人で曲をチェックしていろいろな工夫をしようと話し合っていくものだ。練習を重ねるごとにいろいろなことに気づいていく。どこまでいっても極められない音楽の難しさと楽しさを肌で感じることができるのが、室内楽のいいところだ。しかし逆に、オケをやる人は室内楽的な感覚をどこかで持っておくべきだとも言える。人数が多い分だけコンタクトは難しくなるので、もっと自分の音の意味を考えておく必要があるし、また周りの状況に対してもっとアンテナの精度を上げていく必要があるのだ。室内楽でそういったことを鍛えていくことって本当に大事だなと思った。あと、シンプルな編成の良さは、反省会と称する飲み会がやりやすい（店に入りやすいから）ことだ。その日は会場を借りてくれたオケのメンバーが途中で登場、少し聴いて、練習が終わって飲み会も参加。室内楽をきっちりやっていくと成長を感じるという充実感がある。合奏を楽しもうとするならやっぱり室内楽だと思う。

  Dec 14, 2006

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• ダブルヘッダーその後

  好きなことをしているときは何とも思わないのだが、終わった後はさすがに疲れた．．．。移動中の電車での悪い空気が徐々に力を奪っていったかのような感じ。疲れているとわかっていても、楽器を構えるサインが出た瞬間にスイッチが入ってしまう。結局今日は7時間もエンジンをかけていたことになる。演奏中は休みの間も音を出さなくても音楽は続いていく。アイドリング・ストップはできないのだ。コンマスをやり、セカンドトップもやり、盛りだくさんの一日だった。たまにはいいかな．．．。

  Dec 9, 2006

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• 老いも若きも一緒に

  「老いも若きも一緒に必死で音を出すのがいいんじゃないですか」とは、昨日のオケの練習での本番指揮者の言葉だ。演奏していたのはベートーヴェン「英雄」。昨日の練習は、これこそ本当の「音楽の」練習だと思うものだった。第3楽章の急速なスケルツォ、個人が必死で演奏しようとするのだが、残念ながら自分のペースでしか演奏できず、バラバラな感じになってしまう。しかし、ベートーヴェンは煉瓦造りの建物のように堅固な音楽、それぞれのパートが流れずにきっちりと音がかみ合っていなければならないと思う。さらっと流す練習ではそういったところはどうしても見逃されがちだが、今回は逆にまったく許してもらえなかった（それが当たり前なのだけど）。第4楽章のフィナーレ。これもけっこうしっかりと音にしにくい場所がある。16分音符が連発する変奏になるとどうしてもテーマとのかみ合わせが悪くなる。しかし、それではいけない。さらに指揮者から飛んできた指摘は見事だった。「みなさんは音符の単位が細かくなるとテンションが下がる癖がある」おっしゃるとおり。自信がないとどうしても音を消そうとしてしまう。しかし、今は練習の期間、アクシデントなら許容されるところだ。ちゃんとさらっておいて練習で発揮できれば根本的な問題ではない。どうしてもアマチュアは練習時間が足りないので間に合わずにそうなってしまうのだが、音楽が体で表現するものである以上、やはりさらうしかないのだ。ベートーヴェンの音楽の特徴は刻みの単位が細かいことと、そこにやたらと高いテンションが要求されることだ。そう、テンションが低いのはベートーヴェンではない。「みなさんも言いたいことがいっぱいあったらテンション上がりませんか？」本当にそうである。音楽で語られることは基本的にわれわれが日常話している言葉と感情との関係を反映したものだ。だからこそ音楽が胸を打つものになるのだ。爆発する喜び、涙がとめどなく流れる悲しみ、血管が切れそうなほどの怒り、さわやかな気分、集中したいときの静けさなどなど、どれも音の基礎にそれぞれのテンションがあるのだ。さらにその前にはブラームスの交響曲第1番の第2楽章の練習。これは1小節ごとに止められ指摘されるという濃密な練習。こういうのは最前列に座るときに最もきつい練習である。なんと言ってもパートのトップは責任者、みんなが落ちても絶対に引き続けること、集中力を切らないこと、自分の持っているものをさらけ出す場所である。もちろん、指揮者もそれを要求してくる。この練習では、まず静かな音の出し方が問題になった。例えば、pp（ピアニッシモ）がただの小さな音になって、テンションが下がりがちになるというのが問題である。おまけにテンションが低いために一段落ついて次に演奏し始めるための準備が遅い（だから、フレーズが始まるたびに後ろに引っ張られるようになって流れない）という問題が生じている。ppをただ単に「弱く」と考えるとそうなってしまうが、実は日常でも小声であっても相手に大事なことを伝えたいときにはテンションが上がるはずなのだ。「ppは、pの倍のテンションで演奏しないとダメ」そういうことなのだ。表現を押さえる分、言いたくて仕方がないことがたくさんあるはずなのだ。それが熱いものか、屈折したものなのかは曲によって違うが。準備が遅いという問題は、集中力がとぎれて体が弛緩してしまうことに起因していると考えられる。音楽を演奏するということは集中力を持ち続けるということと密接に結びついているのだ。「リスナーになるなら客席へ行って！みんながプレーヤーでなければいけない。」集中力がとぎれるとか、勝手に遅くなるとかといったことは、主体的に音楽を動かそうとして演奏していないということだ。オーケストラは全員が主体的に演奏できなければ意味がないということだ。みんなが全力を出し切らなければ「心を動かせる」演奏はできない。それは本来、100人のうち1人ができなくてもだめなのだ。心を共有できるアマチュアだからこそできる音楽が本当はそこにあるのじゃないかと思う。それこそ、「老いも若きも一緒に必死で」なければならない。本当にやりたい。ぜひやろう！

  Dec 3, 2006

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• 学生オケのよき伝統

  昨日も触れたとおり、出身大学オケの演奏会だった。毎年恒例のお手伝い、今年はなかなか予定が合わずに本番指揮者の練習になかなか行けず、不安もあったが、最終的には個人的にはどうにかなったかなと思う。どこまでお役に立てたかどうかは後輩たちの判断を待たなければ行けないが。3曲演奏して、3曲とも現役学生の隣で弾かせてもらった。こういうケースは意外とない。まず、学生の数が奇数でないと並ぶチャンスは基本的にない。それから、もちろんそういう席を指定してもらわなければならない。今回はその条件がマッチしたのだ。学生は時間があるので本当によく練習しているのが隣で弾いていてよくわかる。大学に入って初めて楽器を持った人もいて、それでもガンガン弾いているし、ちゃんと音になっていることが素晴らしい。私も今回かなり刺激を受けた。「よんきゅさんの隣で弾けて楽しい」とはお世辞かもしれないが、そう言ってもらえてとてもうれしかった。普段の仕事では学生と一線を引いて接しているところがあるが、音楽の領域だとそれは関係ない。同じ場所で一緒に汗を流すという感じだろうか。メインはカリンニコフの交響曲第1番、このオケでは初めての曲。私も初めて弾いた。このオケのレパートリーは比較的同じ世界の中で回ってきた（ベートーヴェン、ブラームス、ドヴォルザークなど）のだが、今回はその世界を一気に抜け出した。演奏もとてもよかった。オケらしい響きがだんだんするようになってきた。私の時代から考えれば、規模も大きくなり、演奏レベルも格段に上がっている。この10年ほどずっとお世話になっている本番指揮者の先生も、このオケはとてもうまくなったと打ち上げでおっしゃっていた。学生オケというのは通常4年でメンバーが入れ替わってしまう。同じメンバーならばレベルアップすることも比較的容易だろうが、大学オケではけっこう難しいことだ。しかし、メンバーが入れ替わっても確実にレベルは上がっている。演奏もそして運営も。弦トレーナーの先生（私が現役学生の時代からずっと指導していただいている）と終演後楽屋裏で話していたのだが、「やっぱりそれって伝統なんだろうね」とおっしゃっていた。それは打ち上げに出てよくわかった。運営で大活躍した3年生が一人ずつ感想を述べていくコーナーがあるのだが、4年生は温かい目で見つつねぎらいの言葉をかけ、2年生は次は自分たちの出番だと決意を語り、1年生は何だかよくわからないけど先輩ってすごいなと言い合っていた。その様子にはやはり感動した。日頃は強く見えた人が「本当はいつもドキドキしていた」とか「つらいことがあった」と言って崩れるようにボロボロ泣いていたし、それを支えてきた同期まで一緒に泣いていた。でも、それが終わったらケロッとしてハイテンションでガンガン飲み始めていた。これもみんな「良き伝統」だ。先輩は知らず知らずのうちにいろいろなことを言葉と行動で伝え、後輩はそれを受け取って育っていく、素晴らしい循環がここにはある。25年の時を経て素晴らしいオケが出来上がったなと思う。今回の演奏会でこのオケも一皮むけたような気がする。レパートリーにしても演奏にしてもそう思う。弦トレーナーの先生が一言、「この子たちにマーラーをさせてみたいね。もうやってもいいんじゃないの？」と。次のエポックメイキングに向けてこのオケは走り出すのかな。今後がさらに楽しみである。

  Nov 27, 2006

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• お役に立てるように

  今日は出身大学オケの定期演奏会。学生たちにとってはこれまでの努力したことすべてをエネルギーにして音楽を表現する日。私にとっても学生時代から年に一度必ずやってくる特別な一日だ。現役の学生時代はもちろんのこと、OBになってからもずっと手伝ってきている（現役だけでは人数を揃えきれないという事情があるため）。母には「いつまで行っているのかねえ」と言われ、妻にも「よくやるわよねえ」と言われているが、何を言われようがあてにされている限り参加する。でもショックなのは、私が現役で弾いていた頃には生まれていない人が現役学生になり始めているということだ。もはやこのオケの「化石」の域に達してしまっているような気分である。しかし、そんな彼らとも何の苦労もなく仲良くできるのは、今の仕事をしているからなのかなと思う。今日の主役はあくまで現役学生、私は彼らのパフォーマンスにうまく乗っかって増幅させることに徹する。いい思い出ができるようにほんの少しだが後押しできたらいいなと思う。少しでもお役に立てるように頑張ろう。個人的には初体験のカリンニコフが少々緊張しそうであるが、それも楽しめればと思う。

  Nov 26, 2006

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• ベートーヴェンの音づくり

  今日はオケの練習。練習のメインはベートーヴェンの「英雄」だった。本番指揮者の練習だった。これまでは全体像をつかむためのわりと流した感じの要素の多い練習だったが、今回はきっちりと音づくりを決めていく（あるいは直していく）ための練習になった。ついにスイッチが入った感じだ。ベートーヴェンで大事なことは、やはりレンガを積み上げるようなきっちりとした音づくりである。どんなに激しい場面であってもそれが崩れてしまわないことが重要だ。流れを崩さないことはもちろんだが、すべての音について、音自体を崩さないことが重要であるということを徹底された。実感したのは、日頃の練習で弾けているつもりであっても、無意識にやっている方法によっていかに音がダメになってしまっているかということだ。例えば、アクセントのある音でついつい勢いで弓のスピードを速くしてしまうが、それは「ギャッ」とひっかいたような音が出るだけであって、まったく美しくない。また、スタッカートのある音は確かに短くしなければいけないのだが、短すぎて音程がわからない状態になってしまっていたり、中身のない安っぽい音になってしまっている。ベートーヴェンの音は確かにそうはなっていない。どうしても弓の都合によって音が歪められてしまうのだ。今日の練習はとにかく「まずは音楽ありき」であって、そこに近づけるよう心がけることの必要性を痛感するものであった。テクニックの問題が絡んでくるので、一朝一夕にすべて直すことは難しいことかもしれないが、せめて近づけていけるようにしたいものだ。今日、いろいろと指導していただいて、それらしい音にするための方法がわかってきたように思う。2，3回繰り返すとけっこうそれっぽい音になるのだが、本番は一度きりなので、一発で決めなければならない。そのためにはいかに早く先回りして次の音の出し方を考えるかということ、そしてそれを自由にできるためにいかにしっかりさらうかということが重要であると思う。昨日もそうだが、今日もまた自分にとっての音楽世界が深まったように思う。いろいろなことがわかるようになることというのは本当に楽しい。「緻密なベートーヴェン」像をしっかりたたき込むことが必要だな。

  Nov 11, 2006

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• プロの指揮者と飲む

  昨日の話。最近所属オケをよく指導していただくプロの指揮者が近所まで来るという連絡をもらい、同じオケの仲間と一緒に会って飲もうという話になった。授業が終わった後ダッシュで駅まで行き、電車にしばらく揺られて待ち合わせ場所に到着。夜7時なのに「おはようございま～す」だった。横を通る人が「？？？」という顔をしていた。ギョーカイのあいさつですね。早速、駅近くのビヤホールへ。仲間はその近くの会社で働いているのでその辺の飲み屋については非常によく知っている。3人ともビール好きなのでこういうセレクトになった。この指揮者と仲良くなったのは、同世代で意気投合したことや、私の友人がいるオケも指揮していること、さらに私の大学オケの後輩がその指揮者の高校の先輩でありよく知っていることなど、理由はいろいろ。この世界が狭いこと、これだけの縁でつながっていることの不思議さを感じずにはいられない。「アマチュアオケを指揮する立場とされる立場とをきっちりわきまえながらもっと楽しくするにはどうするか」という話が合うということも、いい関係が築けている一つの理由だろう。いろいろな作曲家についての話や、練習をどう進めていくのがいいのかという話、今練習している曲のこだわり分析などなど、指揮者の修業時代の逸話を交えつつ、楽しく話した。例えば、「ブラームスの交響曲１～３番のそれぞれについて全曲の底に流れている動機は？」「ブラームスの交響曲第4番はなぜ渋いのか？」「ブラームスの強弱記号の書き分けの特徴は？」「マーラーの交響曲第6番とベートーヴェンの英雄に共通することは？」「チャイコフスキーのロ長調はアチラの世界を表す」といった話、かなりマニアな話であるが、そういうことを教えてもらえるという機会はそうそうあるものではないので、とても楽しい（もちろん、真面目なだけではなく面白エピソード満載の会話）。日頃指揮者が必死でいろいろと勉強していることがよくわかる。弾く側も本当に頑張らなければいけないことを痛感する。楽しくまた贅沢な夜だった。店をはしごしてとても充実した夜となった。

  Nov 11, 2006

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• ブルッフの中にR.シュトラウス

  この二人の名前を見て結びつくことってあるだろうか。私は昨日の夕方までそうではなかった。タネ明かしは以下の部分で。昨日、大学の授業が終わってから母校のオケの練習へ。距離は遠いが、その間にいくらレもやることはあるということで授業のネタとなる新刊本を読み込む。朝の通勤とこの往路だけで1冊読めてしまった。なかなか充実しているぞ。と、途中の駅で偶然社会人のOBが同じ車両に乗り込んできて私に気づいてやってきたので話し込む。今日は本番指揮者による練習、このチャンスを逃すと次は直前になってしまうので無理をしてでも行くべきと判断して行くことにしたのだ。練習したのはブルッフのヴァイオリン協奏曲第1番、ソリストもいらしていた。最初はオケのみの練習だったが、知らないうちに1stVnの最後尾でオケパートを弾いてウォーミングアップをしておられた(元々プロオケのプレイヤーだったので)。ほどなくソロの位置へ登場。この方は以前に母校オケの定期演奏会でサンサーンスの協奏曲第3番を演奏された。この時も一緒に舞台にいたのだが、堅実な演奏という印象だった。今回もその印象は変わらない。やはり上手なソリストは弓が一往復するだけでたくさんモノを言うという感覚は今回もある。さて合わせ開始。まずは第1楽章から。母校オケとOBオケは元が同じなのでいいところも課題もほぼ同じというのが何とも言えない感じ。ちょっと奥ゆかしすぎるかな。確信を持って入れず迷っている感じや、フレーズを言い切らないうちに音が失速してしまうことがあるとか。ビビらずに自分の音楽を能動的にできるといいなと思う。「これでいいですか．．．」ではなく「こんな感じだと私としては思うんですけど」という感じになれるといいな。弾けているのだから、あとは表現だ。第2楽章。これもゆったりとした流れの音楽ではあるのだが、ここで「ほぉー」と思った指揮者の一言。「ブルッフのこの楽章は静かな場所でも強い意志や動きを感じて演奏すべきと考える。意思を強く持った前向きなピアノ(静かな音)は後のR.シュトラウスに通じるものがあり、先取りしたものであると言える。だから当時は斬新な曲にきこえたはずだ」ということ。なるほど、ブルッフはブラームスと同時代で当時人気を二分したと聞いたことがある。当時はきっと新しかったんだろうな、「ベートーヴェンはロックだ！」というほどではないにしても。確かに、途中から変ト長調になる部分は静かに始まるがとても前向きでしかも急激なクレッシェンドを要求している。それに転調もモーツァルトのようにいつの間にか変わっているというのではなくて、もっと強い力を加えて回り舞台を回しているような変わり方だ。第3楽章。テンポはあまり速くなく、学生でも十分対応可能。この楽章にも「前向きなピアノ」はやはりあった。そうやって考えるとなるほどと思える。本番指揮者はもう10年近く母校オケを指導していただいている。穏やかに、また静かにメッセージを発するタイプの指揮者だが、その一言がとても重いし、参考になる。毎年新しいことを教えてもらえるし、新しいことを発見できるのがとてもうれしい。練習終了後、電車までかなり時間があったので部員の片付けを手伝い、一緒に帰ることにした。駅でたくさんのメンバーと一緒になったが、4人掛けの席で一緒に座ったのは学生指揮者の2人。2人がいろいろと苦労していることはわかるので、その悩みを聞く。また、どちらもブルッフの指揮を担当しているのでスコアを一緒に見ながらうまくいかない場所の解決策を一緒に考えた。また、技術的なアイデアをいろいろ考えていてそれを練習で言うというのは当然大事なことだが、同時に必要なことは「音楽語」ではなく「日常語」でどう表現できそうかを考えることや、自分の準備してきたことを全部言おうとしないことが大事だということなどをお話しした。おそらくこういった話を学生が聞く機会はあまりないと思うので、面白くて興味深いと言ってくれた。私も自分が習ってきたことや練習の過程で試行錯誤したことなどを言葉にすることで学んでいるので、こういう機会はありがたい。定期演奏会まであと少し、ヴァイオリンの演奏でもしっかり貢献して、少しでも彼らの力になれるように努力したい。

  Nov 9, 2006

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• ポール・モーリアの音楽

  私がヴァイオリンを初めて持ったのは高校1年の時で、それまではクラシックもまともに聴いたことがなかった。音楽の鑑賞の時間は、主要旋律に勝手に歌詞をつけて替え歌を作っていたか、作曲家の肖像画に落書きをして遊んでいた(今では考えられないことだが）。聴くのは歌謡曲(当時はベストテン番組の全盛期）ばかりだったのだが、唯一歌詞のない音楽の中で聴いていたのがポール・モーリアだった。「ポール・モーリア全集」なるカセットテープをなぜか父が買っていて(父は演歌が大好きなのでこれまた意外だったのだが）、車の中でよくかけてくれたのである。おそらく、演歌ばかりだと私と弟が飽きるが、今どきの歌もなあ（ピンク・レディーだの松田聖子だのというあたりの時代だった）とでも思っていて、落としどころを探していたのかなとも今にしてみれば思ったりする。テープは10巻組ぐらいだったと思うが、最初は車の中にあったものを私がどんどん「これ貸して」といっては持って下りていったので、どんどん車の中のテープが減っていったのを覚えている。それこそ、すり切れるのをいやがった親が気に入った曲はダビングしろと言うまで聴いた覚えがある。もう10年以上まともに聴いていないが、今でも多くの曲はオーケストレーション込みで頭の中に入っている。ポール・モーリアの音楽がイージー・リスニングというジャンルの音楽であることや、収録されていた曲が洋楽や映画音楽の名曲をアレンジしたものが多いことを知ったのはずっと後の話で、元の曲を後から聴いて「こういう音楽だったのか」ということを感心したことが多かった。オーケストラといってもクラシックのそれとは違うものの、後にクラシック音楽のオーケストラに入っていくのに抵抗がなかったのは、こういった音楽を聴いていたおかげなのではないかと思っている。そう考えると、ポール・モーリアの音楽は私にとっての音楽の原点だと言えるのかもしれない。

  Nov 6, 2006

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• 「カワイイ」路線？！

  先日のOBオケの練習が終わった後で、卒業直後の若者＆現役生と夕食に行った。私以外は全員20代前半であるが、話はとてもはずんだ。みんなも気兼ねすることなく自分のしたい話をしていたし、私もそれに絡んでいった。そこで出た話。どういう脈絡でその話になったのかは忘れたが、一人の女の子が言った「某楽器の○○さんって弾いてるところカッコイイなあって思うんですよねぇ」というところから話は展開。弾き方がカッコイイということは、もちろんその人がちゃんと音楽をしていて、弾いている姿が自然だからそうなのだと思う。で、こちらを見た彼女が「そうそう、よんきゅさんは、失礼だと思って言わなかったんですけど、弾いている姿を見ていて前からカワイイなって思ってたんですよ。弾いているときの顔が少年の顔なんですよ、ほんとに楽しいんだろうなって思います。」確かに、15歳年上にはなかなか確かに言いづらいだろうし、わざわざ本人に言う話でもない。まあでも、言われた本人としてはコメントのしづらいところだが、プラスの評価をしてくれているということで素直に喜んでいる。私が一緒に演奏する人たちからよく言われるのは「熱いですねえ」であり、もっと親しい人なら「濃いですねえ」という感じだ。確かに、スマートさは残念ながらまったくない。まあ、そんなカッコイイだのカッコ悪いだの考えて演奏しているわけではないのだが、改めてそんな話になってみると面白いものだ。自分の姿が他人の目を通じてどのように見られているのかを知ることもたまにはいいことなのかもしれない。

  Nov 3, 2006

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• 気分はタイムスリップ

  2日遅れの更新。原稿の仕事がようやく一段落し、次の作業までしばしの休息。ちょうどいい時期に学祭休みとなる。学祭ではゼミ生が屋台を出しており、商売に奮闘している。恒例として出店を義務づけているわけではないのだが、なぜかどの学年もやりたいという発案があるもので、今年もやることになった。私は授業以外の活動についてはすべてゼミ生たちだけで運営するように明言しており、私がやることは荷物置き場として研究室を貸すことと、客として商品を買ってあげることと、打ち上げの補助を若干出すことぐらいだろうか。あとは、親しい職員に営業をすることかな。この日は大学でしかできない仕事の処理が少し残っていたこともあり、まずは大学へ。そして仕事を終わらせてから屋台へ顔を出した。もちろん、商品1つではなく3つをお買い上げ。そこに日頃からよくお話をする職員が通りかかったので、すかさず売り込み。ゼミ生に「先生がいた方が売れるんじゃないんですか？」と言われるも、「授業を受けている学生は逃げるかもよ」と答えると笑っていた。休憩の時にお茶とお菓子でも買っておいでと店長に少しだけ補助金を渡して次の場所へ移動する。学祭といえば、学生時代にオケで屋台を出していた。店の名前は「お好み焼き　うんめぇ～」。もちろん、「運命」とかけているのだが、店のBGMがクラシックというのがなかなかミスマッチで面白かった。お好み焼きを焼く音とベートーヴェンが同居というのはなかなかいいのだが、モーツァルトとの同居は「？？？」な気がした。もはやけっこう昔になってしまったが楽しい思い出、今どきの学生も屋台をみんなでというノリは好きなのかもしれない。いいことである。次の場所は母校。大学オケの定期演奏会が近づいており、エキストラを頼まれているのだが、なかなか多忙＆遠方で練習に行けずじまい。平日の合奏になかなか行けないのだが、今回は休講中なので堂々と行くことができる。というわけで、昼の3時頃から母校の大学生と一緒に練習。毎年出演しているので、学生たちも顔は知っていて「どこのオッサン？」とか言われずにすむ。今時の学生と話をすることはほぼ毎日やっていることなので慣れていることもあり、すぐに仲良くなれるのがうれしいところだ。学生指揮による練習にも参加。いつもは本番のプロ指揮者の練習にしか行くチャンスがないのだが、今回は4年間親しんできた部室のなかで、日頃の練習に参加することができた。私がいた時代とは違ってオケは大規模化したが、みんな仲の良い素朴な雰囲気は今でも残っていた。もちろん学生諸君からみれば私はOBなのだが、意識は「現役学生が主役で、私はできる限りのお手伝いをするだけで、参加させていただいている」というようになっている。心は完全に十数年前にタイムスリップしていた。学生の練習の進行は確かに「もっとこうした方がいいのかな」と思うこともあるのだが、そういうことは合奏中にみんなの前で言わずに、練習が終わってから指揮者にポイントだけを簡単に伝えることにしている(指揮者にとっての問題を言うので、合奏中にいうと奏者が混乱するため）。学生オケの魅力はずっと内側から見続けているとよくわかるのだが、4年間での一人ひとりの成長ぶりだ。指揮などやったことのない人が苦労して最後にたどり着いたところや、入部するまで楽器を持ったことのない人が最後にたどり着いた演奏する姿を見るのは感動的ですらある。吸収する力と素直さ、そして熱い気持ち、日頃の練習に参加することの魅力がここにはある。帰るときに、同じ方向の電車に乗る人と駅でバッタリあったので、途中まで一緒に話しながら帰る。昔の話がとても興味深いらしくいろいろと話をしてあげた。所属していた大学オケの歴史のうち７割以上を毎年見てきた私にはネタがたくさんある。年はかなり離れているが、私にとってみればいつも会っている学生と同じ年の人たちばかり。いつもの雰囲気で話をして楽しく帰ることができた。充実した「心の洗濯」のできた一日だった。

  Nov 2, 2006

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• 久々にオケの練習

  最近、ずっと週末に仕事があったために、所属しているオケの練習に行けなかったが、ようやく仕事が一段落したので行けることになった。やはり週1回の楽しみに参加しないと、どうも感覚が狂ってしまう。さっそく仲間から「はて、どなたでしたっけ？」といわれてしまった。1ヶ月行っていないのだからしょうがないといえばそれまでだが．．．。練習は弦セクション練習。指揮は団員だったが、合奏の練習としてはあまり参考にならないので、ボウイングと自分の音とのつながり方をチェックするという目標を立てて練習した。成果は、まあぼちぼちだった。いつものことながら痛感するのは、指揮台に立つこと、そして指揮をするという行為の難しさだ。楽器をうまく弾けることと、指揮をうまくできることとは違う(本当のプロなら問題なく連動できるのだが）。昨日弾きながら思い出したのは、大学時代に教えてもらっていた指揮者の先生が言っていた「指揮というのはオケのやりたいようにするのを邪魔すること」ということだった。その続きは「だからこそ、振り方も、指示の出し方も、これでいいのかと思えるくらい考えてやっと指揮台に立てる」ということだ。アマチュアだし本番の指揮者ではないので、そこまで求めるのは酷だし、私もその立場だったら困るなと思うだろう。でも．．．と思ってしまう。日頃自分が思っている解釈（といっても出所はCDだし、スコアには書いていない、一時期はやった解釈）どおりに演奏させようとするのは．．．。誰も準備できていない状態で棒を振り下ろされて「なんでバラバラに入ってくるの？」と言われても．．．。結局、終わってから飲みに行き、みんなで言いたいことを言い合ってきた。私は何度もこの状態を経験しているので対処の仕方は理解しているが、初めて経験した人にはけっこう刺激が強かったようだ。しかし、こうしてなんだかんだいってはいるが、実は自分も練習指揮をしているときにそうなっていないかと怖くなってしまう。「のだめ」の中でのだめにピアノを怒りながら教えている千秋のようになってはいないだろうかと思う。つまり、レッスンで怒鳴るように指導されるのが嫌なはずなのに自分もそうしてしまっているというようになっていないかと。指揮台の上に立つのは、アマチュアなら確かにあこがれるものだし、一度はやってみたいかなと思う。でも、演奏が多くの人の力によって成り立っている以上、好き放題はできないし、むしろ気苦労の方がほとんどだと思う。謙虚な気持ちを持っていないと、みんなからすぐに見抜かれてしまい、演奏は自分の思う方向からどんどん離れていく。みんなの前に立つということは、そういう自分をさらけ出してしまうことでもあるからこそ、慎重でなければいけないのだろうな。そういう意味で考えさせられた練習であった。

  Oct 28, 2006

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• 熱く語らう

  一日遅れの更新。そうなった理由は以下のとおりだ。と、その前に少しだけ1日の動きを。朝、通勤途中に尊敬するベテランの先生にお会いし、いろいろとお話をしながら大学へ。いつもお話をきいていて、自分の上司だったら本当にいいのになと思う。世の中はなんとうまくいかないものか．．．。大学に着いて、3年ゼミ。こちらは前日面接をしてもらった4年生と違って、まだ無邪気さが残っている。とはいえ、今の4年生も昨年の今頃はこんな感じだったと思うので、就職活動は人を変えるということか。これから3ヶ月、グループ研究でみっちり鍛えることになる。昼食は先輩の先生と大学近くの定食屋へ。もう何年もいるのに、初めてその店に入った。学生向けの量の多さにビックリであった。午後は原稿執筆とその後会議。何となく時間が過ぎていった。その後、地元に住むOBオケの仲間と3人で飲み会。オケの話で熱く語り合った。アマチュアオケでありがちなちょっと突き放した参加の仕方が運営の中心になる人間にとっては嫌だという話とか、弾ける人がいたりすると自分はそれよりうまく弾けないからといって引け目を感じて表現をしない人がいっぱいいて困るといった話で盛り上がる。OBオケはもともと序列なんて考えずにやりたいという発想から出発したはずなのに、知らず知らずのうちにそういうものがみんなの中に出来上がっているのはなぜなんだろうかと3人で考えていた。みんなが好きで選んだ曲なのだからもっと個人個人が表現してもいいはずだ。それには「これしかない」という方法などなくて（っていうか、素人にはわからない）、自分なりの表現を探していくことが必要だと思う。必要なのはいい意味での「やんちゃ」さであるように思う。「独りよがりではないけれど強い主張」とは、対立するものが同居する難しい表現だが、こういったものは世の中にたくさんあるし、音楽にもそういうことは多い。「熱い心と冷静さの両立」なんていうのもそうだ。もっと表現でぶつかり合うことがやっぱり大事だ。「先生の指示は守りましょう」「よんきゅさんの指摘は覚えておきましょう」という表現がよく使われているが、それは自分なりに表現しなければ自分のこととして頭に入らないのではないかと思う。もっとみんな、攻めていこうというのが、昨日の結論かな。それにしても長時間飲み過ぎた．．．。いやいやこういう時間は本当に一瞬で過ぎていく。

  Oct 18, 2006

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• 懐かしの練習場＆定食屋

  今日は出身大学のオケの練習で、4年間過ごしたキャンパスへ。昨年の練習以来だから、大学オケの練習には10ヶ月ぶりぐらいだろうか。練習は朝から夕方までたっぷり。先週さんざん疲れた頭の切り替えにはもってこいのシチュエーションである。最初はブルッフのVn協奏曲(オケのみ)。これは去年演奏したのでまだ体が感覚を覚えている。最近変えたいい感じの弾き方で弾いてみるとやっぱり去年と違う。すんなりと音が飛んでいくようになっているのを感じる。これをキープしていこう。それが終わると昼食。同期が1人練習に参加していたので、一緒に昼食へ。何となく門を出て、何となく歩いていると、やったー！昔よく行っていた定食屋が開いているではないか！そういえば、今日は月曜日だった。日曜日が定休日なのでいつも練習に行っても開いていなくて残念だったが、今日は行ける。何年ぶりだろうか、卒業してから一度だけ行く機会があったが、もう10年近くぶりになるかな。のれんをくぐると、変わらぬ声で「いらっしゃい！」とおっちゃんとおばちゃんが迎えてくれた。名物の丼を注文し、待つ間には店の壁一面に張られた卒業生の色紙。もちろん、オーケストラの部員もたくさんあった。名物の丼とダシのきいた味噌汁。一口食べただけで「そう、これや！」と二人で大喜び。あとは夢中で食べる。その間二人で無言．．．いろいろ思い出すよなあ。改築される前からずっとお世話になっていた。24時間耐久麻雀大会(何やってるんだか．．．）終了後に夕方フラフラで食べに行ったのもこの店。今も変わらずご夫婦が元気でやっていてうれしかった。練習に戻るとき、空は雲一つない抜けるような青空。めったに晴れない地域なので（「ところによりにわか雨」の「ところにより」は絶対ここのことだと思っていた）、貴重だった。オケの練習なんてしている場合ではないと、きっと誰か一人は言っているはずだ。午後の最初はワーグナーの「マイスタージンガー」前奏曲。学生の演奏は本当に元気いっぱいである。多少やりすぎかなと思うところはあるが、自分たちだって間違いなくそうだった。演奏会まであともう少しあるので、修正できるだろう。その後はカリンニコフの交響曲第1番。この曲はさすがに初めてだ。曲は聴き込んで勉強していったものの、指がまだまだ付いていかない場所もあった。これはまだまだ練習しないと失礼だなと反省。学生はさすがに豊富に時間があるのでかなり弾けていた。が、ニュアンスはまだまだ改善の余地あり。もっと曲の良さを引き出せる演奏ができるんじゃないかと思った。押すだけでなく引くことも大事かな。後輩と一緒に演奏できるというのは楽しい。この年になっても呼んでもらえることは何よりの幸せ。考えてみれば、今教えている学生と同じ学生なのだが、そう思えないところがまた不思議である。もし非常勤にでも行って授業をすることがあったりしたら、きっと変な気分なんだろうな（まあ、その機会はおそらくないだろうが）。もはや大学オケでは「化石」並みではあるが、いやいやずっと続けているから「生きた化石」ということになるかな。とにかく、彼らのためにできることを誠実にやっていきたいものだ。

  Oct 9, 2006

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• もっとみんなでうまくなれたら

  今日は夕方からオケの練習。昼間は子供と公園で遊び、娘の自転車と全力疾走で何本も競走させられる羽目になり、少々疲れつつ会場へ。最近は、先日のレッスンの成果を忘れないように、弾きながらもいろいろなことを気をつけながら練習。手に力が入るという問題に気づくと「おっと！」と思った次の瞬間、しっかり音を間違えたりしていたのは反省．．．。自分の課題が見えたことによって、ずいぶんと見通しがよくなった。うれしい限りであり、教えてくださった先生には感謝である。ただ、オケとしての課題も多いと演奏しながら感じた。練習回数を少し重ねて一通りさらうことができたところで、ここから先が問題になってくる。個人の音もさることながら、全体としての音、ブレンド具合がまだまだよくない。もちろん、すぐにできることではないから結果を早く求めることは難しい。しかし、問題の認識だけはできていた方がいいのかなという気がする。ブレンドの問題を分解していくと、主に音程の問題、タイミングの問題、音質の問題ということになってくる。音程の問題はアマチュアにおいて最も問題になりやすいところだと思う。弦楽器の場合はチューニングがしっかり合っていて、それを前提とすればそれなりに改善はできるように思う。隣の弦の開放の音にちゃんと合っていれば共鳴音がきこえるので、それで音程の問題はけっこうカバーできる。もちろん、調によっては、あるいは和音の構成音のどれになっているかによって変わってくることはあるが、まずその音が軸になってそこからちょっとした調整をすればいいことになる。勘だけで指を押さえるよりはうまく行くのではないかと思う。もっと自分の出している音の響きを感じるようになれればいいのではないかと思う。タイミングの問題は誤解されやすい。誰に合わせるかということがよく言われたり、他にもいろいろと問題になってくる。しかし、基本は合わせるべき人を観察して合わせるというのでは間に合わなくて、むしろ自分の動きが音楽の流れに乗れているかどうかの方が重要であるように思う。各奏者が演奏の流れをしっかり捉えていけば、そこから何か外れたことが起これば気づくはずなのである。また、合わせるためにはよくいろいろな音を聴こうとしなければならないだろう。他のパートの音は次に来るべき音のシグナルになっていることが多いので、それを逃さないことと、自分と歩き方が同じかどうかを感じ取ることも必要だろう。誰かが言うから合わせるのではなく、もっと能動的な営みである方がきっとうまくいくのではないかと思う。音質の問題はもっと難しいのだが、これは自分なりのイメージがなければどうにもならない部分ではある。どうすればいいのかと言われれば難しいところだが、とにかくいろいろな形容詞で当てはめて考えてみることが一つの方法ではあるのかもしれない。優しいのか、きついのか、怖いのかなどなど考えてみるだけで違うだろう。自分なりの音のレパートリーを探さなければならないので大変ではあるのだが．．．。とにかく、オケは勝手放題ではどうにもならない。それならば個人でやればいいだけの話で、個人でできないことをやるからこそ、オケという組織が必要なのだと思う。とはいえ、その組織は決してがんじがらめのものではなく、自分を活かすことのできる余地はたくさんある。逆に、それだからこそ、合わせるべきところは合うように持って行くよう努力すべきなのだ。先日聴いたコンサートでは、弦楽器のユニゾンのすごさをまざまざと見せつけられた。ユニゾンが揃っていることによってどれだけ音がふくよかに遠くまでしっかり飛んでいくのかを実感した。もちろん、他の和音の部分でも同じことだった。しっかりお客さんまで音を飛ばすためにはやはり方法があると思うし、それは実のところそんなに力を入れすぎなくてもできることである。もっともっとお互いに寄り添っていく努力をすることできっと変わってくるのではないかと思う。そろそろ個人的にも組織的にも一皮むけるような経験が必要だと思う。あと一息、組織として頑張っていくという視点も必要であるように思う。それだけでもっと上手になるだろうし、もっと楽しみになっていくのではないのかなと思う。まあ、すぐには難しいのだとは思うが．．．。

  Sep 30, 2006

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