劇場通いの芝居のはなし

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• ヴェルディをもう少し。

  一般に人気が高いのは『椿姫』ですね。小デュマの小説が原作です。『ラ・トラヴィアータ』というオペラ題名は、「堕落した女」という意味ですが、日本では原作小説の題名で知られています。貴族の若者アルフレードは、パリの社交界の人気者、高級娼婦のヴィオレッタと相思相愛になります。二人は郊外の別荘で暮らしますが、アルフレードの留守中に、彼の父親、ジェルモンが訪ねて来ます。ジェルモンは息子が堕落したと考え、また彼女の存在がアルフレードの妹の結婚の妨げになると話して、ヴィオレッタに息子と別れてくれるよう頼みます。ヴィオレッタは二人の愛が真実であることを訴えますが、結局はアルフレードの将来を考え、別れることを承知しました。社交界に戻ったヴィオレッタと再会したアルフレードは、彼女の不実をなじり、ヴィオレッタは精神的に強い衝撃を受けます。生きる気力を失い、危篤に陥った彼女の病床に、父親から事情を聞いたアルフレードが駆けつけますが、ヴィオレッタは愛する青年の腕の中で、息絶えます。筋書きはまったく、「新派大悲劇」です。肺炎を起こして死んで行くヴィオレッタを、豊満な肉体のプリマドンナが演じる、しかも瀕死の状態だというのに、長々と、朗々と歌うことがどうにも受け入れがたくて、舞台を見ていると違和感を感じてしまいます。ということは、わたしはオペラを観るのに向いていないのかも。社交界の人々がシャンペングラスを片手に、お気楽ににぎやかに歌う『乾杯の歌』は、オペラのガラ・コンサートでは、はずせない曲です。わたしの好みは、ジェルモンがアルフレードに、故郷を思い出してあのころの純真さに戻れと歌う『プロヴァンスの海と陸』です。思いやりある諫めの言葉という設定で、バスの深みのある声で歌われる、ゆったりとおおらかな旋律が心を打ちます。第三幕が始まる前の『間奏曲』がとても美しいです。『ヴィオレッタに捧げる歌』という題名で、タンゴの曲に編曲されています。この役はプリマ・ドンナが一度は演じる役ですから、多くの歌手で観ていますが、姿形的なことからフレーニのヴィオレッタが好きです。『仮面舞踏会』『イル・トラヴァトーレ』『運命の力』『ドン・カルロ』なども、時々上演されていましたが、なんだか気が重くて観に行きませんでした。CDやDVDで鑑賞しています、いずれも歴史劇という感じの、ダイナミックで骨太の作品です。『イル・トラヴァトーレ』が動きが多くて、観ていて面白いです。この作ではテノールが、楽譜にないハイCを聞かせる習慣になっています。喝采がとれますが、良い事とは思えません。ウィーンで人気のテノールにボニゾーリという人がいて、この人はF～Aあたりの音域が非常に不安定で困るのですが、BからCになると、響き渡る美声を聞かせました。その音だけで、人気を得ているわけです。それを良しとするオペラファンの鑑賞眼には、賛成できません。スケールが大きい『アイーダ』も舞台で観ましたが、むしろ野外オペラ向きです。日本でも西宮球場でやったりしました。『勝ちて帰れ』が歌われる凱旋シーンが何と言っても目玉で、ここで演奏されるファンファーレはなんと言っても素晴らしい。後はテノールの『浄きアイーダ』のアリアが、ちょっともたつき感があるけれど、きれいです。ですがわたしは、このオペラはさほど好きになりません。何故かと言うに、女主人公、アイーダの性格の悪さが嫌いなのです。トゥーランドットと並んで、性格の悪いプリンセスの双璧でしょう。だもので、長い凱旋場面だけを楽しんでいます。同じように『ナブッコ』も幕切れの、愛国心に満ちた歓喜のコーラスだけを聞いています。by　神澤和明

  2018.09.01

• ヴェルディに行きましょう。8/31

  今日、世界で上演されているオペラの多くは、ヴェルディとプッチーニの作品です。あと、ワーグナーが続くでしょうか。モーツアルトはその次くらいの気がします。結局、オペラファンは、大がかりな悲劇が好きなのです。そして人気歌手が、美しいアリアで高音を朗々と響かせるのに対して、ブラヴォーと言いたい。テノールとソプラノが王様の世界です。もっとも、ヴェルディのオペラでは、主人公はバリトンの事が多いです。彼らが芝居を作り、テノールが気楽に美声を聞かせている、という印象を持ちます。ヴェルディ作品は芝居としての骨格がしっかりしています。器楽の部分や重唱が劇的で、アリアよりも重要なように感じられます。わたしが好きなのは『リゴレット』です。ユーゴーの『王は愉しむ』という作品を基に書かれました。主役の道化、リゴレットの感情表現は、俳優以上のものを求められます。自分の娘、ジルダを欺してものにした、主人であるマントヴァ公爵への強い怒りと憎悪、そんな男に卑屈に従ってきたこれまでの抑圧ゆえに、劣等感の裏返しとしてあらわれる激しい殺意、自分が仕組んだ殺人計画が狂い、公爵の身代わりとして娘が死んだことを発見した時の深い絶望。こうした心の底に深く沈み、また身体を突き抜けて全身を震わせる高いテンション。これは台詞の演技だけでは、表現しきれません。優れた曲づけによって表現が増幅されてこそ、舞台上で示されるものだと思うのです。オペラがストレートプレイを超えるうるのは、この力によってです。公爵が歌う『女心の歌』は、テノールのアリアとして傑作です。「風の中の羽のように、いつも変わる女心」と、まことに男に都合の良い歌です。耳にすればすぐ、口ずさみたくなります。世界的なヒット曲ですね。なんの屈託も無く、美声を聞かせれば良い歌だと思います。彼が自分勝手で脳天気な人物であればあるほど、彼のために身代わりとなって殺される娘の哀れさ、リゴレットの無念さが、より強調されます。終わり近く、公爵に色目を使う殺人者の妹マッグレーナ、彼女を口説く公爵、偽られても公爵を愛しているために、その様子を窓の外から見て悲しむジルダ、公爵への復讐の一年がこもったリゴレット、この4人がそれぞれの気持ちを同時に歌う四重唱は極めて劇的で、この舞台の白眉です。コンサートでもよく歌われます。『オテロ』も傑作です。シェイクスピアのオペラ化では最も成功しています。原作にひけを取らないほど、見応えがあります。嵐をついて船がキプロス島へ来る場面から始まります。力強く、緊迫感に溢れた冒頭です。オテロはテノールですが、大変に豪快かつエネルギッシュで、大きな感情の起伏を表す歌唱をしなければなりません。喉への負担が大きく、テノール殺しの役と言われ、この役をやるともうテノールでの活躍は終わりになると、昔は言われました。イアーゴオはバスの役で、原作よりもずっと大きく、悪魔的な人物に造型されています。彼のアリア、『クレード（信条）』には、自分を偉大な「悪」だと自覚し、それを貫こうとする強い意志が示されています。とても、人間とは思えない強さです。この二人ががっぷり四つに組むオペラです。デズデモーナらは、ですから存在が軽くなります。哀れが見えれば良いのでしょう。どうも、ヴェルディのオペラは男性を中心に創られているようです。ドミンゴ、カップッチーリで見ましたが、CDではデル・モナコの演じたオテロが聴き応えがあります。ヴェルディのシェイクスピアものには他に、珍しい喜劇作品『フォルスタッフ』があり、音楽的にも楽しい作品でした。これは『ウィンザーの陽気な女房たち』を基にしています。『マクベス』はカラスが夫人を演じたCDで聞きましたが、マクベスと夫人を中心に、サスペンスに満ちた作品です。by　神澤和明

  2018.08.31

• ドニゼッティは叙情性が豊かですが、ちょっと女々しいです。

  ウィーンのオペラ劇場で、最初に圧倒された経験をしたのは、ドニゼッティ作曲『ランメルモールのルチア』での、エディタ・グルベローヴァの歌唱でした。狂気に捉えられたヒロインのルチアが切々とアリアを歌う、それが伴奏のピッコロと掛け合いになるのですが、その透明な音色、狂いの無い音程、軽やかに動くリズム、大きくないのにしっかりと届いてくる声は、まさに楽器以上の楽器でした。声の力というのはこれほど偉大なものなのかと、感動しました。この経験は後に『トゥーランドット』でリューを歌ったフレーニが、死んで行く場面で、高音をピアニッシモで天に昇って行くように長く引いて聞かせてくれた、その時に感じた感動と並びます。筋はどうでも良いです。彼女の声を聞くだけのために、何度も劇場に行きました。当日に売られる安い立ち見席で、彼女が出る度に行ったわけです。見えない席でも気にならない。完璧という言葉は、ああいった演技歌唱に対して使うためのものでしょう。一度、彼女のルチアで、若いテノールがデビューした舞台を見ました。地方から来て、ウィーンの檜舞台に上がれた。緊張していたのでしょうか、出來が悪かったのです。よりによって、相手役が完璧なルチアを歌っています。観客は大いに不満。彼の最後のアリアの歌い終わりが偶々、「私は死にたい」という言葉でした（イタリア語で "mori"）。途端に客席から、「死んじまえ」（イタリア語で）と声が飛びました。翌日から、彼の噂はどこでも聞きません。可哀想。でも、それが当然でもあるのでしょう。こういう厳しさがあるから、レベルが保たれて行くのです。ドニゼッティのオペラでは、『愛の妙薬』も素敵です。大がかりなものではないので、上演しやすい作品です。何度も観ました。気の弱い若者ネモレーロは、恋する娘アディーナに告白することができません。行商の薬屋から、飲めばどんな恋もかなうという「惚れ薬」を買います。実はこれはボルドー産ワインでした。恋敵の軍曹が登場して、若者は焦ります。更に惚れ薬を買うために、彼は軍隊に志願します。ネモレーロに、伯父の遺産が入ったという噂が広がり、財産目当てに娘たちが彼を取り巻きます。アディーナは彼が妙薬を手に入れるために、命を賭けて従軍したことを知り、彼への愛を自覚します。そして二人は結ばれ、人々はそれが薬の効き目だと祝福します。この薬屋の親父はなかなかコミカルで、おもしろい役です。演技力があり、人気のあるバス歌手が演じます。主人公のネモネーロには、『人知れぬ涙』という、叙情的で美しい旋律のアリアがあります。技術的には難しくなく、メロディが心にひっかかってくるので、若い歌手には最適な歌です。わたしも好きな曲の一つです。若手ではありませんが、パバロッティで二度、見ました。ドヴォルスキーのネモネーロも良かったです。こうした歌の場合、楽譜に書かれないカデンツォの部分に、歌手の力量とセンスが現れます。歌の最後につく装飾部です。なにもしないと素っ気ないし、やり過ぎると品がなくなります。声が自慢だと、ついつい歌いすぎるので気をつけねばなりません。『連隊の娘』『ドン・パスクワーレ』等、他にも有名な作品がありますが、舞台では見たことがないので、述べません。by　神澤和明

  2018.08.30

• ロッシーニは大物作曲家だったんですね。

  歌劇全体としては『セヴィリアの理髪師』くらいしか観ていないのですが、ロッシーニは、活躍当時にはヴェルディやプッチーニくらいの人気作曲家だったそうです。今、再評価のブームが来て、『チェネレントラ（シンデレラ）』がよく上演されています。『セヴィリアの理髪師』はボーマルシェの原作に基づいた作品で、『フィガロの結婚』に先立つ事件を描いています。とはいえ、『フィガロの結婚』とはまったく別個に楽しむべきでしょう。アルマヴィーバ伯爵 は莫大な遺産を受け継いだ娘、ロジーナに恋をしています。しかし彼女との結婚をもくろむ、後見人のバルトロは、彼女を自分の邸宅に閉じ込め、誰とも会わせません。伯爵は通りがかった理髪師のフィガロに報酬を約束して協力を頼みます。そして彼の助けを借りて、見事にバルトロの鼻をあかし、ロジーナと結婚するのです。いかにもイタリア喜劇という気分の、楽しく笑えるオペラです。３回ほど見ています。『私は町の何でも屋』と歌いながらフィガロが登場すると、舞台がとても賑やかな気分に充たされます。このカバティーナ（アリアでもレシタティーヴォでもない小曲）は、「フィーガロ、フィガロフィガロフィガロ、フィーガロ」と名前を連呼して、耳に強く印象付けられます。この作品では、フィガロはバリトン、伯爵は二枚目なのでテノール、ロジーナは陽気なメゾ・ソプラノが歌います。ロジーナの音楽教師、バジリオ（バス）が歌うアリア、『悪口はそよ風のように』というのも有名な曲です。いずれも明るい曲調で、早口で、聞いていて楽しくなります。弦楽器がおしゃべりをしあうように始まる序曲も素敵です。中盤で「ドドドレードッ。ドドドレードッ。ドドド、レドッシ、ラソッファ、ファミミー」と素早く刻む旋律、それを引き取って、「ファーソラ、ラーレッ、レミッファ、ファッファファッファ、ファッファファッファ、ファ#ーソ」と伸びやかに広がってゆく旋律の対話がとても気持ち良いです。オペラそのものは観ていませんが序曲が大変に素晴らしいのが、『ウィリアム・テル』です。原作はシラーの『ヴィルヘルム・テル』。スイスの伝説的な愛国者で弓の達人、ウィリアム・テルを主人公にした英雄劇です。日本では、悪代官ガスラーの命令で、息子の頭に載せたリンゴを射貫いた話が昔から知られています。彼はこの時、もう一本の矢を隠し持っていたのが見つけられ、もし射損ねたときはこれでガスラーを殺すつもりだったと言って、逮捕されます。その後、逃げ出したテルは最後にガスラーを倒し、圧政のもとにあった人々を解放します。なお、テルが使った弓は、引き金を引いて矢を飛ばす石弓です。この序曲は昔から日本でも愛されてきました。四部構成でそれぞれ、「夜明け」「嵐」「静けさ」「スイス軍の行進」と呼ばれます。「嵐」は時代劇のチャンバラ場面で良く流れていました。「静けさ」は管楽器ののどかな「ソー、ラレソシレ、ソー、ラレソシレ、ソー、シミレラレ、ラー、シラソラ、レ」というメロディが楽しいです。コミック演奏をするバンドが、うがいのガラガラいう声でこのメロディを歌って（ラジオで聞いたのかな）、とても可笑しかった記憶があります。そしてファンファーレから始まって、馬が疾走するような「ドドドッ、ドドドッド、ファッソラ。ドドドッ、ドファッラ、ソッミドッ」と軽快なメロディを聞かせる「スイス軍の行進」は、運動会で定番のＢＧＭです。子どもの頃にわくわくして見ていた、ＴＶ西部劇『ローンレンジャー』の主題曲として、良く覚えています。by　神澤和明

  2018.08.29

• ベートーヴェン、シューベルト、ウエーバー。

  ベートーヴェンのオペラは『フィデリオ』一つです。これを彼は、何度も書き直し、推敲しました。厳めしそうな彼の肖像画に釣り合った、話も音楽も硬い感じのまじめな作品です。『レオノーレ』という題名で書き始め、評判が良くなかったので第２稿まで書き直し、最終的に『フィデリオ』という題名で完成しました。前段階での『レオノーレ序曲』は演奏会で単独でよく演奏されています。女主人公のレオノーレが、男装してフィデリオと名乗り、自由主義思想の夫、フロレスタンが政治犯として囚えられている牢獄へ入り込み、彼を救い出すという話です。牢獄が舞台であり、夫の命が危ういという状況ですから、全体に緊迫した気分のオペラです。それを表現して歌うのですから、結構、歌手には技術的にきつい作品のようです。フランス革命に感動して交響曲第三番を書いたくらい、政治意識、自由主義への傾向が強かったベートーヴェンですので、このオペラにもそんな彼の情熱がうかがえるようです。強い意志を示す主人公のアリアは潔い曲調に優しさが混ざっています。歓喜に満ちたフィナーレの合唱を聞くと、ベートーヴェンらしいな、と感じます。日本でも記念的な公演でよく上演されるので、聞く機会は多いでしょう。英雄的で力強いです。女性が主人公ですから、今の時代に合うかとも思いますが、あくまで夫のために尽くしていますので、さてどうでしょう。別に、ゲーテの戯曲『エグモント』につけた劇音楽があります。『エグモント序曲』だけが、演奏会でよく演奏されています。「歌曲の王」と呼ばれるシューベルトはオペラも書いています。しかし生前（そして後世も長く）はほとんど注目されませんでした。最近、彼のオペラの再評価が行われているようですが、まだ日本では話題になっていません。彼の場合、劇的な進行をする歌曲『魔王』に「オペラ」を感じます。父親と子どもと魔王の３人を歌い分ける、モノオペラみたいな感じです。『冬の旅』等の歌曲集には、歌ってみるとモノローグ集という気分がします。ウエーバーはドイツ民族派とされています。ドイツの伝承民話に題材をとった『魔弾の射手』が、代表作です。特に、民謡のように素朴で、力強い弾んだ旋律をもつ『狩人の合唱』は、音楽の教科書に載っていて、生徒時代からなじんでいました。歌っても聞いても、楽しい男声合唱曲です。"Freish?tz" というのは、悪魔と契約して、思いのままに命中させることができる弾丸"Freikugel" を持つ射手のことです。若い狩人、マックスは恋人アガーテと結婚するために、明日行われる射撃大会に優勝しなければなりません。しかし彼は今、大変な不調に陥っています。狩人仲間であるカスパールの悪意ある誘いにのって、マックスは悪魔から魔弾の作り方を教えてもらいます。この7発の弾丸のうち6発は狙い通りの的に的中しますが、最後の1発は悪魔の望むところに的中します。射撃大会でマックスはすべての的に的中させます。しかし7発目の弾で、領主に命じられて鳩を狙った弾丸は、会場に来ていたアガーテに向かって飛びます。お守りのバラの冠のおかげで弾はそれ、そばにいたカスパールに命中します。マックスはすべてを告白し、領主からアガーテとの結婚を許されます。不吉な気分を掻き立てる弦楽器の響きから、夜明けを表すようなホルンの穏やかな旋律が聞こえてくる序曲は、情熱的な旋律に続いてゆき、聞きごたえがあります。最後が華やかに盛り上がられ、これは喝采狙いかな、と思わないでもありませんが。ウエーバーでは『オベロン』というオペラも有名です。タイターニアやパックも登場しますが、『真夏の夜の夢』とは関係ありません。もともとオベロンは中央ヨーロッパにいる妖精の王ですから、このオペラもバグダットやフランス、チュニスを舞台にして、あちこち移動します。主人公は騎士のヒュオンとバグダッド太守の娘レーツイアで、二人の恋愛が筋の中心です。このオペラは上演もCDもほとんど無いので、残念ですがわたしは聞いたことがありません。しかしこの『序曲』は有名で、よくコンサートのプログラムとして演奏されています。いくつもの曲想が、強弱、緩急のメリハリをつけて登場してきます。聴衆受けが良い曲です。by　神澤和明

  2018.08.28

• その他のモーツアルトのオペラですが。

  『コジ・ファン・トゥッテ（女はみんなこうしたもの）』や『後宮からの誘拐』も上演が多いです。最近は『ツァイーデ』『イドメネオ』等の作品も上演されています。それらはどちらかというと、研究的な上演です。『コジ・ファン・トゥッテ』は「女はみんなこうしたもの」と訳されています。美しい姉妹の恋人である男性二人が、それぞれの恋人の貞節を試すために、お互いに相手の恋人を口説いたところ、女たちが別の相手になびいてしまった。女性の貞操観念なんて、このように頼りないものだ、というのが、この歌劇の大筋です。女性に対して、失礼な話ですね。男女を逆にしても、同じことがおきるでしょう。『男も女も、みんなこうしたもの』ですか。二組の恋人と、彼らの友人でこの騒ぎの仕掛け人、そして姉妹の小間使いと、出演者は６人です。そしていろいろな組み合わせで重唱が歌われます。モーツアルトは旋律作り以上に、声が重なってゆくことに、楽しみを感じていたのかもしれません。登場人物たちはステレオタイプの造型ですが、重唱の中にそれぞれの心理を浮き上がらせる、手の込んだ作曲がなされています。その点で、大人向きの歌劇なのかと思います。愛情を玩具にするような話で、イタリア喜劇にはありがちなモチーフですが、不道徳な作品として評価は低かったそうです。特に、ワーグナーは酷評していたとか。さもありなん。20世紀になって、再評価されるようになりました。音楽面で見れば、モーツアルトらしく伸び伸びした曲調と、独特の和音構成がある、素晴らしい作品です。話が単純なわりに、かなり長い上演時間を要します。また、主役のフィオルディリージを演じるソプラノには、かなり高度な技術を要するアリアが与えられています。作曲者としては、調子にのって書いてしまった、というところでしょうか。日本の歌劇団の上演も見ましたが、こういう「劇世界」の洒脱さは日本人ではでませんね。音楽の先生たちの発表会の印象をもちました。『後宮からの誘拐』はドイツ語で書かれた作品で、台詞と歌とで構成されるジンクシュピールの形式をとっています。「誘拐」と訳されていますが、ドイツ語では "Entfuhrung" で、「逃走、脱走」の意味です。主人公のベルモントが、トルコの太守の後宮から、恋人のコンスタンチェを救い出すという話です。モーツアルトとしては早い時期の作品で、はずむようなリズムや旋律の美しさに、若々しさを感じさせます。この中で、ベルモントが恋人を想って歌う『コンスタンチェ』という美しいアリアを、ウィーンにいた時分、練習させられました。コンスタンチェというのはモーツアルトの妻の名前と同じで、作曲者自身の恋情が投影されているという説があります。あたっているように思います。『アマデウス』にも描かれていますが、このオペラを観たオーストリア皇帝ヨーゼフが「音符が多すぎる」と言ったのに対して、モーツァルトは「ちょうどよい数です、陛下」と答えたという有名な逸話があります。フェイクのように思いますけれど、傍若無人なモーツアルトらしい、という感じはします。書きすぎる、というのは若い人に共通の傾向ですね。しかし全体のテンポが早く、台詞で会話が進んでゆくので、上演時間はかなり短めです。欧米では人気作ですが、日本では台詞演技が難しいのか、それほど上演されていなかったように思います。わたしがモーツアルトの歌劇を好むのは、その音楽が親しみやすく美しいということが第一ですが、多くが喜劇作品であること、歌の中に登場人物の人間性が見えてくることがあるのだろうと考えています。ヴェルディやプッチーニはちょっと重くて、突かれたときには聞きにくいです。モーツアルトはドリンク剤みたいで、元気にしてくれます。by　神澤和明

  2018.08.27

• 『ドン・ジョバンニ』は劇的で、「見ごたえ」あるオペラです。

  主人公は「ドン・ファン」とも呼ばれる、中世ヨーロッパで最も有名な伝説の色好み。プレイボーイの貴族です。同じ色好みでも「カサノヴァ」よりも品があり、堂々としている気が、わたしはします。内容的には、20年ほど前に書かれたモリエールの傑作『ドン・ジュアン』の影響が強く出ています。できれば、モリエールの芝居も読んでください。主人公、ドン・ジョバンニの爵位はわかりませんが、スペインの貴族です。従僕のレポレッロを連れて各地を放浪し、いたるところで様々な身分の女性たちと「不適切な関係」を結んでいます。その数は、レポレッロの記録によれば、1003人を数えるそうです。それでも、女性たちは彼の身分や財産と関係なく、純粋に彼を愛し、捨てられてもその気持ちは変わっていません。間違いなく、魅力的な人物なのでしょう。ドン・ジョバンニはドンナ・アンナのもとに「夜這い」をかけた際、彼女に騒がれ、駆け付けた父親と争い、彼を殺してしまいます。この父親は「騎士長」ということですから、ジョバンニはかなり、剣の腕が立つようです。アンナは父親の仇を討つため、婚約者のドン・オッターヴィオと、ドン・ジョバンニを追っています。気ままに女性を漁って旅しているドン・ジョバンニは、墓場で自分が殺した騎士長の石像に遭遇します。すると石像が口を開くので、ドン・ジョバンニは彼を晩餐に招待します。その夜、食事をしているドン・ジョバンニとレポレッロの家に、石像がやって来ます。そして「悔い改めよ。生き方を変えよ」と言うのですが、ドン・ジョバンニは恐れながらも、これを拒みます。すると地面が割れ、石像は「もう遅い」と言って、ドン・ジョバンニの腕をつかみ、地面の底の地獄へ連れ去ってしまいます。最後の場面はかなりのスペクタクルですし、恐ろしげな気分が出そうですが、観ていて、あまり深刻な気分にはなりません。モーツアルトはこの作品を「ドラマ・ジョコーソ」、喜劇的なドラマと呼んでいます。筋の展開よりも、ドン・ジョバンニやレポレッロという人物たちの性格に焦点を当てた場合、ある意味で爽快、愉快な気分がおおいに感じられます。こういう人間が、モーツアルトは好きだったのではないでしょうか。晩餐の場面で、「もう飛ぶまいぞ、この蝶々」が演奏され、レポレッロが「これは最近流行った曲だ」とコメントして観客の笑いをとるという、楽屋落ちまであります。ドン・ジョバンニはバリトンのパートで、さっそうとした歌手がほしいです。豪快な『シャンパンの歌』や、抒情的な「カンツォネッタ」を歌います。レポレッロはバスの役目で、主人がものにした女性を数えあげる『カタログの歌』など、コミカルな歌があります。ドン・オッターヴィオはテノールで、『私の大切な人を慰めてやって下さい』という、決意をこめた、良いアリアがあります。これも練習しました。３人のソプラノ、ドンナ・アンナ（ドン・ジョバンニを親の仇と狙う）、エルヴィーラ（ドン・ジョバンニと婚約して捨てられたが、彼を改心させようと追いかけている）、ツェルネッタ（コケティッシュな田舎娘）にはそれぞれ、キャラクターを示すアリアがあります。この作品は登場人物が多く、舞台で演じると大仕掛けになりますし、主要人物には演技力が求められます。さらにピカレスク物で、主人公が不道徳な人間です。舞台では女性をだましたり、レイプしようとしたり、人を殺したり。あまり「良い子にすすめられる」ものではありません。欧米では大きな作品として、よく上演されますけれど、日本ではさほど上演されていないようです。それはモリエール作品でも同じです。モリエールの方を演出してみたいです。by　神澤和明

  2018.08.25

• フィガロは、陽気で頼れる男性。

  『フィガロの結婚』は、ボーマルシェの喜劇を基にしています。この前作にあたる『セヴィリアの理髪師』も、後にロッシーニがオペラ化しています。台本はイタリア語で、作者はダ・ポンテ。『ドン・ジョバンニ』『コジ・ファン・トゥッテ』も彼の台本（リブレット）です。ついでに、ボーマルシェの本はかつて俳優座が上演（永井智雄主演でした）し、四季がミュージカル版『フィガロの結婚』を上演していました。こちらのフィガロは、初代『ガンダム』の主題歌を歌った故・池田鴻さんだったと覚えています。　アルマヴィーバ伯爵の従僕、フィガロは、伯爵夫人の小間使い、スザンナとの結婚がまもなくです。ところが、伯爵がスザンナに目をつけ、「初夜権」を復活しようと企んでいます。初夜権というのは、召使が結婚するとき、その主人が花嫁の初夜の相手をするという、封建時代の悪習慣です。そもそも伯爵は若い時、フィガロの活躍によって現夫人をその保護者から奪って結婚したのです。それほど愛していたのに、もはや倦怠期に来たのか、それとも彼はただの色好み男なのか。夫人はスザンナと入れ代わって、忍んで来る夫の相手をしようと計画します。　この土台の筋に、夫人に懸想する小姓のケルビーノをスザンナの身代わりに仕立てようとしたり、フィガロに借金を返せ、できなければ自分と結婚しろと迫るマルチェリーナがフィガロの母親だったとわかったり、いろいろイタリア風のコミカルな場面が入ってきます。最後は夫人が、反省して謝る伯爵を許してやって、全員の合唱でめでたく終わります。ボーマルシェの原作ですと、最後の台詞は「ものみな歌で終わる」。これこそ、このオペラにふさわしい台詞ですね。ハツカネズミが走り回るように軽快に音符が動き回り、明るくにぎやかなフォルテの合奏に入ってゆく、テンポの速い『序曲』は、これから始まる楽しい喜歌劇の展開を期待させて申し分ありません。ここから、第１幕の冒頭、新婚のベッドの寸法を測るフィガロの浮き浮きしたレシタティーヴォに自然に入ってゆき、巧みに気分が作られてゆきます。伯爵やマルチェリーナ、ケルビーノたちが紹介され、これから起きてゆく、恋にまつわる「事件」の前触れがされます。モーツアルトらしく素敵な旋律が続きますが、第一幕の聞きものは、出征することになったケルビーノを励ましてフィガロが歌う、勇ましい『もう飛ぶまいぞ、この蝶々』です。花から花へ飛び回った蝶々のお前も、これからは戦場で勇ましく戦うんだ、というわけですが、ケルビーノにすれば迷惑な話です。この歌詞に、森進一の『花と蝶』の出だし、「花が女で、男が蝶か」を連想するのですが、いかがでしょう。ピーター・シェイファーの戯曲『アマデウス』で、サリエリがモーツアルトを歓迎するために作ったマーチを、モーツアルトが即興で作り直して、ずっと良い曲にしてしまう場面があります。そのときの曲が『もう飛ぶまいぞ、この蝶々』でした。第２幕では、ケルビーノが歌う『恋とはどんなものかしら』が、かわいらしく甘い旋律です。きっと、モーツアルトは歌いながら作曲しています。美少年のケルビーノは、メゾソプラノが演じます。女性歌手が演じる少年役を「ズボン役」と言います。シェイクスピア劇の、男装する女性に通ずる、独特の官能性があります。この幕の終わりでは、伯爵、フィガロ、マルチェリーナらが、それぞれの思惑を重唱の形で歌います。やはり『アマデウス』で、芝居では登場人物たちが同時にそれぞれの気持ちを語ることはできない（ぶつかってしまう）が、オペラの重唱ならそれができる、とモーツアルトが言うのは、こんな場面のことでしょう。第３幕第４幕ではいくつもの重唱曲が歌われ、劇が進行します。思うに、アリアは一人の心の中のことだけを示しますから、芝居はストップしますが、合唱やレシタティーヴォは芝居を展開させます。ソロでは、伯爵夫人が、愛する人と結ばれた新婚当時は幸せだったのに、今、あの人の心は離れてゆくと歌い、しみじみとさせます。この悲しげなアリアが、全体ににぎやかなこのオペラをひきしめています。この辺り、指揮者や演出者としては腕を振るうところです。『フィガロの結婚』は、ウィーンでの初演は話題にならず、作曲者は大変に失望したといいます。プラハでの再演が大評判となり、モーツアルトは元気を取り戻したとそうです。今もウィーンのオペラ客はヴェルディやプッチーニが贔屓で、モーツアルトはそれほどではありません。上演機会が多いとか、国際的な大スター歌手があまり出ないから、かもしれません。この作品は、演出的にあまり手のいれようがないので、演出したいとは思いませんが、何度でも聞きたいオペラです。フィガロ、伯爵はバリトン、夫人とスザンナはソプラノの役で、テノールにはあまり良い役がありません。伯爵・ディースカウ、フィガロ・プライの伝説の共演には間に合いませんでしたが、クルト・モルやエディット・マティス、グンドゥラ・ヤノビッツ、ルチア・ポップは聞けました。by　神澤和明

  2018.08.24

• 『魔笛』の話を続けます。

  この作品は、民間劇場の座主兼座長、シカネーダーの依頼で書かれました。シカネーダーは台本を書き、自身でパパゲーノを演じたそうです。一般民衆を観客として想定しているだけに、筋も音楽もわかりやすく、おかしく楽しいものになっています。とは言いましたが、第一幕と第二幕のつながりがどうも変です。第一幕では夜の女王が良い人、ザラストロが悪い人になっているのに、第二幕ではそれが逆になっています。台本作者に混乱があるのかなと、思ってしまいます。わたしがウィーンで教えを受けた、ヘルムート・マイノカート先生はテノール歌手で、「宮廷歌手」の称号を受けていらっしゃいました。モーツアルト歌いで、特にタミーノがお得意のようでした。わたしもタミーノのアリア、"Dies Bildnis ist bezaubernd schon" （美しき絵姿）を、練習させられました。先生に言われて、フリッツ・ブンダーリッヒのレコードを繰り返し聞きました。彼はこの役を歌うためにいると言ってよいような、完璧なタミーノを歌っています。30代半ばで夭折したのが、とても残念な歌手です。モーツアルトを歌う場合、ヴェルディやプッチーニのような高い音は、それほど必要ありません。概してドイツの歌劇では、中音域で表情豊かに歌うことが重要で、高い音を響かせて観客を圧倒する、というやり方はとりません。音程を正確に、言葉をはっきり、柔らかな音色で、快く聞こえるように歌うことが大切なようです。もともと、『魔笛』は大好きでした。オペラというより、芝居としての関心を多くもっていました。好きな役はパパゲーノです。わたしが子どものころ、ポピュラーな人気をもち、TVにも良く出ていたバリトン歌手の立川澄人（後に清澄）さんが歌うこの役に、非常にひかれていました。立川さんは演技も巧みで、東宝のミュージカル（『王様と私』）などにも出ておられ、憧れる存在でした。タミーノにはタミーナという恋人がいる。自分も恋人が欲しいとパパゲーノが歌う、どこか民謡を思わせる単純で明るい『恋人か女房が』の歌を、立川さんは楽し気に演じていました。また、自分を好きになってくれる女性がいるなら、笛を三回「ドレミファソ」と吹く間に出てきて欲しいといって、鳥笛を吹きます。一回、二回と吹いて、反応がない。三回目を途中まで吹いて、「二つ半」と情けなさそうに言うところが、素敵でした。結局、三回吹いても誰も出てこないので、首をつろうとすると、娘が出てきて止めます。これが彼の恋人のパパゲーナです。更に後になって、パパゲーノとパパゲーナが「パ、パ、パ.,パ」と声を合わせるデュエットも楽しい。わたしはウィーンでテノールとしての指導を受けましたが、実はバリトンのパートにひかれています。モーツアルトのオペラでは高音が第一ではない、と言いましたが、『魔笛』の夜の女王には、超高音を聞かせる有名なアリアがあります。ザラストロへの怒りを表す、強い調子の歌ですが、中で高いF6音を鋭く聞かせます。超絶技巧の聞かせ所で、若いソプラノ歌手のデビュー役です。ですから、母親の女王を演じる歌手の方が、娘のタミーナを演じる歌手より若い、ということがしょっちゅうです。「ブラヴァー」（女性に対してですから）の声がかかりますが、鳥が叫んでいるように聞こえるので、わたしはそんなに美しい曲とは思っていません。『魔笛』は本当に誰もが楽しいと感じる作品です。わたしは以前に、ドヴォルザークの『リュサルカ』をたのまれて演出しましたが、機会をもらえるなら、是非この作品を演出したいです。なお『魔笛』の序曲は、内容のおとぎ話めいた楽しさと対照的に、なかなか重厚で聞きごたえがあります。CDはぜひ、カール・ベーム指揮のウィーンフィルのものを。by　神澤和明

  2018.08.23

• モーツアルト、あるいはアマデウス。どちらで呼びましょう。

  モーツアルトのオペラは、まさに神からの贈り物です。ともかく、聞いていて心が浮き立つ。この作曲家は天才に違いないと思わせます。彼のシンフォニーやディベルティメントも良いのですが、オペラはそれらよりずっと上にある、とわたしは思います。モーツアルトは本当に、楽々と作曲をしたと思わせるほど、曲の流れが淀みないです。彼自身が音楽を楽しんでいます。ドイツの民衆音楽劇「ジンクシュピール（歌芝居）」も、イタリア風オペラ・セーリアやオペラ・ブッファも、ドイツ語オペラも、自在に作曲しています。宮廷での上演用も、民衆劇場での上演のためのものも、様々です。直感ですが、彼は喜劇的なものが好きだったにちがいないでしょう。「３大オペラ」として挙げられるのは、『フィガロの結婚』『ドン・ジョバンニ』『『魔笛』です。わたしが一番多く聞いて、観ている、大好きな作品は『魔笛』です。次が『フィガロ』です。この２作品はウィーンで何度も見ました。『ドン・ジョバンニ』は舞台効果が上がる作品ですが、大掛かりになるためか、それほど上演されません。ウィーンにいた頃にお世話になった指揮者の方は、彼の初期のジンクシュピール、『バスティアンとバスティエンヌ』という一幕の可愛い作品を、レパートリーにされていました。「牧歌劇」と呼ばれる、田舎が舞台のもので、のんびりした気分が楽しいです。羊飼いの娘とその恋人の若者、偽の魔法使いの三人が登場する、他愛ない恋愛劇ですが、歌は沢山にあります。楽器の構成も少なくて済むので、もっと上演されても良いかと思います。『魔笛（魔法の笛）』から話しましょう。ドイツ語で書かれた作品です。これは厳密にはオペラではなく、ドイツ演劇の伝統にある、ジンクシュピール（歌芝居）です。ブレヒト劇もこの伝統の上で考えられます。台詞と歌とで芝居が運ばれますから、今ならミュージカルと言って良いでしょう。この作品はオペラを上演する「シュタッツ・オーパー」劇場でも、オペレッタ、ミュージカルを上演する「フォルクスオーパー」劇場でも、ともにレパートリーに入っています。劇場により演出と歌手が代わりますが、どちらもすてきです。王子のタミーノが、狩りに出て魔物に襲われます。助けてくれた夜の女王の願いで、秘密教団にさらわれた彼女の娘、タミーナを助け出しにゆく約束をします。お伴は陽気な鳥刺しのパパゲーナ。ところがタミーナをさらったという高僧ザラストロは、実はタミーナの父親で、悪意ある母親から彼女を引き離したのだとわかります。タミーノは火と水の試練に耐えて、タミーナと結婚を許されます。パパゲーノもパパゲーナという娘と結ばれ、めでたしめでたしで終わります。全体として、楽しいメルヘンです。魔物も出てきますし、魔法の笛や魔法の鈴といった小道具もあります。恋人の居場所を知らせてくれる笛の奏でる軽やかなメロディも、動物たちや追っ手たちを思わず踊らせてしまう鈴の可愛いメロディも、一度聞けばすぐ覚えてしまいます。ザラストロの教団は、秘密結社「フリーメーソン」をモデルにしていると言われます。この話をすると長くなるので、興味のある方はご自分でお調べください。火と水の試練も、フリーメーソンの戒律（入会規則）の中にあると言われます。次回に続けます。by　神澤和明

  2018.08.22

• モーツアルトの先輩たちの音楽劇は。

  天才モーツアルトの先輩たちが、「バロックオペラ」と呼ばれる時代です。この時代最大の作曲家は、同じ1865年にドイツで生まれた、バッハとヘンデルです。バッハは教会を主な仕事場とし、ヘンデルはイギリスに帰化し、劇場音楽を主に作りました。対照的な二人といえます。「音楽の父」バッハの声楽曲としては、宗教的なカンタータ、オラトリオがありますが、オペラはありません。彼がオペラを書いていれば、劇的かつメロディを楽しむものではなく、現代オペラのような複雑な構築的な作品になっていたでしょう。対して、「音楽の母」（日本だけの呼び方です）ヘンデルは、オラトリオ『メサイア』の「ハレルヤ・コーラス」を聞いてわかるように、声の表現を重要視したようです。彼には多数のオペラ作品があります。CDでいくつかの作品を聞いてみますと、レシタティーヴォが聞き取りやすく、台詞の気分があり、音に力強さを感じます。しかし、音楽の作りには古さを感じ、ドラマチックでもないので、オペラ劇場で全曲が上演される機会は稀です。それでも、好ましいアリアがいくつかあり、演奏会で単独で歌われることが多いです。長い曲ではなく、激しい感情表現はありませんし、もともとチェンバロのような鍵盤楽器で主に伴奏されるように書かれていますから、コンサート向きとも言えます。わたしも彼のアリアに興味をもって、聞いたり歌ったりしています。オペラ『セルセ（クセルクセス）』中のアリア、『オンブラ・マイ・フ』（そのテンポ指定から、別名『ラルゴ』）は、「イタリア古典歌曲」の練習曲の一つで、良く知られた人気曲です。もとは男性の歌ですが、キャスリーン・バトルらソプラノ歌手も歌っています。CMで耳なじみの人も多いでしょう。「頼りにする木陰」という内容の詞がついています。レシタティーヴォの部分は、割合と激しい気持ちも出てきますが、メロディ部分になると本当に穏やかで、広々とした曲調に心が癒され、偉大な人の胸に抱き留められているという気分になります。出だしの "Ombra mai fu" で、最初の音である "O" が長く伸ばされる間に、ピアニシモからだんだんにクレッシェンドしてきます。枝が伸び、緑の葉がその下にいる人を覆い隠すようです。歌い手としては、ここが肝だと思います。「ソー（延々と）。ミー。レード、ドー。ラ。シ。ドレミ、レード、レー。ララシ、ドー、ソ、ソー。ラ、ファー、ミ、ミー」と一つのなだらかな山が形作られる音のつながりが良いですね。声の柔らかい人、呼吸と共鳴をしっかりコントロールできる人に、絶対のお薦め曲です。わたしは古典派の端正な歌い方より、フリッツ・ブンダーリッヒが歌う、ドイツ語訛りの情感ある演奏が大好きで、繰り返し聞いて、真似しています。オペラ『リナルド』の『私を泣かせてください』は、ソプラノの名歌です。すすり泣くような感じで、男声には向きません。引きずるような切々とした歌い出しが印象的です。「ミー、ミ。ファー、ファ。レーソーファ、ファーミ。ラーラー、シドレ、ソーソ。ド、ミーレー。ド、ドー」。物憂げであり、寂しげでもあり、芯の強さもありです。ヘンデルの歌劇は、題名からみて、いずれの作品も英雄を主人公としており、悲劇的な内容のもののようです。by　神澤和明

  2018.08.21

• オペラが好きです。

  両親の方針で、小学校中学年まで週一で相愛音楽教室へ通っていました。ヴァイオリンも習っていました。歌は好きで、得意でした。楽器はどうも苦手でしたが、おかげで音感は良くなったと思います。外であまり遊ぶことなく、もっぱら家で本を読み、音楽を聴いていました。クラシック音楽です。両親が舞台に関わっていた（モダンダンス）せいで、芝居が近くにありました。音楽と芝居が掛け合わされて、オペラ好きになりました。オペラ歌手に憧れてもいました。もっとも、自分の素質・適性を考えて、早くにあきらめました。自分が好きなオペラについて、しばらく書くことにします。その前に音楽史を。オペラの起源は、ギリシア悲劇にあります。14世紀に入り、ルネサンス（「再び自然に」という意味）の時代が来ました。カトリック教会の力によって抑圧されていた芸術文化が、息を吹き返します。それはイタリアに始まりました。フィレンチェのバルディ伯爵という人物が、自分をとりまく芸術家たちに、古代ギリシアの生気にあふれた芸術を再現するように働きかけました。「ギリシア悲劇」では、台詞は朗々と歌われ、コーラス隊が舞踊を行ったようです。それを復元しようと考えました。その結果生まれたのが「楽劇あるいはオペラ」というジャンルです。もとは「演劇」が根本ですから、言葉が明確に伝わるように、ソロで歌われる朗唱形式の楽曲が多く、器楽の伴奏はあまり発達してなかったようです。最初のオペラは、ペーリ作曲、リスッチーニ作詞による『ダフネ』という作品ですが、残っていません。題名からして、ギリシア神話によるものでしょう。ダフネーはニンフ（水の妖精）の一人で、エロスの恋の矢に射られたアポロンが彼女に求婚して追いかけますが、彼女はそれを嫌って逃げ、ついに月桂樹に姿を変えたと言われます。おそらくそういう内容だったと思われます。その次のオペラ作品は、同じくリスッチーニが作詞し、ペーリとカッチーニが作曲した『エウリディーチェ』です。こちらは全曲が印刷発行されたおかげで現存し、最初のオペラ作品と見なされています。わたしもユーチューブで一部分を聞きました。古色蒼然です。エウリディーチェはギリシア神話に登場する、神的な音楽家オルフェウスの妻の名前です。オルフェウスは死んだ妻を甦らせようと地獄まで降りてゆき、地獄の王から妻を連れ帰る許しを得ます。しかし、地上へ出るまで妻の姿を見てはならないという約束を守れず、後からついてくる妻を、つい振り返ってしまったために、彼女は再び地獄に連れ戻されてしまいます。ちょっと、イザナギ、イザナミの日本神話に似ています。この話はよく知られていて、現代演劇や映画でもしばしば取り扱われています。ソロのパートは言葉がたつレシタティーヴォ調、合唱などに教会音楽の趣を感じます。この運動を発展させたのが宗教音楽の大家であるモンテベルディで、彼はイタリアオペラの祖と呼ばれています。『オルフェオ』『ポッペーアの戴冠』等が知られています。CDで聞くと、『オルフェオ』の開幕を告げるファンファーレのような「トッカータ」が活発で良いです。全体としては、音楽の変化に乏しい感じがしました。遅れて、イギリスには17世紀に、ヘンリー・パーセルという優れた作曲家が出ます。彼は『真夏の夜の夢』に題材をとった『妖精女王』や、『テンペスト』などのシェイクスピア作品をオペラにしています。どちらもCDと楽譜を買いました。『妖精女王』はシェイクスピア作品とは筋が少し違います。タイターニアとボトムが中心で、明るいのんきな曲調です。『テンペスト』にはやや深刻な調子があります。シェイクスピアの同時代人、ジョン・ダウラントやトマス・モーレイが舞台のために書いたオリジナル曲も、CDや楽譜で勉強しました。パーセルの作品は「オペラ」というよりは、当時流行った「インターリュード」「仮面劇」(合唱と舞踊が入る劇）といった方が適切です。重い作りのものではありません。イギリスは古楽研究が盛んなので、上演される機会が時々あります。ドイツではイタリアオペラにおされ、オペラはイタリア語で歌われるものという認識が一般化していたせいか、モーツアルトまでは、名前の知られる作品、作曲家がいません。by　神澤和明

  2018.08.20

• 芸術を分類することは難しいです。

  浅学を顧みず、自分なりに芸術分類を定義づけしようと努力していますが、なかなかに難しいです。「芸術作品」が、いくつもの分類に重なって存在するからです。「時間芸術」「空間芸術」という一般的な分類でも、「空間」だけ、「時間」だけに属する作品と言い切れるものは少ないでしょう。作品自体の属性（有形・無形等）に従って分類するのか、享受者がどこで感覚するのか（視覚・聴覚・触覚、また想像力等）によって分類するべきなのか。これもまだまだ、見当しなければならないと考えます。芸術理論があって作品が分類されるのではなく、まず芸術作品があって、それを分析する手法として分類がなされるということにも、分類を複雑にする理由があります。これは、新しい形式の芸術作品が現れるとき、それまでの分類法をあてはめることができないことを意味します。たとえば、アメリカの優れた現代音楽家、ジョン・ケージの『４分33秒』という作品です。これは三つの楽章で構成される「ピアノ曲」ですが、いずれの楽章も、「長い休止」という指示で貫徹されています。ですから、ピアニストが登場してピアノの前に坐り、演奏姿勢をとりますが、ピアノに触れられることはなりません。無音の「４分33秒」が経過して、ピアニストは立ち上がり、聴衆にお辞儀して退場します。これが「作品」であるかどうかの議論はありますが、「芸術作品」として認められていますし、わたしも同意します。極めてユニークな、唯一無二の作品といえます。これは確かに「実演芸術」であり、また「時間芸術」です。ただ、一般に「時間芸術」はその時間の中で流れがあるのですが、この作品では「４分33秒」という「時間（間隔）」がそのまま「切り取られ」ているわけです。この時間の間に瞑想するとか、音楽を想像して鑑賞する、などと言う人もいるでしょうが、それは違うと思います。とどまること無く流れてゆく時間の中に、一つの「停止」を作り出す、それがこの作品の意図でしょう。この題名にも、意味があります。別に『５分』とか『２分20秒』でも良いのでしょうが、『４分33秒』と指定されて、その通りの時間を費やすことで、この「無音」が意図されたものであることを主張します。言葉に意味があるのですから、「言語芸術」のアスペクトを持っていると言えましょう。音楽では、楽曲をいくつもの部分に分けて番号をつけ、演奏者が恣意的に決めた番号順で演奏してゆく、という方法も行われます。その場合、「時間芸術」としての要素は、作曲家によって確定されていないということになります。文学作品や戯曲で、もとの作品を断片化して、その順序を自由に変えたり、削除したり、反復したりして発表することがあります。コラージュの手法。これを現存する作家に対して行えば、「著作権」を無視したやり方ということになります。この場合、「時間芸術」の面では、時間の流れが変えられて行くために、極めて奇妙なものが生まれてきます。現れてくる「作品」は、原作者が意図したものと大きく違ってくる可能性が高い、そうならざるを得ないでしょう。芸術作品の分類法は、今後さらに変わってゆくでしょうし、新しい分類がうまれてくることは確実であろうと、わたしは思っています。by　神澤和明

  2018.08.19

• 芸術分類の重なりあいについて。

  少し別の語り方をしてみます。美術は視覚芸術です。前にも述べたように、一瞬間で全体を把握できます。大きな画面だと、全体を見るのに瞬間ではできない、と言われるかもしれません。その場合、上から見る、下から見る、右から見る、左から見る、ということを、鑑賞者が自分で選べます。その「時間」は鑑賞者にあり、作者や作品の側にはありません。作品の固有の特性ではないので、美術作品そのものを時間芸術というのは適切ではありません。彫刻の場合、触って良いなら触覚も関わります。触覚は鑑賞者の身体的運動に関わってきます。運動は時間芸術に関わりますので、触れて感じる彫刻の場合、瞬間芸術とは言い切れません。絵巻物は順に場面を見て行きますから、時間芸術でもあります。これは文芸と結びついて、ストーリーを内包しているからです。音楽は聴覚芸術です。聴覚は視覚と違い、同時に多くのことを把握できません。音楽のフレーズは「行為」ですから、時間芸術とされます。しかし複数の音によって構築される和音は、同じ瞬間にいくつもの音が積み上げられ、その瞬間で美を作り出します。ですから、美術や建築のような空間芸術の要素を持ちます。言語芸術の重要な要素である「ストーリー」はまた、「因果律」でもあるでしょう。するとそこには、論理と合理性というものが存在します。視覚芸術の作品でも、ストーリーをもつことで、作品の芸術性が高まることが多々あります。わたしたちは美術作品を、しばしばその表題から連想するものによって、鑑賞することが多いです。その題名に納得したり、しなかったりすることがよくあります。聴覚芸術である音楽においても、ストーリーに繋がる故にその音楽が適切であるとか、優れているとされるものがあるでしょう。聴覚芸術（音楽）と言語芸術（詩）が合体した歌曲はもちろんです。そうでないものでも、旋律が後の展開を暗示して不吉な響きを聞かせていると言った評価を、普通に聞きます。題名からその音楽の鑑賞の仕方を偏向させることもたびたびです。「描写音楽」と呼ばれるジャンルのものは、みなそうした性質をもっています。描写音楽でなくても、たとえばベートーベンの第５交響曲第１楽章の初動モチーフ「ダダダダーン」を、「運命が戸をたたく音」として聞くのは、作曲者がそうした詞を書き入れたからです。音符そのものに「運命」はうかがえません。結局、芸術を分類分けすることは可能ですが、実際にわたしたちが芸術を鑑賞する場合、そうした分類が重なりあい、コラボレーションしていることが非常に頻繁だということが言えるわけです。実演芸術の場合は、特に多くの要素がとりこまれ、複雑なコラボレーションが行われます。繰り返し言及しますが、歌曲は言語芸術と聴覚芸術のコラボですし、舞踊は、音楽の伴奏があるなら、空間芸術と時間芸術が共存してきます。そしてそこに、「総合芸術」という言い方が出て来ます。思うに、これは「分類」ではありません。実情を表現すると、そうならざるをえない、という言葉です。総合芸術は普通、わたしたちが携わっている、演劇やオペラをさす言葉として使われます。しかしわたしには、単に音楽（聴覚芸術）、美術（視覚・空間芸術）、演劇（言語芸術）、バレエ（視覚・時間芸術）が一緒に舞台にあるから、総合芸術と称しているだけのように見えます。特にオペラの人たちが言うときにはです。オペラのように音楽だけが傑出し、他の要素がなおざりにされる、音楽のために奉仕させられているなら、総合芸術と言うべきではありません。第一、演劇で語られる台詞は、既に音楽に要素を大きく持っています。わたしが考える総合芸術は、それぞれの芸術要素が互いに相手を高め合うように働き、なおかつ自分を主張できるものです。空間芸術の特性である、クライマックスを瞬間に表現できること、時間芸術の特性である、上演する時間の間に変化が生まれ新しくなってゆくこと、言語芸術のように、鑑賞者の情緒だけで無く精神・理性に訴えかける概念・思想を作り出せること。そういう実演芸術が総合芸術というのにふさわしいと、考えています。by　神澤和明

  2018.08.18

• 「空間芸術」と「時間芸術」

  本来、重要な芸術分類である「空間芸術」と「時間芸術」について述べるのが、随分と後になってしまいました。これは「視覚芸術」「聴覚芸術」という分類とともに、芸術の基本的な分類です。単純に考えるなら、空間芸術とは、二次元もしくは三次元の空間において場所を占有する芸術、あるいは空間構成によって印象を生み出す芸術です。絵画は二次元、彫刻は三次元の空間芸術です。これらはまた、物質的な素材によって形成される芸術、見える、或いは触れることが出来る芸術です。従って空間芸術はほぼ、視覚芸術になります。同様に単純化していうなら、時間芸術とは時間の流れの中である期間を占有する芸術で、その前後関係によって成り立っています。言い換えると、継続する時間の中で変化が生まれていきます。ですから、「変化芸術」という言い方も可能でしょう。それに対して絵画のように、作成されてからもう作品自体は変化しないものは、「静止芸術」といえるかもしれません。また舞踊や演奏、演技のような実演芸術は、その一瞬で消えてしまいますから、「瞬間芸術」ともいえるでしょう。言語芸術である文芸は、文脈という前後関係の要素をもちますから、時間芸術としてとらえられるべきです。これまでの確認をしながら、考えを進めて行きます。「空間芸術」を「時間芸術」から切り離して考えたのは、近代ドイツの優れた詩人・思想家のレッシングです。彼には『賢人ナータン』という哲学的な戯曲作品があります。彼はその評論『ラオコオン』において、発見された古代ギリシア彫刻の「ラオコオン像」の素晴らしさを論じたとき、作者は断末魔の醜悪な姿を表現することを避けて、その前の段階に、ラオコオンのクライマックスを描きだした、その苦悶の表情は来たるべき運命への覚悟を示して、極めて優れた描写である、と書きました。流れる時間の、最も適切な一瞬を切り取って、それをこの像に表現したというのです。行為を描く場合、そこには時間の経過が必要で「時間芸術」になる、しかし美術においては、最も高揚した瞬間にすべてを盛り込むのだ、ということでしょう。考えを進めます。ラオコオン像は、ラオコオンとその息子で造形されています。切り取られる瞬間はこの二人において「同じ」である必要はありません。それぞれに最高の瞬間を切り取り、それを合成すれば良いでしょう。つまり、「空間芸術」はいくつもの瞬間を、一つの画面にまとめ上げることもできる芸術だということになります。しかし、この像が苦悶を表しているということは、ラオコオンに関わる挿話を知らなければ、わからないのではないでしょうか。時間芸術である言語芸術と無関係に、この像の価値は十分に把握されるでしょうか。また一方、ミケランジェロ制作の「ダビデ像」を思い浮かべましょう。旧約聖書に書かれた、巨人ゴリアテに挑む少年ダビデを知っていれば、その像に見られる決意のまなざし、緊張して盛り上がった筋肉の意味がわかるでしょう。でも、それをまったく知らなくても、その像を見たときに、ほとんどの人が感動を感じます。ストーリーと無関係に、純粋にその視覚的美に対して、わたしたちは脱帽します。おそらく、ラオコオン像もダビデ像と同様、ストーリーを離れても、その美術的感動は伝わります。純粋視覚芸術として優れたものでしょう。しかしその来たるべき「苦悶の表情」に重点を置いて価値を論じるなら、ダビデ像の深まりには到達しません。こう言うのは決して、ラオコオン像をおとしめるためでも、レッシングに異論をはさむためでもありません。種々の芸術における「ストーリー」ということを考えたいのです。by　神澤和明

  2018.08.17

• 「パフォーミング・アーツ・実演芸術」

  「視覚芸術」「聴覚芸術」「言語芸術」、いずれも作者が仕事を終えた時点で、その作品は完成していると考えられます。その点で見れば、これらは共通した性質をもっています。しかしそれとは異なり、作者のところではまだ作品が完成していない芸術分野があります。演奏者や演技者によって上演されて初めて、作品が完成するものです。こうした芸術は"Performing Art" 呼ばれます。日本語にするなら「上演芸術」と言うのが良いと思いますが、「上演」という日本語は「演劇」を連想させます。そして、音楽の場合は「演奏」という言葉を普通に使います。それで野暮ったいですが、「実演芸術」という言葉を使ってみました。劇作家が戯曲を書きあげれば、作曲家が楽譜を書いてしまえば、作品は完成し、芸術鑑賞の対象になる、と考えることは間違いとは言えません。しかし、芝居というものは観客の前で上演して初めて、音楽は聴衆の前で実際に演奏して初めて、その本来の目的を達成します。劇作家は原稿用紙の上ではなく、舞台の上にその作品を現出しなければなりません（「レーゼドラマ」はその点で、本来の戯曲ではない）。作曲家は音符の羅列を創造するのではありません。戯曲はいわば演劇芸術における設計図の一部であり、楽譜は流れ去る音楽を紙の上に記録したものです。それ自体が芸術というのとは違います。では実演芸術は、いつ完成するのか。それがパーフォーム（実演）されるときです。役者が演技をし、演奏者が楽器を奏でるときです。そして、これは実演芸術の大きな特徴ですが、その実演の間に、実演を通して、作品が完成されるのです。自作自演という例外はありますが、原則、複数の人間の手によって創造される芸術なのです。劇作家や作曲家という第一の作り手から、演出者・役者や、指揮者・演奏家という第二の作り手に渡されて、完成が目指されます。ですから、演技者、演奏者は非常に重要な仕事を担います。彼らの演技や演奏が良いものなら劇作家、作曲者は高く評価されます。もし彼らの実演がまずくゆくようなら、第一次作者は評価されずに終わります。第一次作者である劇作家や作曲家の評価を決めるのは、第二次作者の位置に来る実演者たちです。既にその作品の評価が定まっている場合は、第一次作者は評価の責任から免れ、第二次作者たちの仕事そのものが、評価の対象になってきます。同じ作品であっても、演出家・演技者や指揮者・演奏者が異なると別の作品のように見えたり、その出来栄えに違いを感じてしまうのは、第二次作者である実演者の能力や個性に差があるからです。実演芸術の場合、観客や聴衆もその創造者の一人に加える考え方もあります。第三次作者というところでしょうか。発信された作品を受け止める者が誰もいなければ、それを芸術と認めることは困難ですから。創作当時は誰にも知られていなかった作品が後世に発見されて、優れた芸術作品だと評価されるということが、特に美術の場合、時折あります。だから、鑑賞者がいなくても芸術は成り立つ、と考える人もいるでしょう。しかしこの場合も、見いだされた時点で、評価する人がいるのです。作者が発信した作品を受け止め、鑑賞する人が出てきたのです。受け止める人がいつまでも出なければ、その作品は「無い」のと同じです。実演芸術では、観る人、聞く人がいなければ、演技や演奏を「しなかった」のと同じになります。「実演芸術」の致命的な問題点は、作者たちが自分の作品の完成した姿を見る・聞くことが、困難なことです。視覚芸術家である画家や彫刻家であれば、キャンバスに描かれた自分の作品や、アトリエに置かれた自作の像を、客観的に見ることができます。聴覚芸術家である音楽家は、自作が演奏されたものを聞くことができます。言語芸術に関わる小説家や詩人は、自分の筆が記した文章を読むことができます。しかし、実演芸術家の場合は異なります。劇作家も作曲家も、それが演じられ、演奏されるまでは、自分の作品の本当の姿を知ることができません。こうなるはずだと想像はできるだけです。演技者、演奏者、舞踊手の場合は、自分が今作り出しているものを、見ることも聞くこともできません。自分がどんな声を出しているか、自分の腕や足がどの程度伸びているか、曲がっているか、残念ですが、わからないのです。楽器演奏者でさえ、ピアニストやハーピスト、パーカショニストはまだしもですが、弦楽器奏者や管楽器奏者は、自分の身体に共鳴させます。ですから目や耳で自分の演技・演奏を修正することが難しく、主に訓練してきた自分の感覚で、自分の芸術を作ってゆかねばなりません。実演芸術を映像や録音で記録したものは、どう考えましょうか。そうした記録によって、実演者は自分の演技、演奏を見たり聞いたりできます。しかしそれは、その実演がなされ、作品が最終的に創造されたときにあったもの、観客・聴衆が鑑賞したものと、同じではありません。機械という、更にもう一つ別の「次」によって、作られるものです。記録された段階で、それはもう変わらないもの、固定化された「完成品」となります。もとは実演芸術ではあるけれど、重要な要素である「成立に向かって変化してゆく」という性格を失っています。実演芸術において、第二次作者である実演者と、第三次作者ともいうべき観客・聴衆は、同じ空間と時間にいて創造体験を共有するのですが、映像や録音で記録されたものでは、その現象はおこりません。ですからわたしは、映像や録音によって記録された上演、演奏は、実演芸術とは別のもの、少なくとも別の「フォルダ」に入れられるべきだと考えます。by　神澤和明

  2018.08.16

• 「言語芸術」　知覚より知性の作業になります。

  視覚芸術や聴覚芸術とは別に、身体的知覚にかかわらない芸術があります。それは「言語芸術」です。文芸（文学）がそれです。「言語芸術」を鑑賞する場合、まずその素材は、目や耳を通して受け止められます。書かれた文字を「目で読む」、あるいは読まれた言葉を「耳で聞く」ということが必要です。しかし、それが視覚芸術や聴覚芸術と異なるのは、受容されたものそれ自体が鑑賞の対象ではなく、その刺激によって鑑賞者の内部に生み出されて行くもの、それが鑑賞の対象、芸術作品として受け止められるものであることです。見えるもの、聞こえるものは直接的な鑑賞の対象ではなく、間接的な存在です。見える「文字」「挿絵」や、聞こえる「音」が、充足した芸術作品として扱われるのではないということが、身体知覚による芸術と全く異なるところです。これはつまり、「言語芸術」が知覚それ自体に訴える「具体的（即物的）芸術」ではなく、知性に訴えかける「抽象的芸術」であるためでしょう。言葉の特性は「抽象的」で「普遍的」であることです。数学における数字や数式と共通しています。数字の「１」は一人でも一匹でも、一個でも一回でも、すべて「１」という抽象概念にまとめてしまいます。「１＋２＝３」は「一人と二人が集まって三人になった」であっても、「一日と二日が経って三日になった」であっても、表し方は同じです。同様に、たとえば「わたし」（欧米言語では「格」が決まるので「わたし」だけにあたる代名詞はありませんが）という言葉は、言葉を発した主体者を示すのであって、Aさんが言えば「わたし」はAさんですし、Bさんが言えば「わたし」はBさんになります。言葉自体は、絵や音楽の音のような、確定した具体的なものではないのです。ですから当然に、それを鑑賞の対象にはしない。そのような抽象的な言葉を連ねて作り出されてくる「概念」「思想」が鑑賞の対象になります。これが「言語芸術」と分類されるべきものです。「視覚芸術」や「聴覚芸術」とは根本的に違ったものと言わねばなりません。例外的なことを考えますと、文芸作品においても、使われる文字を工夫して視覚に訴える、ということができます。文字の配列、字体、大きさ、色などを変化させて、視覚的効果を与えることは容易です。実際、詩の場合は散文と違って、頻繁に改行をしてゆきます。それによってリズムを作ることができます。しかしそれが、その文芸の内容を示すということではありません。文芸の内容は、そうした表面の現われを超えたところで、受容されます。原稿がどのように書かれていても、伝えるべき本質部分はみな、同じ次元で鑑賞されます。それは、声に出して読まれたものを聞く場合も同じです。読む人がどんな調子で、表情をつけて読んだとしても、鑑賞するのは聞こえてくる表現ではなく、伝えられる「内容」に基づく概念です。誰が、どんな風に読んでも、鑑賞の対象となる「文芸」は同じでなくてはなりません。このことについて気をつけなければならないことがありますが、それは「実演芸術」のところで考えます。文芸の特性として、「ストーリー」の存在があります。これは「時間芸術」の領域と強く関連します。視覚芸術である美術作品にも、聴覚芸術である音楽作品にも、「ストーリー」の要素が入り込んでくることに気をつけたいです。これはつまり、言語芸術は、視覚芸術や聴覚芸術と衝突しない、むしろコラボすることが多い芸術だということです。by　神澤和明

  2018.08.15

• 芸術の「分類」について考えます。「知覚」機能による分類。

  芸術の分類方法はいくつもあります。その芸術がもつどの特性で捉えてゆくかによって、分類の基準が変わります。ですから分類法は、様々になります。そして、それぞれが関連しあっていることが多いです。芸術という複雑な精神活動を、単純に割り切って分類するのは、無理なことだと思われます。それでも、自分の考えを進めるために勉強してみます。一般的な分類として、まず「視覚芸術」と「聴覚芸術」という分け方があります。これは分かりやすく、受け入れやすい分類です。視覚を通して享受されるものを使って創造される芸術が「視覚芸術」です。美術に類する芸術がこれに含まれます。聴覚を通して享受されるものを使って創造される芸術が「聴覚芸術」です。音楽に類する芸術がこれに含まれます。いずれも生理的、身体的知覚機能によって鑑賞される芸術です。ですから、極めて自然で素朴な芸術の分類法です。身体感覚は「五感」ありますから、他の３つの感覚によって享受される芸術もあって良さそうです。「味覚芸術」「嗅覚芸術」「触覚芸術」という言葉はあまり聞きませんが、考えられます。「味覚芸術」は料理という分野で発達しています。「嗅覚芸術」は香水調合という分野で鑑賞されています。料理も香水も、一般的に考えられる「芸術」とは違っているかもしれません。しかし、自然にあるものそのままではなく、人間が工夫を重ねて新たなものを作り出し、それが「美しい」もの、「悦楽を与える」ものとして受け入れられているのであれば、芸術と考えて良いのではないかと、わたしは考えます。芸術の価値は、人に感動を与えることです。感動は「真」や「美」や「無垢な楽しみ」に触れることによって得られます。「味覚芸術」や「嗅覚芸術」の存在を肯定するのは、こう考えるからです。では、「触覚芸術」はどうでしょう。時折、洒落のように「芸術に触れる」と言って、彫刻作品に触れるさせる展覧会があります。視覚障害をもった人のための美術展、というのもあります。しかしこの場合、触れることは、その作品の「形」を感じ取る手段です。鑑賞者は触覚を通じてその作品の外形を知り、その姿をイメージします。「形」は本来、「視覚芸術」として鑑賞されます。ですから、この場合、視覚の代用として触覚を使っているわけです。これでは「触覚芸術」を標榜することは難しいでしょう。他の感覚の代用としてではなく、触覚それ自体が芸術を作りだすべきです。その素材の手触り、例えば表面が滑らか・ざらざらしている、硬い・柔らかい、厚い・薄い、熱い・冷たい、角ばっている・曲面をもつ、といった要素によって作り出されるものがあれば、「触覚芸術」と呼べるかと思います。茶碗のような工芸品に、それが見られるような気がします。視覚芸術は原則、一瞬で全体を把握できます。もちろん、時間をかけてゆっくり鑑賞してゆくことはできます。その作品をより深く理解するためには、その必要があるかもしれません。しかし、それに触れた最初の一瞬に受けた感動、第一印象だけでも、その作品を鑑賞したことになります。聴覚芸術は一瞬で鑑賞することは難しいです。一つの音だけを聞いて、それに感動を受けるということは、あり得ます。ですが、音楽によって得られる感動は、いくつかの音のつらなりによって作られるフレーズを聴くことによって、得られるものです。こうしたことは、後で「空間芸術」と「時間芸術」に関するところで考えて行きます。視覚芸術は目という器官を使います。目は主体者の意志によって、開けることも閉じることもできる、つまりその作品を鑑賞することも、拒否することも、受容者の主体的意図によって選択出来ます。そこまででなくても、この部分だけを見るとか見ないとか、選別的に鑑賞することが容易です。対して聴覚芸術は、耳という器官を使います。耳は主体者の意志によって閉じることができません。入ってくる情報を受動的に受け取ります。作品の鑑賞を受容者の主体的意図によって拒否することも、選別的に鑑賞することも難しいです。楽曲をところどころだけ聴き取って、作品の良否を判断することはできないでしょう。視覚芸術も聴覚芸術も、身体感覚器官を通じて受容されますので、極めて具体的な形で受け入れられます。制作者の意図が直接的に、限定された、そのままの姿で、受容者につきつけられます。鑑賞者がそれ以外の様相で受け入れる事を、強く阻みます。ある人物の姿を描写する場合を考えて下さい。小説のように文章で書き表して行く場合、どれほど緻密に書いても、読者の想像するその人物の姿は、それぞれに違ってくるでしょう。しかし、漫画の場合なら、その人物は漫画家が描いた姿、ただ一つに決まってしまいます。このことは、あとで「言語芸術」という面で、考えて行きます。聴覚芸術もやはり、鑑賞者の受け止め方を統一してしまいます。しかし、視覚芸術ほどに拘束力は強くないような気がします。絵画を見たときの「感情的印象」は誰もがほぼ似ていますが、音楽を聴いたときにうける「感情的印象」はかなりヴァラエティに富んでいると思われます。「視覚」と「聴覚」の影響力の差なのでしょうか。by　神澤和明

  2018.08.14

• 『ハムレット』　上演の後のことです。

  １日に２回の上演です。生駒市の鑑賞行事で入場無料の公演とはいえ、キャパ千人弱の客席が２回とも完全に埋まりました。大阪からも人がきてくれました。上演時間は１時間40分。かなりのカットだったのですが、『ハムレット』がよくわかったと言ってもらえて、シェイクスピア研究者の一員としては、とても嬉しかったです。この上演台本は、しばらくたってから、全日本リアリズム演劇会議が発行する機関誌「演劇会議」127号（2008年7月5日発行）に掲載して頂きました。大ホールでの上演後は、ケーブルテレビで放送もされました。劇団にとっても、ひとつのエポックとなる公演だったと自負します。ただ、上演までにいろいろと問題が出て、結果、わたしは自分が創立メンバーである「シアター生駒」から、再び離れることにしました。理由は簡単で、劇団員の芝居に対する意識、芸術創造についての考え方の誤りに、我慢ができなかったからです。まず困ったのが、ハムレット役の演技者です。テレビドラマや、学生時代のサークル演劇で芝居を覚えたのでしょうか。つぶやくように台詞をいうのが格好良いと信じているらしく、どうしても前に声を投げ出すことをしません。声が出るのは、怒鳴ったり叫んだりするときだけです。それでは舞台の台詞としては使えませう。腹から息を出して、その息にのせてゆっくり、はっきりしゃべるのが舞台での台詞術だと、口をすっぱくして指導したのですが、どうしても彼に通じませんでした。上演の後のアンケートで、声が聞こえなかったと何人にも書かれていたのですが、彼に伝わったかどうか。もう一つ、本番前日の舞台稽古で、いきなり彼は金髪に染めてやって来ました。ハムレットも特別の人間ではない、他の登場人物と同じ普通人の悲劇であるとして作ってきたのにです。目立ちたかったのか、西洋人の役は金髪にすると思っているのか、理由はわかりませんが、強く注意しました。観客の目に対して、ハムレットだけが別の人間のように見えては、演出意図が違ってしまいます。また、どうしてもそうしたかったら、全体を把握して、芝居の方向を示している演出家に、事前にたずねるべきです。それは芝居作りで守るべき決まり事です。それをしなかった。これが彼だけの問題なら我慢したのですが。注意した後です。楽屋の前を通ったら、シアター生駒を結成する前からわたしのグループで芝居をしてきた人が、「怒らなくても良いのに。よく似合ってたのに」と他の人たちに言っているのが聞こえました。長く一緒に芝居をしてきたのに、こんな風にしか芝居を考えられないままでいるのかと、本当にがっかりしました。彼が金髪に染めたのは、その前の稽古の後、他の劇団員と居酒屋で飲んでいてそんな話になったのだろうことが、推測されました。その場には、大阪の劇団で長く芝居をしている人が居たはずです。そんな人でも、演出家の意図を大事にせず、自分たちの思いつきを優先させる。あきれました。「芝居は稽古場で作る。飲み屋では作らない」というのがわたしの基本方針です。稽古を真剣にやって、その後、気分転換のために飲みにゆく。これは結構です。でもしばしば、後でみんなと飲みに行きたいがために、稽古に来る。芝居作りよりも、飲み仲間作りの方が大切だという人たちが、少なからずいます。そんな組織にはいたくない。それで残念ですが、再び劇団と距離を置き、そのまま現在に到っています。個人の不満ごとを長々と書いてしまいました。お気を悪くさせてしまったでしょうか。まことに、すみません。今回だけ、お許しください。by　神澤和明

  2018.08.13

• 『ハムレット』　演出について（10）

  ハムレットはレアティーズと握手を交わし、これまでの非礼をわびて、仲直りを申し出ます。レアティーズは表向き、わびを受け入れる態度を示しますが、ハムレットへの憎しみはそのままです。ただ、彼が心からわびてきたことで、レアティーズの気持ちにほころびができます。それが試合にも出て来ます。剣術試合は重要な場面になるので、奈良県立工業高校（現在は県立奈良商業高校と合併して、県立朱雀高校です）フェンシング部に、フェンシングを習いに行きました。顧問の先生に丁寧に指導をいただき、何度か通って、ある程度の立ち回りができるようになりました。演技者たちが、よく努力しました。立て続けにハムレットが２本とります。クローディアスからせっつかれて、レアティーズは、どうも気が咎める、と洩らします。この心の迷いは、結局、計画は実行されるので、カットしました。むしろ、どうあってもハムレットを斃すという気持ちを強くしました。試合の場面で気をつけるのは、ハムレットとレアティーズの剣が取り変わるのが、ごたつかない様にすることです。演出によっては、傷つけられたハムレットが、レアティーズの剣が真剣である事に気づき、相手の剣を打ち落として、剣を取り替えて渡すというやり方があります。ですがこれだと、ハムレットは真剣であることを意識してレアティーズを刺すわけですから、そこに明白な殺意が出て来ます。もはや、敵を殺すことに躊躇しなくなっている彼ですが、あまり好ましく思えません。それにハムレットの方がだいぶん腕が上になってしまいます。お互いが剣を落とし、取っ組み合って、周りに分けられて、もう一度剣を取るときに入れ替わってしまう、というのがきれいじゃないでしょうか。レアティーズがうまくやらないので、しびれをきらしたクローディアスが、ハムレットに毒杯を勧めます。ところがハムレットは断り、ガートルードが代わりに飲んでしまいます。この場面のガートルードについては、以前に彼女の性格についてのところで述べました。クローディアスは止めたのですが、彼女は無邪気に、毒と知らずに飲んだのです。それを見てクローディアスがもらす「もう、手遅れだ」の言葉、そしてレアティーズが、今度こそハムレットを殺すと言ってきたのに対して、「当てにならない」と応える（こちらはカットしました）彼の様子に、ガートルードが死ぬのなら、もうどうでもいいという自棄の気持ちが感じられます。つまりそれは、クローディアスがガートルードをそれほど愛していたということです。レアティーズが刺されて倒れます。毒を飲んだガートルードが、杯に毒が、と言い遺してくずおれます。謀反だ、戸口を閉めろと、ハムレットが叫ぶ。レアティーズが苦しい息の下から、クローディアスがすべての張本人だと告白します。そしてハムレットも、剣に塗られた毒のためにもうすぐに死ぬと。しかし、これはクローディアスだけが悪いのでしょうか。レアティーズが、少しずるく見えます。「悪役」は割を食います。ハムレットはクローディアスを剣で刺すと、さらにガートルードが飲み残した毒酒を彼の口に流しこみ、息の根を止めます。そして自分も倒れ伏します。ここまで、レアティーズが不意打ちでハムレットを傷つけてから、ほんの僅かの間に進んでしまいます。それまでと比べると、異常なスピードです。ホレーショが毒酒を飲んで後を追おうとするのを止め、彼に生き残ってこの悲劇の真相を後の世に語ってくれと頼みます。そしてフォーティンブラスがデンマークの王位を継承することを予言して、死にます。この時の台詞も有名です。「後は沈黙」。フォーティンブラスが登場し、惨状を目にして驚きの声を上げます。なにせ、王、王妃、皇太子、貴族の筆頭の4人の死体があるのですから。その全員の死に、ハムレットは関係があります。ここにはいないが、ポローニアス、オフィーリア、ローゼンクランツ、ギルデンスターンの死にも。ある意味で、彼は殺人鬼です。このとき、フォーティンブラスを死者たちの間に出したのですが、二重に出した方が、より効果的でした。彼は王位継承することをほのめかし、隊長たちにハムレットの埋葬を命じます。隊長たちはハムレットの遺体を担ぎ上げます。このときに、ハムレットの身体を十字架のように硬直させ、４人で頭上に支えて運ぶのがお約束なのですが、無理はしませんでした。by　神澤和明

  2018.08.12

• 『ハムレット』　演出について（９）

  墓堀りが二人、登場します。舞台の床を外せれば楽なのですが、そうはいかないので、穴を掘ることができません。装置の方に無理を言って、移動式の墓穴をワゴン形式で作ってもらいました。これは、演出がもっと工夫するべきだったと反省しています。自殺した者は教会から見放されるはずなのに、この死人は葬式をしてもらえる、身分の高い奴は忖度してもらえるんだなと、なかなかにうがったことを言います。墓場ですから、決して陽気な場面ではありませんが、道化役によるこっけいな場面で、わたしは好きです。墓堀りは日常のことですから、鼻歌まじりに墓を掘ります。この歌は作りました。ハムレットとホレーショが通りかかり、墓堀りと会話します。人間、死んでしまえば、英雄でも道化の阿呆でも、同じ土塊、骸骨に成り下がる。哲学的な話を、気軽な口調でしています。すると葬式の行列がやって来ます。王たちの姿も見える。ハムレットとホレーショは隠れます。ガートルードが死体に花をまきながら、ハムレットの花嫁になってほしかった、と言います。それで、死んだのがオフィーリアだとわかります。ハムレットは驚きます。いきなりレアティーズが墓穴に飛び込んで、自分を一緒に埋めてくれ、と喚きます。ここでレアティーズがオフィーリアを抱き上げると、絵面はいいですね。ただ、二人の兄妹の関係が、本当に怪しいものに見えますが。ハムレットも負けじと墓穴に飛び込みます。ガートルードの寝室の時と同じで、逆上したら止められません。一人の女性を間に、もと恋人と兄とが、愛情の深さを競い合う。客観的には、実に奇妙でアブノーマルな場面です。ふたりは引き離され、そして最後の場面へと続いて行きます。城の中の一室で、ハムレットとホレーショが話しています。クローディアスがイギリス王に送った手紙には、ハムレットを処刑する命令が書かれていた。こっそりそれを読んだハムレットは、手紙を持参するローゼンクランツとギルデンスターンの首を斬るように書き変えて封をした。イギリスに着く前に海賊船に襲われ、ハムレットは敵の船に乗り移って戦ったが、その間に自分の船は逃げていってしまった。ハムレットは海賊の捕虜になったけれど、身代金と引き替えに解放された。以上の出来事を、ハムレットは語ります。ローゼンクランツ、ギルデンスターンが死刑になることを、ハムレットはいささかも気にしていません。彼の性格は、以前と少し違ってきているようです。この部分の会話は、事情説明でだれやすいので、二人に円を描くように歩きながら会話するように指示しました。特に必然のない演技なのですが、そうやって少し動きを加えたかったのです。そして二人は、同じ円上にいても、結局ホレーショがハムレットに追いつくことはできないことも暗示しています。貴族のオズリックが来て、王がレアティーズとの剣術試合を提案していることを告げます。ホレーショは厭な予感がして止めますが、ハムレットは承知します。まんざら自信がないわけでもなさそうです。ですが、胸騒ぎを感じています。このときの彼の言葉は、自分の運命を悟ったものです。「今来るなら、あとでは来ない。後で来ないなら、今来るだろう。今来なくても、いつかは来るのだ。どうせこの世は仮の住まいだ。さっさと別れを告げたところで、なにと言うこともないじゃないか」そして王たちが登場し、ここが試合場となります。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.11

• 『ハムレット』　演出について（８）

  次の場面は、狂ったオフィーリアが歌いながら駆け回る姿で始まります。恋人が自分父親を殺し、自分を捨てていった。気が狂っているので、もう元の恋人同士に戻れる希望はない。兄もここにはおらず、彼女はひとりぼっち。そうなると、現実を把握できない精神状態になる方が、幸せなのかも知れません。彼女の姿を可哀想と見るのは周りであって、彼女自身はそう思っていないとして、演じてほしいです。子どもに戻った感じというのが、ここでの演技にあっているでしょう。彼女が歌う歌はイギリスの古い歌のメロディを使いました。少し物悲しい気分のものが多かったのは、センチメンタルな時代だったからでしょうか。彼女の言葉を聞くと、自分が惨めな姿になっていることを理解しているようです。ヴァレンタインの歌には、楽しかった恋愛への憧れがみえます。初演では、役者が自分でリュート伴奏をしながら歌ったようですが、彼女が楽器を持っている姿は、いまいちそぐわない気がします。歌は上手くなくて良いです。子どもは息が短いから、歌を区切って区切って、歌います。そして区切りを使って、走りまわるといいでしょう。オフィーリアの退場と入れ替わって、怒り狂ったレアティーズが、剣をかざして飛び込んできます。人手があるなら、後ろに何人か味方の者たち、平民の姿の者が続いていると良いでしょう。父親が殺された、その仇討ちに、我を忘れて飛び込んできました。ハムレットの優柔不断さと対比するように、今にもクローディアスに斬りかかりそうすです。しかし、さすがにクローディアスは大人で、彼をなだめ、自分は仇ではないと主張します。そこへ、狂ったオフィーリアが歌いながら現れます。妹のその姿にレアティーズは強い衝撃を受け、すっかり意気消沈してしまう。そこでクローディアスは彼を懐柔し、彼が狙うべき仇がハムレットであることを教えます。わたしは彼の怒りが、父親を殺されたこと以上に、妹を狂人にしたことに向けられるように、台本を作ってみました。海賊がホレーショのもとに、ハムレットからの手紙を届ける場面を鋏みます。本来は、クローディアスがレアティーズに、ポローニアスが殺された様子を話して、相手を納得させたところに、ハムレットが戻って来たという報告が入るのですが、短縮のため、直前の場でホレーショに知らせが来た、それがもう王たちにも伝わっているという前提で、カットを入れました。クローディアスとレアティーズは、国民の目を欺くため、ハムレットを事故に見せかけて殺す方法を相談しています。剣術試合にかこつけて、彼を殺すことでまとまります。そこへガートルードが駆け込んできて、オフィーリアが溺れて死んだことを報告します。場面そのものは舞台では演じられず、「語り」によって観客に事件の様子を知らせます。言葉だけでイメージを伝えるには技術がいるので、二重にオフィーリアを出し、水に漂い沈んで行く様を、動きによって少し見せました。オフィーリアの最期の様子を、見てきたようにガートルードは語ります。そばにいたわけではないので、考えればおかしな話。それが芝居というものです。見ていたのなら何故助けなかったのだ、という人がいました。ガートルードが突き落とした殺人ではないか、という人もいます。オフィーリアはハムレットの子どもを孕んでいた、そのスキャンダルをもみ消すために、ガートルードがオフィーリアを殺したのだ、というわけです。面白いです。が、それだけです。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.10

• 『ハムレット』　演出について（７）

  舞台奥からベッドを押し出して、ガートルードの寝室を表します。ローゼンクランツとギルデンスターンは、「さざんか」で一緒にシェイクスピア劇を作ってきた若い人たちが演じてくれていましたので、彼らに転換を頼みました。ガートルードとポローニアスが出て来て、ハムレットへの対応を打合せ、ポローニアスはカーテンの陰に隠れます。ところへハムレットがやって来ます。ガートルードはハムレットを、気持ちが動揺して少し態度がおかしくなっている程度に考えているようです。ですから、普通に母親が息子を諭すように対応します。ガートルードがハムレットに対して言う「父」と、彼が彼女に対して言う「父」がさす相手の違い。これが二人の根本的な差異を表します。ハムレットは父と叔父を比較して、劣った叔父の妻となった自分を、前の夫に対して恥ずかしく思わないのかと、母を責めます。その厳しさには、ただ父親への裏切りを怒るだけでなく、自分を見捨てた（と彼は考える）ことへの怒りが、強く感じられます。ですから、これを「痴話げんか」と読む人さえいます。これはひとつの、ドメスティック・バイオレンスの場面です。ガートルードは怒りを抑えられないハムレットに恐怖して、助けを呼びます。隠れているポローニアスも、誰か来てくれと声を上げる。なぜ、彼自身が出てこなかったのか。自分では若者を抑えられないと考えたのでしょうが、そこに第三者が登場すれば、当然に、ハムレットだって少し手を控えるはず。そうしなかったために、彼は命を奪われます。いきなり声が聞こえ、驚きと逆上でハムレットは、「ネズミか？　死んでしまえ」と叫びながら、声がしたカーテンの後ろを突き刺します。「やられた」と言う声と、人が倒れる音。「なにをしたの？」と母親がたずね、「わかりません。王ですか？」と返します。さっき、クローディアスが祈っているところを見てきたのですから、彼がここに隠れていると考えるのは変です。城に秘密の抜け道がある可能性はありますが。それだけ判断力を失っていると考えるべきでしょう。母子の間で、王を殺すのは血なまぐさい行いだということが、別の意味で言い争われます。殺したのがポローニアスだったのは、彼にとって意外だったでしょう。しかし、そこに後悔の言葉はありません。自分から首を突っ込んで、その報いを受けたのだという言い方をします。逆上状態が、血を見て更に昂ぶります。ガートルードをベッドに押さえ込んで、父と叔父の肖像を見比べさせ、彼女の再婚は理性的なものではない、肉欲によるものだと罵倒します。このあたり、父親を自分の中に受け入れて、言葉も二人の姿勢も、男が女に迫っているような気分があります。そこに亡霊が登場し、母親を苦しめるなといって、ハムレットを制します。このとき、亡霊は部屋着を着ています。城壁では甲冑姿、ガートルードの寝室では部屋着とは、TPOを弁えた亡霊と見えます。初演で、亡霊役の役者が、この場の登場を忘れて楽屋で寛いでいたために、慌てて登場することになって着替える暇がなく、部屋着で出たのだ、という話があるのですが、嘘でしょう。わたしは、甲冑姿のままで出しました。この亡霊の姿が、ガートルードには見えません。ですから彼女は、ハムレットの気がおかしいために、幻覚を見ているのだと思います。城壁の亡霊は、ハムレット以外にも何人もが見ています。しかしこの場面では、二人しかいないし、一人は見て、一人は見ていない。だからこの亡霊は、ハムレットの幻覚だという考え方も、理屈が通ります。彼の頭の中で次第に妄想が膨らんでいったのだと。それが、彼を制止しに出て来たのは、彼がそれ以上母親を苦しめたくないと、無意識に思ったからだ。こう解釈することも出来るでしょう。亡霊は登場したが、ガートルードに見えなかったのであれば、その理由は、亡霊は自分が話をしたい相手にしか見えないという伝承にそったか、ガートルードの心の何か、おそらく恥の気持ちが、目をくらませたのであろう、と思います。始めの亡霊は実際に出たが、この亡霊はハムレットの頭の中の存在、という解釈も成り立ちますが、かなり複雑になります。舞台ではわかりにくいでしょう。ハムレットはポローニアスの死体を引きずって退場します。クローディアスは彼を呼び出し、ポローニアスの死体の場所をたずねます。そして、このような事件を起こした以上、ほとぼりがさめるまで、イギリスに行くよう命令します。ハムレットが機知のある台詞を言うのですが、ここはカットしました。クローディアスが二重に登場して、ハムレットにイギリスに行くこと、ローゼンクランツとギルデンスターンに監視役として同道すること、イギリス王にハムレットが到着したら処刑することを、それぞれ命じます。これを客席に向かって語らせ、場面転換に持って行きます。海岸をフォーティンブラスの軍勢が行進します。ハムレットは隊長に、誰の軍勢か、何をしにゆくのかをたずねます。そして、結果を考えず、名誉と情熱のためにためらいなく行動をおこなうフォーティンブラスの潔さに、強く心を打たれます。これが、彼がデンマーク王位の後継者にフォーティンブラスを推挙する原因になります。ここで、いままで優柔不断だった自分を恥じ、復讐の行動に出る覚悟を述べる「第四独白」がありますが、既に彼の心が決まっていることは示されていますので、二、三行で済ませました。（続きます）by  神澤和明

  2018.08.09

• 『ハムレット』　演出について（６）

  皆が退場すると、がやがやと人々が舞台に出て来て、劇中劇の場面に変わります。劇が始まるまでの部分は、カットしました。すぐに口上役が出て、劇が始まります。本来は、まず粗筋を示す無言劇が演じられ、それから劇が始まるように書かれています。しかし、粗筋の部分で既に王の毒殺は示されますから、クローディアスは無言劇を見た段階で、劇の中止を命じないのはおかしい。これはもっともな考えです。それで、無言劇の間はクローディアスは舞台を見ていなかった、劇の台詞を聞いて初めて内容を知り、取り乱したのだ、という演出をすることもあります。わたしは無言劇はカットして、口上役が開幕を告げると、すぐに劇中劇に入りました。古い時代の芝居を真似て書いた、大時代な台詞回しですから、演技も大げさにします。動きが大きい方が良いので、歌舞伎っぽくやっても良いでしょう。逆に、洗練されたマイムを見せるのも面白いでしょう。あくまで演技者の技量によります。このときはごくあっさり、ゆっくり、大きくということだけ、指示しました。ここで再現されるのは、先王が庭で眠っている時に、弟に耳に毒薬を注ぎ込まれて死んでしまう場面で、それは亡霊がハムレットに告げた通りです。ハムレットが書き加えたものでしょう。眠っている間に、弟が耳に毒薬を流しこんだということを、亡霊はどうして知ったのかな、と考えたことがあります。死の世界に行けばすべてがわかるのか。それとも、死ぬ直前に弟の顔を見たのか。わたしは後者として、演技をつけました。クローディアスがパニックに陥って、退場、いや逃げ出します。ホレーショも、クローディアスが非常に混乱した様子を見せたと証言します。ハムレットは亡霊の言葉が正しかったと確信します。ガートルードが呼んでいると、ポローニアスが知らせに来ます。ハムレットは復讐の心を固め、「苦々しい血を飲み干そう」と宣言します。別の一室で、クローディアスが一人きりで、祈っています。役者の為所です。自分の手は兄の血で汚れている。自分の罪は許されることがないのか。手にしたすべてのものを捨てて、悔い改めることができるだろうか。「ああ、胸の中は冥土のように真っ暗だ。魂は自由を求めてもがいている。助けてくれ、天使たち。意固地に固まった膝を折れ。鋼のように硬い心よ、赤ん坊のように素直になれ。許しを乞うために頭を垂れるのだ」。彼の言葉に、わたしは真剣なものを感じます。クローディアスはハムレットのように相手をからかったり、あざけったりすることはありません。ある意味で、非常にまじめな性格ではないかと思っています。そこに、ガートルードの部屋へ行く途中のハムレットが通りかかります。護衛も無く、無防備なクローディアスが、周りに気を配る余裕もなく、一心に祈っている。復讐の、絶好の機会です。さっき、クローディアスが父殺しの犯人であると確信しました。残酷な復讐の心にいっぱいになっている、とも言っていました。いつやる。今でしょ（古いなあ）。ハムレットはクローディアスの背後に忍び寄り、短剣を振り上げる。相手はちっとも気づいていない。あとは手を振り下ろすだけ。なのに。ここでハムレットはクローディアスに手を下すことなく、立ち去ってゆくのです。必ず論議の的になるところです。クローディアスが祈っている最中に殺せば、彼の魂は天国に行く。自分の父は懺悔する暇もなく殺されたため、地獄の業火に苦しんでいる。それなのに、仇を天国に行かせてしまうことが復讐になるだろうか。もっと彼が罪悪に耽っているときに殺してこそ、復讐が遂げられるのだ。これが、ハムレットが思いとどまった理由として、口にすることです。こじつけた理屈ですね。強い感情があれば、こんなものは吹き飛んでしまう。やはりハムレットの性格には、きっぱりと行動することをためらってしまう、弱いところが本質的にあるとしか思えません。これまでの彼も、行動しないことに、後付けで理屈をつけてきています。このあたりが、いつの時代にもいる、知的でありながら実行力がない幼い青年たちと共通して、彼への共感が維持されてきているのでしょう。ハムレットが立ち去った後、クローディアスは立ち上がり、「祈りの言葉は舞い上がるが、おれの心は地上を離れない。思いの伴わぬ言葉が天国に届くはずはない」とつぶやいて退場します。だったら、ハムレットが殺しても良かったわけです。この台詞を語る調子によって、クローディアスが後悔の念をもつ人間的な男か、覚悟を決めたまったくの悪人かが、演じ分けられます。わたしは、前者の側に立ちますが、自分の罪の深さを自覚した彼は、それでも王でいなければならないのですから、あまりしょぼくれてはいけません。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.08

• 『ハムレット』　演出について（５）

  オフィーリアが居るのに気づいて、ハムレットの口調が変わります。「観客」を意識して「演技」を始めるわけです。それは皮肉でからかうような調子です。シェイクスピア劇後期に登場する、「賢い道化」のそれです。彼はこの口調が狂気を表すのだと考えているようです。オフィーリアは、ハムレットがこれまで彼女に贈った品物を返したいと言います。愛とともに下さったから嬉しかった。その方の愛が無くなったのだから、贈り物にはなんの価値もない。だから、お返しするというのです。あなたはもう私を愛していないのでしょう、と問いかけたのです。ハムレットは、受け取るのを拒みます。やった覚えがないと言う。これは後の、お前を愛していなかった、という言葉と同じで、オフィーリアへの愛を否定します。とても厳しい言葉です。彼女は強いリアクションをするでしょう。もちろん、ハムレットは嘘をついています。それは後に、オフィーリアが埋葬される場面での彼の言葉が証明します。今、彼が嘘をついて彼女を拒否するのは、あるいは彼女を自分の復讐事件から切り離すためでしょうか。彼女への未練を否定することで、復讐への気持ちを強めるためでしょうか。復讐を誓った瞬間から、彼はそれまでの世界を離れて、別の次元に生まれかわってきている。二人が生きる世界が違うと、認識しているのでしょうか。彼女が死んで、それまでの世界を離れ、また彼が自分の死を覚悟した時、二人の居る世界が再び一致する。そう考えることはできないかなと、思います。不意にハムレットが、オフィーリアに対して乱暴な調子になります。この変化は何故か。感情が高ぶったとする以外に、クローディアスとポローニアスが立ち聞きしていることに、ハムレットが気づいたのだという解釈も広く行われています。オフィーリアが、自分を探る道具に使われていると気づいて、裏切られたと感じて怒りがわき起こった。あるいはまた、クローディアスたちにわざと聞こえるように、強い口調に変わった。そうした解釈をして、立ち聞きする連中をうかがうような動きをする演出もあります。演技としては変化をつけやすくなるので、「気づいた」というのは面白い解釈です。急に怒り出してしまうことで、彼の狂気を敵に印象づけるというわけです。ただ、意図したことであれば、むしろ逆効果になったようです。特に、「お前たちのせいで気が狂ったんだ。もう誰にも結婚は許さない。既に結婚している者は、一組を除いて生かしておいてやるが」という言葉は、明らかに失言です。この「一組」はもちろん、クローディアスとガートルードのことです。クローディアスは彼の言葉に強い意図を読み取り、ハムレットの狂気を疑うようになるのですから。有名な台詞、「尼寺へ行け」がハムレットの口から出ます。オフィーリアに清純なまま一生を終えてほしいと望むから、などと考えている人はいないでしょうね。この場面で、ハムレットは終始、女性というものに対する不信感、嫌悪感を口にしています。女はすぐ心変わりをし、あてにならない、夫を愛するといいながら、別の男にも身を委ねる。みんなそうだ、と言っています。オフィーリアだけが清浄だ、とは言っていません。この言葉は二重の意味を持っています。「尼寺」が意味するのは「売春宿」というとです。当時は、そうした場所に居る女性たちが、売春行為をすることがよくありました。日本でも昔は、尼さんである「比丘尼」が売春行為をしていた歴史があります。前の場でハムレットは、ポローニアスと会話をしたとき、彼を "fishmonger" 「魚売り」だと言いました。これは女性をとりもつ「女衒」を意味します。おまえは娘に男を取らせている奴だと、言っていたわけです。ですから、彼が「尼寺へ行け」と言うのは、本来居るべき場所である「売春宿へ行って男と寝ろ」ということになります。これでもかと、オフィーリアを責めさいなんでいます。あまりにハムレットが悪い人に見えてきそうなので、彼が苦しみながら言っているのだと、涙を流させながら言わせる演出も見ますが、そうでない方が良いでしょう。泣き伏すオフィーリアを置いて、ハムレットは立ち去ります。ここで彼は三度、舞い戻ってきて、更にオフィーリアを責めます。彼の心の高ぶりを示すのですが、舞台で見ると、その繰り返しが滑稽にも見えます。オフィーリアへの未練も見えるし、思い切りの悪いしつこいさとも見えかねません。滑稽にしないためには、袖まで入らないで立ち止まるのが良いでしょう。ハムレットが去った後、オフィーリアは単純素直にハムレットの狂気を信じ、彼と自分とを憐れんで嘆きます。クローディアスは憎悪を感じ取り、ハムレットに強い疑いと不安を抱きます。ポローニアスは老人の頑固な思い込みで、ハムレットはオフィーリアに恋患いしておかしくなったのだと信じています。三人がそれぞれに、別の態度を示しています。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.07

• 『ハムレット』　演出について（４）

  するとハムレットが、本を読みながら歩いてきます。ポローニアスは彼の様子をうかがうために話しかけます。この二人の会話は滑稽で、ハムレットが「道化役」として働いているように見えます。有名な「言葉、言葉、言葉」というフレーズ。ポローニアスの、何を読んでいるのかという質問をはぐらかす答えですが、いろいろと解釈できます。ただの言葉の羅列にすぎない、意味のないものだ、と言っているともとれますし、言葉が表しているものと内容とは違っている、つまり自分の見かけと自分とは違うものかもしれないぞ、ほのめかしているのかもしれません。言葉は考えを進める道具にすぎず、それ自体が実体をもつものではない、という意味も見つけられます。けむに巻かれてポローニアスが退場すると、ローゼンクランツ、ギルデンスターンの二人組が現れて、ハムレットに懐かしそうに話しかけます。しかしハムレットはすぐに、彼らが王の命令で呼びつけられたことを察します。そして彼らとの会話も支離滅裂になります。二人はそれで、ハムレットの機嫌を取ろうと、旅回りの一座がやってくることを知らせます。この一座は時々、都から田舎へ巡演してくるらしく、ハムレットのお気に入りです。この一座のについてプランをもってはいました。ですが、生駒市で民族音楽を演奏するグループが、劇団員を通じて公演に協力したいと申し出てきました。地元のための上演でもありますので、断るのは良くないと判断し、わたしのプランとはずれますが、彼らに演奏しながら出て来てもらいました。もとの脚本では、一座の座長がハムレットの要請に応じて、トロイア戦争を描いた叙事詩の一節を暗誦します。トロイの老王プライアムが、落城に際して命を奪われる、悲壮な場面です。妃ヘキュバに同化して涙を流す彼の熱演に、ハムレットは心を打たれます。そして、『ゴンザゴ殺し』という演目に、自分が書いた台詞を加えて上演するように依頼します。座長の演技部分はカットしました。俳優の熱演を見て、復讐すべき自分に情熱が足りないことを、ハムレットは反省します。この部分はカットです。そして、亡霊は偽物かもしれない。クローディアスを仇として復讐するためには証拠がいる。それには、父が殺されたのと同じ場面を芝居に仕組んで見せて、クローディアスの反応を見るのが良い方法だ。それで自分は確信がもてると、口にします。芝居というものが、人間の心深くに働きかけるという、演劇人の自負でしょう。これが「第二独白」と呼ばれる台詞です。そして「第三独白」の場面になります。ポローニアスとクローディアスは、オフィーリアとハムレットを二人だけで会わせて、ハムレットがどんな反応をするか見ようと計画します。城の一室に、廊下かもしれません、オフィーリアが一人、本を手に腰掛けています。そこに、ハムレットが登場してきます。先に述べましたように、この独白はハムレットが、今の優柔不断な立場を続けて行くことに、懐疑心を抱いていることを表すものとして、訳しました。生死についての哲学的なものと考えすぎると、大学講義みたいになってしまいます。死は、そこから帰ってきた旅人がいない場所だから、恐ろしいのだ、という考えには、同感です。死が本当に一切を終わらせる休息であるなら、思い切って行動に出られるのに、とも言っています。だが、これは本心かどうか。独白とは独り言ですが、映像ドラマではありませんから、ささやいていてはいけません。観客にしっかり届けることは必須です。作者も、観客の耳に快く聞こえるように、書いています。こういうと有名な台詞だけに、じっくり思い入れをして語りたくなるでしょうが、芝居全体の位置づけとしては、粘りすぎず、普通の台詞として語るのが良いと思います。演技の為所は、そのすぐ後に来ます。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.06

• 『ハムレット』　演出について（３）

  ハムレットはこの時二人に、これから自分がどんな奇妙な振る舞いをしても、見て見ぬ振りをするようにも頼みます。ホレーショはともかく、マーセラスにまでそんなことを頼んで良いものかと、気になりますね。この言葉は、これから彼が狂気の振りをするということを示しているわけですが、それは果たして、良いやり方なのでしょうか。日本では織田信長が、若い時分に「うつけ者」の振りをして、周りの有力者の目をくらませたという有名な逸話があります。加賀百万石、前田家の主君も、鼻毛を伸ばして愚か者に見せ、幕府の監視の目をくらませたと言われます。トマス・キッドの『スペインの悲劇』でも、主人公は息子の復讐のため、仇の目をごまかすために狂人の振りをします。そのように、気が狂ったとか、愚かであるように見せて、敵を欺くことはあるでしょう。ですが、ハムレットの場合、どうでしょう。狂った様子を見せると、かえって注意を引き、どうしたのだろうと疑われます。今のところクローディアスは、ハムレットを敵であると考えていない、仇と狙われているとは思っていません。ですから、ハムレットとしては、今まで通りにしていた方が、良いのではないのでしょうか。ですから、この「狂人の振りをする」ということは、どうも理屈が通っていないと思うのです。彼はこの段階で、少し判断力に狂いが出てき始めているのではないか。芝居を面白くする手法、ということで良いのですが、そんなことが考えられるので、わたしは彼に少しばかり、本当の狂気を持たせました。彼が「ふりをしている」という狂気は、オフィーリアを驚かせた、だらしない格好であったり、ポローニアスをからかうときの、「奇妙だがそれなりに理屈が通っている」馬鹿げた会話であったり、そうした「決まり事」「品の良い事」をはずれたものです。一方で、ローゼンクランツとギルデンスターンが自分のことを探りに来たと判断したとき、彼らに乱暴な調子で白状を迫ったり、ガートルードを抑え付けて責める言葉を浴びせかけたり、隠れているポローニアスを刺し殺したり、暴力的な行動を示します。これは明らかに、作為によるものとは思えません。ですから、彼の中で「ふり」の狂気と「実際」の狂気があるように思われます。舞台は、気がおかしくなったハムレットを、周りの人間が心配する場面が続きます。オフィーリアがポローニアスに、ハムレットが奇妙な服装と素振りをみせていると、心配して告げに来ます。ポローニアスは、これはハムレットがオフィーリアに対して恋患いをしたからだと考え、クローディアスに報告に行きます。オフィーリアは、純粋にハムレットのことを心配しています。ポローニアスは、ハムレットがおかしくなったことが、自分たちの一家にどう影響してくるかを心配します。オフィーリアとハムレットを結婚させることになるのか。それとも、王子をたぶらかしたとして、自分たちが処罰されるのか。ガートルードたちもハムレットの様子がおかしいことに気づいています。父親の死がその原因かもしれない、くらいしか見当がつきません。ハムレットの幼なじみだった、ローゼンクランツとギルデンスターンを城に呼んで、彼らに原因を突き止めさせようとします。この二人は、ハムレットの幼なじみですが、城に居る役人や貴族でないことから見ると、土地持ちの郷士のような身分でしょうか。彼らにとって王からの直々の命令を受けることは、出世のチャンスです。おおいに張り切っています。ですがこの二人は個性に乏しく、区別が付きにくい。クローディアスは二人を間違って呼び、ガートルードがすぐそれを訂正するという演出が、これもお約束になっています。ポローニアスがやって来て、ハムレットがおかしくなったのは、オフィーリアにつれない態度をとられたせいだ、恋患いだと主張します。このとき、あくまでもオフィーリアが誘ったのではなく、ハムレットが自分から恋してきたのだと言って、彼がオフィーリアに送った手紙を読み上げます。ガートルードは、なるほどそうかも知れないと思います。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.04

• 『ハムレット』　演出について（２）

  あるいはもしかすると、ハムレットはこれからは母親と二人の、親密な生活をしたかった、それをクローディアスに奪われてしまった、と思っているのかも知れません。ハムレットのガートルードへの思いは、「エディプス・コンプレックス」と同様で、「ハムレット・コンプレックス」と呼ばれて、心理学上の題材になっていますから。この独白に出てくる有名な言葉が、"Frailty, thy name is woman!" で、「あてにならぬもの、その名は女だ！」と訳しました。"frailty" とは、「壊れやすいもの、もろいもの」の意味です。そしてハムレットは、この結婚がやがて国家にとっても悪い事になるだろうと、予測しています。しかしそれを、決して他人にもらすことはできないとも。そこに、彼が唯一心を明かせる親友のホレーショがやって来て、亡霊のことを話します。ハムレットは自分も一緒に城壁に行って、亡霊と話をすることにします。甲冑を着けた姿ということに、争い事や憎しみがほのめかされるようです。彼の心の疑いが、形を取り始めてきました。いよいよ事件が展開し始めます。ここで、フランスに発つレアティーズとポローニアスの対話の場面が入ります。本来はレアティーズがオフィーリアに、ハムレットとあまり馴れ慣れしくしてはいけない、捨てられて悲しい思いをするぞと言っているところに、ポローニアスがやって来て、フランスでの暮らし方、金の使い方や人付き合いの仕方を諭します。なかなかに面白い意見で、ポローニアスが世間のことを知っている、口うるさい父親であることを示します。オフィーリアに対する会話はカットしました。のんきな場面から一転して、木枯らしが吹きすさぶ夜の城壁になります。ハムレットたちが居ます。エルシノアは海に面した城らしいので、波しぶきなど聞かすのが良いでしょう。城の大広間では宴会が開かれて祝砲が撃たれます。その賑やかさと、城壁の寂びた感じが対比されるのですが、この上演では宴会の騒ぎは無視しました。ちょっと気になることがあります。亡霊は歩哨に立った者たちの多くが見ています。話題にしています。ホレーショと一緒に亡霊を見て、ハムレットに知らせようと決めたときの歩哨は、バーナードとマーセラスでした。二人ともハムレットに報告に来ます。しかし、ハムレットが亡霊に会うために城壁に来たときは、ホレーショとマーセラスしかいません。バーナードはどこにいったのでしょう。また、マーセラスはハムレットから、今夜のことは秘密にすると誓わされます。重要なことを知っている人物ですが、この後、芝居から消えてしまいます。どうしたのでしょう。これは、芝居の緊密化を図るためもあるかもしれませんが、他の役を兼ねるための役者の都合と考えるのが妥当だと思います。亡霊が現れます。カットした部分で、ホレーショたちが行く手をさえぎろうとしたのをすり抜けるので、亡霊は彼らと同じ平面を歩いているはずですが、目立つように二重に上げました。観客にも演技者にも、その方が受け止めやすいでしょう。スモークをたくのは、わたしは好きではないので、音響効果で亡霊のイメージを聞かせます。異界から聞こえる亡霊の声は、エコーを聞かすのが定石です。亡霊はハムレットを手招きします。ホレーショたちが止めるのも聞かず、ハムレットは一人で亡霊の後をついてゆきます。もし亡霊が父王ではなく、悪魔の化身だったら、ハムレットの身が危ない。しかしハムレットは、ホレーショに話を聞いたときから、それが父親の亡霊であり、自分に大切なことを告げに来たと信じていたようです。剣を抜いてホレーショたちを威嚇する彼は、すっかり興奮しています。このとき、抜いた剣を十字架の形に持って、亡霊の方に突きつけて進むのが、お約束です。亡霊は自分がハムレットの父親であり、クローディアスに毒殺された様子を語ります。そして、息子であるなら必ず復讐せよと命じます。ただし、ガートルードには歎きを与えるなとも言います。彼女が殺人に関わりないからでしょうか、それとも愛しているからでしょうか。その後に、彼女の心のとげに良心を刺させれば良い、と言っていますので、再婚したことを一つの罪だと考えてはいます。繰り返し、忘れるなと言うのはしつこいです。ハムレットは、他の事は頭からすべて消し去って、これだけを頭のノートに書き留めておく、と言います。ここで本当にノートにメモをする演出を見ましたが、滑稽でした。                                                                               ハムレットを追ってきたホレーショとマーセラスがハムレットを見つけます。ハムレットは二人に、今夜の出来事は決して他言しないように誓わせます。その時、地の底から、「誓え」という声がします。この不思議を驚く彼らに、ハムレットが語ります。「天と地の間にはね、ホレーショ、君の哲学では夢にも思われないようなことが、まだまだあるのだ。世界の関節が、はずれてしまった。おお、呪わしい運命。ぼくはそれを正すために生まれてきたらしい」（続きます）by　神澤和明

  2018.08.03

• 『ハムレット』　演出について（１）

  シアター生駒による『ハムレット』上演は、生駒市の生涯学習事業として取り上げられることになりました。市民を観客対象にした、入場無料の公演です。1日2回の上演で、市の中央公民館大ホールを使います。赤字には助成金が出ます。今回は芝居のテンポアップのためにも二重を使いたかったので装置を組むことにし、大阪の小劇場で活躍されている若い美術家に依頼しました。彼は城の入り口とバルコニーを中心に、装置をプランしてくれました。音響だけでなく照明も今回は利用できるので、プランに入れました。もとの芝居では、エルシノア城壁の暗がりの中で、歩哨の「誰だ！」という、強い誰何の声で始まります。「デンマークの友人」と応えてホレーショが登場し、歩哨たちと亡霊について話し合います。そこに先王の亡霊が登場し、何か話したそうな素振りをして、消えます。ホレーショは、亡霊がハムレットになら話をするかもしれないと考え、彼にこのことを伝えようと決めます。暗闇に陽がさして、空が茜色に染まって行きます。芝居が始まる前のこの国の不安な状況、不吉の前兆、亡霊という超自然現象、陰鬱な気分を取り去る暁の空の光。とてもうまく書かれています。これが、昼間の野外舞台で演じられていたとは思えないです。しかし、今回の上演では、本来の半分以下の長さにしますから、長い冒頭は削りました。この芝居の大きなプロットは「復讐」です。劇中には、３つの復讐が出て来ます。その構造を、観客に始めから、はっきり示そうと考えました。それで、次のようなファーストシーンを作りました。冒頭は真っ暗です。舞台外から「誰だ！」という鋭い声。舞台中央にサス・スポットが落ちます。その光の中に一本の剣。それを取り囲んで、３人の若者が経っています。ハムレット、レアティーズ、フォーティンブラスです。重い反響をもって不気味な声が轟きます。「復讐せよ！　もしお前が父を愛しているなら」。３人に共通した命令です。レアティーズがすぐに、荒々しく剣に手を伸ばします。フォーティンブラスがそれを制止します。そしてハムレットが、戸惑うように剣に近づきます。３人が復讐への意志を持ちながら、それぞれの性格によって行動への向かい方が違うことを、この演技で示します。そして、雷鳴と閃光。一瞬の暗転。ファンファーレととともにパッと明るくなると、エルシノア城の大広間。戴冠したクローディアス、ガートルード、華やかな衣装の貴族たちが入場してきます。レアティーズもポローニアスとともにいます。喪服のハムレットは一人離れて、舞台端の方にいます。このように、芝居を始めました。この場面は説明の場です。クローディアスが先王の妻であったガートルードと再婚して、王位に就いたこと。彼はてきぱきと政治向きのことをこなす人物で、貴族たちは彼を王としてい認めていること。前途有望なレアティーズは、フランスへ修行に行くこと。ハムレットはクローディアスに好意を持っていない上、母親の再婚を強く嫌悪していること。以上のことを、明るい場面の中で観客に伝えます。この場面でクローディアスがハムレットに「わが親類であるハムレット。今からは息子と呼ばせてくれ」というのに対して、ハムレットは傍白、つまり相手に聞こえない声で、"A little more than kin, and less than kind" とつぶやきます。「親類ではあるが、同類ではない」と訳しました。"kin" も "kind" も「同族」を示す言葉です。母の再婚で義理の親子にはなったが、親しみは感じていない、お前と同じだと考えるなと言っています。彼はクローディアスが支配する所にいたくない。その妻となった、自分が慕っていた存在から変わってしまった、母親を受け入れがたい。それでウィッテンベルクの大学へ戻りたいと言いますが、彼を愛する母親から強く懇願されて、城に留まり、息子としての義務を果たすと返事をします。この後の彼の「第一独白」には、彼がここから消えてしまいたい、自殺したいという気持ちが語られます。その大きな理由が母親の再婚であることが、明確に語られます。父親が死んでまだ間が無いと、しつこく繰り返します。語る内に、どんどん再婚までの期間が短くなって行きます。この、早すぎる結婚という言い方にはまた、父が、そして自分も、母に忘れ去られたのではないか、という強い不満が見えます。（続きます）by　神澤和明

  2018.08.02

• 『ハムレット』　その他の人たち。女性。

  女性といっても、主な役では、ガートルードとオフィーリアしか出て来ません。あとは「」並びの腰元」衆。そして、二人とも受け身の行動をとっています。彼女たちについて話すには、男たちとの関係で考える必要があります。ガートルードは、悪意はまったくない人でしょう。ですが、彼女がいなかったら、この芝居の前提となる事件はおこっていなかったかもしれない、と考えます。クローディアスが兄王を殺したとして、それはただ権力への野心からでしょうか。彼は非常にガートルードを愛しています。彼のいくつもの言葉や行動に、それは現れています。とすると、彼女を自分のものにするために、兄を殺したのかもしれません。愛情故の殺人、です。ハムレットに対しては、本来、叔父・甥以上の感情はなかったでしょう。ハムレットの方は、自分の勇敢な父親と比較して、この叔父は武力派ではないようですから、クローディアスを馬鹿にしていたかもしれません。しかしガートルードには、クローディアスの方がより、好みだったかもしれない。でなければ、あまりに再婚が早すぎます。彼女の再婚については、ハムレットの立場を守るために、クローディアスを懐柔すべく、急いで結婚した、と考えることも可能ですが、それほど考えを巡らす女性には見えません。彼女は単純に誰か頼る人が必要だったのでしょう。夫に尽くす妻であり、子どもを愛する母親という、分かりやすい女性像にそって造型されています。彼女がいつもハムレットのことを気遣っていることは、クローディアスの言葉からもわかります。ですから、寝室でハムレットから激しく責められたときは、大変につらかったでしょう。その直後、ハムレットが幻影を見ます（彼女には亡霊の姿は見えないので、そう思われます）。それで彼女は、息子が狂っていると信じます。でも、彼に対する愛情は、決して弱まりません。レアティーズとの試合の場で、クローディアスがハムレットに飲ませようと用意した毒の入った杯を、彼女が飲みます。クローディアスが止めるのですが、飲んでしまう。彼女がクローディアスの企みから息子を救うために、わざと命を捨てたのだと解釈する人がいます。オリヴィエの映画も、その演出でした。しかしこれは、彼女を良い人に見せたいという、強引な解釈でしょう。それまでの彼女に、そういう行動に向かう要素は見えません。そもそも、何も自分で飲まなくても、ハムレットに飲ませない手はいくらもあります。クローディアスに恥をかかせないためなら、こぼしてしまっても良いのです。すべてが慌ただしく終わりに向かう、その中で彼女らしく退場してもらうためには、軽率な行動によって死んでもらうのが良い。そういうことでしょう。オフィーリアは、難しい役ではないと思います。ジュリエットのように行動する女性ではありません。ハムレットをひきたてるための存在です。ただ、素直で純情であってほしい。美人であるとは書いてありません。彼女とハムレットがどこまでの関係にあったか、既に肉体関係があったとか、いろいろ説がありますが、重要ではありません。彼女がハムレットの「恋人」であった、それを周りも認めていた、ということは確かです。ハムレットはちょくちょく彼女の部屋を訪れていたようですし、たくさんの贈り物もしています。レアティースは二人の関係が進みすぎるのを心配していますが、ポローニアスの方は、どんどん進めたいようです。ポローニアスがハムレットに殺されたことで、彼女の気が変になってしまいます。彼女の場合は、狂ってしまったようです。ここからが、この役の演技の為所です。狂ったことで、彼女の精神は自由になります。そしてクローディアスやガートルードに「真実」を告げることができます。このときの彼女は呆けているというよりも、別の世界に居て、いろんな事が見えてしまっている、でもそれを普通に告げることはできない、という風に見えます。花言葉に隠したのは、彼女に理性が残っているからでしょうか。これを、彼女も気は狂っていないと考えることは可能ですが、ちょっと複雑すぎるのでやめましょう。彼女が川で溺れ死ぬのは、それしか無い退場のさせ方ですね。事故か自殺か、はっきりしません。その遺体は後で、ハムレットとレアティーズの間で、一働きします。by　神澤和明

  2018.08.01

• 『ハムレット』　その他の人たち。男性。

  クローディアスは悪役です。しかし、悪人でしょうか。そう思えません。『ハムレット』を題材に、日本の作家も小説を書いていますが、クローディアスに好意的な作家が何人もいます。わたしも,クローディアスが嫌いではありません。彼は兄王を殺していないカノj性だってあります。志賀直哉がその視点から『クローディアスの日記』を書いています。実際、彼の殺人を証明する物的証拠はありません。基礎証拠になるのは、亡霊の言葉ですが、これを聞いたのはハムレットだけです。一緒に亡霊に会いに行ったホレーショたちも聞いていません。「ゴンザゴ殺し」の劇中劇を観てクローディアスがショックを受けたことを、ハムレットは証拠だとしています。しかしあれは、甥が叔父を殺すという筋です。ハムレットの行動をいぶかしく思っているクローディアスは、ハムレットが自分を殺したいがっている暗示と受け取って、恐怖した可能性があります。劇中劇の後、一人で懺悔するクローディアスの言葉に、「兄殺し」が暗示されるところがあります。これも、兄の後を襲って王位に就き、ガートルードさえも奪ってしまったことを、そんな風に言っているのだと考えられなくもありません。有能な弁護士にかかったら、無罪を勝ち取れる可能性はあります。イギリス王に命じたり、レアティーズとの試合にかこつけて、ハムレットを殺そうとしたことは確かです。しかしこれも、自分の身を守るために狂気のハムレットを始末しようとした行為です。ガートルードのことを考えて、秘密裏に遂行したり、事故を装ったりしようとしました。また、レアティーズに、表立たずに復讐を遂げさせる目的もあります。とはいえ、クローディアスが兄殺しでなくなると、ハムレットの立場がなくなりますから、悪役としておきましょう。彼は図太さと優しさを兼ね備えた人物です。統治者としても、有能なようです。ハムレットより「人物」だと思います。ホレーショは観察者です。いつもハムレットの傍らにいます。亡霊と彼を会わせる役割を果たしますが、その後は、直接事件にかかわってゆきません。最後の場面でハムレットが言い遺す通り、ホレーショはこの悲劇を見守り、出来事を後の人に告げ知らせる役割を持ちます。彼はハムレットが大学で作った友人ですが、デンマークにも知人がいるようです。城の歩哨たちと友人で、彼らから亡霊のことで相談されています。ハムレットがイギリスに送られてからも、宮廷に居ます。王子の友人というだけでは、そうはならないでしょう。どういう役職なのかは、わかりませんが、有能な官吏と認められていたと思います。ハムレットと、「古代ローマ人」のような親友づきあいをしていた。だから、彼と一緒に死のうとします。これはどこかに同性愛の香りを感じさせますが、わたしはそこまでは表現しない方が良いと思っています。ポローニアスは面白い老人です。善意の人間か、腹黒いのか、よくわかりません。自分の息子と娘を、とても気に掛けています。先王時代からの重臣で、政治向きのこと、また王の家族内のことがうまく進んで行くように心を配っている、それだけでいっぱいの人かなと思います。ただ、若い自分は芝居もしたことがあるそうですし、レアティーズへの忠告を聞くと、世間の裏表のこともわかっているようです。しかし、いかんせん、耄碌し手来ています。自分の考えに固執して譲りません。余計なことに首を突っ込む癖もあります。レアティーズはまっすぐな性格です。ハムレットと違って、父親の復讐を遂げようと、すぐに実力行使に出ています。民衆の支持もあります。外向きで、健康的な人でしょう。ハムレットとの試合で自分は真剣を使い、それに毒を塗っておこうと言うのはちょっと厭らしいですが、表だってハムレットを殺せない以上、姑息な手も仕方がないでしょう。妹のオフィーリアに対する愛情は、兄の感情を超えています。やや異常です。少女漫画あたりですと、これを面白く（おどろおどろしく？）描きそうです。この兄妹の母親について言及はありません。早くに亡くなったのでしょうか。それで妹を一層、大切にしているのかもしれません。レアティーズには、ハムレットに対するライバル意識が感じられます。優秀な貴族の若者ですから、もっともです。クローディアスとポローニアスには、彼にデンマーク王位を継がせる計画があった、と考えている人もいます。by　神澤和明

  2018.07.31

• 『ハムレット』　ハムレット個人についての続きです。

  ハムレットの中に、正気と狂気が同居しています。おとなと子どもが一緒にいます。疑い深さと信じやすさが同時にあります。行動をためらう優柔不断さと、怒りにまかせて無茶をしてしまう乱暴さがあります。上品さと俗悪さを兼ね備えています。時に傲慢で、時に卑屈です。そうしたぶつかり合う性格が始終、姿を現します。彼は自分の死後、デンマークの王位をフォーティンブラスが継ぐだろうと言い遺します。本人に会ったことはない、その軍隊の行進に出くわしただけですが、彼の指導者としてまっすぐに行動することに、感動したようです。人の純粋さに敏感なのでしょう。ハムレットは皮肉な人です。そして敵と味方をはっきりと分けてしまう。大学での学友、ホレーショには、すべての秘密を打ち明けます。しかし、幼なじみであっても、敵側についたと判断すると、死なせることも平気です。クローディアスの手紙をイギリス王に届けたローゼンクランツとギルデンスターンは、ハムレットが内容を書き換えたために首を斬られます。別に殺さなくても、牢屋に閉じこめるように書き換えても良かったのに。ハムレットはポローニアスを刺し殺しました。彼は、その瞬間は驚きます。少し悔やんだかもしれません。しかし彼の口を出たのは、立ち聞きしていたポローニアスへの非難だけで、彼自身の後悔は聞かれません。彼はガートルードの寝室で彼女を責めたときと、墓場でオフィーリアの埋葬が行われるときに、我を忘れたような激しい言動をします。なのに、仇と信じるクローディアスが一人きりで祈っていて、まさに復讐の絶好の機会に巡り会いながら、引き抜いた短剣を留めて、理屈をつけて彼を見逃します。芝居を長引かせる技法かもしれませんが、奇妙です。で、その埋め合わせのように、その直後に、仇でもないポローニアスを殺すわけです。彼の行動原理がわかりません。彼は自分の復讐計画が人に知られないように、気が狂ったふりをすると言います。そしていろいろと変な言動を行ってゆきます。これは本当に、気が狂ったふり、なのでしょうか。昔から、気が狂った人の真似をしていると、本当に気が狂うと言われます。「狂う」というのは、何かあることに考えが集中してしまい、他のことが頭から飛んでしまい、正しい判断ができなくなることです。ハムレットは既に「狂っている」のではないでしょうか。自分を正しく制御できなくなっているようです。彼が言う、狂っているとき、彼は賑やかで陽気に振る舞います。彼が、自分は正気だというときは、陰気で憂鬱気味です。でなければ、乱暴です。狂気の彼には、会話をはぐらかされますが、まだつきあいやすいかも。沈思黙考型のハムレット、行動型のハムレット、道化たハムレット、まじめなハムレット、マザコンのハムレット、子どもっぽいハムレット、様々なハムレットがいます。10代の若い演技者が演じることも、60代になる俳優が演じることもありました。サラ・ベルナールのような女優が演じることもあります。女優も演じたい役なのです。しかし彼の本質は、行動以上に、彼の語る言葉に表れてきます。しっかり台詞を語らなければ、ハムレットという人物は生きてきません。わたしにとって最良のハムレットは、レコードでしか聞いたことがありませんが、ジョン・ギールガッドです。声の色の深さと気品は比類がありません。ピーター・オトゥールが演じたという舞台のハムレットを観たかったです。素晴らしい狂気が見られたはずです。by　神澤和明

  2018.07.30

• 『ハムレット』　登場人物について。ハムレット。

  『ハムレット』という芝居の最大の魅力は、主人公の人物像です。彼は古今の演劇において、最も捉えがたい人間です。ともかく、一人の中に多くの人間が生きている、という感じがします。しかも、しばしば矛盾しあう性格が見えます。ですから、演じる役者がどの要素を強調してゆくかによって、いくらでも別の人物像が描き出せます。だから誰もが自分のハムレットを演じられるます。それでいて、どれも共通するものを感じる、一人の人物になってゆく。時々、ハムレットという人間はいるのだろうか、幻の存在なのではないかと思ったりもします。複数の人間で一人のハムレットを演じるという演出もできるでしょう。ハムレットの年齢は不詳です。墓場で墓堀りが、宮廷道化だったヨリックの髑髏を掘り出して、これはここに30年埋まっていた、と言います。それを受けてハムレットは、このヨリックにおんぶしてもらったと思い出を語ります。この言葉だけから、ハムレットは30歳以上だ、という説が出て来ます。ガートルードの年齢と、何歳でハムレットを生んだかはわかりませんが、もし彼女が20歳前でハムレットを産んで、50歳でクローディアスと再婚したとすれば、ハムレットは30歳くらいになります。逆に言えば、ハムレットが30代なら、ガートルードは結構、年を取っているはずです。しかし、芝居からは、そんな感じはしきません。ひょっとするとガートルードはハムレットの義母という可能性があるかもしれません。ガートルードが、ハムレットを自分のおなかを痛めて産んだ、と言ったことはなかったと思います。それなら彼女はかなり若くなれます。もしガートルードが先王ハムレットの後妻であるなら、ハムレットが彼女に対して「異常な愛情」をもつのも不思議はありません。世間のイメージでは、ハムレットは若者です。ウィッテンベルクの大学で学んでいる大学生です。今の大学生の年齢とは違うでしょうが、それでも20代の感じがします。先王の一人息子なのに、まだ結婚もしていない、許嫁もいません。不思議に思うのですが、皇太子にもなっていません。普通なら王が死ねば、その息子が王位を継ぎ、王に弟がいるのなら、その人は摂政となって若い王を補佐するものでしょう。父王がハムレットを皇太子にしていたなら、そうなったはずです。王位を継ぐ者が正式に定められていなかったから、王弟のクローディアスが、兄王の未亡人を自分の妻として、王位を継承したのです。先の支配者の妻を自分の妻にして、その権力を引き継ぐということは、よく見られます。王となったクローディアスは、当然のようにハムレットを皇太子に指名しています。なぜ、父王はしなかったのでしょうか。ハムレットがまだ若すぎたのか。この可能性はあります。ハムレットが王となるにはふさわしくない、と判断したのか。確かに性格に問題点はありますが、頭は良いし、国民にも愛されているようですから、これは違うでしょう。ハムレットの言葉や行動を見ていますと、大人の落ち着きよりも、若者の繊細さ、危うさを感じることが多いです。やはりハムレットは二十代の若者と考えたいです。ハムレットは、オフィーリアの言葉によれば、世間の鑑となる若者です。二枚目と考えて良いでしょう。ヘラクレスとは似ても似つかぬ、と自分で言っていますから、マッチョではない。レアティーズとの剣術試合のとき、ガートルードが、あの子は "fat" だと言っています。この一言のせいで、ハムレットは太っていたという説が言われました。それに対してはかなり以前から、"fat" は脂肪質、脂性ということで、「汗っかき」の意味だと結論が出されています。太っている必要はない。もちろん、太めの名優が演じてくれても良いのですが、その例はほとんどないです。ハムレットを初演したリチャード・バーベッジは、シェイクスピア劇の他の主人公たち、たとえばオセローなども演じたでしょうから、やせこけた貧弱な体格ではなかったはずです。しっかりした体つきの美丈夫だったと、わたしは推測しています。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.28

• 『ハムレット』　この芝居の構造について。

  『ハムレット』はプロットとしては、典型的な「復讐劇」です。この作品には『原ハムレット』"Ur-Hamlet" と呼ばれる先行作があることがよく知られています。その作者と推測されるトマス・キッドには、他に『スペインの悲劇』という作品があります。この作では、亡霊が出て来て復讐を要求したり、主人公が敵から怪しまれないため狂気を装うといった、『ハムレット』に共通するモチーフが使われています。ですが、そうした「復讐劇」では、どのように復讐がなされるのかという、主人公の行動が芝居の主眼となってくるのですが、『ハムレット』の場合、主人公がとる行動だけでなく、彼の心理の動きが芝居の中心的興味になっています。そこがいわゆる「復讐劇」と違うところです。この作品には３つの「復讐」があります。いずれも息子が父の復讐をします。ハムレットとレアティーズ、そしてフォーティンブラスによる復讐です。ハムレットの復讐相手はクローディアス、レアティーズの復讐相手はハムレット、そしてフォーティンブラスの復讐相手は先王ハムレットです。相手はそれぞれに違うのですが、最後の場面ですべてが決着をつけられます。フォーティンブラスの場合は、デンマークの王位を継承することで、亡父の復讐を遂げたと考えて良いでしょう。またこの芝居は「家庭悲劇」と見ることもできます。主人公の父親を殺したのは、彼の叔父に当たる人物であり、今は彼の母親と結婚して義理の父親になっています。ハムレットは死んだ父への義務のために、義理の父親を殺さねばなりません。そして愛する母親が、仇である人物と再婚したために、彼女の罪を告発し苦しめることになります。これは、ひとつの家族における悲劇といえましょう。『ハムレット』を哲学的な芝居と決めつけてしまうと、家庭悲劇と考えることは、この芝居を小さくしてしまう、と否定する方もいらっしゃるでしょうが、一つの見方として考えられるわけです。実際、この芝居の設定を現代の一家族に置き換えてみれば、母親の再婚によって引きこもりとDVに陥ってしまった若者の芝居にみえるかもしれません。『ハムレット』が広く観客の興味を呼ぶのは、『オセロー』や『リア王』よりもずっとわたしたちの生活に近いと、感じさせるからかもしれません。もっとも、こんな人物たちがわたしたちの周辺に居ると、ちょっと大変ですが。この芝居には劇中劇が組み込まれています。ハムレットが亡霊から聞かされた、父親暗殺の行為が本当なのかどうか、芝居にして見せて、犯人のクローディアスの反応を見ようという意図で行われます。「劇中劇」という技法は、当時はそんなに珍しいものではありません。『じゃじゃ馬馴らし』では、芝居の中心部がすっかり、劇中劇ということになっています。ですから、「メタシアター」と呼ばれる演劇の捉え方は、実際は古来から（おそらくギリシア悲劇のころから）ずっとあったものだとわたしは思っています。脇にそれますが、「メタシアター」、演劇についての演劇、というのは、なんとなくわかりにくい概念ですね。抽象的な言葉によってものの本質を理解したような気になる、だけのようにも感じます。演劇が現実を飲み込む、ということでしょうか。虚構と現実の関係というのは難しいテーマです。とくに小説や演劇は、本来が現実を描くものであっただけに、いかにファンタジックなものであっても、現実と離れたところに存在できないわけです。これについては、そのうちにしっかり考えることにします。by　神澤和明

  2018.07.27

• 『ハムレット』　わたしの翻訳台本について。

  『ハムレット』の翻訳台本を作成するにあたり、これまでに「第一フォリオ」版は読んでいましたので、まずそれを基に訳してゆきました。ともかく、『ハムレット』は翻訳が多いです。参考にできてありがたい代わりに、それらと少しでも違いを出したいと思いますから、厄介です。一番の問題になるのが、あまりにも有名な第３幕第１場の「第三独白」です。これは言葉の問題だけですみませんから。"To be, or not to be：That is the question." さて、これをどう訳しましょう。この台詞の日本最初の翻訳として知られているのが、明治期に横浜で駐留している外国人向けに出されていた新聞「ザ・ジャパン・パンチ」（『パンチ』誌という名称からして、風刺精神が盛られた新聞のようです）に掲載された、「アリマス、アリマセン、アレハナンデスカ」というものです。なるほど、間違ってはいませんわたしが最も優れていると考えている坪内逍遥訳では、「世に在る、世に在らぬ、それが疑問じゃ」となっています。歌舞伎調です。これも信頼している福田恒存訳では「生か死か、それが疑問だ」と、とても簡潔で、力強さを感じます。岩波文庫では、古い市河三喜・松浦嘉一訳では「生きるか、死ぬるか、それが問題なのだ」新しい野島秀勝訳では「生きるか、死ぬか、それが問題だ」とあります。最近の優れた翻訳者、松岡和子は「生きてとどまるか、消えてなくなるか、それが問題だ」としています。これらのすべてに共通するのは、"to be" を「生きる」、"not to be" を「死ぬ（生きない）」と理解していることです。"be" は「存在する」を表す動詞ですから、「（この世に）存在している、生きている」と考えるのは妥当です。またこの言葉の後に "To die, to sleep: No more" という台詞が出てきます。「死ぬ。それは結局、眠ること。それだけだ」ということです。死ぬという言葉が出てきますから、やはりここで彼は、「生死」について考えをめぐらせているのではないか。彼を「哲学的な憂愁の貴公子」とする見方が、支えられることになってきます。そのイメージが好まれるからか、日本では昔からこの台詞を、「生きるべきか、死すべきか、それが問題だ」と言い習わしてきました。この訳は実際にはどの翻訳本にも載っていないと、手柄顔して最近、自分の訳に使って出版した方がいらっしゃいますが、あれだけ流布している言い回しを自分の手柄にするのは、はしたないですね。それに、出版されていないだけで、舞台やTVドラマなどで使われていたかもしれません。つまり言いたいことは、この台詞の "to be" を「生きる」と理解するのが定着していたということです。しかし、70年代のシェイクスピア劇上演に大きな影響を与えた小田島雄志訳は、「このままでいいのか、いけないのか、それが問題だ」としました。この訳は、"to be" を「この世にいる＝生きる」ことではなく、「現在の状況に居る」という意味にとらえたものだ、と解釈することです。復讐を誓いながら、行動に出ることができていない。怒りを抱いているはずなのに、その感情に率直に流されて行かない。そういう自分に対する疑問、叱責と考えることができます。これは新しい解釈です。これによって、ハムレットは行動に向かおうとしている人間になってきます。この言葉に続く部分も、「怒り狂う運命がおれに浴びせかけている、矢玉の嵐を堪え忍んでゆくか、それとも武器をとって、押し寄せる困難の海に立ち向かって決着をつけるか」と、「行動」をほのめかす言葉になっています。わたしは大体において、小田島訳シェイクスピアには懐疑的なのですが、この翻訳には、なるほどと思いました。それでわたしの訳では、「今のままでいるか、いないか。それが難しいところだ」としました。これ以外にも、人の口になじんだ多くの名文句があります。それらは、これまで多く出版されている翻訳を参考に、口に出しやすい言葉になるように訳しました。翻訳を上演台本に改める際には、およそ４割の長さになるまで刈り込みました。by　神澤和明

  2018.07.26

• 『ハムレット』　当時の『ハムレット』脚本に関することがら。

  『ハムレット』は初演から、大変に好評を得たようです。厳密な年代は確定できませんが、初演から１、２年経った1602年に出版登録がされています。今と違って、簡単に本が出版できる時代ではありません。正式に本を出すには、出版登録が行われる必要があります。実際には1603年に、海賊版として「第一クォート」が出版されています。「クォート」というのは「4つ折り版」という意味で、紙を4つ折りにした大きさの、小型本のことです。その１、２年後に、正式な版として「第二クォート」が、劇団の認可を受けて発行されています。「第一クォート」の本文は２千行ほどの長さしかありませんが、「第二クォート」は３千８百行ほどで、ほぼ倍の長さがあります。「第一」は客席で聞き取ったか、出演していた役者たちの記憶を重ねて書かれたのではないか、と考えられています。それに対して「第二」は、劇団が所有している台本を基にして作られたものと考えられます。従って「第一」は抜け落ちが多いために「バッド・クォート」、「第二」は完全版として「グッド・クォート」と呼ばれます。現在、シェイクスピア作品の底本は、彼の死後に発行された全集版の「第一フォリオ」（フォリオとは「二つ折り版」という意味でクォートよりも大きい）ですが、有名なシェイクスピア研究家のドーヴァー・ウィルソンは「第二クォート」の方を定本としています。ですが、最近は「第一クォート」の価値が見直されてきています。当時、ロンドンではしばしば、ペストなどの疫病が流行すると劇場が閉鎖されるために、劇団が地方公演を行うこともしばしばでした。そんなときは、劇団員の数を減らすので、登場人物の数が減ったり、複数の役を兼ねやすいようにします。また上演場所が劇場ではありませんし、移動の便を図り、上演時間を短くしたりすることは、当然に考えられます。「第一クォート」はそのようなために作られた、巡演用の台本ではないかとも、考えられるのです。大体、現行の『ハムレット』は長すぎます。英語で上演しても４時間を超えますから、日本語に翻訳すれば上演時間は６時間以上になるでしょう。ストラットフォード・アポン・エイヴォンの劇場でRSCが上演するときは完全版ですが、他はたいていカットして上演しています。一度、ロンドンで完全上演を観ましたが、さほど感銘が深まるとも思いませんでした。ちなみに、近年にケネス・ブラナーが監督・主演した映画版『ハムレット』は、ほぼ完全版です。しかし、ローレンス・オリヴィエが1948年に監督・主演した2時間半の『ハムレット』より優れている、とは言えません。『ハムレット』は、確かに優れた文学です。そして多くの名優や演出家たちが、一層、優れた劇作品にしてきました。劇界だけではなく、小説家、音楽家、美術家、大学の研究者たちによってもさまざまに考察・研究され、この作品をより深い、より多彩なものにしてきています。『ハムレット』は、いくつもの優れた「スピンオフ」を生み出しています。その第一は、トム・ストッパードによって書かれた不条理劇の『ローゼンクランツとギルデンスターンは死んだ』だと思います。日本でもテアトロ・エコーで上演したかと思います。『ハムレット』の端役である彼らを主人公にした、非常に興味深い作品です。娯楽性も高く、映画化がされています。コラージュ作品としては、かつてマロヴィッツの『ハムレット・ナウ』が世界的に話題になりました。日本では俳優座が上演しました。原作を切り取り、自由に貼り合わせ、道化が狂言回しのような仕事をします。ハイナー・ミュラーの『ハムレットマシーン』も重要な作品です。ここで述べることはしませんが、こうした作品には、その作家が現在いる社会、上演が行われる時や場所に関わる歴史的状況が強く投影されて、『ハムレット』という芝居が別の意味をもつことになります。ちなみに、太宰治は戯曲も幾つか書いていますが、彼に『新ハムレット』という戯曲があります。ちょっと皮肉で面白いです。映画化は何度もされています。変わり種で、大川橋蔵主演の東映時代劇『炎の城』というのも見ました。オペラやロックミュージカルにも、何度かなっています。日本では文楽や宝塚（真帆しぶき主演だったかな）でも上演されています。by　神澤和明

  2018.07.25

• 『ハムレット』　ウィリアム・シェイクスピアさん。

  ここでちょっと、おつきあいの長い、作者自身のことを書いてみます。シェイクスピアは1564年４月23日に生まれ、1616年４月23日に亡くなったとされています。日付は厳密なものではありません。当時の洗礼記録は出産後、何日かして出す習慣でした。４月23日出生というのは、そのあたりということです。死亡日は埋葬記録などからほぼ確かなので、それにあわせたようです。彼はイングランド中部、ウォリックシャーの小さな都市、ストラットフォード・アポン・エイヴォンに生まれました。田舎ではありますが、エイヴォン川が流れる美しい土地です。当時は、かなり栄えていました。今もそびえ立つ城と、川岸にあるトリニティ教会が、昔のこの町の繁栄をうかがわせます。父親は町の有力者だったのですが、仕事に失敗して、われらが作家はあまり裕福でなく成長してきたらしいです。学歴も、義務教育に近い、地区の文法学校にしか通っていません。ここで、ラテン語文学に触れています。彼は結婚した後、単身でロンドンに出て、始めは詩人になることを目指しました。結局は、劇作家として大成功し、多くの作品を発表したあと、50歳前に劇界を引退、故郷に戻って悠々自適の生活をしていたようです。彼の結婚について奇妙なことに、アン・ウェイトレーとの結婚許可証と、アン・ハサウェイとの結婚保証人連署の、二種類の資料があります。ともにアンですが、実際に結婚したのは8歳年上の女性、アン・ハサウェイです。このことで、いろいろ面白い憶測がされていますが、それは専門書でお読み下さい。妻のアン・ハサウェイとの仲が良かったのか悪かったのか、これも話題にされています。妻子を置いて長くロンドン生活をしていたこと、遺言書に彼女に遺すものとして「二番目に上等なベッド」と記していること、また自分の墓を「動かすことを禁じる」としたのは妻の遺体が一緒に葬られることを避けたため、とかいろいろと、不仲説が論じられます。しかし、離婚もしていませんし、二人の間には結婚後半年ほどで生まれた女の子・スザンナだけでなく、双子のハムネットとジューディスが生まれています。引退後は故郷に戻っていることですし、シェイクスピア夫妻が不仲であったとは言えないんじゃないか、と思います。妻のアンは、夫の死後7年間、生きていました。彼の作品には、夫が妻を殺す『オセロー』と、娘が父を厄介者扱いする『リア王』（いずれも原作でそうなっています）の他には、夫と妻が真に憎み合っているとか、親が子どもを虐待するといった話は出て来ません。むしろ晩年期のロマンス劇にみるように、夫と妻、父と子どもは理解し合い、許し合うというモチーフが繰り返されます。長女のスザンナが結婚して子どもが生まれ、シェイクスピアが「おじいちゃん」になった頃からロマンス劇が書き始められることに、彼の気持ちが見えるかもしれません。ロンドンで、彼は "Gentle Shakespeare" 「気の良いシェイクスピア」と呼ばれていました。劇団内で大事にされ、親しまれていたようです。共同株主であり、座付き作者でした。彼の死後に全集版を出版したのは劇団仲間の役者たちです。ベン・ジョンソンのような後輩の作家を引き上げたり、若い劇作家と共作もしています。彼が他の人物を悪く言ったという記録はありません。まあ、この時代の人々の記録はほとんどありませんが。彼は酒好きで、冗談、特にだじゃれが大好きで、人に親切で、機嫌をとるのが上手だった人物のように思います。楽しくつきあえる人だったに違いありません。また、高学歴の「大学出の才子」らが活躍した時代に、高度な教育を受けなかった田舎出身の彼が、あれだけ内容の深い作品を書けたのは、絶えず自分で努力を続け、有能な先輩たちに教えを乞うて勉強したのだろうと推測します。まじめな人物だったはずです。『ハムレット』が書かれた頃は、シェイクスピアのまわりも少し深刻になっていたようです。この芝居は1600年頃に書かれたようですが、彼の長男のハムネットが、４年前に11歳で死んでいます。社会的には、エリザベス女王の寵愛を一身に受けていたエセックス伯が、反逆者として処刑され、国中が混乱していました。この優美な貴公子、エセックス伯はハムレットの造型に影響を与えた、と言われています。シェイクスピアの所属した劇団が劇場を新築し、多額の借金を返済する必要もありました。そんな落ち着かない気分が、もしかしたら『ハムレット』という悲劇に影を落としているかもしれません。by　神澤和明

  2018.07.24

• 『ハムレット』　市民劇団「シアター生駒」からの依頼。

  大和高田市民劇団「さざんか」でシェイクスピア劇を５本演出して、これで打ち止めだと思っていました。ところが、生駒の市民劇団「シアター生駒」から、シェイクスピア劇を上演したいと話がありました。別の機会に書くつもりでいますが、「シアター生駒」はわたしが、劇団「大阪」の熊本一さんたち、生駒市在住の劇団員と一緒になって結成した劇団です。劇団の旗揚げ公演（『二十二夜待ち』『彦市ばなし』）は、わたしが演出しました。そして第３回公演の『ブンナよ、木からおりてこい』を演出した後、劇団を離れました。離れた理由を簡単に言いますと、外から来て協力してくれたスタッフを、劇団が打ち上げに呼ばなかったからです。生駒市在住の内輪の人間だけで固まろうという姿勢を感じました。それで、劇壇には理由は言わず、ともかく距離をあけることにしました。「さざんか」でシェイクスピア劇の演出をしていましたし、大学や劇団養成所での指導、狂言の舞台出演などもあったので、所属劇団がなくても平気でした。ですが、「さざんか」での連続公演が終わったところで、まだもう少し、かっちりしたシェイクスピア劇を自分が住んでいる地域で上演したい、という気持ちが湧いてきました。その時に「シアター生駒」から、「さざんか」でやったようなシェイクスピア劇の演出をしてくれるかと、打診されました。わたしは「来る者拒まず、去る者追わず」で、求められれば、基本的にどこででも仕事をします。断るのは、自分よりも効果的な仕事が出来る人がいると判断した時で、そちらに話を回します。考えが合わない、と思って離れても、また求められるのであれば、気にせずに戻って仕事をします。このときも同じです。「シアター生駒」のスタッフと話し合いをもちました。どの演目をやりたいか、劇団の力でそれができるか。そして、やると決めたら、どういう手を打てば良いのか。わたしとしては、更にシェイクスピア劇を演出できるのであれば、作品は決まっていました。演出家なら誰もが強い興味をもつ、『ハムレット』です。そしてこの企画に、劇団としても大いに乗り気になりました。シアター生駒の母体の一つである、劇団「大阪」でもシェイクスピア劇に興味をもつ人はいますが、まずレパートリーにならない、上演できません。その点で、こちらには市民劇団の自由さがあります。翻訳台本は、下書き段階で用意してありました。同時に演出も大体、考えてあります。問題は出演者です。はっきり言って、役をふってゆくには、劇団員の数が足りません。毎度のことですが、若い劇団員が少ない。女性は数がいますが、男性は不足しています。伝手をたどって、奈良県にある劇団の人たちに、声をかけてもらいました。また、一般参加者を募集することしました。上演は少し先の時期に設定してありますので、演劇経験がほとんどない一般参加者については、演技の勉強のためのワークショップをします。成井豊の『広くてすてきな宇宙じゃないか』を三ヶ月ほど稽古し、生駒市にあるコミュニティセンターの小ホールで、研究発表しました。わたしは小劇場系のエンタメ芝居はやったことがないのですが、この舞台は、それなりにうまくやれたと思っています。準備を進めている内に、奈良県で芝居をしている若い男性も何人か出演してくれることになり、なんとか『ハムレット』の稽古にかかれる態勢が整ってきました。by　神澤和明

  2018.07.23

• アマチュア劇団で演じられるシェイクスピア劇は（続）

  「喜劇」は、演技力が不十分でも上演できる作品が多いと思います。『真夏の夜の夢』は初心者向きです。『十二夜』『お気に召すまま』は楽しい気分を大切にして、主役の女性が居ればできます。『ヴェニスの商人』は民族差別の問題をクリアして、シャイロック役がみつかれば、難しくはないでしょう。『じゃじゃ馬馴らし』は難しいと思っています。主役の二人は演技力と人間力が必要です。プロ劇団が演じるべき芝居だと思います。『間違いの喜劇』はテンポ良く運べば面白い、イタリア風ファルスです。『恋の骨折り損』『ウィンザーの陽気な女房たち』もファルスですが、優れた作品とはいえません。「問題劇」と呼ばれるジャンルがあります。作者晩年期の「ロマンス」ものと同じく、喜劇と悲劇の間の気分をもつ芝居です。『以尺報尺』『終わり良ければすべて良し』のように、内容的にすっきりしなかったり、『トロイラスとクレシダ』のように、話が途中でおかしくなってしまったりします。登場人物の魅力も乏しく、アマチュア劇団には勧められません。ただし、『空騒ぎ』はプロットも登場人物も台詞も、なかなか面白い作品です。ですが、中心にある主人公の男女の「機知」に富んだ台詞のやりとりの面白さが、日本語訳と日本人役者では、とても出せないのです。それを承知で上演するのは、かまいません。わたしも、これは演出したいと準備している作品です。「ロマンス」はまさに「悲喜劇」で、悲劇で始まり喜劇（気分）で終わる芝居です。共通して「許し」と「世代の交代」がテーマになっています。『シンベリーン』『ペリクリーズ』と悲劇式に主人公の名前がタイトルになっているものと、『冬物語』『テンペスト』と、喜劇式のタイトルのものとがあります。『シンベリーン』『ペリクリーズ』は筋が波瀾万丈すぎますし、大がかりになります。そして苦労するほどには報われない上演になります。『冬物語』は、プロットは理屈にあわないのですが、厳かな気分と、素敵な場面があって、面白い芝居です。ちなみに、『ハリー・ポッター』に出てくるハーマイオニーという名前は、この芝居の重要な女性（ほぼヒロイン）からとったのではないかと思います。『テンペスト』は魔法が芝居全体を包み込み、登場人物にも空気の精や半獣の野生児が登場します。この連中のキャラクターが魅力的です。また、始終音楽が流れる上、劇中に「マスク（仮面劇）」というレビュー場面もあります。音楽劇として上演すると、受けるに違いありません。ですから、これらの作品なら、アマチュア劇団でも上演できるかなと考えます。できれば、挑戦してほしいです。この二作品は上演台本を作っています。『テンペスト』はわたしが最も愛するシェイクスピア作品で、是非上演したいと思い続けています。整理しますと、アマチュア劇団で取り組みむのに適切なシェイクスピア劇は、喜劇で『真夏の夜の夢』『十二夜』『お気に召すまま』『ヴェニスの商人』『間違いの喜劇』、悲劇で『マクベス』『ハムレット』『ロミオとジュリエット』というところでしょうか。わたしのように原作を縮めて台本を作られる場合は、演技者はもとの長いままの作品を、必ず読んでおくことが大切です。縮めた台本では、人物たちの描き方が不十分になりがちなので、人物造型のためには、もとの作品で理解しておくことを薦めます。そのうえで、演出者の意図を受け入れてください。by　神澤和明追記：「演出ノート」は8月13日までにしました。その後、芸術論、音楽劇について書くつもりです。

  2018.07.22

• アマチュア劇団で演じられるシェイクスピア劇は。

  アマチュア劇団（市民劇団）でシェイクスピア劇を６本、演出してきました。シェイクスピアというと難しい、上演が大変、と考える人が多くいます。でも、良い芝居、面白い芝居ですから、もっと多くの、芝居好きな人たちに上演してほしいです。彼の劇作品は今のところ37本あります（部分的に書いたものを入れるともっと増えてきます）が、全部が名作ではありません。まあ、3分の2くらいが優れた作と言えるでしょう。すぐれた翻訳家・演出家・劇作家で、日本のシェイクスピア劇上演に一つのエポックを作られた福田恒存氏は、自分が良いと思う作品しか訳さない、という方針をとられていました。ですから、訳されたのは半分足らずでしょうか。おこがましいですが、わたしの場合は、上演した6本の他に、更に12作品を訳して台本を準備しています。あと4本ほど興味のある作品があります。が、自分で演出したいと思うのはそこまでです。アマチュア劇団で上演するとしたら、どのような作品が適切でしょうか。わたしの考えを書いてみます。「歴史劇」に含まれるものは、適さないでしょう。自治体主催の市民参加イベントとか、複数劇団の合同公演というのでなければ、上演は困難です。戦争の場面が半分以上あるので、人数が必要だからです。シェイクスピアの時代なら、軍旗をもった人物が一人で全軍を表す演出ができたと思います。それなら大軍の行進も、合戦の場面も、２、３人で表現できます。わたしも上演するなら、そんな演出をしたいと思います。しかし、映像でモブによる戦闘場面を見慣れて想像力が小さくなった観客、特に象徴的な演劇表現に慣れない市民劇団の観客には、受け入れられにくいと思われます。また、シェイクスピアの歴史劇は、イギリスの歴史を知らないと、内容がどうしても分かりにくいでしょう。私たちが「関ヶ原」と聞けば思い浮かぶイメージが、英国人にわからないのと同様です。これは仕方ありません。とはいえ、『リチャード三世』は演出したい、と思っています。同様に歴史が知られていないので、「ローマ物」も上演しにくいでしょう。『ジュリアス・シーザー』などは、最も重要なアントニーの演説の場面を、立派に語る演技者、それを聞いていられる観客が、アマチュアでは求めがたいと思います。「悲劇」の場合は。たとえば「四大悲劇」でいえば、わたしは『マクベス』と『ハムレット』を上演しました。これらの作品は案外と、主役を演じる役者を選びません。舞台上での出来事が多く、プロットが芝居を運んでくれます。もちろん、役者がうまいに超したことはありませんが、アマチュアの演技者たちでも演じられます。しかし、『オセロー』と『リア王』はアマチュアでは無理です。オセロー役とイアーゴオ役は、その役のイメージにあう役者でなくてはならないし、演技力も格段に必要です。オセローは偉大な英雄的人物が、嫉妬という極めて人間的な小さな欠点のために破滅するということを、観客に納得させなければなりません。イアーゴオは、同じ表情で善人と悪魔を表現仕分けられる技術がほしいです。リア王の場合は、リアの心の中に運命との闘い、人間存在の虚偽への怒りが見えなくてはなりません。これはよほどの演技経験、人間経験がなければ無理です。この二つの作品では、そうしたことがクリアできないと、ただの「嫉妬で妻を殺す夫」「娘に裏切られて狂った老人」の芝居に堕してしまいます。わたしの演出した『ロミオとジュリエット』などは、アマチュアに向くと思います。by　神澤和明

  2018.07.21

• 『ロミオとジュリエット』　上演の後のことです。

  それなりに成果を上げた公演だったと自負します。ですが、劇団さざんかでのシェイクスピア上演は、もうできないだろうと思いました。やはり、市民劇団でこうした作品を上演することは、劇団にとって負担が大きいです。市からの援助がないと、財政的なことだけでなく、稽古場の確保などの点でもなにかと不自由が出て来ます。劇団員にも、疲れとともに、ひとつの達成感がうかがえ、次の作品への意欲が薄れているのが感じられました。観客となる市民の人たちには、芝居を観たいという文化的欲求が、まだまだ根付いていないことが感じられました。市民と市民劇団の、意識の乖離というところです。わたしが一番、不満を抱いたのは、稽古の集まりの悪さです。劇団員にもそれぞれ都合がありますから、仕方ないと思いはしますが、とても困りました。自分たちでやりたいと言ってきた企画で、そのために新しい人たちも募集しました。そしてみんなの都合を聞いた上で、劇団主体で稽古日程を決めました。それなのに、皆勤は演出家であるわたしだけで、必ず何名か欠席者がいました。前もって連絡があれば予定を組めますが、急に来れないと連絡が入ったり、無断で休んだりする。遊びで芝居をしているならともかく、作品を作り上げて行こうとしているのに、これでは進みません。結局、参加者の意識の問題があるのです。安直に出来る範囲ですませて構わないという意識ではいけない、高めて行こうという意識を全員が持っていなければ、ちゃんとした舞台は作れません。シェイクスピア劇は、全員が真剣に取り組む価値のある作品です。わたしは、そういうところでいい加減にされると、我慢ができなくなるのです。また、これも意識の問題ですが、演出家の存在が理解されていませんでした。先生というとらえ方、わからないことがあれば教えてくれる人、という意識でいる人たちが、割合といたようです。たとえば、一回目の本番の後でわかったのですが、舞踏会の場面でジュリエットが手袋をしていました。後のバルコニー場面で手袋という言葉が出てくるので、それではめていたらしいです。工夫をするのは良いですが、わたしに相談なくそれをしたことが問題です。稽古のあいだ、手袋のことなどわたしは指示しませんでした。舞踏会でロミオはジュリエットの手に口づけします。それが手袋の上からだったら、おかしいでしょう。演技者の未熟な判断だったわけですが、何か自分が思いついたとき、自分勝手にそれをせずに、全体を統括する演出者に必ず確認する、そういうことが思いつかなかったのです。これは別の劇団でも経験して、非常に腹立たしく思いました。年度が変われば、劇団員の入れ替わりもあります。シェイクスピア劇連続上演を終わるということにして、劇団さざんかの指導も終わりにしました。自分たちの楽しみを主に芝居というものをしてゆくのなら、わたしが指導する必要はなくなりますから。そのへんでわたしはかなりドライ、というか、薄情なのです。これでシェイクスピアを演出することはないだろうと思いました。しかしそれから、またシェイクスピア劇を演出する依頼がありました。今度こそ最後になるかと思いましたので、誰もが演出したいと思う作品と取り組むことにしました。『ハムレット』です。by　神澤和明

  2018.07.20

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（10）

  ロミオが息絶えたときに、ローレンスが到着します。これも一瞬の違い。ほんの少し早ければ、ロミオの自殺を止められたかもしれません。いかにも芝居ですね。ローレンスはパリスとロミオの死骸を見つけて驚きます。この成り行きを彼は、「時の悪戯」とすべて運命のせいにしますが、彼自身にも落ち度はありそうです。ジュリエットが目をさまします。ローレンスは居るけれど、肝心のロミオの姿が見えません。彼女がたずねるのに対して、ローレンスは、人間の及ばぬ力によって自分たちの計画がこわされた、おまえの夫はそこに死んでいる、と教えます。外で番人の声がします。原作では、パリスに同行していた従者が、警吏を呼びに行ったことになっています。こんな場所で見つけられては大変なので、ローレンスはジュリエットに逃げよう言うのですが、彼女は聞きません。ローレンスは自分だけ逃げてしまいます。かなり無責任ですが、人間の弱さです。また、彼の弁護をするなら、ジュリエットが自殺する邪魔にならないようにする、舞台効果のためです。ジュリエットは、ロミオが落とした毒の瓶を口に当てますが、空っぽです。唇に残っているかも知れないと、ロミオに口づけします。愛情を示す仕草です。でも、それで死ねるはずはありません。また、外で声がします。急がなくては。彼女が生きているのがわかったら、どうなるか。とても面倒なので、わたしは考えたくない。ジュリエットはロミオの短剣を取り上げると、自分の胸に突き立てます。そしてロミオの傍ら、ジュリエットが横たわっていた寝台に恋人ふたりが並んで寄りかかった姿で、息絶えます。音楽が高まり、二人にスポットを当て、そしてゆっくりと照明がフェイドアウトして、芝居が終わります。最初から、二人の恋人が寄り添って死んでいる場面で、芝居を終わると決めていました。この後の他の人たちの台詞は、悲劇的盛り上がりの邪魔になります。しかしまた、この終わり方では物足りないと思いました。考えたのですが、よくわからないまま、本番の日が来ました。実はそれまで、全員がそろう通し稽古ができずにいました。ですから、本番前のゲネプロが、初めて出演者全員がそろって、最後まで通す稽古になりました。困ったことですが、アマチュア劇団ではままあることです。やっと芝居全体の流れを見ることができて、ふっと思いつきました。ロミオとジュリエットが息絶える。すると、客席の後ろ、舞台端に近い側の、上手からモンタギュー方、下手からキャピュレット方が、剣を手にして、それぞれ一列になって出て来る。恋人たちの方へ進んできて、二人の前に剣を投げ捨て、奥へ立ち去って行く。二人の亡骸の前に、もはや不用になった武器が積み上げられ、両家の争いが終わることを暗示する。そういう終わり方にすることを決め、一度だけそこを返して、本番を行いました。本当にギリギリの仕事でしたが、自分としてはこの終わり方で決まった、と思っています。この上演では、本番が３回ありましたので、毎回、舞台の様子を見て、小さな手直しをすることができました。やはり芝居は、1回切りの上演では演出も演技も深まりません。複数回の上演、再演といったことが、大切です。幸いと、少ないキャパですが、観客も入ってくれて、演じがいがありました。この舞台は地元のローカルテレビ局が録画して、放送してくれました。それを見て、いろいろ気になることは見つかりましたが、劇団員がよく努力してくれていたのもわかり、まずまず良い仕事をしたと思っています。特に、大きな役をふった若い人たちが努力を惜しまず、より良い演技をしようと励み、その力を確かに伸ばしていったのが嬉しかったです。なお、これまでの野外能舞台での上演は、「90分シェイクスピア」ということで作ってきましたが、この上演は少し長いものにしても良いと考えていました。複数の格闘場面とダンスがあったため、休憩無しで１時間50分かかりました。by　神澤和明

  2018.07.19

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（９）

  音楽が切れると、場面はマンチュアです。夢について語るロミオの台詞は、この後の彼の運命を暗示しています。夢の中で死んでいる彼が、恋人のキスで生きかえる。それを彼は、追放が許されるといった、喜ばしい甘美なものと解釈します。しかし、実際はその逆の結末になってゆきます。ヴェローナから召使いのバルタザールがやって来て、ジュリエットが死んだことを伝えます。それを聞いたロミオは躊躇無く、ジュリエットの墓へ行き、彼女のそばで自殺することを決意します。その方法として、彼は毒薬を使うことにし、薬屋から毒を手に入れると、ヴェローナへ急ぎます。このときのロミオは、貧しい薬屋が金のために法を犯すことを強いる、少し傲慢な厭な男のように振る舞っています。ロミオと薬屋が退場すると、中幕が少し開きます。ローレンスの庵です。ジョン修道士が戻ってきて、途中で流行病の患者の家を訪れたために足止めされて、ロミオに手紙を届けることが出来なかったことを報告します。ローレンスとしては、手紙の内容を詳しく言えなかったのですが、その重要さをもっと強調しておくべきだったでしょう。そうすれば、ジョンが寄り道をすることもなかったでしょう。ジョンが旅の途中で見舞った家が、偶然にも重い流行病患者の家だった。ここでも、運命が恋人たちを死に向かわせていたと言えます。ローレンスはジュリエットが目覚めるとき傍らにいられるよう、霊廟に急ぎます。中幕が閉まると、パリスが花束をもって登場します。場面はキャピュレット家の霊廟です。彼はここに納められたジュリエットに、花を捧げに来ました。パリスは本当に良い人です。この芝居では、善人はみな、哀れな最期を遂げるようです。ロミオが現れます。パリスはロミオがジュリエットの亡骸を汚しに来たと思い、彼女を守ろうとして、ロミオに戦いを挑みます。死ぬつもりになっているロミオは受けて立ちます。二人のチャンバラ。演技者が女性同士でしたから、あまり激しくないようにしました。ロミオは既に人を殺しています。ですから、真剣勝負に強い。彼は苦労なく、パリスを刺し貫きます。パリスは、自分をジュリエットの亡骸の傍らに置いてくれと頼んで、息絶えます。ロミオは松明で照らして、自分が殺したのがマーキュショーの親戚のパリスであったと知ります。しかしもう、彼は殺人を悔いることはありません。自分には死が待っているのですから。ティボルトのときは、友人の仇を討ったということで情状酌量の余地がありました。しかしパリスに関しては、これはまったくの殺人です。観客の目からも、ロミオは「死刑」処せられて当然になりました。中幕を開けると、ジュリエットが台の上に横たわっています。これは前の場面のベッドを流用しました。考えれば、彼女は棺に入っているはずですし、そうでなくても全身をヴェールで覆うべきだったのですが、ジュリエットの姿を見せるために、そのままの姿で横たえました。美しいジュリエットの姿を見て、ロミオの悲しみは一層、増します。ジュリエットの死に侵されていない姿を語る、このときのロミオの言葉は、ジュリエットの命がまだ留まっていることを暗示しています。ロミオは、そのことに疑いをもたなかったのでしょうか。もはや彼の中では、ともに死ぬことで結ばれるという考えが支配していて、それ以外のことを考えられなかったかと思います。彼はその考えに酔っていたのかも。「心中」は日本だけのものではなく、ヨーロッパでも古くからあります。そして美しいものとされています。もし、この瞬間にジュリエットの目がさめていたら、と考えます。すると、恋人たちは互いの無事な再会を喜び、ローレンスに導かれて姿を隠す。そしてうまくすれば、親たちが子どもへの愛のために仲直りし、ハッピーエンドになったかもしれません。ヴィクトリア朝の劇場では、シェイクスピア悲劇をハッピーエンドに書き換えた芝居が、人気を得ていました。『リア王』では、リアは領地を取り戻し、コーディリアはエドガーと結婚します（彼女はフランス王の妃のはずですが、どうしたのでしょうか？）。そんなのがあるかどうか知りませんが、『オセロー』において、オセローがデズデモーナを殺す前にイアーゴオの悪事が露見すれば、ハッピーエンドになります。でも『ハムレット』では無理ですね。強引にやるなら、レアティーズの剣の毒にむしばまれたハムレットは、解毒薬で回復する。溺死したと思われていたオフィーリアは実は生きていて、ハムレットと結婚する。そしてハムレットがデンマーク王位を継ぐ。という改変は不可能ではありません。が、ちっとも面白くないです。ロミオは悲劇の死を遂げます。観客はジュリエットが死んでいないことを知っています。ロミオだけが知らない。ですから悲劇性がより大きく、哀れさが増します。『仮名手本忠臣蔵』六段目、勘平腹切りの場と同じ効果です。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.18

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（８）

  ロミオが出て行くと、キャピュレット夫人と乳母がやって来て、ジュリエットにパリスとの結婚の日取りが決まったことを告げます。既にロミオと結ばれたジュリエットは、強く拒みます。でも、理由を言うことはできません。キャピュレットもやって来て、どうしても結婚しなければ家から追い出してしまうと叱りつけます。現代なら、それなら家を出てロミオの所に行けば良いのに、とも考えられそうですが、この時代はそうは行きません。またジュリエットのような少女には、それは思いつかなかったのでしょう。原作では、これまでジュリエットの味方をしてきた乳母が、ロミオは追放されたのだから、あきらめてパリスと結婚しなさいと勧めます。ジュリエットは乳母に腹を立て、もう信用しなくなります。台本では、そこはカットして、乳母の心変わりは見せませんでした。乳母たちが去り、ジュリエットはしばらく考えてから、ローレンスを訪ねるために出て行きます。中幕を少し開けて、ローレンスとパリスが出て来ます。パリスが結婚の儀式を執り行うことを頼みに来た、その帰りというつもりです。ジュリエットが登場しますが、パリスには会釈するだけです。前の場面からすぐに、中幕をあけてジュリエットがローレンスの庵に入って行く、という形で台本は作りました。しかし、パリスの出番が少ないと感じたので、追加しました。ジュリエットはローレンスに苦境を語り、死んでしまうしかないと言います。ローレンスはそれを聞き、その覚悟があるのならと、計略を授けます。それを飲めば42時間、仮死状態になる薬がある。結婚式の前夜にそれを飲み、みんなに死んだと思わせる。おまえはキャピュレット家の霊廟に納められるだろう。私はロミオに手紙を出して、一緒に霊廟でおまえが目覚めるのを待つ。そして二人でしばらく姿を隠す。冒険ではありますが、他に方法がないと判断し、ジュリエットは薬をもらって帰ります。ジュリエットが退場すると、ローレンスはジョン修道士を呼び出し、手紙を託します。これはマイムで見せます。そしてジョンは袖に、ローレンスは中幕の中に消えます。音楽を流し、中幕を大きく開いて、ベッドを押し出します。これだけは大道具を作りました。乳母が出て来て、ベッドを整えます。そしてジュリエットを呼びます。ジュリエットは乳母を下がらせて、ベッドに腰掛けて、薬瓶を取り出します。ここでのジュリエットの一人台詞も、演技のポイントです。難局を切り抜ける方法だと信じていますが、毒を飲むのは怖い。ローレンスへの疑いも起こります。修道士は密かに二人を結婚させた。それを非難されないために、自分を本当に死なせるのではないか。また、薬の効き目が弱くて、ロミオが迎えに来る前に目覚めたら、自分は霊廟の中で、祖先の死骸に囲まれた恐怖で、気が狂うのではないか。その不安は、彼女にティボルトの幻を見させます。しかし、最終的に、ロミオに会える希望が彼女に勇気を与えます。薬を飲み干し、ジュリエットはベッドに倒れ込みます。照明が暗くなります。ジュリエットの台詞の時から小さく流れていた不安を示す音楽が大きくなり、再び明かりが戻るのに合わせて消えます。夜が明けました。音楽がテンポの早いタンゴになり、乳母が出て来ます。窓を開け、ジュリエットを起こそうと声を掛けます。そして彼女が死んでいることを発見して、大慌てで皆を呼びに行きます。キャピュレット夫妻や召使い、医者、パリスまでやって来て、全員が悲しみにくれます。ローレンスが来て、ジュリエットを霊廟に納める指示を出します。ジュリエットのベッドは舞台奥に運ばれ、人々もそれに付き従い、中幕が閉まります。それを見ていたロミオの召使いバルタザールは、マンチュアに向かいます。この演技はすべて、音楽にのせてマイムで行いました。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.17

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（７）

  広場の場面はチャンバラが連続します。マーキュショーを演じたのは、劇団の養成所で指導した男性でしたが、彼がこの芝居の殺陣をつけたいと希望していましたので、任せました。激しくエネルギッシュな動きを作ってくれました。わたしだと東映映画風の、形を気にする立ち回りになったでしょう。中幕前はジュリエットの部屋です。ジュリエットが、今夜、ロミオと結ばれる期待に胸を膨らませています。立ったり座ったり、戸口に寄ったり。時間の経つのが、とても遅く感じられる。わくわくした感じが伝わってきます。そこに乳母が泣き叫びながらやって来ます。殺された、死んだという言葉を聞いて、ジュリエットはロミオが死んだのかと思い、愕然とします。乳母が、死んだのはティボルトで、ロミオが殺したのだと教えます。ジュリエットはロミオが恐ろしい「殺人者」であることに衝撃を受けます。ロミオの優美な姿は、残忍な心を隠す装いだったのか。仲良しの従兄弟が殺されたという悲しみと、自分が愛している人が実は極悪人で、自分をだましていたのではないか、という強い疑いで、彼女は混乱します。しかしすぐに、ロミオへの彼女の愛情が、理性を取り戻させます。ロミオは自分の身を守るためにティボルトと戦って、彼を殺してしまったのに違いない。愛が彼女を我に返させます。彼女の悲しみの方向は、従兄弟の死から、恋人の追放へと変わってしまいます。この場面で、ジュリエットはいくつかの強い感情を表現しなければなりません。難しく、また為所のある場面です。乳母の働きも大事で、彼女の歎きぶりに対して、ジュリエットがいろいろと反応を示して行きます。二人でよく、稽古するべきところです。乳母は、ティボルトを殺したロミオを許せません。でも、ジュリエットが悲しんでいるのを見て、慰めるために、ロミオがその夜にやってこられるよう手配すると約束します。この後、ローレンスの庵に隠れているロミオを、乳母が訪れる場面などをカットしました。乳母が出て行き、ジュリエットが泣き伏すと、音楽が入ります。中幕が少し開きます。その向こうにロミオが立っています。ジュリエットが近づいて行き、二人は抱き合います。中幕が閉まり、音楽が大きくなります。台詞なしで見せました。始めの台本では、すぐに翌朝の恋人たちの場面にしていたのですが、時間経過を感じさせるために、カットしていたキャピュレットとパリスの場面を挿入しました。キャピュレットが、パリスとジュリエットの結婚を三日後に行うと決めます。ティボルトの死で沈んでいるみんなの気分を、明るくしたいという考えです。また、後継ぎ候補だったティボルトがいなくなったので、パリスを早く自分の一族に加えたいという気持ちもあるのでしょう。それに並行して、恋人たちは大切な一夜を過ごしました。音楽にあわせて、中幕を少し開けると、抱き合う二人の姿が見えます。この夜、二人は初めて、肉体的に結びついたのです。そこにあるセクシュアリティを観客に感じてほしい。それでロミオの裸の肌を見せたいと思いました。ですが、演じるのが女性なので、相談しました。私としては、後ろ向きになったロミオの、裸の背中全体を見せたいという考えを話しましたが、彼女にはやはりためらいがありました。無理は言えないので、肩から背中の上だけを見せるということにしました。肩を寄せあった二人が前に進んでくると、中幕が閉まります。ロミオを行かせたくないジュリエットは、ナイチンゲールが鳴いている、まだ夜だ、と言います。ロミオは、あれはヒバリの声だ、もう朝だ、出発しなければ、と返します。ジュリエットが嘆くのを見て、ロミオは思い直し、捕まっても良い、おまえが言うなら夜だと思って、ここに居よう、と言います。すると逆にジュリエットはロミオの身を案じて、もう朝です、逃げて下さい、とロミオをマンチュアに送り出します。互いに相手を思いやるために、言うことが始めと逆になってしまう、ここも上手い書き方です。なお、この場面から、ロミオはジュリエットに対して、「おまえ」と呼びかけるようにしました。彼は大人になり、また、彼女を肉体的にも結ばれた「妻」と意識していることを示すためです。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.16

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（６）

  中幕が開かれ、地明かりがピーカンになります。冒頭と同じく、ヴェローナの町中を人々が行きかっています。暑い日で、なんとなく落ち着きません。マーキュショーとベンヴォーリオーの会話にも、イライラした気分が感じられます。ティボルトが登場します。ロミオを探している様子です。舞踏会でキャピュレットにガツンといわれて恥をかいた、その原因がロミオだと考え、痛い目にあわせてやるつもりです。ロミオの友人と出くわして、とりあえず気晴らしにと、彼らと喧嘩を始めます。ところへ、本命のロミオがやって来ます。ティボルトはあっさり矛先を変えます。マーキュショーは気勢をそがれます。ティボルトはロミオを怒らせて、喧嘩に持ち込もうとしますが、ロミオは怒るどころか、低姿勢でティボルトの機嫌を取ろうとします。ロミオはジュリエットと結婚したのですから、その従兄弟のティボルトと争いたくありません。しかしティボルトを含めて、他の者にはそんなことはわからない。ティボルトはキョトンとします。訳が分からないけれど、おそらくロミオを更に馬鹿にして、喧嘩に持ち込もうとするでしょう。それを感じ取って、マーキュショーが喧嘩を買って出ます。もしロミオが怖じ気づいたとしたら、それは彼だけでなく、モンタギュー家に関わるみんなの恥になると考えるからです。穏やかなロミオが、荒くれ者のティボルトに勝てないだろう、傷つけられてはいけない、と考えたこともあるでしょう。マーキュショーはあまり強そうな男には思えないのですが、気持ちだけは強がっています。二人が剣を抜きます。互いに侮辱し合って、頭に血が上っています。これはいつもの小競り合いではすまない。ロミオは止めようとします。このときは、ティボルトを守ろうという意識でしょう。ところが、止めに入ったロミオの腕の下から、ティボルトの剣がマーキュショーを刺し貫きます。これまで喧嘩沙汰はあったでしょうが、ティボルトが人を殺したのはこれが最初だと、わたしは思います。だから、彼は自分の行為に驚いて、その場を逃げ去ります。SEで鼓動の音を入れました。マーキュショーは深手を負ったことを自覚します。苦しい息の下から、それでも強がって冗談を言いますが、もう駄目です。ベンヴォーリオーに介抱されて退場するときに、「どっちの家もくたばっちまえ」と吐き捨てる言葉は、両家の争いに乗っかっていきがっていた自分への怒りも混じっています。鼓動が止まります。ロミオは深い後悔に陥ります。ジュリエットのことを思い、本来の気持ちに反して、ティボルトに頭を下げました。侮辱にも耐えました。マーキュショーがティボルトを刺そうとしたのを止めました。ところがそのことで、逆にマーキュショーが殺されてしまった。自分のせいで、親友を殺してしまったのです。自分が本来の自分ではなくなっている、とロミオは思います。そんな自分は間違っている、とも思います。そして、ベンヴォーリオーが戻ってきて、マーキュショーは死んだと言います。今、ロミオの頭の中では、自分のせいで親友が死んだこと、自分が殺したのも同じだ、ということでいっぱいになります。ジュリエットのことは、とんでしまいます。そこへティボルトが戻ってきました。少し落ち着いた彼は、チンピラがそうであるように、自分は他人がなかなかできないような、たいしたことをしたのだと、いきがっています。殺人の罪に問われる、というようなことは考えていない。その態度が、マーキュショーを殺して喜んでいると、ロミオに感じられます。冷静な判断は出来ず、ただ友人の仇を討つことだけしか、頭にない。ロミオは剣を抜いて、ティボルトに打ちかかって行きます。多分、ティボルトの方がチャンバラは強いでしょう。しかし今のロミオは、怒り狂っている。捨て身です。その怒りと憎悪のエネルギーが、ティボルトの力を上回ります。気がついたときには、ティボルトは血に染まって倒れていました。ベンヴォーリオーがロミオに、逃げろと叫びます。逮捕されれば、彼は死刑になるかもしれない。逃げのびても、ヴェローナからの追放は免れません。それはジュリエットと会えなくなるということです。運命に弄ばれたと感じた、このときのロミオの絶望の叫びを、「おれは運命のおもちゃなのか」と訳しました。大公エスカルスが登場します。マーキュショー-は彼の親戚です。両家の争いによって、自分の一族の血が流されたことで、彼の怒りは一層増し、ロミオの追放を宣告します。しかし、あくまで公平な姿勢を保っています。両家の人々が互いににらみ合ううちに、中幕が閉まります。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.14

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（５）

  乳母が何度かジュリエットを呼ぶので、彼女が部屋に入ります。彼女の姿が消えるときの、若者の二人の「心残り」がきれいに表現されると良いですね。乳母にロミオが見つかってはいけないという恐れと、ロミオの顔を見ていたいのにという不満と、自分が中に入るのは本意ではないとわかってほしいという気持ち、そして待っていてという希望、そんなものがジュリエットの心に、みんなあります。ロミオにしても、ジュリエットが戻ってくるか、不安になります。それとともに、彼女は自分を愛しているのだという自信、それは彼のプライドを高めます、それがあります。自分が危険なところにいるのだという意識は、不思議と、なくなっているようです。この場面、ジュリエットが戻ってくるところで、なんとなく気持ちがホッとします。わたしたちの方でも、ロミオと同じく、彼女が戻ってこないのではないかと、少し不安になるからでしょうか。『ハムレット』の第３独白の場で、ハムレットがオフィーリアに「尼寺へ行け」と強い調子で言って退場しては、また戻ってきて彼女に厳しい言葉を浴びせ、退場して、また戻ってくる。これを三度繰り返します。この場面と、ちょっと似ています。ただ、『ハムレット』の場合は、その場面が、舞台の流れとは逆に、やや滑稽にすら感じられます。「どんな満足が、今夜ほしいの？」「ぼくと君の真心からの愛の誓いを取り交わすことさ」。ロミオはこのとき、ジュリエットに何を望んでいたのでしょうか。彼女の愛の告白は、もう聞いています。彼が聞いていると知らなかったときのことではありますが。舞踏会で唇に口づけもしています。そうすると、次の段階を望んでいたのかも。若い男性のことですから、無理はないと思います。しかしジュリエットは、結婚の約束をしなければ駄目だと、釘を刺します。女性の方が、現実的です。『真夏の夜の夢』で、ヒポリタやハーミアが言っていた言葉を思い出します。ジュリエットが最後の「さよなら」を告げて奥に下がると、大黒を閉めます。ロミオは結婚の約束をして、ジュリエットと別れます。しかし、憎み合っている両家のことですから、いずれの親たちも二人の結婚を許してくれるはずはありません。秘密に、神の前で結婚の誓いをたてるしかない。それでロミオは、いつも自分の相談にのってくれる、ローレンス修道士のもとに足を向けます。ロミオが退場すると、中幕を閉めますが、中央部を少しだけ開けておきます。これで、ローレンスの庵の扉を示します。ローレンスがかごを下げて、中幕から出て来ます。草を摘みながらの長い台詞は、彼がそれで様々な薬を作っていることを教えます。後でジュリエットが飲む薬も、そうやって作られたのでしょう。ロミオが新しい恋をしたことについて、彼の移り気を叱ります。しかし、ロミオとジュリエットが絆を結ぶことで、憎み合ってきた両家が和解できるかもしれないと考え、二人の結婚を執り行うことに同意します。この場面のローレンスは考えの深い、人生経験豊かなおとなという役割です。乳母が現れますが、ここでは音楽を流し、やりとりはマイムで示して、乳母は退場、ロミオとローレンスが中に入ると、中幕を閉めます。ジュリエットの部屋になります。ジュリエットが出て来て、使いにやった乳母の帰りが遅いことを気にしています。彼女のわくわくした気持ちを示します。乳母がやっと帰ってきます。そしてジュリエットをさんざんじらしながら、ロミオからの伝言を伝えます。ジュリエットをからかう乳母の様子に、二人の仲の良さがうかがえます。乳母はロミオにそれほど好意をもっているわけではないでしょうが、ジュリエットの喜ぶことをしてやりたいという気持ちでしょう。二人が退場すると、中幕を庵の扉分だけ開けます。ロミオとローレンスが出て来ます。そこへジュリエットが、急いでやって来ます。ローレンスが「二人を一つにしてしまうまではな」と言って二人を庵の中に導きます。明かりが落ち、中幕がしまり、厳粛な「サンクトゥス」が流れます。幕の奥で結婚の誓いが交わされているというイメージです。ここまでの場面は、だいたいにおいて明るく、にぎやかな気分で進行させてきました。ここから後は、悲劇的結末に向けて、暗く、不安な気分がまして行きます。進行のテンポも、より速まります。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.13

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（４）

  ロミオは友人二人から離れて、キャピュレット家の庭に姿を隠します。彼の姿を見失ったマーキュショーとベンヴォーリオーは、ロミオを呼びだそうとして、ロザラインの名前を出します。彼らはロミオがジュリエットに恋をしたことを知りません。ですから、後の場でロミオがティボルトに嘲弄されても怒らない理由が分からず、喧嘩をすることになるのです。ここで、大黒幕を開けます。壁面の高い所をバルコニーに擬して、そこにジュリエットがいます。ロミオはジュリエットを見ます。そして彼女の美しさを褒め称える言葉を、これでもかと言うほどつらねます。若者の恋心がほとばしるような、情熱にあふれ、また美しい表現が次々と繰り出されます。アイアンビック（弱強格）のリズムも弾んでいます。次から次へと、言葉が紡ぎ出されてきます。翻訳していても楽しい場面です。英語の台詞を聞かせたくなります。自分でもよくレッスンのときに、口ずさんでいます。彼女の美しさをたたえるとともに、大胆になって人（自分）を愛してほしい、という願いが彼の言葉にあります。処女の守り神である月の女神に仕えることをやめてくれとか、彼女の頬に触れる手袋になりたい、といった表現。ここには、肉体的な欲求もうかがえます。若者としては当然。だから大事なことです。それをちゃんと伝えます。ジュリエットの台詞は、ため息から始まります。しまっておくことができなくなった気持ちが、その身体から出て来ました。そして自分を捉えている愛を語る言葉が、抑えきれずにほとばしってきます。"Oh, Romeo, Romeo. Wherefore art thou Romeo?" 「おお、ロミオ、ロミオ！　何故、あなたはロミオなのかしら？」子どもみたいに単純で、気持ちがそのまま表れてくる言い方です。ここで彼女は、ロミオが敵の家の人間だから、この愛がかなえられない。でも家を離れて、一人の人間としてロミオとジュリエットが存在するなら、愛し合うことは許される。そうなりたい、と言っています。家も両親も捨てる、自分の気持ちに従って、愛に生きると宣言しています。後先を考えない、だからこそ力強い感情です。「名前に何があるの？」薔薇と呼ばなくても、花の美しさや香りのすばらしさは変わらない。名前はそのものの本質ではない。だから、お互いに名前＝家を捨てましょう。彼女はそう語りかけます。この部分の台詞が、ソシュールの「記号論」を先取りしている、という解説を読みました。確かに、内容的に合致していると言えますが、ここで哲学を持ち出すのは無粋です。自分たちの愛する気持ちは、家や社会が妨げることができないものだ、ということを言っているのです。ロミオは自分に対しての言葉として、ジュリエットへの思いを語っています。そして、ジュリエットは始め、ロミオが居ることを知らずに、自分の気持ちを告白しています。彼女の心に浮かぶロミオの面影に対して、話しかけます。とても素直に、憧れを込めて、夢見がちに語っています。ふたりとも、始めは相手に聞かせるのではなく、一方的に自分の思いを語ります。ジュリエットの、自分を受け止めてほしいという言葉を受けて、ロミオは大胆にも姿を現し、彼女の願うとおりにしようと言います。自分も愛しているのだという意思表示です。ロミオが姿を現して、ジュリエットには驚きと恥ずかしさが、まず見られます。それから、うれしさがわき起こると同時に、ロミオの身の安全を気遣います。二人が交わす会話は、なかなか気が利いていますが、これは「手管」ではなく、弾む心が思わず言わせているのです。音楽的に聞かせたいですが、といって、演技者があまりすらすらとしゃべりすぎると、気持ちがとんでしまうかもしれません。「恋の軽い翼でもって、こんな壁は飛び越えてしまった。恋人はできることなら、何もためらわない」／「この場所を、誰に案内してもらったの？」「愛する心に」／「あら、何故呼び戻したのか、忘れてしまったわ」「思い出すまで立っているよ」「じゃ、忘れてしまうわ、そこに立っていてもらえるように」。こんな言葉を、上滑りさせたくないです。わたしはこの場面でロミオに、立ち止まらないで歩き回りながらしゃべるように、指示しました。台詞技巧で聞かせるというほど、まだ力はありませんから、自分でも制御できないほどの心の高ぶりを、突き動かされるように動き回ることで、感じさせようという狙いでした。リアリズムで考えればおかしいですが、ともかくじっとしていることは、ふさわしくないと感じたのです。長い台詞ですから、結構、きつかったと思いますが、ロミオ役の彼女は、息をきらさずに演じてくれました。この場面は芝居で肝心なところですから、演技者が自分の台詞に十分に慣れるまで、時間をかけて練習しました。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.12

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（３）

  場面がキャピュレット家に変わります。キャピュレット、パリス、召使いが登場します。本当なら家の内と外の二つの場面になりますが、裸舞台ですので、そのままで両方を示すことにしました。キャピュレットがパリスに、ジュリエットに求婚するように勧めています。ここで既に、パリスがジュリエットの相手として認められていることがわかります。キャピュレットは二人を会わせるために、舞踏会を計画します。その招待客への連絡を命じられた召使いは手紙を受け取りますが、字が読めないので、たまたま出会ったロミオとベンヴォーリオーに、手紙を読んでもらうように頼みます。この召使いは、ランスロット・ゴボーと同類の、道化た召使いです。馬鹿ではなく、人なつこい陽気な人物とするのが、この人物らしいでしょう。ロミオは舞踏会行きを渋りますが、結局、ベンヴォーリオーの意見に従って出かけてしまい、運命の出会いをします。始めの台本では、この後すぐにジュリエットと母親が会話する場面にしていたのですが、新たに参加した出演者に役を増やすため、稽古の途中で、場面を増やしました。料理人とボーイが忙しく宴会の準備をしている、軽い、滑稽な場面です。もとの原作にもあります。この場面の終わりに中幕を閉め、次の場面が狭い室内であることを示します。キャピュレット夫人がジュリエットにパリスとの結婚を持ちかけます。ジュリエットの乳母は、それと関係のない思い出話をして、話の腰を折ります。乳母が人のことを気にしない、マイペースの人間、でも気は良くて、ジュリエットを大事にしていることがわかります。男女のことについても詳しそうです。キャピュレット夫人は、娘に好ましい相手と結婚をさせたいと考えています。でも、娘の気持ちはあまり重要ではなさそうです。ジュリエットはまだ子どもで、結婚はおろか、恋愛というものもわかりません。母親の言うことだから、従わなければいけないと思っています。ここで、できるだけ無邪気な少女にしておくと、その反動で、ロミオへの情熱的な愛が無垢な気持ちから生まれたと感じられます。この場面の終わりにかぶせて、中幕を開けます。幕の後ろにスタンバイしていた出演者達が、ダンスをしながら勢いよく入ってきます。ジュリエットたちもその踊りの輪の中に入ります。ジュリエットの部屋だったのが、そのまま大広間に変わるわけです。その飛躍の違和感を、ダンスの動きで小さくします。場面の切り替えを印象づけられるように、ダンスはタンゴにのせた力動感あるものにしました。振付は、わたしがやっています。ダンスが行われている一方で、反対側、舞台端のところにロミオ、マーキュショー、ベンヴォーリオーを出します。キャピュレットの家の外です。観客は振り返ることになります。ここでマーキュショーの「マブの女王」の長台詞があります。芝居の進行とは関係がないのですが、有名な台詞なので語らせました。若者らしく、「性」が冗談の種になります。マーキュショーは自分を不真面目な人間に見えるように、ふるまっています。彼らは客席の間の通路を通って、踊りの輪に加わります。このとき、顔を隠すためにマスクをします。敵の館に入るわけですから、変装するのが当然なのですが、わたしは、ロミオとジュリエットが互いの顔を見つめ合えるように、マスクなしにしてみました。ロミオが、踊っているジュリエットに目を留めます。離れたところに立って、彼女の美しさをたたえ、恋をしたと口にします。彼の反対側で、ティボルトがロミオに気付きます。そして喧嘩をしかけようとするのですが、キャピュレットに止められます。キャピュレットが家長然として厳めしい様子を示します｡ ティボルトはすごすごと引き下がりますが、このときの恨みが後で悲劇の引き金になります。ダンスは男女が親しさを増す、ゆっくりしたサークルダンスに変わっています。タンゴのままでは強すぎるので、柔らかな気分の曲を作りました。踊りの輪の中で、ロミオとジュリエットが言葉を交わします。他の人たちは、はずれてゆきます。『ウエストサイド物語』の「体育館のダンス」でトニーとマリアがデュエットする、あの感じです。ここで二人が交わす言葉は、決して激しい調子ではなく、夢見るように言わせます。心の高ぶりを、言葉では抑制します。始めは手に口づけして、それから唇を軽く触れ合わせる。それがわたしの注文でしたが、演技者たちはどうも恥ずかしがって、なかなかこちらの指示通りしてくれません。それでも本番では、唇を触れ合わせました。このキスと、ロミオがヴェローナから追放される前夜に二人がベッドをともにすること、この二つの「肉体的」な結合は、バルコニー場面での情熱的で美しい台詞による精神の結合と一緒になって、二人の絆が結ばれていることを強調します。ジュリエットは決してパリスと結婚することはできない。それを強制されるなら死ぬしかない、ということになるのです。それを観客にも、演技者にも意識させるために、実際に唇を重ねることが必要だと思います。ジュリエットが母親に呼ばれて、その場をはずします。ロミオは彼女を呼びに来た乳母に、彼女の母親は誰かとたずね、ジュリエットが敵であるキャピュレットの一人娘だと知ります。でも、既に彼はジュリエットを愛してしまった。そしてもう、その愛をあきらめることはできない。彼は運命の皮肉に愕然とします。ロミオたちが立ち去ってゆくときに戻って来たジュリエットは、乳母に頼んで、自分が恋した相手が何者であるか、聞きに行ってもらいます。このとき既に、彼女は彼と結婚すること、もしそれができなければ、一生処女で過ごすことを決意しています。乳母が戻ってきて、腹をたてた口調で、その若者が敵であるモンタギュー家のロミオであることを教えます。ジュリエットは、自分が生涯でただ一人愛する人は、決して結ばれることが許されない人だと知り、悲しみに沈みます。二人の恋人は、互いに愛におちた途端に、その愛が幸せな実りをもたらすことがない事を、知らされるのです。その落差の大きさ。生まれた恋が死ぬまでの早さ。いや、彼らの恋愛は死にません。しかしそのために、彼ら自身が死ぬことになるのです。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.11

• 『ロミオとジュリエット』　演出のこと（２）

  演出のポイントは、ともかく疾走感です。個々の役者の無駄な思い入れで、芝居の流れを滞らせてはいけない。芝居のもっているテンポをつかんで、どんどんと進めて行くことが大切だと、演技者たちに徹底しました。冒頭、中幕が少しだけ開いて、口上役が登場します。この芝居のテーマを一言で表したようなプロローグは、うまくできています。自分たちではどうにもできない運命によって、許されない恋に殉じた若者の悲しい悲劇であることが、よくわかります。口上役が手にしていた剣を投げ落とすと同時に、ピアソラの曲、『ブエノスアイレスのマリア』の一曲目が流れだし、中幕がゆっくり左右に引かれます。ヴェローナの町を人々が行き交っているのが見えてきます。キャピュレット家の召使いたちが、モンタギュー家の召使いたちを見つけて、喧嘩を売ります。お互いが敵同士だと意識していることを示せば良い。できるだけ短い台詞のやりとりで運びます。「親指を噛む」というのは、相手を軽蔑して見せる仕草です。お互いが剣を抜いたところに、ベンヴォーリオーが駆けつけてきます。彼は喧嘩を止めに来ました。ところへ、今度はティボルトが格好をつけて歩いてきます。彼は喧嘩に加わろうと、剣を抜きます。分別があり、戦いを好まないベンヴォーリオーと、荒っぽい性格で、モンタギュー家を強く憎んでいるティボルトの違いが、はっきり表されます。町の人たちも二派に分かれ、喧嘩が大きくなります。モンタギュー夫婦、キャピュレット夫婦も出てきます。彼らは一応、老人扱いされていますが、モンタギューもキャピュレットも相手を打ち倒そうと、杖や刀を振り上げます。それぞれの夫人が必死に夫を止めます。大公のエスカルスが客席の上の所に立って、争っている人々を恫喝します。両家の争いのために、ヴェローナの町から平和が消えてしまった。統治者として赦すことはできない。今後、争いを起こした場合、その人間は厳罰に処せられる、と宣告します。後にこの宣告のため、ティボルトを殺したロミオは、ヴェローナから逃亡しなければならなくなります。争っていた人々はみな、大公とともに退場します。ロミオは争いの場にいませんでした。モンタギューとその妻がベンヴォーリオーに、ロミオはどうしているかとたずねます。息子を心配している親の姿です。彼は何か悩みがあるようです、聞いてみましょう、とベンヴォーリオーは引き受けます。このことで、ロミオとベンヴォーリオーが何でも打ち明けあうような友人だとわかります。現れたロミオに話しかけ、ベンヴォーリオーは、彼が恋をしていること、その恋が上手くいっていないことを知ります。相手にされていないのです。この恋の相手はジュリエットではありません。ロザラインという、おそらく身分が高く、ロミオより年上の女性でしょう。恋の経験のない若者は、年上の女性に憧れを抱き、それを恋と勘違いしてしまいます。ですから、これは恋愛ではなく、「浮かれている」気持ちというのが実際です。恋に悩む自分をうれしがっている、とも思えます。ロミオの語る言葉には、ですから真実みがありません。友人と言葉遊びする余裕もあります。ベンヴォーリオーは、他の多くの美人を見ろと勧めます。これが理由で、彼らはキャピュレット家の舞踏会にもぐりこむことになります。二人が退場します。（続きます）by　神澤和明

  2018.07.10

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