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ポムブログ～ポム・スフレの名曲大百科

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Sex Pistols　「The Great Rock'n'Roll Swindle」

"偉大なるロックンロール詐欺"直訳すると、そういうコトだ。素晴らしい表現である。破壊力あるR&Rと"やらせ"たっぷりのプロモーションでムーヴメントを作り出し、そしてあっという間に消えたこのバンドにぴったりではないか。そうともさ。ロックなんてそもそも高尚なものでもなんでもないし、僕らが信じているものの大半はデッチ上げであり幻想なのだ。音楽はもちろん、セックス・ピストルズの言動やエピソードについては、あらためてここで触れるまでもないだろう。彼らの音楽は本物だったが、それだけで売れるほど世間は簡単じゃない。ピストルズの仕掛人であり、かつてニューヨーク・ドールズのマネージャーも務めていたマルコム・マクラーレンはそれを分かっていたし、流行は"作られるもの"であることも知っていた。マルコムの二枚舌と巧妙な戦略は、バンドの個性や当時の世間的(あるいは音楽的)状況と有機的に結びつく。結果、ピストルズはセンセーションを巻き起こし、そして頂点に達した所で自爆した。アルバム『Never Mind The Bollocks』が日本で発売されたのは'78年の1月だ。だがその時には、ジョニー・ロットン(Vo)の脱退によりバンドの実質的な生命は既に尽きていたのである。にも関わらず、商魂たくましいマルコムはさらにピストルズを利用しようとする。'79年、ジュリアン・テンプルを監督とした映画『The Great Rock'n Roll Swindle』が公開された。マルコムを語り手とした「ピストルズのドキュメンタリー」とされる内容で、後にマユツバ(全てではないが)であることが判明するまでもなく、インチキ臭さが全篇に漂うバカバカしくておかしい作品となっていた。「The Great Rock'n Roll Swindle」はそのタイトル曲だ。同名のサウンドトラック・アルバムに収録。クレジットはスティーヴ・ジョーンズとポール・クック、そしてジュリアン・テンプルとなっている。歌詞はともかく楽曲面で中心となっているのはおそらくスティーヴだろう。「Anarchy In The UK」、「God Save The Queen」といった有名曲を作ったのはグレン・マトロック('77年2月に脱退)だったが、スティーヴのポップ・センスもなかなかのもの。そのことがよく分かる一曲だ。反面、演奏こそスティーヴ、ポール、シド・ヴィシャス(※)の三人が担当しているものの、ヴォーカルは、テキトーに集められたガキ共に代わるがわるとらせるというフザケたものでもある。映画では「誰でもピストルズになれる」というフレーズのもと、オープニングで小気味よく流れていた。曲はスティーヴのギターを軸として、ストレートに演奏される。ジョニー・ロットンのいないピストルズ。当然ここには緊張感もオーラもない。ヴォーカルも、テンポール・チューダー他そこらへんのガキ共に歌わせただけあって、本来ならとても聴けたものではないのだが、コミック・ソングだと思えばこれもアリだし、このいい加減ぶりが楽しさを醸し出していることも事実だ。何よりメロディは親しみやすいし、演奏にも躍動感がある。特にタイトル・フレーズを連呼するラスト部分はキャッチーさと賑やかさにあふれており、思わず一緒になって歌いたくなってしまう。曲自体はいいと思うだけに、企画モノとして片付けられてしまったのが残念。しかし、このアホらしさもまたピストルズだ。'79年10月にはシングル発売もされ、全英21位まで上がる中ヒットとなった。'94年に発刊された『ロック・オルタネイティヴ』という本の中で、ライターのひとりである北中正和氏は「往年のパンク・バンドの再結成が相次いでいるが、ピストルズだけはそんな事をしないでほしい」と書かれている。おそらく多くの人が同じことを思っていただろう。だが、彼らはそれをやってしまった。1996年、ピストルズはオリジナル・メンバーで再結成し、"集金ツアー"と釘打って来日までしてしまった。彼らは"伝説"であり続けることよりも、「ジジイになって帰ってくる」ことを選んだのだった。新曲は作らず、言い訳めいたことやキレイゴトを一切言わない姿勢もいさぎよかった。ロックの歴史をひっくり返し、多くの人間に幻想を抱かせ、そしてそれを自らブチ壊したセックス・ピストルズ。まさに偉大なるロックンロールの詐欺師。そういえばジョニー・ロットンが脱退前日のステージで、観客に向かって最後に言った言葉は「アーハハハハ、ダマされた気分はどうだい?」だった。んでもって、死にかけたロックを蘇生させた張本人のひとりにも関わらず、脱退時のコメントは「ロックは死んだ」だったっけか。メンバーの歳が五十を過ぎた2007年、ピストルズは二度目の再結成を果たす。そして今年の八月には「サマーソニック・フェスティバル」の参加バンドとして、彼らはふたたび日本の地を踏む。もう「勝手にしやがれ」ですな。アーハハハハステージの幕開けにはぜひ「Great Rock'n'Roll Swindle」を演奏してほしいと思うワタシでした(ありえないだろうけど)。つーコトで「The Great Rock'n Roll Swindle」を聴くにはここをクリック。クソジジィ共に乾杯!※ シドは実際には演奏してない可能性もある

2008.07.12

閲覧総数 982
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Lou Reed　「Metal Machine Music」

ルーの曲を取り上げるにしても、もうちょっとマシなのがあるだろう。↑本日のサブ・タイトルを見たルー・リード・ファンの多くはこう思ったかもしれない。自分もそう思ういやね、これでも例の「Walk On The Wild Side(ワイルドサイドを歩け)」とどっちにしようか、最後まで迷ったんですよ。いやホントホント。あ、そこのアナタ、帰らずにもうちょっとハナシを聞いていって…………ルー・リードが'75年に発表した『Metal Machine Music』(上ジャケット)は、ロック史上もっとも悪名高いアルバムとして知られる一枚である。"一枚"と書いたが、アナログ盤は二枚組のボリュームだ。にも関わらず、このアルバムにルーの歌はない。歌どころかメロディもない。演奏すらない。ここにあるのは、耳障りな電子音、神経を逆なでするようなフィード・バックの洪水である。「ういーん」とか「じゃー」とか「きーん」「ぴろろろー」とか、そんな類(たぐい)の音だ。最初から最後まで、64分ものあいだ、それがずっと続くのである。なめとんのか当時、予備知識なしにこれを聴いた人のほとんどがそう思っただろう。いや、今でも拒絶する人が大半だと思われる。もちろん、すべての音楽が大衆娯楽として成立していなければいけない、ということはない。ルーが在籍していたヴェルベット・アンダーグラウンドのアルバムにも「Sister Ray」('68年)というノイジーな大作があり、『Metal Machine Music』はそれを極限にまで発展させた作品といえないこともない。しかし、ここまでくると、すでに音楽であることを拒否しているようにすら思える。いわゆる"普通の神経"を持った人にとって、このアルバムを聴き通すことはある種の拷問なのではないか。案の定、『Metal Machine Music』は発表直後から集中砲火を浴びることとなる。その前のオリジナル・アルバム『Sally Can't Dance』が全米10位を記録するヒットだったのに対し、本作はチャートの200位以内にも入らなかった。スゴい落差だ。メディアからは長きにわたって「史上最低のアルバム」という、しごくまっとうな称号が与えられたりもした。自分の場合も、ロックのお勉強をしていくうちに当然ルー・リードに行き着くわけだが、もともとが視野狭窄のポップス人間だったこともあり、『Metal Machine Music』だけは恐くて近づけなかった。ガイドブックや巷に流れる悪評を真に受けて、「悪魔の音楽だ」などと勝手に決めつけたりもしていた。が、ある日とうとう覚悟をきめ、おそるおそるCDをプレイヤーに入れてみた。そしたらである。わりと普通に聴けてしまったのだノイズには違いないのだが、そこには得体の知れない気持ちよさのようなものがあった。少なくとも自分の場合はそうだ。初期クラフトワークやタンジェリン・ドリームなどのジャーマン・ロック、ソニック・ユースやボアダムスなどの(いわゆる)オルタナ・ロックをさんざん聴いてきたゆえ、耳に耐性ができてしまったのだろうか。人間の感覚とはおそろしい。そして、いいかげんなものだ、とつくづく思う。このアルバムには『無限大の幻覚』という邦題がつけられている。それに対しては、「単なる雑音の塊に意味ありげなタイトルをつけただけ」という意見の人も少なくないだろう。だが、聴いていると脳がとけそうにもなるこのサウンドには、わりかしその邦題は合っているのかもしれない。たれ流されるノイズの向こうには涅槃でもあるのだろうか?発想を変えれば、アンビエント・ミュージックとして楽しむこともできるアルバムだ。音楽っぽく聞こえる部分もあるし、耳をこらせば所々に美しさを感じる…ような気もする。とはいえ、さすがにこれを名盤だと言うつもりはないし、「コレが分かる俺様はエラい」などというつもりもない。下の試聴リンクをクリックしても、半分以上の方は「カンベンしてよ」といって途中で聴くのをやめてしまうと思われる。むしろ、それがまともだろう。作ったルー本人もそれは自覚していたのだろうか。アルバム発表後に、ルーみずから「あれは冗談でした」と謝罪文を出した、というエピソードも残っている。しかし、いつの世にも変人はいるものだ。ドイツの某有名ミュージシャンなどは、朝起きるとまずいちばんにこのアルバムを聴いていたという。デヴィッド・ボウイやソニック・ユースのメンバーも、同様の支持者として知られている。そして近年では、このアルバムを敬愛する者、賛辞を贈る者も日に日に増えてきている。時代がルーに追いついたのか、あるいは世の中が病んでいるのか。こんなアルバムが紙ジャケにまでなるんだからなぁ。。。ルー・リードに対しては、"ロック界の最重要人物"という評価が確立して久しい。だが基本的にこの男は、"音楽に娯楽を求める人"には不向きなアーティストだと思う。『Metal Machine Music』は、その極地といえる作品だ。というより、多くの人にとって、おそらくこれは"作品"ですらないだろう。そして、そんなアルバムを時々ムショーに聴きたくなる自分は、もうすでに手遅れなのかもしれない。これが美しきバッド・トリップ・ミュージックなのか、単なる雑音なのかは、聴いたあなたが決めてください。ただし、これで「ルー・リードはパス!」と決めつけないように。ロック史に残る傑作と名高い『Transformer』や、ポム・スフレのメインHPで紹介している『Berlin』をまずは聴きましょうつーコトで『Metal Machine Music』(の一部)を聴くにはここをクリック。

2008.08.30

閲覧総数 7542
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ユニコーン　「自転車泥棒」

奥田民生も今年でプロ生活20年になるのね…(と、今さら言ってみる)。という事で、久しぶりにユニコーンの「自転車泥棒」を聴く。う～ん、やっぱりいい曲だあ～。4thアルバム「ケダモノの嵐」(写真)が発表されたのは1990年。日本がバブルとバンド・ブームに浮かれている真っ最中の時だ。聴きましたねぇ、このアルバム。後から知った事だが、これってオリコン1位やレコード大賞の他にも、「ミュージック・マガジン」の年間ベストアルバムに選出されてるのね。「自転車泥棒」はこのアルバムに収められてる曲で、個人的にはユニコーンの中で一番好きな曲だったりする。作詞・作曲はギターの手嶋いさむ。少し不思議な響きを持ったイントロで始まるこの曲は、民生のヴォーカル、XTCを彷彿とさせるアレンジ、ポップさと優しさに溢れた美しいメロディが絶妙にブレンドされた、名曲と呼ぶにふさわしい仕上がりとなった。なんとも爽やかで甘酸っぱい、この感触。ヘンにこねくり回さず、ストレートに演奏にしているのもいい結果を生んでいる。夏の情景が浮かぶノスタルジックな歌詞も素晴らしい。このバンドには他にもいい曲がたくさんあるが、この一曲でユニコーンは僕の中で忘れがたい存在になった。この曲、シングルにならなかった事もあって、当初は「隠れた名曲」扱いだったが、その後ベスト盤に収録されたり、ホワイトベリーやJackson vibeにカバーされたりもした。今では「ジャパニーズ・ポップスの名作」として多くの人に知られている……といいなあ(笑アルバムにはこの他にも、おなじみ「働く男」や「スターな男」、「ケダモノの嵐」、「フーガ」など名曲がてんこ盛り。民生をはじめとする五つの才能が見事にスパークした、バンドにとって最も幸せな瞬間が記録された一枚だなあ。つーコトで「自転車泥棒」を聴くにはここをクリック。ユニコーンのライブ映像なんだぜ!遠い昔　ふた月前の夏の日に坂道を　滑り降りてく二人乗りずっとふざけたままで手を離しても　一人で上手に乗れてたいつのまにか　一人で上手に乗れてた髪を切りすぎた君は　僕に八つ当たり今は思い出の中で　しかめつらしてるよ膝をすりむいて泣いた振りをして逃げたとても暑過ぎた夏の　君は自転車泥棒　君は自転車泥棒

2007.11.06

閲覧総数 4040
4

The Beatles　「Don't Let Me Down」

シングル「Get Back」のB面として発表された、ジョン作のストレートで熱いラヴ・ソングである。オリジナル・アルバムには未収録。B面にまわされたジョンの作品としては、もっとも人気が高いのではと思われる名曲だ。暗礁にのりあげたセッションとして知られるGet Backプロジェクトからの、数少ない"使える曲"というコトで、とりあえず'69年の4月に発売された。"Don't Let Me Down"というフレーズは、直訳すると「俺を落ちこませないでくれ」となる。で、コレが現在ではよく「俺をガッカリさせないでくれ」と訳されているのだが、どうも個人的には語感が合わない。この場合は、「俺を捨てないでくれ」とか「僕を傷つけないで」というニュアンスに近いと思うのだがどうでしょう?(←英語自信ナシ)で、この曲、プロデューサーはおなじみジョージ・マーティンという事になっているが、実はシングル盤に公式なクレジットはない。事実上のプロデューサーはこの時エンジニアをつとめたグリン・ジョンズと言われており、マーティンも現場にいることはいたが、おそらく作業にほとんどタッチしていなかったと思われる。映画「Let It Be」のラスト・シーンでも有名なこの曲だが、シングルに使われたのは撮影直前に行われた'69年1月28日録音のテイクだ。出だしのギター・フレーズとジョンの枯れた歌声。シブい。そしてカッコいい。基本的にはまったりとした曲調で、サウンドは一聴するとラフだが、演奏そのものはとても引き締まっている。ヨーコにささげたラヴ・ソングというだけあって、ジョンのボーカルが熱い。それをサポートするポールのコーラスもなかなかに力が入っている。「Ohh……」という裏声がちょっとアザとい気もするが(笑もうひとつ、この曲のキモとなるのが、黒人奏者ビリー・プレストンのキーボードだ。ボーカルの後ろをついて回るかのようなフレーズがとても効果的。間奏で聴けるエレピ・ソロも、ひたすらクールでメロウ。それがジョンのボーカルといい対比になっていて、曲にメリハリをつけている。ビートルズの曲としてはソウル/ゴスペル色が強い仕上がりなのは、やはりビリーの参加があっての事か。彼に誘発されてか、ジョンの節回しもブルージーに聴こえる。また、重く淡々としたリンゴのドラミングも見逃せない。連打されるシンバルの音がとても印象的に響く。リズム隊のフィーリングがThe Bandや後のスワンプ・ロックに通じるといったら言いすぎか。痩せたディストーション・ギターの音色もぴたりとハマったこの曲、サウンド的な質感としては、アルバム『Let It Be』に入れてもなんら違和感はない。むしろGet Backセッションの曲としてはピカイチな出来のため、アルバムから外されたことが悔やまれる。2003年に発売された「Let It Be...Naked」には、映画『Let It Be』での演奏分を編集したバージョンが収録された。この曲は後にポール・ウェラーやステレオ・フォニックスがカバー。アニー・レノックスやプリテンダーズ、最近ではマルーン5などもライヴでこの曲をカバーしている。ビートルズの曲としては、黒人シンガーによるバージョンも多いらしい。また、日本では、マッカートニー・フォロワーの代表格である財津和夫がライヴでこの曲をカバー。レゲエ風の演奏とつぶやくようなヴォーカルという、まったく違う解釈のもの(これね)だったが、う～ん、はっきり言って成功しているとは思えない。。。エルトン・ジョンが'75年にジョンの「Lucy In The Sky With The Diamonds」をレゲエ風にカバーして大ヒットさせているが、それに影響されたのだろうか?などと、やや脱線したまま、本日のレビューを終わるコトにする。「Don't Let Me Down」を聴くにはここをクリック。ポム・スフレのメインHPはこちら。

2008.04.27

閲覧総数 897
5

F.R. David　「Words」

80's音楽愛好家にとって忘れられない「素晴らしき一発屋」のひとりが、チェンジニア生まれのフレンチ・シンガー、F.R.Davidだろう。彼の代名詞的な名曲「Words」がヒットしたのは、'82～'83年。僕がこの曲を知ったのはそのだいぶ後なのだが、音がクソ悪い安物ラジオからこの曲のメロディが流れてきた時には、何とも心が癒されたものだ。'47年生まれの彼が、F.R.デヴィッドとしてソロ・デビューしたのは20歳の時。その後、バンド活動をしたりヴァンゲリスのアルバムに参加したりと、それなりにキャリアを重ねていったようだが、彼の名が世界的に知れ渡るのは80年代になってから。デヴィッド自らのペンによる「Words」がシングルとしてリリースされたのは'82年。この時彼は35歳になっていた。この曲はイギリスで最高2位まで上がったのをはじめとして、ヨーロッパを中心に大ヒットを記録。ドイツでは11週間1位に輝き、フランス、ベルギー、オランダ、イタリアなどでも軒並み1位を記録したらしい。日本でも、オリコンでの成績はさほどでもなかったが、ラジオやディスコなどではよくかかっていたという。最終的なセールスは全世界で800万枚。一説には2400万枚とも言われているが、そんなハナシもちょっとだけ信じてみたくなる、素敵なポップソングに仕上がっている。口下手な男の気持ちを切々と歌ったこの曲。憂いを帯びたデヴィッドの歌声、シンプルなビート、柔らかくも優しいメロディが胸に沁みる。80's丸出しなシンセの音は、ダサいけどとても温かい。いかにもフランス人らしい聞き取りやすい英語も泣かせてくれる。80'sの香り、ヨーロッパ的な気品と哀愁をたたえたこの曲は、「懐かしい」の一言で済ますには惜しい名ポップ・ソングだと思う。F.R.デヴィッドのヒット曲はぶっちゃけたハナシこれだけ。この他にも「I Need You」「Sahara Night」「Don't Go」などの佳曲もあるが、「Words」の前ではどれも霞んでしまう感は否めない。そういう意味では、悲しいかな「This Is The 一発屋」の名にふさわしい人なのかもしれない……とベスト盤しか持っていない自分が言ってみるそれでも、「Words」一曲だけでもこの人の名はポップス・ファン(注:30代以上)の記憶に残るだろう。現在発売されているベスト盤には上記の代表曲の他に、「Words」の新録バージョンや、アル・スチュワートや10ccのカバー曲なんかも入っていたりする。ポップスが好きな人や、心が癒されたい人などは、この曲を知っていても損はないかもしれない。F.R.デヴィッドの名曲「Words」を聴くにはここをクリック!Words Don't Come Easy To Me(←うう…身につまされるフレーズ…)

2007.11.17

閲覧総数 7905
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Big Star　「Ballad of El Goodo」

Big Starというバンドを作ったアレックス・チルトンは、ロック史上に残るカルト・スターとなってしまった。誉めているのかケナしているのか、書いている自分もよく分からないのだが、とりあえずこれは事実だと思う。実際、アレックスという人は、好きな人にとっては"神レベル"なアーティストかもしれないが、そうでない人には「誰それ?」な存在ではないかと。それくらい、落差のある才人なのだ。パワポオタである自分にとっては、当然、前者なワケだが。。。メンフィス生まれのアレックス・チルトンが世に出たのは'67年、16歳の時である。ブルー・アイド・ソウル系グループ、ボックス・トップスのヴォーカリストとしてだった。代表作として知られる「The Letter(あの娘のレター)」は、'67年9月に全米1位を記録。ジョー・コッカーにも歌われたこの曲は、60年代ヒット・ポップスのファンなら知っている人も多いだろう。しかし、チルトンの本領はボックス・トップスを脱退した時からはじまる。地元メンフィスに戻ったチルトンは'71年、高校時代の級友であるクリス・ベルと、そのバンド仲間だったアンディ・ハメル(b)、ジョディ・スティーヴンス(Dr)とともにビッグ・スターを結成する。バンド名は、彼らが見たスーパーマーケットの店名から取られたという。エルヴィス・プレスリーの故郷でもあるメンフィスは、黒人音楽のメッカとして知られていたが、チルトンやベルの指向していたものはそれとは全く違っていた。二人が作ろうとしたのは、"60年代ブリティッシュ・ビート"風のギター・ロックだった。それは、ビートルズやキンクスなど、彼らが少年時代に親しんだ音楽へのオマージュでもあった。チルトンとベルの共作を大半とした12曲は、ビッグ・スターの1stアルバム『No.1 Record』('72年、上ジャケット)としてまとめられた。そこにおさめられた音楽は、「ビートルズのコーラスと、キンクスやThe Byrdsのギター・サウンドを合体させた」という形容がふさわしいものとなっている。のちに"パワーポップのルーツ"とも言われるこのサウンドは、今聴いてもシンプルで強く、美しい響きをたたえていると思う。「Ballad of el Goodo」はアルバムの二曲目に配された、アコースティック風味の名曲。クレジットはアレックス・チルトンとクリス・ベルの共作となっているが、楽曲およびアレンジはベルの個性が色濃く出ている。あたたかな感触を持つギター・サウンド、センシティヴなメロディは、素晴らしいの一言。サビ部分の広がるような美しさは特筆ものだ。計算されたコーラス・ワークにも注目したい。独特かつ清涼感あるハーモニーが曲の完成度を高めている。演奏はタイトに引き締まっており、そのせいか、バラードでありながら湿っぽくならない絶妙の仕上がりとなった。ちなみに、アレックス・チルトンの唱法はボックス・トップス時代のものとはまったく異なっており、言われなければ「The Letter(あの娘のレター)」と同じ歌い手だとは誰も気づかないだろう。それほどまでにこの曲は美しく、そして繊細だ。アルバム自体も素晴らしい出来で、一部の評論家からは高い評価を受けたという。だが、事実上のインディ扱いだったこともあり、何のプロモーションもされなかったこの作品は、当時まったく売れなかった。そのうえ、チルトンと音楽的に対立したクリス・ベルは程なくバンドを脱退。ビッグ・スターは、チルトンを中心としてさらにアルバムを二枚出すがやはり売れず、そのまま消滅してしまう。クリス・ベルは、正式な音源を発表することも出来ないまま、'78年に交通事故で死去。チルトンはその後もソロ活動を続け、ロカビリー・バンドで演奏したりもするが、一時はレストランで皿洗いをするまでになってしまったという。才能に恵まれながらも、時代の中で居場所を見つけられなかった男達の悲劇だった。だが、ビッグ・スターおよびチルトンの名は、アンダーグラウンド・シーンの中で生き続け、次世代のミュージシャン達によって再びスポットを当てられる。'86年にメジャー・デビューしたバングルズは、1stアルバムの中で「September Gurls」をカバーしていた。リプレイスメンツは、'87年のアルバムで「Alex Chilton」というその名もズバリの曲を収録している。その後もR.E.M、プライマル・スクリーム、ティーネイジ・ファンクラブといったバンドの後押しにより、チルトンの評価はウナギ昇りとなる。'93年には、ポウジーズのメンバーを加えた編成でビッグ・スターは再結成された。'94年には、幻とされていた1stと2ndがCD化され、その素晴らしさが若い世代にあらためて知られることとなった。'05年には27年ぶりのオリジナル・アルバム『In Space』も発表され、'06年にはトリビュート・アルバムも出ている。そういえばチープ・トリックも近年のライヴで、ビッグ・スターの曲をカバーしていたっけなぁ。ポップで美しく、だけどコマーシャリズムに媚びない鋭さを持ったビッグ・スターの音楽は孤高であり、これからも輝きを失わないと思う。愚直でガンコ親父面で、本能のままに、だけどいーかげんに現在も音楽活動を続けるアレックス・チルトン。優れたメロディ・メイカーでありながら時々トチ狂ったようなこともするこの男には、カルト・スターの称号がふさわしい。クリス・ベルも草葉の陰でほくそ笑んでいることだろう。ビッグ・スター名義でのアルバムはすべてが必聴!つーコトで「Ballad of El Goodo」を聴くにはここをクリック。元祖パワーポップともいえる名曲「September Gurls」(2ndアルバム収録)はこちら。※ポム・スフレのメインHPではクリス・ベルのソロ・アルバムについて取り上げられています。

2008.08.21

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パフィー「アジアの純真」とELO

ELOの曲が「電車男」のTV版に使われている。これを機会にELOの音楽もクイーン並に認知される！…というわけではなさそうだが（泣）、それはまあいいとして（よくないけど）、ELOと聞いて自分が思い出すのはパフィーのこのデビュー曲だ。奥田民生作のこの曲、メロ自体はELOのどの曲に似てるというわけでもないが、民生らしからぬ（？）どキャッチーなメロディと暑苦しいくらいきらびやかなアレンジ、とりわけサビの部分のストリングスアレンジといい、「これELOじゃん！」と思った方は決して少なくない…はずユニコーン時代にはELOの「MR.BLUE SKY」を下敷きにしたと思われる「ヒゲとボイン」という曲もある。ちなみに当時「アジアの純真」は、今はもうないオレンジジュース「きりり」のCMに使われていた。そのCMにも出ていたパフィーの二人は「何この人達？どっかのシロウト？」とでも言いたくなるようなダッサいおねーちゃんだったのを今でも思い出す（遠い目）…

2005.08.03

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The Beatles　「I Saw Her Standing There」

「ワン、ツー、スリー、フォー!」のかけ声で始まるこの曲は、ビートルズの1stアルバム「Please Please Me」のオープニングを飾るストレートなロックンロール・ナンバーである。作者はポール(一部ジョンとの共作)。原題は「Seventeen」というタイトルだった。2チャンネル・トラックを使った事実上の一発録りで、それが演奏に熱さと生々しさを与えている。終始後ろで鳴るハンド・クラッピングも小気味よい。アメリカ編集のミックスでは「ワン、ツー、スリー」の部分がカットされ、いきなり「フォー!」のかけ声から始まるのだが、昔その事を知らずにそのバージョンをテープに落とした僕は、聴いてみて「ダビングをミスった…」と軽くヘコんだ記憶がある(笑ポールの歌唱はリトル・リチャード直系のハードなもの。「Yesterday」や「Let It Be」がもっとも有名であろうこの人だが、出発点からして実はしっかりロケンローラーしていたりする。また、ジョンによるコーラスも入ってはいるものの、ここではまだビートリーな個性が出ていないのが逆に初々しさ(?)を感じさせる。一方、ジョージはここではコーラスをとっていない。ひょっとして演奏するだけで精一杯だったんだろうか? ん～、一発録りだもんなあその甲斐あってか、間奏部では危なっかしいながらもなかなかスリリングなソロを聴かせてくれる。なお、このギターソロはスタジオ・テイクとライヴ演奏では大きく異なっている。ベース・ラインはチャック・ベリーの「I'm Talking About You」から持ってきており、基本的には3コードのロックン・ロールっぽい構成なのだが、一部でマイナー調のメロディーが顔を出すところがミソ。シンプルな作りの中にも、すでにポールの作曲家としての萌芽が見てとれる。この曲は、デビュー前からの重要なレパートリーだったらしく、ハンブルグ時代のライヴを収めたブートでも荒々しい演奏を聴くことができる。小汚いクラブで酔っ払い相手に激しいライヴを繰り広げていたという彼ら。アマチュアっぽさも残る(当然か)ここでの演奏にも、そこで培った芸人魂とドライヴ感はしっかりと詰め込まれている。ちなみに、ガレージ・パンクにも通じる荒削りな魅力はアナログ盤で聴いてこそ分かるというもの。現行のCDは、音がやせ細っていてハナシにならんですたい(なぜか博多弁)。レコード会社さんには、いいかげんリマスターした上でのCD再発を一考してほしい。アメリカでは「I Want To Hold Your Hand」のB面として、'64年に最高14位を記録。'87年には、ティファニーが「I Saw Him Standing There」というタイトルでカバーして、全米7位を記録している。また、ジョン・レノンは、自身にとって最後のライヴ演奏となった'74年のマジソン・スクエア・ガーデンのステージ(※)で、エルトン・ジョンと一緒にこの曲を歌っている。その時のMCは「昔のボクの婚約者が作った曲です」だった。これは、ジョンがソロで取り上げた唯一のポールの楽曲である。The Whoもこの曲を演奏しており、キース・ムーンが歌うリハーサル映像も非公式ながら残されている。'82年の解散ツアーでは、ジョン・エントウィッスルのボーカルで取り上げられたこともあった。楽曲として見るなら「世紀の名作!」…という程でもないのだが、ポール自身にとっても思い入れの深い曲なのだろう。'87年のセッションでは新たに録音されている(ただしオクラ入り)ほか、ソロ・ツアーでもたびたび取り上げられており、マッカートニー・クラシックと呼ぶにふさわしい曲となった。「I Saw Her Standing There」を聴くにはここをクリック!※　エルトンのコンサートに飛び入り出演した

2008.04.20

閲覧総数 520
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YMO　「Mad Pierrot」

'78年2月、アルバム『はらいそ』の録音中だった細野晴臣は、高橋幸宏と坂本龍一を自宅に招き、当時、自分が考えていた音楽コンセプトについて話す。それは「マーティン・ディニーの『Firecracker』をシンセサイザーを使用したエレクトリック・チャンキー・ディスコとしてアレンジし、シングルを世界で400万枚売る」というものだった。高橋と坂本はそれに賛同し、その場でグループ結成の話が持ち上がる。イエロー・マジック・オーケストラ(YMO)の誕生である。ヒントとなったのはクラフトワークとジョルジオ・モロダーだ。音楽的視野が広く先見性にも長けていた細野は、反復するリズムの向こうに"新時代の到来"を感じとっていたのだろう。強者(つわもの)ミュージシャン三人によってYMOは結成された。だが、デビュー当初の彼らに注目していた人はごくわずかだったという。強者といっても、当時の三人は一般的知名度が高いわけではなかったし、彼らのやろうとしている事は海のものとも山のものともつかないように思えたからだ。'78年の9月に発売された『ニュー・ミュージック・マガジン』には、「機械が歌う明日(?)の歌、現代都会人の音楽を模索するイエロー・マジック・オーケストラ」という記事が掲載されている。その記事を書いた北中正和氏は、原稿を提出する前に何度か取材を行っているが、"YMOの音楽をどう評価していいか分からないまま記事をまとめてしまった"と言っている。のちにオリコン20位まで上がる1stアルバム(ただし米国盤)も、発売当初はほとんど売れなかった。細野が頭の中で描いていたヴィジョンは、当時の日本ではそれほど進んでいたわけだ。また、自身もYMOを一種の"実験的ユニット"と考えていたようで、固定メンバーで活動をするとは思っていなかったようだ。当初のグループ名は「細野晴臣　イエロー・マジック・オーケストラ」だった。ジャケットにもメンバーの顔は写っていない。また、初期の構想では横尾忠則もメンバーのひとりに入っていたという(入れてどうするつもりだったんだろう?)。グループ名をそのままタイトルに冠した『Yellow Magic Orchestra』は、YMOの1stアルバムだ。発表は'78年の11月。最初からワールド・ワイドな活動を念頭においていたこともあり、アルバムは海外でも発売されることとなった。ちなみに、レコード会社は当初この作品をフュージョン系の音楽として売り出そうとしていたらしい。米盤ジャケット(上写真)のデザインを手掛けたのは、ウェザー・リポートの『Heavy Weather』でも知られるルー・ピーチだ。テレビ・ゲームのSEから始まるこのアルバムは、"テクノ・ポップ"という言葉がふさわしい内容となっている。もっとも、当時そのような概念はほとんど浸透していなかった。日本で"テクノ・ポップ"という言葉を最初に使ったのは、音楽ライターの阿部譲だという(シンコー・ミュージック発刊『Techno Pop』より)。言葉が世に出たのは'78年の8月。クラフトワークの音楽を紹介する際に使った表現だった。YMOの音楽はクラフトワークの影響を強く受けたものだったが、さらにディスコ的なキャッチーさと躍動感を強調した所が新しかった。コンピューター演奏による無機質感を前面に出す一方で、メロディや従来的なコード感覚も大切にしていた(特に初期)。それはまさに"テクノ・ポップ"であり、彼らの音楽が多くの人に受け入れられた最大の要因だと自分は考える。また、機械を駆使した演奏ながら、同時に人間的なぬくもりも感じられるのも見逃せない。それは、メンバーである三人がもともと肉体的なプレイヤーとしても一流だったということに起因するものだ。細野作品であり、アルバムの最後を飾る「Mad Pierrot」は、自分がもっとも好きなYMOの曲のひとつだ。同アルバムでよく知られているのは、マーティン・ディニーの「Firecracker」、坂本作曲による「東風」、高橋作曲の「中国女」あたりだろうが、本曲もクオリティ面では劣っていない。タイトルはゴダールの映画からとられた(『東風』『中国女』もそう)。この曲が生まれてから、もう30年がたつ。軽くてピコピコしたサウンドはいかにも"テクノポリス・トーキョー"だが、それでも古びた感じはあまりしない。全体にみなぎるスピード感と、耳をとらえるメロディのせいだろう。坂本によるピアノの音色も実に気持ちいい。荒削りな部分は若干あるものの、基本的なサウンド・スタイルや音楽的焦点はこの時点で既に確立されている。キッチュでカラフル、そしてポップ。三人の天才がぶつかりあうスリル、"新しい音楽"が生まれる瞬間の輝きが、東洋風のキャッチーな旋律と合わさって鮮やかに記録されている。細野がかねてから提唱していた"イエロー・マジック"とは、このことだったのだろうか。ここにつまった勢いと華々しさは、次作での大ブレイクを予告しているかのようでもある。たたみかけるような疾走感は、のちの名曲「Rydeen」と一本の線でつながっている。'79年8月、YMOは初の海外公演(チューブスの前座)を行い、大絶賛を浴びた。同年9月には2ndアルバム『Solid State Survivor』を発表。ポール・マッカートニーやマイケル・ジャクソンをはじめとして、彼らの音楽が世界のミュージシャンに刺激を与えたことはご存知のとおり。細野が思い描き、坂本、高橋ら(松武秀樹も)と共に具現化した"トーキョー発の電子音"は、日本が誇るべき音楽遺産のひとつだと思う。「Mad Pierrot」を聴くにはここをクリック!

2008.07.26

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Steely Dan 「Dirty Work」

スティーリー・ダンといえば、まず定番として挙げられるのが『Aja』であり『Gaucho』だろう。そのイメージといったら、ドナルド・フェイゲンとウォルター・ベッカーの二人をから成る"オシャレで緊張感の高い"音楽を追求するユニット、といった所か。もちろん、それはそれで間違いじゃないのだが、あくまで後期以降のハナシである。前期、特にデビュー時の彼らは、ライヴもやるごくフツーのバンドであり、音楽自体もそれほど構えたものじゃなかった。'72年に発表された1stアルバム「Can't By A Thrill」は、"いわゆるスティーリー・ダン"とは少し違ったイメージを持たせる内容で、メンバーにジェフ・バクスター(※)がいる事からも分かるように、その音楽は意外にもウェスト・コースト色があったりする。2曲目にあたる「Dirty Work」はまさにそんな曲。このアルバムは全篇通して非常に完成度が高く、実際「Do It Again」(全米6位)や「Reelin' in the Years」(同11位)といったヒット・シングルも出ているのだが、個人的にいちばん好きなのがその曲だ。作者はもちろん、ドナルド・フェイゲンとウォルター・ベッカーの二人である。イントロの、のんびりしたオルガンの音色に軽く脱力曲調もゆっくりしてて穏やかだ。サビ部分でのメロディ展開や分厚いコーラス・ワークがとても気持ちよい。やわらかなアコースティック・ギター、間奏のサックス・ソロにも心がなごむ。シンプルなサウンドは後のスティーリー・ダンからは想像もつかないが、これはこれでなかなかに味わい深い。一方で、ヴォーカルをとるデヴィッド・パーマーの声がグレン・フライそっくりな上に、コーラスの感触なんかも手伝って、一聴するとイーグルスの曲かと思えるのが笑える。それでも、ジャジーなコード感覚といい、そこかしこからネジれや毒がにじみ出てるように思えるのはさすが。このグループ、やはり出発点からしてスティーリー・ダンだったのだ。バンドが6人編成にも関わらず、この時点で結構な数のスタジオ・ミュージシャンも使っているしねともあれこの曲、個人的にはスティーリー・ダンの中でもかなり上位にくるのだが、いかがでしょうか?アルバム『Can't Buy A Thrill』は、他にも聴き所がギュウづめよ～(詳しくはこちらを参照)。ダマされたと思って聴いてみてくださいなつーコトで「Dirty Work」を聴くにはここをクリック。ん～、なごみますなぁ～※ 後にドゥービー・ブラザーズへ加入

2008.04.30

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Yes　「Love Will Find A Way」

イエローの地にピンクの文字というジャケット・デザインが印象的な『Big Generator』は、'87年に発表されたイエス12枚目のアルバムだ。本盤は、大ヒットとなった前作『90125』('83年)と同じメンバー、ほぼ同じコンセプトで制作されている。ここで鍵を握っているのは、ギタリストのトレヴァー・ラビンだ。南アフリカ出身のアーティストである彼は、ギターだけでなくヴォーカルもとれる男であり、なによりコンポーザーとして優れていた。前アルバム収録のナンバーであり、全米1位を記録した「Owner Of A Lonely Heart」も、元々はラビンのソロ用の曲だったというのは有名なハナシだ(…と思う)。『Big Generator』のプロデュースは、元バグルス(※1)にして前作のプロデューサーでもあったトレヴァー・ホーンが引き続き担当するはずだった。だが、レコーディングの途中でラビンと衝突したホーンは、そのまま降板してしまう。結果、ラビンがプロデュースも担当することとなり、アルバムは彼の色が非常に強い仕上がりとなった。「Love Will Find A Way」は、アルバムからの1stシングルとなった曲だ。作詞、作曲はトレバー・ラビン。メンバーの共作が大半を占める本盤の中での唯一のラビン単独作で、元々はスティーヴィー・ニックスのために書かれたという信じがたいエピソードを持つ曲だ。曲調的にはプログレ臭はほとんどなく、産業ハード・ポップと呼ぶにふさわしい出来となっている。ただし、ただの産業ポップではない。良質で美しい、Yesならではのキャッチー・チューンだ。イントロのギター・フレーズ(※2)からして力がみなぎっている。続くAメロは、いきなりジョン・アンダースン、クリス・スクワイア、そしてラビンの三声で歌われるという豪華さ。サビへ向かうBメロ部分はジョンのハイトーン・ヴォイスが目立ち、高揚感を掻きたてる。対して、サビの部分ではラビンの声が目立っているのが面白い。単に声質の問題で振り分けただけかもしれないが、この当時のバンドの政治関係を象徴した一節にも思える。ブリッジ部(1:39～)でアンダースンの透明な歌声が響き、最後にラビンが「Away」と歌い継ぐ(1:55)という作りも絶妙だ。ポップでドラマティックなメロディはもちろん、コンパクトな構成、考え抜かれたアレンジも文句なし。全米30位とチャート的には振るわなかったが、「Owner Of A Lonely Heart」に勝るとも劣らない最高の一曲だと思う。この曲と、'94年の『Talk』に収録の「The Calling」、そして「Owner Of A Lonely heart」と合わせて"90125イエス三大名曲"と勝手に位置づけているワタシです。『Big Generator』はアルバム全体としても素晴らしい出来だったが、前作ほどのヒットにはならなかった。現在でも世間的な評価は高いとは言えず、ファンの間でも賛否が分かれる作品である。音楽的に「プログレっぽくない」というのも理由のひとつだろう。もうひとつは、(前述のように)ラビン色がことさら強いというのがあったのかもしれない。実際、このアルバムを最後にアンダースンはグループを脱退している(その直後にABWHを結成)。こうした事実は、人によっては「ラビンがYesをのっとった」というふうに映るかもしれない。だが、90125イエスは元々ラビンのグループとしてスタートする予定だった(※3)し、彼の指向した「コンテンポラリーなポップ・ロック」は、"プログレ"と呼ばれたバンドが時代を生き抜く方法論として正しかったはずだ。バンドに新しい活力を吹き込み、80年代以降も延命させたラビンの功績はきちんと評価されるべきだと思う。"イエスの顔"と呼ぶにふさわしい人物はジョン・アンダースンだろう。だが、トレバー・ラビンもまたイエスなのだ。『Big Generator』はプログレではないかもしれないが、Yesというバンドが作った素晴らしいポップ・ロック・アルバムだ、と断言したい。実のところ、定番の『危機～Close To The Edge』(過去ログ参照)を別格とすれば、個人的にもっとも好きなイエスの作品がこのアルバムなのである。つーコトで「Love Will Find A Way」を聴くにはここをクリック。トレヴァー・ラビンに愛の手を!＼(´ー｀)ノ※1　一時的にイエスのメンバーでもあった※2　アルバム・ヴァージョンでは、ギターの前に大仰なチェロが挿入されている。※3　元々はトレヴァー・ラビン、クリス・スクワイア、アラン・ホワイトのトリオによる"Cinema"というバンドが予定されていた。そこにトニー・ケイやジョン・アンダースンが加わって新生イエスの誕生となった。

2008.09.26

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チューリップ　「サボテンの花」

財津和夫率いるチューリップの1975年のヒット曲であるが、1993年のドラマ「ひとつ屋根の下」の主題歌に使われた事でこの曲を知った人の方が多いかもしれない。切なくも爽やかなイントロ、財津和夫の優しい歌声、ビートルズ的ポップセンスと四畳半フォーク的な叙情性が見事に融合した美しいメロディーは、「懐かしさ」と「時代を超えた普遍性」を併せ持った、70年代ジャパニーズ・ポップスが生んだスタンダードと言える。「ひとつの恋の終わり」を淡々と歌った歌詞は、表現的にもこれといったひねりはないのだが、財津の声で歌われると素直に心に入ってきて胸を打たれる。この曲は後に財津がソロで、またチューリップの再結成アルバムでそれぞれリメイクしてるが、財津の声の衰えは悲しいモノがあり、やはりオリジナル・バージョンが一番だと思う。現在話題になっている映画「Always～三丁目の夕日」の原作である「三丁目の夕日」(西岸良平・作)の中の短編に「サボテンの花」というエピソードがあるが、そのタイトル、内容からしてチューリップのこの曲からインスパイアされた事はまず間違いない。…と思う。なおチューリップの後期メンバーであった高橋ひろ氏が先日11月4日に逝去したとの事である。この人「幽遊白書」のエンディング・テーマ「アンバランスなKissをして」とかも歌ってましたね。合掌。

2005.11.17

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The Bee Gees　「Jive Talkin'」

ビージーズというと、"不遇の天才"というイメージが、僕にはある。もちろん、彼らの残した実績とあまりにも多い名曲の数々を知っている方なら、「不遇の天才？こいつアタマ大丈夫か？」↑とまあ、こう思うでしょう。しかし、これがThe Bee Geesというアーティストに対する僕のイメージだ。幾多の紆余曲折はあるものの、'63年にデビューした彼らは、モーリス・キブの死去による活動停止まで、約40年間、グループの看板を守ってきた。そのキャリアの長さを差し引いても、彼らの残した名曲の数はハンパじゃない。まずヒット曲らしいヒット曲だけでも、全部聴こうと思ったらCD3枚組くらいになる。アルバムに埋もれた名曲も相当な数だし、その上、他のアーティストに提供した名曲(ちゃんとヒットもしている)も考慮すると、彼らに匹敵するアーティストなんて、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、ビーチボーイズ、スティーヴィー・ワンダーくらいしか思いつかない。それなのに、ビージーズのイメージといったら「サタデイナイト・フィーバー」とか「小さな恋のメロディ」の曲の人、てなくらい。あとは、ドラマやCMで時たま曲が使われて一時的に注目度が上がるくらいか…いわゆるジャーナリズムなんかでも取り上げられる事はほとんどない。紹介される時もほとんどはベスト盤だ。それも中途半端な一枚モノのベスト盤ばっか…(泣）サウンドの先進性に欠ける……ディスコ・ブームに乗った……初期は似たようなバラードばっか（笑）…なんてとこが「音楽史」的に評価の低い所以なんだろうか。まあ一応、要所要所ではちゃんと評価もされているようだが、それでも彼らの残した名曲の数を思うと、正当な評価をされているとはまだまだ思えない。久しぶりにThe Bee Geesを聴いた自分は、そんな事を思うのであった。「Jive Talkin'」はビージーズの'75年のシングルで、彼らにとって2枚目の全米No.1ヒットだ。作者は、バリー・ギブ、ロビン・ギブ、モーリス・ギブの三人。プロデュースを手掛けたのは、音楽史に残る名職人、アリフ・マーディン(2006年逝去)である。アリフは、当時セールス的に落ち込み、方向性にも迷っていたギブ兄弟たちにヒントを与えた。環境を変えさせ、音楽的アドバイスを施し、今、業界で何が起こっているのかを考えさせた。当時はディスコの波が押し寄せていた時期である。ギブ兄弟はそこに自分達の活路を見出した。「Jive Talkin'」は、'75年5月31日に87位で初登場し、10週間後にビルボードの1位を記録。それまでバラードばかりをやっていたビージーズの新生面を示すものであり、カムバックを強く印象づけるヒットとなった。イントロの「チュンカ、チュンカ……」という音は、バリーの運転する車が列車の線路を越える時の音にインスパイアされたものだという。重心のきいたシンセ・ベースと、対する軽やかなリズム・ギターの音色がイカしてる。演奏は抑え目で、メロディにもこれといった起伏はないが、全体の印象はとてもキャッチーだ。シンプルなフレーズを、反復するという構成が気持ちよい。ブレイク部分での手拍子とカウベルもグー!キモい裏声は隠し味程度で、ストリングスも使っていないせいか、後の「Stayin Alive」や「Night Fever」ほどケーハクな印象はない。グルーヴ感とヒット性を程よく合わせ持った、理想的なホワイト・ファンクだと思う。ちなみに「Jive Talkin」とは、俗語で"嘘をつく"の意だとか。この曲が収録されている『Main Course』(上ジャケット)からは、他にも「Nights On Broadway」や「Fanny(Be Tender With My Love)」などもヒット。その他にも佳曲が揃っているこのアルバムは、おそらく彼らの最高傑作である。ベスト盤に飽き足らない人や、どのアルバムから入ろうかと迷っている方にはぜひオススメしたい。つーコトで「Jive Talkin'」を聴くにはここをクリック!Jive Talkin'You're Telling Me Lies～♪

2008.05.24

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