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ポムブログ～ポム・スフレの名曲大百科

[60年代洋楽] カテゴリの記事

全57件 (57件中 1-50件目)

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David Bowie　「Space Oddity」

10月からはじまるドラマ『流星の絆』の番宣で、デヴィッド・ボウイの「Space Oddity」が使われていますね。おろ、ひょっとして主題歌に起用ですか?これがキッカケでボウイ、平成のお茶の間でブレイク?…かと思ったら、ドラマの主題歌は嵐の歌う『Beatiful Days』でしたねまあ、主演が二宮クンやNewsの錦戸クンなだけに妥当なトコロか。じゃあ何でボウイの曲を使うんだよ、って。挿入歌か?つーか、ひょっとして"Ziggy Stardust"にひっかけただけか?なら、むしろ「Starman」を使えよ、とも思うのだが。くだらない前フリはこれくらいにして、↓以下本題。「Space Oddity」は、'69年にリリースされて全英5位を記録した名曲だ。'64年にデビューしたものの、しばらくは鳴かず飛ばずだったボウイにとっての出世作でもある。同じ年に発表された同名アルバム(上ジャケット)に収録。タイトルからも分かる通り、スタンリー・キューブリックの映画に着想を得た作品で、元々はボウイ主演の実験映画『Love You Till Tuesday』の主題歌として作られたものだった。歌詞は宇宙空間を漂うトム少佐と管制塔の会話という形式で成り立っている。決して難解ではないが、適度な抽象性と哲学性を持つ内容は、ボウイのアーティスティックな個性を示すものだ。現在聴けるヴァージョンは、シングル用に改めて録音されたテイクで、アポロ11号が月に降り立つ予定日とされていた7月11日にリリースされている。実際にアポロ11号が月面着陸したのは7月20日だったのだが、当時のイギリスではそれに合わせて「Space Oddity」がラジオで盛大に流れたという。'75年には「Changes」とのカップリングで再発もされ、全英1位を記録した。曲は、ボウイの弾く12弦ギターのコード・ストロークから始まる。ドラムを叩くのはペンタングルのテリーコックス、メロトロンを弾くのはリック・ウェイクマン。空間的なアコースティック・サウンドとセンチメンタルなメロディが強い印象を残す仕上がりとなっている。楽曲的にはビージーズの「The New York Mining Disaster 1941」にインスパイアされたというフォーキー・ポップだが、そこはボウイ。演奏全体にただよう妖気と浮遊感がすでにこの男の非凡さを示している。特にタメを効かせたブリッジ部分からサビへいたる所などは見事な展開で、吸いこまれるような不思議な快感がある。サビ部分では、ボウイの歌もさることながら、耽美的なストリングスも聴き所。これは、プロデューサーであるガス・ダッジョン(エルトン・ジョンを手掛けたことでも有名)の手腕か。はかなげなその音色は胸に迫るものがあり、ボウイの憂いあるヴォーカルと合わさって、宇宙からひとり地球を見下ろす男の孤独をうまく表現していると思う。「For here,am I sitting」というくだりの後ろで不安げに鳴る管楽器(ピッコロ?)も効果的だ。対して、ブレイク部分ではリズミカルなコード・ストロークと手拍子が飛び出す。ウェットに流れそうな所をキャッチーなアレンジで中和するという作りがウマイなぁ。かと思えば、間髪をいれずサックスの切ない音色(吹いているのはボウイ)が広がり、曲は二転三転。複雑でドラマティック、ある意味プログレッシヴな構成ながら、コンパクトなポップ・ソングとしてまとまっている所にこの人の才気がはっきりと表れていますね。曲は、「地球は青い」「僕が出来ることなんて何もないんだ」というトム少佐の言葉で終わる。そのまま管制塔への音信は不通になってしまうという結末らしい。彼は地球へ戻ることなく、そのまま宇宙の中へ消えていったのだ。事故なのか、それとも自ら"スターダスト"になることを選んだのか。スペーシーな金属音によるエンディングは、聴き手の様々な憶測を可能にする……はずだったのだが、11年後のシングル「Ashes To Ashes」('80年)の歌詞の中で、なんとボウイはトム少佐という人物が「ただの麻薬中毒者だった」と歌っている。これには皆多かれ少かれ驚いた、あるいはヒイたに違いない。「なんじゃそら?」と。誇るべき自分の過去も、ファンの幸せな幻想も否定したボウイ。前向きな創作を重んじるこの人らしいといえばそうなのだが、イマジネイティヴな余韻を残すこの曲に、こういう"後日談"はいらなかったと思うけどなぁまあ、それでも「Space Oddity」が名曲であることには変わりない。"英国ロック孤高のカリスマ"であるボウイにとって実質的なデビュー作ともいえるこの曲は、発表から四十年たった今もミステリアスな美しさをはなっている。つーコトで「Space Oddity」を聴くにはここをクリック!『Love You Till Tuesday』のPVでもある初期バージョンはこちら。※ ポム・スフレのメインHPではデヴィッド・ボウイの名盤『Heroes』について取り上げています。

2008.09.27

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Fairport Convention　「Who Knows Where the Time Goes?」

サンディ・デニー、サイモン・ニコル、イアン・マシューズ、そしてリチャード・トンプソンなどを輩出したフェアポート・コンベンションは、英国トラッド・フォーク系の中でも頂点に立つバンドだ。彼らは'69年に三枚のアルバムを発表しているが、そのどれもが名盤というのも凄い。『Unhalfbricking』(上ジャケット)はそのうちのひとつだ。サンディが加入してからの二枚目となるこのアルバムは、サイケ風味のフォーク・ロック・バンドとして出発したフェアポートがトラッドの世界に足を踏み入れようとする瞬間を記録した作品である。総合的な完成度とテンションでは次作の『Liege & Lief』にゆずるものの、みずみずしさとスリルが程よく同居した本盤もすばらしい。オリジナル盤の収録曲は全部で八つ。メンバーのオリジナルが五つ、ボブ・ディランの作品が三つという構成となっている。リチャード・トンプソンの作品「Genesis Hall」、ディランのカバー「Percy's Song」、トラッドをアレンジした大曲「A Sailor's Life」など、聴き所が随所にある本作だが、個人的に一番好きなのはサンディ・デニーのオリジナル曲である「Who Knows Where the Time Goes?」だ。「時の流れを誰が知る」というタイトルのこの曲は、サンディがグループ加入前に作ったフォーク・ソングであり、彼女にとっての生涯の名曲である。本盤での演奏は、ややロック的味付けをしたものとなっており、まさに"フェアポート流フォーク・ロック"と言える仕上がりになった。落ち着きをたたえたイントロからして孤高の美しさを感じさせる。トラッドを基調とする、気品と哀感を持ったメロディはいかにも英国的であり、サンディのソングライターとしての資質を証明するものだ。彼女のヴォーカルもすでに完成されており、この時22歳とは思えないほどの貫禄ぶり。ジミー・ペイジが惚れたのも分かるなぁ(※)。リチャード・トンプソンのギター・プレイは、抑えた中にもノコギリのような切れ味が感じられ、その非凡な個性を示している。淡々としたドラムもいい感じだ。ここでの演奏を聴かせるマーティン・ランブルは、なんと本盤のレコーディング直後に交通事故死してしまう。まさに「時の流れを誰が知る」だ。サンディがソロになってからも歌い続けられたこの曲は、ジュディ・コリンズ、エヴァ・キャシディ、ニーナ・シモン、スザンナ・ホフス(ex:バングルズ)など多くの人にカバーされた。フェアポートのヴァージョンは、'07年の英国で「オール・タイム・フェイバリット・フォーク」として選出されている。静かなる情念と色褪せない美しさを持つこの曲は、英国フォークの奥深さを象徴する一曲と言えるだろう。「Who Knows Where the Time Goes?」を聴くにはここをクリック!※　サンディはLed Zeppelinの曲「The Battle of Evermore(限りなき戦い)」にヴォーカルとして参加。

2008.09.18

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Edwards Hand　「House Of Cards」

　　特集～　ビートルズの遺伝子たち　その1プロデューサーのジョージ・マーティンといったら、ビートルズを手掛けたことで有名な人物だ。その貢献度の高さは"五人目のビートルズ"と呼ぶにふさわしい、というのは誰もが認めるところだろう。だが、根っからの名裏方である彼の仕事はこれだけではない。有名どころでは、ジェフ・ベック、アメリカ、チープ・トリック、ケニー・ロジャース、ウルトラヴォックス(←有名か?)などがあげられる。エルトン・ジョンがダイアナ妃にささげたシングルである「Candle In the Wind」'97年ヴァージョンもマーティンによるプロデュースだ。その一方で、有名になる前のゲイリー・グリッター(ポール・レイヴン名義)、70年代ブリティッシュ・ポップ・グループとしてマニアに高い人気をほこるスタックリッジなど、シブいアーティストとの仕事もこなしていたりする。エドワーズ・ハンドもそのひとつだ。ロッド・エドワーズとロジャー・ハンドからなる男性ポップ・デュオである。学生時代に出会ったという彼らは、'67年に一度ピカデリー・ラインという名前でデビューしたこともあったが、翌年にはエドワーズ・ハンドと名前を変えて再出発している。そのデビュー・アルバムを手掛けたのがジョージ・マーティンだった。エドワーズ・ハンドの1stアルバム『Edwards Hand』(上ジャケット)は、'69年にリリースされている。本盤が録音されたのは'68年の秋。ちょうど同じ時期にはビートルズが『The Beatles』(ホワイト・アルバム)を制作していたのだが、ジョン、ポール、ジョージが別々のスタジオでそれぞれに作業を行うという状況下、マーティンは「休暇をとる」と置き手紙ひとつだけを残して、スタジオをしばらく離れてしまう。その合間を利用して手掛けたのがエドワーズ・ハンドだった。原盤ジャケットにあるライナー(英語)を見ると、マーティンは当初、この二人を紹介された時、プロデュースの話をことわったのだという。だが、彼らの曲を聴いて感銘を受けたマーティンは、急遽引き受けることにしたのだとか。出来上がったアルバムは、そんなウソかホントか知れないエピソードを裏付けるような佳作となった(当時はアメリカのみでの発売だったらしい)。当時のジャケット帯には、「あのジョージ・マーティンがプロデュース」という宣伝文句がしっかり入っていたという。また、このアルバムのエンジニアリングを手掛けたのは、これまたビートルズの裏方で知られるジェフ・エメリックである。本盤は、全11曲中10曲がロッド・エドワーズとロジャー・ハンドの共作である。ポール・マッカートニー的ポップ・センスにブリティッシュ・トラッドの要素をまぶしたようなメロディ。それがマーティンのプロデュース・ワークとうまく融合して、良質なポップ・アルバムに仕上がっている。どれもいい曲だが、中でも個人的にイチオシしたいのが五曲目にあたる「House Of Cards」だ。木管楽器の可愛らしい音色とキャッチーで美しいメロディが強い印象を残す。コンパクトにまとめられた曲作り、気品のある演奏もチャーミングに響く。サビに入る瞬間の展開がなんとも気持ちいい。地味すぎず派手すぎないアレンジのバランス感覚は、マーティンの手腕か。ソフトで広がりのあるハーモニーも素晴らしいこの曲は、中期ビートルズをよりメロディアスにしたような逸品で、そのテのファンにはおすすめだ。このアルバムがCD化されるだいぶ前に、大枚はたいてアナログ盤を手にしたワタシですが、この曲だけでも「買ってよかった」と思ったものです。。。(しみじみまた、このアルバム、最後の曲などはプログレッシヴなテイストも感じられて興味深い。…などと思っていると、次作『Stranded』(これもマーティンのプロデュース)のレコーディングにはあのジョン・ウェットン(※)が参加していたと聞いて「おおっ」と驚く。ビートルズとプログレの接点はこんなトコロにあったのか～(笑ともあれエドワーズ・ハンドのこのアルバム、埋もれさせておくには惜しいブリティッシュ・ポップの名品です。つーコトで「House Of Cards」を聴くにはここをクリック!もうずいぶん昔のことですが、今でもエドワーズ・ハンドとのレコーディングはとてもいい思い出です。このアルバムが再発されて新しいオーディエンスの耳に触れることをとてもうれしく思っています。--------ジョージ・マーティン※ キング・クリムゾン、U.K、エイジアなどのメンバーとして知られるヴォーカリスト兼ベーシスト

2008.09.01

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Troggs　「With A Girl Like You」

トロッグスと言われてすぐにピンとくる人はどのくらいいるのだろうか。60年代に人気を博した英国産ビート・ポップ・バンドのことである。ジミ・ヘンドリックスがギターを燃やした時に歌った曲は「Wild Thing」というのだが、それのオリジナルを歌っていた人達だよと言えば、「ああ、なるほどね」くらいの答えは返ってくるかもしれない。映画『メジャーリーグ』でも、それのカバー・バージョンが使われていたので、野球ファンにもおなじみかな?そういえば、「Love Is All Around」はR.E.MやWet Wet Wetがカバーしていましたね。かく言うワタシも、ジミヘンがらみでこのバンドにたどりついたミーハーでした演奏はウマくないし、所詮はB級なんだけど、なんかソソられるものがあるんだよねぇ、この人たち。'64年、イギリスはハンプシャー地方で結成されたトロッグスは、キンクスのマネージャーだったラリー・ペイジに見出され、'66年にデビューしている。デビュー曲の「Lost Girl」は不発に終わったが、後続シングルの「Wild Thing」が全米1位、全英2位のヒットに輝く。キングスメンの「Louie Louie」を思わせる単純なリフ、オカリナのとぼけた音色が妙なインパクトを残す佳曲だった。ガレージ・ロック系の粗雑な演奏、レグ・プレスリーのダーティーな歌唱はパンクの元祖と言えるもので、「Wild Thing」のほかにも「I Can't Control Myself」、「I Can Give You Only Everything」(Themのカバー)、「Night Of The Long Grass」といったガレージ系の名演を残している。イギー・ポップ、ラモーンズ、R.E.Mなど、このバンドに影響を受けたアーティストは意外にも(?)多い。チャック・ベリーやボ・ディドリーの曲をカバーするところなどはいかにもこの時代の英ビート・バンドだが、オリジナル楽曲はポップで可愛らしいのが特徴でもあった。「Love Is All Around」や「Any Way That You Want Me」などの美しいバラードは、彼らのもうひとつの側面(あるいは本質)をあらわすものだ。「With A Girl Like You」は、'66年7月にリリースされた彼らの3rdシングルである。作者はボーカリストのレグ・プレスリー。全米では29位とふるわなかったが、英国では1位を記録した代表曲のひとつだ。シンプルで人懐っこいメロディ、すき間だらけのガレージ・サウンド、レグのガサツな歌声という組み合わせがとってもチャーミング。「ぱぱぱぱーぱ～♪」というフレーズには、くだらないと言いつつも、ついつい口ずさんでしまう魅力がある。演奏時間は2分10秒。ギターはコード・カッティングだけ、間奏もまったくなし、という構成もいさぎよい。コンパクトさを狙ったのか、あるいは単に演奏力がなかったのか。ともあれ、B級ならでは味わいを持ったこの曲がボクは大好きなのです。「Wild Thing」のイメージが強烈なために一発屋みたいに思われがちなトロッグスだが、この曲のほかにもヒット曲はそれなりにあったりする。R.E.Mと共演したり、スティングの結婚式でもプレイしたりしたという彼らは、現在でも活動中だとか。少しいかがわしいけど実はポップな魅力を持っているバンド。それがトロッグスです。でもCDは、「ベスト盤を中古屋で安く見かけたらどうぞ」くらいが妥当かも。つーコトで「With A Girl Like You」を聴くにはここをクリック!ぱぱぱぱーぱ～♪

2008.08.29

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Blind Faith 「Had To Cry Today」

オールド・ロック・ファンの間における有名度という点で、ブラインド・フェイスというグループはかなり上位にくるんじゃないかと思われる。が、それは(おそらく)音楽的内容によるものではない。ひとつは、PTAから苦情がきそうなアルバム・ジャケット(上写真)。もうひとつは、「エリック・クラプトンとスティーヴ・ウィンウッドが一緒のグループにいた」という話題性だろう。Creamを解散させたエリック・クラプトン(G)とジンジャー・ベイカー(Dr)、Familyのリック・グレッチ(B)、そして元スペンサー・ディヴィス・グループ～Trafficのメンバーであるスティーヴ・ウィンウッド(Kb,G)によってブラインド・フェイスは結成された。クラプトンとスティーヴの顔合わせはこれが初めてでなく、'66年のセッション"パワーハウス"ですでに共演が実現している。当時"天才少年"の名をほしいままにしていたスティーヴを、クラプトンは高く評価していたという。クリームが解散コンサートを行って('68年11月26日)ほどなくしてから、プロジェクトは動きはじめた。人々はこの四人組のことを"スーパーグループ"と呼んだ。デビュー・ギグとなった'69年6月、ロンドン・ハイドパークでのコンサートには15万人が集まったという。グループ唯一のアルバムである『Blind Faith』は全米チャートで1位を記録。少女ヌードジャケがそのまま採用された日本盤(※)には、「宇津井健かよ!」というツッコミが飛んできそうな邦題(『スーパージャイアンツ』)もつけられていた。しかし、メンバーの名前と作品の内容が必ずしも一致するとは限らない。クリームのメンバーがふたりいたにも関わらず、「メンバーにスティーヴがいるのなら、リーダーは彼で僕は従うだけ」というクラプトンの言葉どおり、アルバムはかなりスティーヴ色が強い内容となっていた。リード・ヴォーカルもすべてスティーヴ。楽器同士のインタープレイは前面に出さず、シブめの"歌もの路線"を基調としていた。当時は「クリームの再来」を期待する風潮が強かっただけに、このアルバムを聴いて肩透かしを喰らったという声も多かったという。が、後追い世代にしてクリーム信者でもなく、「ガイドブックに載っていた」という理由でアルバムを聴いた自分には「まあフツーにいいアルバムなんじゃない?」というふうに思えた。ものすごく、ではなく"まあフツーに"という所がポイントなのだが(笑そしてその印象は今も変わらないまま、年に一、二回くらいアルバムを引っ張り出しては聴いている。「Had To Cry Today」はアルバムの冒頭を飾る曲で、スティーヴの作品。作風的にはトラフィックの延長線上にあると言える、ミディアム・テンポのナンバーだ。曲は、シンプルでどこか奇妙なリフを軸としており、抑え気味な演奏にのせてスティーヴがソウルフルな歌唱を聴かせるというスタイルとなっている。キャッチーとは言いがたいが、メロディはどことなく耳に残る。スティーヴとクラプトン、ふたりによるギターの掛け合いも聴きどころか。クラプトンのギターは腹八分目といった感じ。スティーヴのギターもなかなかのものだ。反面、雰囲気は淡々としており、冗長とおぼしき部分もある。スーパーグループのアルバムの一曲目としては「?」な所もあるかもしれない。が、この"つかみどころのない感触"が何ともいいのだ。ジンジャー・ベイカーのドラムもまったりしててエエでんなぁ終盤で一瞬、サイケデリックなアレンジが顔を出す所が60年代の残り香を感じさせますね。地味ながら、深い味わいを持った一曲だと思うのですがどうでしょう?この時21歳だったスティーヴのヴォーカルは、今聴いても魅力的だ。混沌とする時代の中、皆の期待を一身に背負って世に出たブラインド・フェイス。が、たった一枚のアルバムを残した直後に、バンドははっきりした解散表明もないまま空中分解してしまう。公的な活動期間は半年足らず。クラプトンはそのままアメリカへ渡り、スティーヴ・ウィンウッドは、ジンジャー・ベイカーのバンド(エアフォース)に参加した後、またトラフィックの活動に戻っていった。グループ崩壊の直接の原因は、クラプトンとジンジャー・ベイカーの仲たがいだったと言われている。あるいは「一緒にやってみたはいいけど、な～んか違うね」というのが、メンバー達の心境だったのかもしれない。音楽的焦点がややボヤけており、バンドとしての求心力もあまり感じられないこのアルバムは、スーパー・グループの作品というより、"軽くやってみたセッションの記録"という感じだ。クオリティ的には"名盤"というより"佳作"といった方がしっくりくるだろう。それでいいのだと思う。スーパーグループなんてそんなものだ。「結局なんだったの?」と言われたであろう歯切れの悪い終わり方も、混沌としていたこの時代らしくてイイんではないかと。人々の期待には応えられなかったが、あとにはいくつかの忘れがたい曲が残った。アルバム中唯一のクラプトン作品「Presence Of The Lord」は、のちの彼のライヴでも演奏されている。「Can't Find My Way Home」は、スティーヴのライブでたびたび取り上げられた。そして「Had To Cry Today」および上記の二曲は、'07年と'08年に実現したクラプトンとスティーヴの共演ステージで演奏されている。このアルバムに大仰な誉め言葉は似合わない。だが、「クラプトンとウィンウッドが一緒にやった作品」として、あるいはこの時代、このグループの微妙な空気をつめこんだ一枚として、聴いておいて損はないと思う。ジャケットに映る少女の、うつろな表情もとても好きだ。「Had To Cry Today」を聴くにはここをクリック!※　アメリカではヌード・ジャケが問題となり、差し替えられている。

2008.08.02

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Jethro Tull　「Reason For Waiting」

ジェスロ・タルも今年で活動40周年になるんですね。ジェスロ・タルといえば、案山子(かかし)よろしくな格好でフルートを吹くイアン・アンダーソン。少年の日のワタシも、ガッコの音楽の時間には片足一本で立ってフルートを演奏したものです(ウソですけど)。イギリスはブラックプール出身のジェスロ・タルがデビューしたのは'68年。フルートを取り入れたブルース/ジャズ・ロックは注目を集め、1stアルバム『This Was』は全英10位を記録する。また、イアン・アンダーソンが片足で立ちながらフルートを吹き、パントマイムさながらのパフォーマンスを見せるというライヴは大きな評判となった。そのため、デビュー直後という立場にも関わらず、彼らはローリング・ストーンズの特別番組『Rock'n'Roll Circus』に招かれて、「Song For Jeffrey」を演奏している。なお、その時のギタリストは急遽引き入れられたトニー・アイオミ(※)であり、番組中では終始うつむきながらエア・ギターを披露している(アンプはつながれていなかった)。また、デビューしたその年、「メロディ・メーカー」誌での人気投票で、彼らはビートルズに次ぐ第2位に輝いている。そして翌'69年には、2nd『Stand Up』(上ジャケット)を発表。同作は全英1位、全米でも20位に入るヒットとなり、バンドは確実に足場をかためていく。その2ndアルバムで、いちばん有名なのは「Bouree」だろう。バッハの曲をジャズ・ロック風にアレンジしたインスト・ナンバーで、イアンの吹くフルートと間奏のベース・ラインがとても印象的だ。だが、アルバムにはほかにも印象深い曲がいくつかある。中でも「Reason For Waiting」は自分がいちばん好きな曲だ。作者はイアン・アンダーソン。トラッド、ブルース、クラシックという要素を彼ら流に昇華した傑作である。静かに、だが情熱的にかき鳴らされるアコ－スティック・ギター。そこに叙情的なフルートと淡い音色のオルガンがかぶさってくる。安らかで、どこか幻惑的な音世界。そこには程よい緊張感もただよう。イアンの歌声はアクが強いが巧みに抑制をきかせており、演奏とうまく溶けあっている。後半からはオーケストラも導入され、曲はシンフォニックに盛り上がっていく。四分という楽曲の中での、緩急を効かせたドラマティックな作りは見事。この構成力は、のちの名作『Thick As A Brick』('72年)へとつながっていく。イアン・アンダーソンは、この時まだ22歳だった(写真を見るとずいぶん老けてるが…)。なお、アルバム『Stand Up』のアナログ盤はジャケットをひらくと、紙人形が飛び出してきて、メンバーが"Stand Up"するという仕掛けになっていた(下写真)。ダウンロードという形式は味わえない遊びゴコロですな現在発売されている紙ジャケ盤ではこの仕様が再現されているので、買うならそちらをオススメしたい。内容的にもソンはしませんぜ。一般的には"プログレ"の枠で語られることの多いジェスロ・タルだが、実はハード・ロックやトラッド、あるいはフツーのロック・ファン(?)が聴いても充分イケそうなバンドだと思う。'87年のグラミー賞では、ベスト・ハードロック／ヘヴィメタル部門(この年に新設)も受賞してるしね。頑固親父顔をした"一本足の笛吹き"イアン・アンダーソンの世界は幅広く、そして奥が深い。養鮭業で大成功したという実績も持ってるしね、この人。ほえ～そして今年の秋あたりには、新作の発表も予定されているという。ジェスロ・タルのアルバムは傑作揃いだが、まずは『Stand Up』から『A Passion Play』('73年)あたりを聴いてみよう。つーコトで「Reason For Waiting」を聴くにはここをクリック!※　ブラック・サバスのギタリスト。ジェスロ・タルへの参加はこの時のみで、収録直後にサバスに戻っている。

2008.08.01

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The Byrds　「Goin' Back」

1967年11月、新作アルバムのレコーディング中だったThe Byrdsからデビッド・クロスビーが脱退する。正確に言うなら解雇である。クロスビーと一緒にバンドをやることが無理だと判断したロジャー・マッギンとクリス・ヒルマンが、22000ドルの退職金(?)を差し出してクビを言い渡したのだという。それは、自分のやりたいこととバンドの方向性が噛み合わなかったクロスビーにとっても望むところだったに違いない。シャレなのかあてつけなのか、完成したアルバム『The Notorious Byrd Brothers』のジャケットには、本来いるべきクロスビーの代わりに馬が写っていたw(上写真の右側に注目)「Goin' Back」はデヴィッド・クロスビーがグループを離れる原因のひとつとなった曲である。フォーク・ロック・バンドとして成功を収め、サイケデリック時代の中で次の方向性を模索していたバーズは五作目のアルバムとなる『The Notorious Byrd Brothers』で今までとは違うアプローチを取ろうとする。選曲の傾向も変わってきた。それまではボブ・ディランの作品をカバー曲として取り上げていたのだが、ここでは代わってキャロル・キング＝ジェリー・ゴフィンの作品を二曲取り上げている。「Goin' Back」はそのうちのひとつで、クロスビーが「ポップ過ぎる」といってレコーディングに参加しなかったという。彼抜きで録音された「Goin' Back」は、アルバムに先駆けた'67年10月にシングル発売された。ソフトなヴォーカルにポップな楽曲、サイケとフォーク・ロックが程よく混ざり合ったドリーミーな演奏がまどろむような気分にさせてくれる。特に「ラララ…」という優しいハーモニーが広がるスキャット部分は、聴くたびに心が癒される。ほとんどソフト・ロックと言ってもいい仕上がりを見せているこの曲は、彼らの作品の中でもベストのひとつに挙げられるものだ。だが、チャート的には最高89位(米ビルボード誌)と、それまでのバーズのシングルとしては最低の成績を記録してしまう。それまでとは違うサウンドを当時の世間が受け入れられなかったのか。ある意味クロスビーは正しかったということになるのだが、「Goin' Back」の素晴らしさはむしろ次世代の(特にポップス系の)ファンに理解されることとなる。良い楽曲と的確なアレンジ、常に新しい音楽を追求しようとする彼らの姿勢が生んだ傑作と言いたい。なお、プロデュースを手掛けているゲイリー・アッシャーは、同時期にサジタリアスというグループも手掛けており、そのアルバム『Present Tense』はソフト・ロックの名盤として名高い一枚である。「Goin' Back」を気にいられた方は、そちらを聴いてみることもオススメしたい。つーコトで「Goin' Back」を聴くにはここをクリック!lalalala...lalalalalala...バーズに関する過去ログはこちら。※　ポム・スフレのメインHPではバーズの名盤『The Notorious Byrd Brothers』(名うてのバード兄弟)について取り上げています。

2008.07.18

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Donovan　「Catch The Wind」

三年くらい前だったか。車かなんかのCMでドノヴァンの「Sunshine Superman」が流れていた時には「おろ?」と思ったものだ。なぜ今ドノヴァン?などと思いつつも、曲と映像がマッチしたCMには妙に感心したりもした。あれでドノヴァンに興味を持った人って、どのくらいいたのだろうか?↓つーコトで本題。スコットランド生まれのシンガーソングライター、ドノヴァン・フィリップス・レイッチのキャリアは「イギリスのボブ・ディラン」と呼ばれるところから始まった。'46年生まれの彼は、'65年に「Catch The Wind」でデビュー。同曲はイギリスで4位、アメリカでも23位を記録するヒットとなる。ヴォーカルや演奏スタイルはもちろん、デニムの帽子をかぶり首からハーモニカをぶらさげるその姿まで、当時のドノヴァンは確かにボブ・ディランそのものだった(この時期、ボブ・ディランの映画『Don't Look Back』にも出演)。だが、彼の本領は「ディラン・フォロワー」のレッテルを自らはがす事で発揮されることとなる。先述の曲「Sunshine Superman」がそれだ。プロデューサー、ミッキー・モストと組んだこの曲は、メルヘン的な世界観、フォーク＋サイケ＋無国籍リズムが一体となったユニークなポップ・ソングで、'66年に全米1位、全英2位を記録。名実共にドノヴァンの代表作と言える一曲となった。なおこの曲でギターを弾いているのは、スタジオ・ミュージシャン時代のジミー・ペイジである。その後もドノヴァンは、「Mellow Yellow」、「There Is A Mountain」、「The Hurdy Gardy Man」などのヒットを連発。'68年にはビートルズのインド旅行に同行してジョンにギター奏法を教えるなど、60年代音楽を語るに際して欠かせない人物のひとりとなった。ステージいっぱいに花を飾り、おとぎ話のような歌を歌った彼の姿勢は、ラブ&ピースなその時代にぴったりなものであり、「現実逃避者」と批判されることもあった。70年代に入ってからは商業的成功と無縁になったというハナシも、彼のキャラや音楽性を考えれば頷けるものだ(ただし今も現役であり、一部での人気は根強い)。そんなドノヴァンの歌で自分が一番好きなのは「Catch The Wind」である。ただし、ヒットを記録した'65年のバージョンではない。'69年発表のベスト盤『Greatest Hits』(上写真)をリリースする際に改めてレコーディングされたリメイク・バージョンの方だ。オリジナルはボブ・ディラン風の弾き語りだったが、ここではバンドを従えての演奏であり、歌い方も変わっている。ゆったりとしたコード・ストローク、やわらかで丸みのあるピアノ、包みこむようなコーラスが何とも安らかな気持ちにさせてくれる。ポップで落ち着きのあるメロディも、じんわりと胸にしみこんでくる。そして、優しくてどこか浮遊感をたたえたドノヴァンの歌声はとても魅力的。「風をつかまえる」なんてファンタスティックなフレーズを持つこの曲は、聴いているとそのままメルヘンの世界へ行ってしまいそうな気にもなる素敵なドノヴァン・ソングです(歌詞の内容自体は、メルヘンとは微妙に違うわけだが)。なお、アメリカで高いセールスを記録した『Greatest Hits』は選曲も的確で、ドノヴァン入門編に最適な一枚と言える。だが、'99年に発売されたリマスターCDは曲数は増えたものの、「Catch The Wind」と「Colours」の再録バージョンが'65年のオリジナル・バージョンに差し替えられてしまったのが残念。結果、再録バージョンを手軽に聴けるコンピものは現在は見当たらないのが現状だ。ゆえに、曲数は若干少ないものの『Donovan's Greatst Hits』を購入するなら旧規格のCDの方をオススメしたい(入手困難?)。でもそれだと、ジェフ・ベック・グループと共演した名曲「Barabajagal (Love Is Hot)」が聴けないんだよなぁ。。。とりあえず「Catch The Wind」を聴くにはここをクリック。もちろん再録バージョンの方。ベスト盤が気に入ったらオリジナル・アルバムも聴いてみようぜ!

2008.07.11

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Jimi Hendrix　「Rock Me Baby」

"たられば"で物を考えるのがくだらないという事は分かっている。だが、それでも未だに「もしも、ジミヘンがあの時あの若さで死なずに、今も現役で活動していたら?」などと思うことがたま～にある。クラプトンのように今も第一線で活躍していただろうか?21世紀に入ってからも「歴史上最も偉大な100人のギタリスト」の1位('03年、米ローリング・ストーン誌)に選ばれていただろうか?晩年(?)にはファンク・ロック路線を指向していたジミ・ヘンドリックス。もし今も生きていたなら、ひょっとすると今年の9月あたりにスライと一緒に来日していたかもしれない(笑)…なんていうタワゴトはともかくとして、彼の残した曲や演奏が今聴いても単純にカッコいいなぁと思う事は事実だ。「Rock Me Baby」は自分が好きなジミヘン・ナンバーのひとつだ。B・B・キングがオリジナルであるこの曲は、モンタレー・ポップ・フェスティバルで演奏されたもので、同フェスでジミと同じステージにあがったオーティス・レディングやアニマルズ、ジェファーソン・エアプレインもこの曲をカバーしている。ただし、ここでのジミのバージョンは、歌詞はともかく曲自体は彼のオリジナル要素が強く、後の『Band Of Gypsys』や『Hendrix In The West』(←名盤※)などのライヴ・アルバムでは「Lover Man」とタイトルを変えた(歌詞も変えた)オリジナル・ソングとして収録されている。ここで使っているギターは'65年製、黒のストラトである。ハードで鋭いリフがカッコいい。「ガッガッガッ」というその音色は脳髄を切り刻むかのようだ。疾走感あるリズム隊の上で、ジミのギターがワイルドに唸る。間奏でのプレイは実にエモーショナルで、メタリックな音色の向こうに彼の情念が見える。危険な香りと同時に、どこかエロティックで甘い響きを持っている所がジミたる所以だ。少しではあるが「歯弾き」という視覚的サービスも披露してくれます。クールにきめたヴォーカルも、上手いかどうかは別にしていい感じだ。最後の爆発音のようなサウンドは後のハード・ロックへとつながっていく。演奏する喜びと「皆のド肝を抜いてやろう」という気迫が、音の塊となった名演だと思う。嬉しそうなジミの顔とそれを見守る観客達の反応も印象的だ。ステージを見つめるジャニス・ジョプリンの表情が微笑ましいなぁ。この後、「さあ理想を現実に」と言ってジミはギターに火をつける。その瞬間、ロックの歴史が変わった。だが、「Rock Me Baby」で使っていた黒のストラトはここでは燃やされていない。最後でファイアーしたサイケ・ペイントのギターは、「Wild Thing」の演奏のみで使われた見せもの用だった。四年間の活動期間の中で、ジミがギターに火をつけたのは公式上3回だけである。右利き用のギターを逆さまに持って演奏した男、ジミ・ヘンドリックス。ウッドストックでは、閑散とした会場(ほとんどの客は帰ってしまっていた)で「アメリカ国歌」をノイジーに奏でたジミ・ヘンドリックス。生前最後の公演となったワイト島ライヴでは、「もうたくさんだ」とばかりにギターを投げ捨ててステージを降りた男、ジミ・ヘンドリックス。ひょっとすると彼は、"二十七年間だけ"という約束のもと、神の国からギターを持ってこの世に遊びに来ただけの子供だったのかもしれない。「Rock Me Baby」を聴くにはここをクリック!※ポム・スフレのメインHPではジミ・ヘンドリックスの名盤『In The West』について取り上げています。

2008.07.02

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Frank Zappa　「Son of Mr. Green Genes」

フランク・ザッパ?名前は聞いたことあるんだけど、音楽はよく知らない…つーか聴いたコトない↑こういう方って多いのではないだろうか?変態、難解……そんな印象が強くて近寄りがたい。興味はあるけど、アルバムが多すぎてどこから入っていいか分からない。そんなアナタにオススメしたいのが『Hot Rats』というアルバムである。'69年発表。それまでのバンドだったマザーズ・オブ・インベンションに代わって、各方面の一流ミュージシャンとセッションした作品である(ノー・クレジットながらロールウェル・ジョージも参加)。ジャズ・ロックっぽいインストを中心とした内容となっており、『Over-night Sensastion』('73年)、『One Size Fits All』('75年)と並んで、ザッパとしてはもっとも分かりやすい一枚だ。また、ザッパというと"有名なアンダーグラウンド"のイメージがあるけど、このアルバムって実は全英1位を記録しているのね^^「Son of Mr. Green Genes」は、アルバムの三曲目にあたる大作インスト・ナンバーだ。巧みな構成、親しみやすいメロディ、全体を包む解放的な雰囲気がなんとも印象的。楽器の数はそれほど多くないが演奏にスケール感があり、スリリングで楽しい一大音絵巻となっている。元マザーズからはイアン・アンダーウッドが参加し、キーボードに管楽器にと八面六臂の大活躍。カラフルでプログレッシヴな音作りが光る。もちろん、ザッパ本人による鋭いギターも聴き逃せない。先の文には「ジャズ・ロックっぽい」と書いたが、ここにあるのはどんなジャンルにもカテゴライズされない"フランク・ザッパ・ミュージック"だ。それでいて聴きやすい。40年前の演奏なのに古臭さのカケラもない。なんとエキセントリックで美しい音楽だろうか。ロック、プログレ、ジャズなどの、あらゆるファンに聴いてほしい名曲である。アルバムは他にも、名曲「Peaches en Regalia」や「The Gumbo Variations」、キャプテン・ビーフハートが参加した「Willie the Pimp」など聴き所が満載。CD化の際にはザッパみずからがリミックスを施した、太鼓判つきの一枚です。つーコトで「Son of Mr. Green Genes」を聴くにはここをクリック!※　ポム・スフレのメインHPではフランク・ザッパの『Hot Rats』について取り上げています。

2008.07.01

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Elvis Presley　「Suspicious Minds」

"キング"ことエルヴィス・プレスリーの、後期を代表する名曲のひとつだ。1969年11月1日に全米1位を記録。エルヴィスにとって18曲目の、そして(事実上の)最後のナンバー1シングルである。この曲の作者は、名曲「Always On My Mind」(※)でも知られるソングライター、マーク・ジェイムス。'68年に、まずマーク本人によるバージョンがリリースされているが、ヒットには至らなかった。プロデューサーのチップス・モーマンからこの曲を聴かされたエルヴィスは「イケる」と思い、自らによるレコーディングを決めたのだった。なお、マーク本人によるバージョンも、プロデュースはチップス・モーマンが手掛けている。レコーディングは、マークのオリジナル・バージョンをなぞる形で行われた。カントリー・テイストを持ったイントロが清々しい。ドラマティックで美しいメロディも胸を打つ。ストリングスや力強いコーラスを擁した演奏にのせて、エルヴィスは高らかに歌い上げる。「互いを疑ったまま、一緒に生きていく事なんてできない」と。「Jailhouse Rock」や「Hound Dog」のようなスリリングさはないものの、ここで聴けるコクのある歌唱は情感と貫禄にあふれた、素晴らしいものだ。50年代エルヴィスのギラギラしたカッコよさが若さゆえのものなら、ここでのエルヴィスは"大人の魅力"だろうか。人間の持つ輝きは若さだけではないのだ。ビートルズがアメリカに上陸した'64年以後も、エルヴィスはそれなりのヒットは出していたものの、それ以前までの活躍ぶりに比べると"過去の人"という感が否めなかった。'64年から'68年の間に彼が出したトップ10ヒットは、「Crying In The Chapel」のみである(全米3位)。だが、'68年12月に放送されたTV番組「Elvis Presley's '68 Comeback Special」は好評をもって迎えられる。そして、60年代の終わりに発表されたこの曲は、"キング復活"を告げる一曲となった。「Suspicious Minds」がリリースされる一ヶ月前('69年7月26日)には、ラスヴェガスのホテル・ヒルトンで8年ぶりのコンサートが行われている。エルヴィスは拍手喝采で迎えられ、その時初めてこの曲を披露した。『エルヴィスはステージ中央にぶらぶら歩いていき、マイクをつかむと50年代と同じポーズをとった。両足をつっぱって、軽くひざを曲げるポーズだ。二千人の観客は、みな立ち上がって口笛を吹き、手拍子を打った。椅子の上に立って叫ぶ者もいた』------ジェリー・ホプキンズ「Suspicious Minds」を生んだ"メンフィス・セッション"は、実り多きレコーディングとしてファンには知られている。このセッションからは他にも「In The Ghetto」、「Don't Cry Daddy」、「Kentucky Rain」、「Any Day Now」などの名曲、名唱が生まれた。現在発売されているCD『From Elvis In Memphis』(上ジャケット)では、それらの曲をまとめて聴くことができる。後期エルヴィスならではの、深みのあるボーカル・アルバムとしておすすめしたい一枚だ。70年代に入ってからのエルヴィスは、再び精力的なライヴ活動を始め、死去するまでの七年間に1000回ものコンサートを行った。1973年1月14日、ハワイ州ホノルルでの公演は、世界15ヶ国に衛星生中継もされた。エルヴィス・プレスリーは、'77年8月16日に死去(享年42歳)。ギネス・ブックに「最も成功したソロ・アーティスト」として認定された。エルヴィス自身は「もし僕が死んだらファン達は僕の事などすぐに忘れるだろうね」と語っていたが、彼の名は、ファンはもちろん、ブロードウェイから東スポの中にまで生き続けている。2002年には、「A Little Less Conversation」のリミックス・バージョン(FIFAワールドカップのテーマ曲)がリリースされ、世界20ヶ国でナンバー1に輝いた。彼が約20年間を過ごしたメンフィスの邸宅「グレイスランド」は、アメリカの国定史跡として今もテネシー州に残っている。「Suspiciuous Minds」を聴くにはここをクリック!※エルヴィスのほか、ウィリー・ネルソンやペットショップ・ボーイズによるバージョンで有名。

2008.06.07

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Santana　「Soul Sacrifice」

気がついてみれば、サンタナの『Supernatural』(1999年)が発表されてから、もう9年がたつ。コレには驚かされた。デビュー30年目に発表したこのアルバムは、「Smooth」なんていう全米No.1ヒットを(12週連続1位)を出しちゃうし、グラミーで9部門を受賞しちゃうし。若手の力を借りた作品とはいえ、素直に「スゴイなぁ」と思ったものです。ま、そんな『Supernatural』ももちろんイイんだけど、ワタシにとってのサンタナといったらやはり'69年のデビュー作から'72年の『Caravanserai』に尽きますかね^^ガラ、ブラックマジ、ウマ～ン♪「Soul Sacrifice」は、1stアルバム『Santana』の最後に置かれたジャム風のナンバーで、各自の個性がきっちりと押し出された演奏となっている。魅惑的な暗さを持ったスタジオ・バージョンももちろんいいのだが、やはりこの曲といったら、今や語り草となっているウッドストックのバージョンにとどめをさす。この時のサンタナは、まだレコード・デビュー前(リリースは決まっていた)で、世間的には全くといっていいほど無名だった。そんな彼らが、四十万人を集めたというウッドストックに出られたのは、当時マネージメントを引きうけていたビル・グレアムが主催者たちに強力に売り込んだからだという。このパフォーマンスで圧倒的な拍手を浴びたサンタナは、その存在を世間に知らしめる事に成功した。9分という長尺ながらも、退屈のたの字も感じられない演奏は圧巻。この時はメンバー全員がドラッグをキメていたようで、テンションの高さはその辺にも関係しているのかも。スリリングなベース・ライン、怒涛のように連打されるドラム、二人の奏者によるパーカッションの躍動感がすごい。オルガンを弾くのは、後にジャーニーを結成するグレッグ・ローリー。熱っぽく鮮やかな音色には、血がたぎる。そして、カルロス・サンタナのギターだ。ギブソンSG(スペシャル)を使ったその音色は、どこまでも荒々しく、どこまでも官能的。ねっとりとしていて情感のほとばしるプレイは彼ならのものであり、何度聴いても耳を奪われる。それぞれの個性が一丸となって突進してくる。静と動のバランスもバッチリなこの演奏は、まさに手に汗にぎるという言葉がふさわしい、嵐のような名演だ。そのエネルギー、サウンドは今聴いても全く色褪せてないどころか、聴くたびに新しい発見がある。このウッドストックのバージョンは、現在では復刻版1stにボーナス収録されている。その1stは、「Evil Ways」(全米9位)や「jingo」といった初期の名曲も収録。「Black Magic Woman」が収録された定番の2nd、そしてサンタナの最高傑作ともいえる『Caravanserai』(※)と共に、迷わず購入すべし。なお、ウッドストックの映像の編集をやっているのは、後に名監督として名を馳せるマーティン・スコセッシである。つーコトでここをクリック!最初に映る犬がカワイイ※　ポム・スフレのメインHPではサンタナの名作『Caravanserai』について取り上げています。

2008.05.09

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Canned Heat　「Going Up The Country」

みなさん、GWの予定はどうなってますか～?本日は、旅行に行かれる方にも家でゴロゴロしていられる方にも最適な心なごむ一曲をキャンド・ヒートは、'65年にLAで結成されたブルースロック&ブギー・バンドである。トミー・ジョンソンの「Canned Heat Blues」からバンド名をつけたという経緯からして、この時代(60年代後半)にはゴロゴロしていたであろうグループだが、普段ブルースになじみのない人にも音楽的敷居はそれほど高くない。その一方で、モンタレー・ポップ・フェスティバルにウッドストック、ワイト島フェスティバルなど、この時代を象徴するビッグ・イベントにはことごとく参加した人達でもある。「Going Up The Country」はこのバンドの代表作とされている曲で、文字通り「田舎へ泊まろう」な歌詞の曲。のほほんとしたフルートの音色とアラン・ウィルソンによるトボけた鼻声ヴォーカルが印象的なポップ・ソングだ。映画「ウッドストック」でも、冒頭の、のどかな場面でこの曲が使われていたので、覚えている人もいる…かも。やわらかなギターの音色、程よく力の抜けたビートは、聴いているとこちらの頭も田舎へ行ってしまいそうこの曲だけを聴くと「一体こいつらのどこがブルース・バンドなんだ?」と言われてしまいそうだが、まあメロディは親しみやすいし、実はCMで使われていた事もあるし、要するに気にするなと。ただし、この曲を収録した二枚組アルバム『Living In The Blues』(上写真)は、コテコテのブルース&ブギーな作品なので、コレが気に入ったからという理由で購入する人は注意が必要。特に、レコード一枚分をまるごと使った40分にも及ぶ「Refried Boogie」(ジャム風のライヴ演奏)は、心の広いワシでも聴くのがツラかった。。。時代が時代とはいえ、一体ナニ考えていたんだろう、この人達?ともあれ、今から聴いてみようと思う人には、とりあえずベスト盤から入ることをオススメします。いかにもなハープやスライド・ギターの音色は、そのテの音楽が好きな人ならハマるかも。なお「Going Up The Country」の作者にしてバンドの中心人物であるアラン・ウィルソンは、'70年に23歳の若さで死去。ドラッグが原因だったらしい。さらに、もうひとりの中心人物であるボブ・ハイトは'80年に心臓発作で死去。デブが原因だったらしいにも関わらず、バンドはその後もメンバー交代を繰り返しながら現在でも活動を続けているという。2007年には、バンドのドキュメンタリーも作られたとか。代表曲のひとつである「On The Road Again」はアメリカのバイカー達に人気があるというし、向こうじゃ結構影響力あるのかもね。日本では、名前を知っている人を探すだけでもヒジョーに困難だと思うが。。。つーコトで「Going Up The Country」を聴くにはここをクリック!ん～、気が抜けるけどエエ曲や

2008.04.29

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Procol Harum　「Pilgrim's Progress」

プロコル・ハルムといったら、誰もが思い浮かべるのが1967年のヒット曲「青い影(Whiter Shade Of Pale)」だろう。バッハから引用した美しいメロディとあの印象的なオルガンの音色は、確かに名曲と呼ぶにふさわしい。たしかジョン・レノンも「人生でベスト3に入る曲」と言っていたとかなんとか。しかし、9枚のオリジナルアルバムを残しているグループだけに、他にも忘れられない曲はいくつもある。「Pilgrim's Progress」は間違いなくそのひとつだ。邦題「旅人の道」。名盤として名高い、彼ら三枚目のアルバム『Salty Dog』('69年)の最後をかざる名曲である。作詞はグループの専属詩人、キース・リード。そして作曲は、オルガン奏者でありアルバムのプロデュースも手掛けているマシュー・フィッシャーだ。また、グループのメイン・ボーカリストはゲイリー・ブルッカーだが、この曲ではリード・ボーカルもマシューがとっている。曲は「I Sat Me Down To Write A Simple Story…」という歌い出しと共にゆったりと始まる。温かなオルガンの音色、憂いを帯びたメロディが胸にじんわりと染みこんでくる。淡々とした演奏も、派手さはないがとても味わい深い。そしてマシュー・フィッシャーの声だ。ゲイリーのソウルフルで力強いヴォーカルとは違って、マシューのそれは線が細く頼りない。だが、その頼りなさの中になんともいえない優しさが漂っている。弱々しいがゆえの優しさと言おうか。それがこの曲のメロディと雰囲気にぴたりとはまっている。技術的に巧いとは言えないものの、ここでのマシューの歌声が僕は大好きだ。曲は終盤でリズム・チェンジし、弾むような演奏になるが、そこに楽しさはない。つつましげな賑やかさは、祭りの後の雰囲気にも似ている。さびしげな鐘の音と裏声がまた切ない。フェイド・アウトした後には、少しばかりの寂寥感が残る。マシュー・フィッシャーは、この哀しい名曲を置き土産にグループを去っていった。なお、彼はこのアルバムで「Wreck Of The Hespers」という名曲でもヴォーカルをとっている。もう随分と長く聴いているが、いまだにこの曲が大好きだ。このアルバムには他にもいい曲がいくつもある(※)が、僕はこれを聴くためだけに何度もアルバムを引っ張り出している。大切に扱ってきたはずのCDにも、いつにまにか傷がいっぱいついてしまった。だが、色褪せたジャケットの中で微笑む船乗りの顔を見ると、今でも心が安らぐのである。「Pilgrim's Progress」を聴くにはここをクリック。※ポム・スフレのメインHPでは、プロコル・ハルムの名盤「Salty Dog」について(←ページの少し下)取り上げています。

2008.04.17

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Elis Regina　「Corrida De Jangada」

エリス・レジーナは、ブラジルが生んだ伝説の女性歌手である。'45年生まれ、11歳にして歌手デビューしたエリスは、60年代に入ってから本格的に活動に入り、アントニオ・カルロス・ジョビン、ジルベルト・ジルらとのコラボレーションも含め、数々の名唱、名盤を残す。気性が荒く、「Pimentinha（とうがらし）」というアダ名もつけられていた彼女だが、その生命力あふれる声と見事な歌唱力は、耳を惹かれずにはいられないものがある。上のジャケットは、'69年に録音された「Elis Regina In London」。欧州ツアーを成功させたエリスがロンドンへ赴き、オーケストラをバックにほぼ一発録り(しかも2日間)で完成させたアルバムで、歌、楽曲、全体にみなぎる緊張感まで、文句なしの完成度を誇っている。「Corrida De Jangada」は、その冒頭を飾るアップ・テンポのナンバー。イントロから聴けるエリスの歌声には太陽のような明るさと力強さがある。少々荒削りな所も、かえって生々しさが感じられる。バックも決して負けておらず、軽やかにスウィングする演奏とスピード感が実に気持ちよい。縦横無尽に舞うストリングスの音色も最高!カッコいい。その一言につきる。時間にしてわずか2分という短さもいさぎよい。近年のクラブ・シーンからも再評価を受けたという本作を象徴する、グルーヴィーな名演である。「In London」には他にも「Se Voce Pensa」「Zazueiro」「Upa Neguinho」「A Time For Love」などの名曲がてんこ盛り。ブラジル音楽だとかMPB(※)なんて言葉を必要としない、ジャンルを超えた名盤と断言したい。エリスは声も歌にもクセがないので、とても聴きやすい。ロック好きな方もぜひぜひなお、エリスは'82年にオーバードースで死去。わずか36年という生涯だったが、彼女の名はブラジルのみならず世界の音楽史に残るものと言えるだろう。つーコトで「Corrida De Jangada」を聴くにはここをクリック!ついでにアントニオ・カルロス・ジョビンの名曲「三月の水」もどうぞー。アントニオとデュエットです。ここをクリック!ポム・スフレのメインHPではエリス・レジーナの名盤「In London」について取り上げています。(このページの下の方)※　　ブラジルのポピュラー音楽の意

2008.04.15

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Association　「Everything That Touches You」

「Cherish」、「Windy」、「Never My Love」などのヒット曲で知られるアソシエイションは、60年代ソフトロックの中でも頂点に立つグループのひとつである。ワシも昔は、この人達にお世話になった。ポップでドリーミーな名曲の数々には心奪われたっけなぁ(というか今でも大好きなのだが)そんな彼らの4thアルバム「Birthday」(上写真)は、数あるソフト・ロックの名盤の中でも最上の一枚と言えるもの。プロデュースは、後にフィフス・ディメンションやトム・ウェイツを手掛けるボーンズ・ハウだ。「Everything That Touches You」はそこからのナンバー。『恋にタッチは御用心』という邦題のついたこの曲は、'68年に全米10位を記録している。落ち着きをたたえたイントロ、続いて流れてくる端正な歌声が耳にやさしい。洗練されたコード進行、重厚なハーモニー、そしてポップさと気品に満ちたメロディ。その美しさと完成度は、ビーチボーイズにも全くひけをとらないほど。エンディングでの展開と後ろで高らかに鳴るホーンにも胸がすく。緻密に計算された楽曲・アレンジが光るこの曲は、"プロの仕事"と呼ぶにふさわしい出来であり、ソフト・ロックの魅力を体現した極上の一曲となった。アルバムには他にも「Time For Livin'」「Rose Petals」「Birthday Morning」などの佳曲がいっぱい。このテの音楽に興味のある方は、ぜひ御一聴あれ。まずはヒット曲がぎゅう詰めになったベスト盤から入るのもいいかも。グループは幾多のメンバー・チェンジを経て、現在も活動中とのこと。'03年にはボーカル・グループの殿堂（Vocal Group Hall of Fame）入りを果たしている。つーコトで「Everything That Touches You」を聴くにはここをクリック!心弾むポップ・ソング「Windy」('67年、全米1位)はこちら(映像は魔女宅)。

2008.04.07

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Small Faces　「Tin Soldier」

スティーヴ・マリオットとロニー・レインを中心としたSmall Facesは、60年代英ロックを代表するイキのいい4人組だった。'65年に結成された彼らは、そのわずか6週間後にレコード・デビューを果たしたという(早っ!)。バンド名の由来は、メンバーが皆ちっこかった(全員165cm以下)事と、シーンの"顔役"という意味を込めてのものだとか。R&Bを下地とした演奏を武器に、ロンドンやマンチェスターなどのクラブで勢力的にライヴを繰り広げていた彼らは、いわゆるモッズ達から支持を受け、同時期にデビューしたThe Whoと並ぶ「Modsのヒーロー」に祭り上げられた。ただし、ピーターバラカンによると、当時のスモール・フェイセズは、10代半ばの女の子を中心に人気があったとか。'65年11月にキーボード奏者が、イアン・マクレガンに代わってから、活動はさらに軌道に乗り始める。'66年初頭に発表したラヴリーなポップ・ソング「Sha La La La Lee」は全英3位、ノリのいい演奏がイカす「Hey Girl」は同10位。そして'66年8月、彼らの代名詞的名曲「All Or Nothing」が全英1位に輝いた。'67年に入ってからの彼らは、サイケデリックな方向性も見せていくが、ワイルドなロック魂も忘れていなかった。'67年に全英9位を記録した「Tin Soldier」は、そんな彼らの熱い息吹を伝える一曲で、「All Or Nothing」と並ぶ代表作である。作詞・作曲はスティーヴ・マリオットとロニー・レインの名コンビ。元々は同じレーベルのシンガーであるPP・アーノルドのために書かれた曲だったが、マリオットがいたくこの曲を気に入ったため、自分達で歌う事になったとか。レコーディングには、そのPP・アーノルドもバック・ボーカルとして参加している。R&Bに根ざしたキャッチーなメロディ・ライン、黒く熱っぽいオルガンの音色、若さ溢れる弾けるような演奏、そしてスティーヴの荒々しくもエモーショナルな歌唱に舌を巻く。カッコいい。一気に炸裂するサビの部分には胸が躍る。ハード・ロックの先駆けとも言える仕上がりであり、後のハンブル・パイにも通じる名演だ。この曲は後にポール・ウェラーやトッド・ラングレンがカバー。彼らの音楽は、他にもグレン・マトロック(Sex Pistols)やノエル・ギャラガー(Oasis)など多くのミュージシャンを魅了した。スモール・フェイセズはこの後、名作「Ogden's Nut Gone Flake」を発表するも、'69年にスティーヴ・マリオットが脱退する。スティーヴはピーター・フランプトンと共にハンブル・パイを結成。残されたグループは、ロッド・スチュワートとロン・ウッドを迎え、フェイセズとして再出発したのでした。(……以降のハナシは別の機会に譲る)なお「Tin Soldier」はオリジナル・アルバムには未収録。当時は、アンソロジー的要素の強い編集盤「Autumn Stone」('69年、上写真)に初めて収録された。ちなみに、ワシが持っている「Autumn Stone」のCDは「なめとんのか」と思うほどの音の悪さ。最初は不良品かとマジで思ったが、どうやらこれは仕様らしい。こんなモン正規の商品として売るんじゃねえよゴラァ!!つーコトで「Tin Soldier」を聴くにはここをクリック!ついでに全英1位を記録した「All Or Nothing」もくらえ!(ここをクリック)

2007.11.28

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Fleetwood Mac　「Albatross」

フリートウッド・マックといったら、スティーヴィー・ニックスとリンジー・バッキンガムが加入してからの、ポップ・バンドとしてのイメージが一般的だろう。'77年には「Rumours」という可もなく不可もないポップ・ロック・アルバムをメガヒットさせている(全米1位を31週間記録)というハクもあるししかし、フリートウッド・マックというバンドは、元々ピーター・グリーンを中心とした典型的なブルースロック・バンドで、60年代後半にはChicken Shack、Savoy Brownと共に"3大ブルースバンド"と呼ばれていた(そうだ)。キング・クリムゾンの1stと並ぶ"鼻の穴ジャケット"(上写真)が強烈なこのアルバム「English Rose(英吉利の薔薇」は、1969年発表。アメリカ仕様の編集盤であり、日本で初めてリリースされたフリートウッド・マックのアルバムである。ピーター・グリーン在籍時の代表作で、直球ど真ん中といった感じの、もろブルース・ロックなアルバムなのだが、エリック・クラプトンに続くジョン・メイオール門下生だったピーターのブルース・ギターは素晴らしいの一言。その後のピーターの不遇ぶり(墓堀り人夫もやったとか)を考えると、「エリック・クラプトンになれなかったよ」という歌が捧げられてもおかしくないくらいだ。また、サンタナで有名…というか、ほとんどサンタナの曲だと思われている「Black Magic Woman」もピーター・グリーンの作品で、このアルバムに収められているヴァージョンがれっきとしたオリジナルだ。ここで聴けるオリジナル・ヴァージョンは、ラテン的な味付けをしたサンタナのそれよりも、やや重苦しい雰囲気を醸し出しているが、呪術的とでも言えるこちらの演奏も充分魅力的である。もうひとつ、それと並ぶ本作の聴きものが、ラストに置かれたインスト・ナンバー「Albatross」である。"あほうどり"の意を持つこの曲は、69年1月に全英No.1を記録。作者は「Black Magic Woman」同様、ピーター・グリーンである。重く淡々としたリズム。簡素で地味だが、耳に残るギターのフレーズ。何ともいえないムーディ－な雰囲気を持つ曲で、聴いていると吸い込まれていきそうな妖しさが全体を支配している。レスポールを弾くピーター・グリーンはもちろん、当時十代だったダニー・カーワン、スライド・ギターの名手、ジェレミー・スペンサー、三人のギタリストによる一音一音に込められたフィーリングが素晴らしい。アンビエントにも通じるこの空気。渋い。シブすぎる。凡庸なブルース・ロックとは一線を画するナンバーであり、普段その手の音楽を聴かない人にオススメしたい名作である。この少し後に発表されるビートルズの曲「Sun King」(「Abbey Road」収録。作者はジョン・レノン)は、全体的な雰囲気が「Albatross」に実に良く似ているのが興味深い。ジョンが「Sun King」を作る際に「Albatross」に影響された事はまず間違いないだろう。また、同じ「Abbey Road」に収録のジョンの作品「I Want You」は、中盤のリズム・アレンジがフリートウッド・マック版の「Black Magic Woman」を思わせる。この2曲を聴くだけでも「English Rose(英吉利の薔薇」は、一聴の価値ありと断言したい。つーコトで「Albatross」を聴くにはここをクリック!

2007.11.23

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Love　「Alone Again Or」

"Love"という、そのものズバリな名前を持ったこのバンドは、鬼才アーサー・リーを中心として60年代半ばに、アメリカはロサンゼルスで結成された、白人黒人の混合バンドだった。バンドの3rdアルバムである「Forever Changes」(写真)がリリースされたのは、サイケの花が咲き誇る1967年。商業的な成功には至らなかったものの、サイケ、ガレージ、フォークなどの要素をゴッタ煮にしたサウンドにポップなメロディを乗せたその内容は、評論家筋から高い評価を受け、米ローリング・ストーン誌による「オールタイム・ベストアルバム」でも上位に選ばれている。アルバムの冒頭を飾る「Alone Again Or」は、サイド・ギターにしてサブ・リーダーであるブライアン・マクリーンの作。ソフトで親しみやすい感触を持ったフォーク・ロックだ。なめらかにフェイド・インしてくる、アルペジオによるギターの音色が美しい。流麗なメロディ、耳障りのいいボーカル、ストリングスや管楽器を大胆に使ったアレンジは、サイケとビートルズとバート・バカラックの美味しいトコ取りのようでもある。それはアズテック・カメラやペイル・ファウンテンズといったネオアコ系アーティストにも大きな影響を与えた。間奏におけるスパニッシュ風のギターやトランペットもツボ。曲全体を包む雰囲気もデリケートかつお洒落。発表から40年経った今でも瑞々しさを失わないこの曲は、「世紀の名曲!」…ってほどでもないかもしれないけど、聴くたびに心が洗われる気分になるのは確かだ。この曲は後にダムド(!)がカバー。ロバート・プラント(ex:Led Zeppelin)も、ラヴのファンである事を公言している。「Forever Changes」は21世紀に入ってから、大量のボーナス・トラック入りでリイシューされた。ポップスとしての美しさとほのかな狂気を兼ね備えたこのアルバムは、良質なポップ/ロックを求める人なら一度は聴いておいてもいいかもしれない。「Alone Again Or」を聴くにはここをクリック!

2007.11.07

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Mary Hopkin　「Goodbye」

「Those Were The Days(悲しき天使)」の大ヒットでポップス史に名を残し(ただし一発屋として)、ビートルズ・ファンには「アップルのシンデレラ・ガール」としてもお馴染みのフォーク歌手がメリー・ホプキンである。1950年生まれ、ウェールズ出身のメリー・ホプキンは、民謡歌手として地元で活動していた所を、イギリスの女性タレントであるツイッギーに見出される。ツイッギーを通してポール・マッカートニーに紹介された彼女は、ビートルズのレーベル"Apple"と契約。ポールの前面バック・アップの下にデビューする事となった。アップルからのデビュー作として1968年にリリースされた「Those Were The Days(悲しき天使)」は、話題性も手伝って、全米2位・全英1位のヒットを記録。ポールがプロデュースしたこの曲は、ロシア民謡を改作したものだった。そして、翌年の1969年に2ndシングルとしてリリースされたのが、同じくポールのプロデュースによる「Goodbye」である。全米13位、全英2位を記録。作曲もポール(レノン/マッカートニー名義)であるこの曲は、「I'll Follow The Sun」「Blackbird」を思わせるアコースティック・ポップの佳作で、この手の作品を得意とするポールの持ち味が生かされた名品となっている。ポールらしいメロディ・ラインはもちろん、メリーの清楚な歌声、パタパタしたリズム・アレンジ(ひざを叩く音?)は中々にソソる。反面、弦楽器を加えたアレンジが少し鬱陶しくもあり、メリーがポールのプロデュースに反発したというハナシも何となく分かる。ついでに言うと、この曲はポール本人によるデモ・ヴァージョンもあるのだが、はっきり言って簡素な仕上がりであるこちらの方が数倍出来がいい(笑にも関わらず、現在ではブートなどで聴けるのみ。せめて例のアンソロジー・シリーズの時に世に出しておいてほしかったなぁ～メリー・ホプキンのバージョンもオリジナル・アルバムには未収録。上の写真にあるベスト盤は、この曲の他にも「Temma Harbour」や「Knock Knock Who's There」など、アルバム未収録のシングル曲を収めているので要チェックである。メリーはこの後、ポールとは決裂し、ミッキー・モスト、トニー・ヴィスコンティ(後に結婚→離婚)などのプロデュースで作品を発表。特に、トニーのプロデュースした2ndアルバム「Earth Song/Ocean song」は、彼女本来の資質が生かされたブリティッシュ・フォークの名作だ。メリーは1970年に来日。大阪万博でその歌声を披露した。70年代に入ってからは徐々に第一線からは退いていくものの、その後も地道に活動を続けた。近年でもチーフタンズと共演したり、自己のレーベルから作品を発表したりと、現役として頑張っているようだ。つーコトで「Goodbye」を聴くにはここをクリック!ポールによるデモ・バージョンはこちら。なお勝手ながら、ポム・ブログはしばらくの間、休止させていただきます。今後の予定については全くもって謎ですが、たぶん(笑)また戻ってくると思いますので、物好きな方はどうかよろしくですそれでは皆様、どうかお体にお気をつけて。グッバイ～グッバイ～♪(←無理やりオチをつけてみる

2007.07.30

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Serge Gainsbourg　「Comic Strip」

「夢見るシャンソン人形」の作者であり、女優シャルロット・ゲンスブールの父親である事でも知られるセルジュ・ゲンスブールは、ミュージシャンのみならず、俳優、映画監督としても知られる、フランスを代表するアーティストである。自身のヒットで最も有名なのは、ジェーン・バーキンとデュエットにして、ヨーロッパ各地でNo.1を記録したエロティック・ソング「Je t'aime... moi non plus(ジュ・テーム・モワ・ノン・プリュ)」(ここをクリック)だろう。もっとも、セルジュが日本でまともに評価されだしたのは、90年代の渋谷系ブームによってらしく、僕も彼の音楽に始めて触れたのは、フリーソウル系のオムニバスCDに収められていた「Je t'aime... moi non plus」を聴いた時だった。美しいバラードである「Je t'aime... moi non plus」ではさほど気にならなかったものの、そのヌメヌメした声と、キモオタの独り言をみたいな歌唱には、最初「何コレ……」と思った記憶がある(笑また、女優ブリジット・バルドーと浮き名を流した事でも知られる彼は、ブリジットとのデュエット・アルバムも残している。'68年に発表された「Comic Strip」は、「Bonnie And Clyde」と並ぶブリジットとの名コラボ作品で、彼の代表作のひとつに数えられる一曲だ。現在では、彼の60年代後半の曲からセレクトしたCD「Comic Strip」(写真)で手軽に聴ける。弾むようなピアノを中心としたリズミカルな演奏、ヨーロッパ的な哀愁を漂わすメロディ、セルジュの猥雑なヴォーカル。そこに合いの手のように入るブリジットの奔放な声が加わる事によって、独特かつ不思議な空間を作り出している。シャンソンを基盤とした小粋な曲調ではあるのだが、全体を包む退廃的な雰囲気が何とも言えない。同時に、どこかインチキ臭さが漂うのも魅力で、フランスきっての退廃男にしてトリック・スターでもあるセルジュの面目躍如といった所か。ポップ・アート感覚溢れるPV(ここをクリック)も必見の斬新さだ。アクの強い(というか単なるヘタクソ?)セルジュの歌声は万人向けとは言えないし、最初は多かれ少なかれ抵抗があるだろうが、ハマると抜け出せない魅力があるし、得がたい個性である事には違いない。1991年、セルジュ・ゲンスブールは62歳の若さで死去。晩年には、ホイットニー・ヒューストンと共演した際「I Want To Fuc♂ You」と言ったセルジュ。世間的には「成功者」であり、酒と煙草とオンナに溺れ、挑発的な姿勢でも知られた彼だったが、本当は単純に「生きる幸せ」を求めた(そして最後まで得られなかった)だけの不器用な小心者だった……のかどうかは、結局本人にしか分からない。だが、彼の歌声を聴くたびに、いつも虚ろだった目を見るたびに、僕はそんな事を思う。「私は全てに成功し、人生に失敗した」------セルジュ・ゲンスブール

2007.06.28

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Marianne Faithfull　「Something Better」

"ミック・ジャガーの元恋人"であり、映画「あの胸にもう一度」の主演女優でもあるマリアンヌ・フェイスフルは、メタリカ、ベック、デーモン・アルバーンとの共演でも知られる現役シンガーである(今年61歳)。ローリング・ストーンズのマネージャー、アンドリュー・ルーグ・オールダムに見初められた彼女は、'64年にジャガー/リチャーズによる「As Tears Go By」でデビュー。清純派アイドルとして売り出された彼女だったが、翌年には早くも結婚。だが、その結婚生活も一年で破綻してしまう。'67年頃からはミック・ジャガーとの関係が噂されるようになるが、それに伴って彼女の人生も狂っていき、'78年のカムバックまでは音楽活動を11年間停止していた。復帰後の彼女は、ドラッグやアルコールで潰れたハスキーな声と凄まじい人生経験を武器に「大人の歌」を聴かせるシンガーとして活動を展開していく。ミュージシャンとしての彼女のアルバムといったら、何と言っても'79年の「Broken English」がまず必聴作なのだが、60年代におけるアイドル・シンガーとしての清楚な歌声も捨てがたい。そんなアイドル時代の一曲である「Something Better」は、アメリカン・ポップスの職人バリー・マンのペンによる美しいバラードで、バリー自身も自らのソロアルバム「Lay It All Out」でセルフ・カバーしている。もの悲しくもリリカルなイントロからして耳を奪われるこの曲。流れるようでいてどこか儚さを感じさせるメロディ、気品に溢れた演奏、頼りなげなマリアンヌの歌声が胸に迫る名曲に仕上がっており、聴いていると何とも切ない気持ちにさせられる。今回紹介する映像(ここをクリック)は'68年の「Rock'n'Roll Circus」からのものであり、ミック・ジャガーとの間にできた赤ん坊を流産した直後のものである。麗しいその姿とは裏腹に、彼女の歌声は不安定で目はうつろだ。そこには後の人生を予感させる美しくも不吉なオーラが漂っている。元々は修道女であったという、マリアンヌ・フェイスフル。3回の結婚、ミックとの関係、出産、流産、自殺未遂、オトコとドラッグによる荒んだ生活……そんな人生の果てに"心の安らぎ"を得た彼女みたいな人間を「人生の勝利者」というのかもしれない。「私はとても強いのよ……みんなは私の事を犠牲者、生き残り者だとでも思ってるんでしょ」-----マリアンヌ・フェイスフル

2007.06.09

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The Monkees　「Cuddly Toy」

60年代、ビートルズに対する対抗馬として"作られた"グループだったのがモンキーズだが、結果、残された音楽は60年代アメリカン・ポップスを語る上で忘れられないものとなった。後にカントリー・ロックのパイオニアとして素晴らしい成果を残すマイケル・ネスミスの音楽的才能はもちろん見逃せないが、アメリカ芸能界の大物ドン・カーシュナーの号令の下に集められた精鋭スタッフによる作品がやはり秀逸。キャロル・キング、ジェフ・バリー、バリー・マン＆シンシア・ウェイル、トミー・ボイス＆ボビー・ハート、ニール・セダカ、ニール・ダイアモンド……といった超一流のライター達が腕によりをかけて書いた楽曲の数々は、今聴いても素晴らしいの一言で、No.1ヒットとなった「Last Train To Clarksviile」「I'm A Beliver」「Daydream Beiliver」はもとより、名曲を挙げていけば枚挙にいとまがない。この「Cuddly Toy」は4枚目のアルバム「Pisces,Aquarius,Capricorn & Jones Ltd」収録の隠れた名曲で、作者はニルソン。その昔「ひらけ!ポンキッキ」で使われていた事もあったので耳に覚えにある方も多いだろう。あたたかいメロディとほのぼのとした演奏、デイヴィー・ジョーンズの甘くほんのりとした歌声が心に残る、ノスタルジックな一曲だ。モンキーズのオーディションには400人が集まったが、デイヴィー・ジョーンズは以前からミュージカルや俳優などのキャリアを持っていた人物で、そのせいもあってか、モンキーズへの参加はあらかじめ決定していたらしい。甘いマスクと声を持っていた彼は特に人気も高かったようで、グループ内ではミッキー・ドレンツと共にメイン・ボーカルをとる事が多かった。ちなみに、同時期のイギリスにもデイヴィ・ジョーンズの名で活動していたアーティストがいた(モンキーズとの混同を避けるため、すぐに改名)が、その人物とは後のデヴィッド・ボウイである。「ザ・モンキーズ・ショウ」の中で使われた「Cuddly Toy」のPVは、デイヴィーがミュージカル出身であった事を思い起こさせる微笑ましい映像だ。「Cuddly Toy」を聴くにはここをクリック!デイヴィーといえば、カルト映画として名高い「Head」の中で「Daddy's Song」(これもニルソン作)を歌って、その後に出てくるフランク・ザッパとの会話のシーンが忘れられないなあ(´ー｀)「ひどい歌だ」「同感だね」つーコトで「Daddy's Song」を聴くにはこちら。フランク・ザッパとの絡みのシーンはこちら。

2007.06.02

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Buffalo Springfield 「Broken Arrow」

ニール・ヤング、スティーブン・スティルス、リッチー・フューレイ(ex:ポコ)が在籍した事で知られる伝説のグループ、バッファロー・スプリングフィールド。1967年に発表された2ndアルバム「Again」は名盤として誉れ高い一枚であり、全10曲のうちニールは3曲を書いているが、その中で一番好きなのが、アルバムのラストを飾る「Broken Arrow」だ。擬似ライブの細切れから始まるこの曲は、6分13秒にも及ぶコラージュ大作で、ニールのメロディ・センスと卓抜した構成力が遺憾なく発揮された忘れがたい一曲。フリッパーズ・ギターの曲にもサンプリングされており、その筋(?)の音楽ファンにも馴染み深い一曲だろう(笑この曲がレコーディングされたのは'67年9月。その前に、ニールはグループを一度脱退しており(三ヶ月後に復帰)、その間ジャック・ニッチェと交流を深めながら、1人で実験的なレコーディングを行っていたというが、その時の成果が存分に感じられる仕上がりとなっている。ピアノとアコースティック・ギターを基調としたサウンドではあるが、全体を包むサイケな肌触り、スケールを感じさせる曲展開と実験精神は、ビートルズの「A Day In The Life」を思わせる。叙情的なメロディもさることながら、ニールの柔らかく頼りない歌声や儚い音色のストリングスも美しい。リッチー・フューレイのコーラスがしっかり聴ける所も泣ける。最後に聞こえる心臓音が意味深…(笑「Broken Arrow(折れた矢)」とはネイティブ・アメリカンにとっての平和の象徴であり、戦いに敗れた敗者のことをも意味しているという。後にニールの音楽出版社の名前になり、'96年に発表されたソロ・アルバムのタイトルにもなった事からも、彼にとって思い入れの強い一曲だと思われる。ちなみに、このアルバムでは他に、スティルスの「Bluebird」「Rock & Roll Woman」、リッチー・フューレイの「A Child's Claim To Fame」なんかが大好きだ。「Broken Arrow」を聴くにはここをクリック!

2007.05.15

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Velvet Underground 「Sunday Morning」

GWかい。いつも通りにやるのも何だかツマランなあ本日はビートルズ特集はお休みして、日曜日にふさわしいこの曲でも聴こうか。ルー・リードやジョン・ケイルがいた事でも知られる伝説のグループ、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド。アンディ・ウォーホールによるジャケットがあまりにも有名なこの1stアルバム(写真)は、ロック史の定番として今も語り継がれる一枚。そのキーワードはヘロイン、退廃、SM、同性愛…などなどであり、音楽的にも暴力的なイメージが強い。だがアルバムの冒頭を飾る「Sunday Morning」は、サウンド的にはシンプルなフォーク・ロックだったりする。演奏は淡々としており、ソフト・ロック風のメロディと木琴の響きが何とも美しい。ルー・リードの頼りなくも優しい歌声にも心を癒される。誰もが抱く言いようのない不安感を詩的に表現した歌詞も奥が深い。いわゆるロック解説本からヴェルヴェッツなるものを学んだ僕は、最初何か恐ろしいようなイメージを持っていたのだが、このアルバムのこの曲を聴いた時、「何だ普通にいい曲じゃん」と、いい意味で肩透かしをくらった記憶がある。その印象は今も変わらない。僕にとってのルー・リードの一番の魅力は"いい曲を書く人"である事なのだが、それが集約されているのがこの曲といっていいかもしれない。ヴェルヴェッツ時代の曲では、これの他に「Femme Fatale」「White Light White Heat」「Pale Blue Eyes」「Sweet Jane」なんかが大好きだ。ヴェルヴェッツに対する今日の評価はいささか過大気味という気もするが、彼らの音楽が後のアーティスト達に影響とインスピレーションを与えた事も事実のようだ。「彼らの音楽には、上手い下手を越えた説得力があった」-----リチャード・ヘル「ヴェルヴェッツの曲を聴いて希望が芽生えた。曲が単純な上に歌もヘタだった。俺と同じだから感動したよ。俺は思った。『二人ともヘタだ。俺も歌おう』」-----イギー・ポップ「Sunday Morning」を聴くにはここをクリック!日曜の朝夜明けを称えよ不安な気分で僕はいる夜明けの始まり日曜日の朝無駄に費やしてきた歳月が僕の過去気をつけろ/世界は君の背後に隠れている周りで、いつも誰かの呼ぶ声が聞こえる本当は誰もいないのに

2007.04.29

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Neil Diamond 「Sweet Caroline」

レッド・ソックスの試合では8回攻撃の時に、なぜかニール・ダイアモンドの「Sweet Caroline」が歌われる。この曲自体は大好きなのだが、お客さん達による「Wow Wow Wow～」の掛け声が正直ウザイおまけにYoutubeでこの曲を検索すると、シロートのヘタクソなカラオケがやたらと出てきてもっとウゼ～。それはさておき。ニール・ダイアモンドは日本での人気はイマイチだが、あちらじゃ国民的歌手らしい。といっても主な支持層はオバハンらしいが。そのジェントルな風貌といい、いかにもポピュラー歌手といった唱法や楽曲といい、日本でいえば毎年紅白に出るベテラン…みたいな感じか?「Cracklin' Rosie」(全米1位)、「Song Sung Blue」(同1位)、「Love On The Rocks」(同2位)など、自身のヒット曲も多いこの人だが、個人的には他の人に書いた曲が印象に残っていたりする。モンキーズの「I'm A Believer」('67年全米1位)、UB40でヒットした「Red Red Wine」('88年全米1位)… そういえばディープ・パーポーもこの人の曲をカバーしてたなあ…(「Kentucky Woman」)「Sweet Caroline」は1969年に全米4位を記録したナンバーで、フランク・シナトラやエルビス・プレスリーにも歌われた代表曲のひとつ。静かなフレーズで始まるイントロは、地味だが何かが起こりそうな予感を掻き立てる。続いて出てくるニールの野太いバリトン声は少ししわがれ気味だが、とても力強い。ポップスの定石を踏まえた曲作りも見事で、抑えたAメロから徐々に盛り上がっていき、サビで一気に爆発する時の高揚感は何物にも代えがたい。う～ん、クサイと言われればそれまでだが、これぞポップスの美学じゃ。普段からあまり聴くアーティストではないが、この曲だけはやたらと好きだ。つーか、何だかんだでいい曲多いぞこの人。個人的には、The Bandの「The Last Waltz」に出演していた時の姿が忘れられないなあ(すっげえ浮いてた)。「Sweet Caroline」を聴くにはここをクリック! エウレカセブンでも見ながら聴いとくれ。古き良き60年代ポップスだなあ(´ー｀)Touchin' Me～　Touchin' You～♪

2007.04.23

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Bonzo Dog (Doo/Dah) Band 「Urban Spaceman」

ニール・イネスとヴィヴィアン・スタンシャルを中心としたBonzo Dog (Doo/Dah) Bandは「裏ビートルズ」と紹介される事の多い音楽集団だが、バンド名の一節「Doo/Dah」はダダイズムから取ったものらしく、その事からも分かるように、ポップな音楽性の中に込められた歪みやシニカルさが魅力。彼ら自身、ビートルズのMagical Mystery Tourに出演していたり、メンバーのラリー・スミスがジョージ・ハリスンと親しかったりと、その関係は決して浅くはない。今回紹介する「Urban Spaceman」は、'68年に全英5位を記録したノスタルジックなナンバーで、プロデュースはポール・マッカートニー(Apollo C. Vermouth名義)である。人懐っこいメロディは童謡のようでもあり、「みんなのうた」で流れていてもおかしくない程だが、決して奇をてらったものではなく、フツーにいい曲として充分楽しめる。それでいて、そこはかとない狂気が滲み出ている所が、単なる「よくできたポップソング」との違いでもある。ホンワカしたリズムと可愛らしいリコーダーの音は、聴いているともう極楽気分。ウクレレやカズーといった小技もナイス!最後の"びよ～ん"な効果音もたまりません。この曲の作者であるニール・イネスは、あのRutlesの中心人物でもあり、ソロでも「Taking Off」などの名作を残している才人。その活動歴からしてコミカルなイメージが先行しがちだが、ソングライターとしての腕は一流であり、Oasisの「Whatever」の元ネタである「How Sweet To Be An Idiot」もこの人の作品である。「Urban Spaceman」はイギリスではシングルのみの発売だったが、ヒットしたためにアメリカ盤では2ndアルバム(写真)の1曲目に付け加えられ、日本盤もそれに準ずる形で発売された。ボンゾズの音楽はハマると抜け出せない魅力があるが、この曲が目当てであるなら、最初はベスト盤から入った方がいいかも。オリジナル・アルバムでは'69年に発表された4枚目「Keynsham」がおすすめ。ラトルズやモンティ・パイソン(これもニール・イネス関連)とセットで聴くと、楽しさ倍増!つーコトでここをクリック!↑演奏が始まるのは00:13から。ついでに「Whatever」の元ネタである「How Sweet To Be An Idiot」もどうぞ～。ここをクリック!

2007.04.20

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Jimi Hendrix　「Purple Haze」

なーんか久しぶりにジミヘンを聴いた。1stアルバム「Are You Experienced?」(写真)の現在発売されているCDは、ボーナス・トラックが充実しており、ジミヘン初期のベスト盤としても聴ける一枚。「ギターの革命児」だとか「ギターに火を(以下省略)」とか、よくそんな言い回しをされるこの人だが、僕の場合、単純に「曲がカッコいいなあ」と思いながら聴く事が多い。「Purple Haze(紫のけむり)」は'67年3月に発売された2ndシングルで、全英3位を記録した、ジミの代表曲のひとつ。エコーに包まれたセクシーな歌声と、贅肉を削ぎ落としたワイルドなサウンドが、こちらの脳髄に易々と入り込んでくる。本人曰く「海底を歩いている夢を見たことから生まれた曲」だそうだ。う～ん、ドラッギー。シンプルでキャッチーなリフ、太くて豪快なギターの音は、元祖ハード・ロックと言えるもので、今聴いても迫力充分。ぶっきらぼうな歌声は、確かに巧いとは言えないが、曲にぴったりとハマっている。本人は「自分は歌が下手だ」と、ずっと悩んでいたらしいが、充分カッコいいよジミ。ついでに言う(?)と、ミッチ・ミッチェルのドラムも、なかなかのモノ。この曲で使われているE7(#9)というコードは、本来ブルースやジャズなどで使用されていたものだが、ジミの演奏によってロック系の人達にも広がったんだそうだ。そういえば、レッド・ツェッペリン(『The Lemon Song』)もFree(『Mr.Big』)もステッペン・ウルフ(『Born To Be Wild』)もガンズ&ローゼズ(『Welcome To The Jungle』)も、このコードを使っとるなあ。先述のアルバム「Are You Experienced?」には、この曲の他にも「Foxy Lady」「Can You See me」「Fire」「Hey Joe」「Wind Cries Mary」など、キャッチーな名曲がいっぱいさ。「Purple Haze」を聴くにはここをクリック!今回この曲の歌詞を見て、改めて思った。ジミって詩人としてもイカしてるよなあ。俺の頭の中は紫色で、もやがかっている。最近どうも様子が前とは違う変な行動をしたりするけど自分でも訳がわからないちょっと失礼，空に向かってキスするもんで辺りは紫色でもやもや上に行くやら下に行くやら分からない俺って幸せ者それとも不幸？ともかくあのコが俺に魔法をかけたんだ

2007.04.10

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ジョアン・ジルベルト「イパネマの娘]

1990年にブラジルでベスト・セラーになったドキュメンタリー小説「ボサ・ノヴァの歴史」は、ほとんど「ジョアン・ジルベルト物語」といってもいいくらい、ジョアンを中心に語られているらしい。ジョアン・ジルベルトという男が、ボサノヴァという音楽において、そしてブラジル音楽史において、どれだけ重要な人物であるかを物語るエピソードである。ボサノヴァを代表する名盤として知られる1963年のアルバム「Getz/Gilberto」(写真)は、ジョアン・ジルベルトに、これまたブラジルを代表する名作曲家アントニオ・カルロス・ジョビン、そしてテナー・サックスの巨人スタン・ゲッツ、という3人の天才がコラボレートして録音された一枚で、その年のグラミー賞も受賞した、ボサノヴァにおける記念牌的な一枚。スタン・ゲッツは'62年にジョアンの名曲「Desafinado」(アントニオ作曲)を取り上げて、全米トップ20に送り込んだ実績もあり、ボサノヴァを世に知らしめるのに一役かった人物でもある。さて、このアルバム。この3人を軸にボサノヴァの名曲が次々と演奏されていくという内容で、アルバム・タイトルにはスタン・ゲッツの名前が先に来ているものの、音楽的には「ジョアンのアルバムにゲッツが参加した」といった趣になっている。また、本作に飛び入りで参加した(誤解という説もある)アストラッド・ジルベルトは、ジョアンの当時の妻であり、歌うのはこれが初めてだったという。本盤のオープニング・ナンバー「The Girl From Ipanema(イパネマの娘)」は、アントニオ作のボサノヴァ・スタンダードで、英語で歌うアストラッドのヴォーカルをフューチャーした、ここでのヴァージョンは、世界的なヒットを記録した。ジョアンの涼しげなヴォーカル&ギターと、アントニオの控えめなピアノが醸し出すクールな感触が何とも言えない。アストラッドの素人ボーカルも淡白な味わいがある。賛否のあるゲッツのサックスについては、ミックスの悪さ(音デカ過ぎ…)もあって、野暮ったく聴こえてしまう所があるのは確か。だが、ここで聴ける心地よい緊張感は、やはりゲッツの参加あってのものだろう。ボサノヴァの神様とジャズの巨人が微妙なバランスで渡り合うこのトラックは、ジャンルに関係なく一度は聴いておきたい名演である。※ポム・スフレのメイン・ホームページでは、名盤「Getz/Gilberto」について取り上げています！

2007.01.11

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The Beach Boys' Christmas Album

「ビーチ・ボーイズ＝夏」というイメージを持つ人はいても、「ビーチ・ボーイズ＝クリスマス」というイメージを持つ人はいないだろう(いるのか？)。だが、そんなビーチ・ボーイズもクリスマス・アルバムとして秀逸な作品をしっかりと残していたりする。この「The Beach Boys' Christmas Album」は'64年12月リリースの、彼らにとって8枚目のアルバムで、全米6位を記録。プロデュースはブライアン・ウィルソン。オリジナルとスタンダードが半々という構成になっている。アルバム前半は「クリスマス版ビーチ・ボーイズ」といった感じのオリジナルが並ぶ。クリスマスっぽさを強調したアレンジながらも、ビーチ・ボーイズならではのメロディとコーラス・ワークが楽しめるポップ・ソング「Little Saint Nick」。彼らのコーラス・グループとしての力量を改めて思い知らされる「The Lord's Prayer」。お遊び加減が心地よい「Santa's Bread」に、ハンド・クラッピングがゴキゲンな「Merry Christmas Baby」、切ないメロディとオルガンの音色がシミる「Christmas Day」、その美しさにウットリしてしまう「I'll Be Home For Christmas」など、小粒ながらなかなかの聴きものが並ぶ。後半は「ビーチ・ボーイズ、クリスマス・スタンダードを歌う」といった趣で、おなじみの曲がソツのない歌声とアレンジで演奏されてゆく。フィル・スペクターを意識していたというブライアンだが、アルバム最後に置かれた「蛍の光」のエンディング部分でのナレーションは、フィル・スペクターの「Christmas Gift For You」での手法をそのまま真似ている。全体的に派手さはないものの、楽しさと美しさが程よくブレンドされた秀作となっている。企画アルバムとして「急いで作らされた」という印象は払えないが、そんな所も含めて妙に愛おしい一枚であり、この時期になると必ずひっぱり出してはシミジミと聴くビーチ・ボーイズ・アルバムだ。現在では「完全版」として出回っているこのアルバムだが、その完全版のジャケットは情緒もへったくれもないシロモノで悲しくなる。やはりこのアルバム、メンバーがツリーの飾りつけをする愛らしいジャケット(上写真)を眺めながら聴きたいなあ。

2006.12.20

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The Beach Boys 「Wouldn't It Be Nice」

今では「世紀の名盤」「ロック/ポップスの金字塔」などとハンで押されたように言われるこのアルバムだが、憂いを感じさせる曲が多く、歌詞にサーフィンも車も出てこない本作に対して、当時はバンドのメンバーからもファンからも否定的な反応が多かったのは有名な話だ。特にマイク・ラヴは「こんなもん誰に聴かせるんだ？犬か？」という名言を残しているが、「ペット・サウンズ」というタイトルもそこから来ているという逸話にはチト笑った。名前なんて後からついてくるもんですねえワンワンこのアルバムのトップを飾る「Wouldn't It Be Nice(素敵じゃないか)」は、地味な曲が大半を占める本作の中でもほとんど唯一と言えるアップテンポのナンバーだが、この曲からしてそれまでのビーチボーイズとは違う感触を持っている事は容易に分かる。ハープシコードの美しい響きから始まり、「一緒にいられるなんて素敵じゃないか」と陽気に歌うこの曲は、冒頭から飛びだすフックの効いたメロディ、2分28秒という短さながらも凝りに凝った展開とアレンジが素晴らしく、まさしくポップ・シンフォニーと呼ぶにふさわしい仕上がりになっている。ルート音を意図的に外すベース・ラインも曲に奥行きを与えており、これはポール・マッカートニーにも影響を与えた。ただ、ポップで楽しい曲ではあるのだが、同時にここには言いようのない孤独感や繊細さも感じられた。そして、それはこのアルバム全体を支配するものでもあった。人が子供から大人になる時に誰もが多かれ少なかれ感じる哀しみ、孤独、挫折…ブライアンはそれをポップでみずみずしく表現する事に成功した。「美しい」とよく形容されるこのアルバムに心惹かれる人は、音楽の中にそれを感じとっているのかもしれない。かく言う僕も「ペットサウンズ」は大好きな人間の一人だが、それでもビーチ・ボーイズの名盤というと真っ先にこのアルバムが挙げられる風潮にはどうも違和感を覚える。このアルバムをして「ブライアンのソロ的要素が強い」という指摘はよく言われる事だが、確かに僕もこのアルバムにはあまり「ビーチ・ボーイズ」を感じない。また、このアルバムによってビーチ・ボーイズの音楽は、それまでの彼らにはない「美しさ」を得たが、代わりにそれまでにあった「楽しさ」が失われたのも事実だと思う。そう考えると、ビーチ・ボーイズの「陽」の部分を受け持っていたマイク・ラヴ(彼も優秀なソングライターだ)がこのアルバムに否定的だったのも分からなくはない。というか、ある意味真っ当な批判だったのだ。さらに言うなら、アルバムとしての完成度でいったら、「Today！」「Summer Days」「Sunflower」といった作品も決してひけを取らないと思うし、そういう意味では「Pet Sounds」を簡単に「ビーチボーイズの最高傑作」みたいに言うのはやはり片手落ちな気がする。そんな複雑な思いもあってか、僕はある程度距離を置きながらこのアルバムと付き合っているのだが、それでも未だによく聴く一枚であり、何回聴いても飽きないこの作品を「素敵じゃないか」と思うのも事実なのである。それではここをクリックして「Wouldn't It Be Nice(素敵じゃないか)」を聴こう！なお、この曲はシングル発売されて全米8位を記録。そしてカップリングだった曲は「God Only Knows」(全英2位)…ビートルズの「Penny Lane/Strawberry Fields Forever」と並ぶ史上最強シングルじゃ…※ポム・スフレのホームページではBeach Boysの名盤「Sunflower」について取り上げています！

2006.11.26

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Bob Dylan 「Sad Eyed Lady Of The Lowlands」

邦題「ローランドの悲しい目の乙女」。ボブ・ディランの'66年の名盤「Blonde On Blonde」(写真)のラストを飾るナンバーであり、アナログ盤ではLP片面まるごとを費やした大作である。ディランの当時の妻サラに向けて書かれた曲で、抽象的かつイマジネイティヴな歌詞は、まさにディランの独壇場。発表から40年経った今でも、そのイメージの豊かさは圧倒的だ。最初このアルバムを聴いた時には、「Visions Of Johanna」「Sooner Or Later」「I Want You」「Just Like A Woman」といった比較的メロディの分かりやすい曲ばかりが印象に残って、この曲はスルー気味だったのだが、その後ジョーン・バエズが歌うバージョンを聴いて「やべえ、いい曲だ」と思った僕は慌ててこのアルバムを聴き直した覚えがある(笑曲はゆったりとしたアコースティック・ギターに導かれて始まり、ディランのやわらかいボーカルと哀しいメロディが10分にも渡って展開される。アルバムの最後を飾る大作という意味では、前作「Highway 61 Rivisited」のラスト・ナンバー「Desolation Row」と対をなすが、アコースティックなサウンドながらも緊張感を持っていたその曲に比べ、こちらの方はややおおらかさを感じさせる仕上がりである。とはいえ、柔軟でありながら奔放で表情豊かな演奏はやはり感動的だ。悲しげなハーモニカと温かいキーボードの音色もシミる。この曲に限らず、「Blonde On Blonde」の収録曲はロックが最も「ロック」であった時代を感じさせてくれる名演だが、それもロビー・ロバートソン(セッションにも参加)に言わせれば、このアルバムのミュージシャン達は「自分達のいつもの音を出していただけ」だったのだそうだ。ちなみに、僕が持っている「Blonde On Blonde」のCDは、いわゆる「過去の名盤」のCD化もまだほとんど進んでいない頃のシロモノ、つまりかなり旧規格のCDで、一枚モノのディスクにも関わらず、帯には「税込価格3760円」と書いてある。高っっっ!!CDってこんなに高かったのね…バブルか…今となっては何もかもが懐かしい…まあコレに限ってはそれだけの価値があった一枚だけどさ(´ー｀)ジャケットのピンボケ気味に写るディランの姿が今も眩しい。「Sad Eyed Lady Of The Lowlands」を聴くにはここをクリック!※ポム・スフレのホームページではボブ・ディランのアルバムについてについて取り上げています！

2006.11.20

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追悼　ポール・モーリア

2006年11月3日(現地時間)、「イージーリスニングの帝王」と言われたポール・モーリアが亡くなりましたね(-人-)ガキの頃に見た本に載ってた写真が既におもいっきりジイサンだったこの人。今はもうヘタすりゃ100歳近くかと思っていたが、実は81歳と意外と若かった…「恋はみずいろ」が最も有名であろうこの人だが、その他にも「オリーヴの首飾り(＝手品のBGM)」「エーゲ海の真珠(＝ワインのCM)」「蒼いノクターン」」「そよ風のメヌエット」などは、誰しも一度は耳にした事があるだろう。それらに混じって「Let It Be」や「明日に架ける橋」などのお上品なカバーもしっかりと披露してくれている。ガキの頃、学校の下校時間とかに流れていた「恋は水色」を、僕が初めてちゃんと聴いたのはなんとジェフ・ベックのバージョン。ジェフ・ベックのファンの間では黒歴史とされているそのバージョンを聴いて、「おお！これってジェフ・ベックの曲だったのか！」と、その時はガチで思った高校生のボク…ポール・モーリアのバージョンによる「恋はみずいろ」は1968年に5週連続全米1位を記録。これによってグラミー賞も受賞し、モーリアの名は世界的に広まった。元々はアンドレ・ポップ作曲による、フランス人歌手ヴィッキーのヒット曲で、当時から様々な人にカバーされた(クロディーヌ・ロンジェのバージョンが最高!)大スタンダードだが、やはり日本人にとっては「ポール・モーリアの曲」というイメージが強いだろう。なお、ポール・モーリアの全米TOP40ヒットは、これ1曲だけである。1969年に初来日して以来、1987年まで毎年来日(その後も数年に一度のペースで来日)するのみならず、1995年の阪神・淡路大震災の際には、『カルテット・フォー・神戸』を作曲したり、「電波少年」のアポなし作曲依頼にも快く応じてくれたこの人は、ベンチャーズと並んで「日本は第二の故郷」という言い回しがウソ臭く響かない数少ないアーティストだ。この人の音楽を数年に一回くらいしか聴かない僕が言うのもなんだが、親しみやすく心にしみる音楽をたくさん残してくれたモーリア氏に心から冥福を祈りたい。ポール・モーリア版「恋はみずいろ」はここをクリック！ついでにクロディーヌ・ロンジェの「恋はみずいろ」も聴くべし！ここをクリック！

2006.11.06

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Herb Alpert 「This Guy's In Love With You」

(ようやくバート・バカラック・ナンバーの登場だ…汗)「The Lonely Bull」「Taste Of Honey」「Tijuana Taxi」などのヒット曲を持つトランペッターであり、A&Mレコードの創始者でもあるハーブ・アルパートの「歌手」としての大ヒット曲である。わが国では、「オールナイト・ニッポン」のテーマ曲である「Bitter Sweet Samba」の人として有名だが、僕がこの人を初めて知ったのは、ジャネット・ジャクソンをボーカルに迎えたダンサブルなヒット曲「Diamonds」(1987年、全米5位)だった。その曲は、音楽的にはほとんど「ジャネット・ジャクソンの曲」とゆう印象だったが、そのPV(これね)ではジャネットはほとんど写らず、間奏のトランペット・ソロくらいしか目立つ所のないハーブ・アルパートばかりが写ってるのを見て、「なんじゃこのオッサンは」と思った記憶がある(笑1962年の「The Lonely Bull」のトップ10ヒット以来、ハーブ・アルパート&ティファナブラスとして大成功を収めてきた彼は、'68年にCBSテレビで自身のTVスペシャル・ショウをする事になった。そのTVショウに自分の妻を出演させようと思った彼は、番組の中で彼女に向けた歌を歌うという企画を思いつく。そのために作られた曲が作詞＝ハル・デヴィッド、作曲＝バート・バカラックのコンビによる「This Guy's In Love With You」だった。番組の中で流れた途端、この曲は大反響を呼び、シングルとしてリリースされた。クラシックとジャズをルーツとするバカラックの手腕が遺憾なく発揮された一曲で、気品にあふれ、スタンダードな香りを持ったメロディは素晴らしいの一言。ハーブ・アルパートのジェントルな歌声もピタリとハマっている。ムーディな気分にさせてくれるトランペットもステキ1968年6月に全米No.1を記録したこの曲は、ハーブ・アルパート、バート・バカラックの両者にとって初のNo.1ヒットとなった。彼がボーカルを披露したのはこれが初めて(ただし、無名時代に別名義で歌った事はある)だが、ボーカル曲とインストゥメンタル曲(「Rise」'79年全米1位)の両方でNo.1を獲得したのは、現在のところ彼だけである。また、ハーブ・アルパートのこの曲がナンバー1になってから1週間もたたないうちに、今度はディオンヌ・ワーウィクがこの曲のカバー(?)・バージョンをリリース。彼女のバージョンも最高7位を記録している。「This Guy's In Love With You」を聴くにはここをクリック！この声、このサウンド。う～ん、ホロリとくるぜ

2006.10.28

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The Shaggs 「My Pal Foot Foot」

誰にだって表現する権利がある。そんな当たり前の事を改めて教えてくれるのが、ガールズ・バンドの源流的存在でもある、このShaggsである。普段から良質な音楽ばかりを聴いていると、音楽で表現をしていいのは「たぐいまれなる才能と高度な技術を持ったごく一部の選ばれた者だけ」という錯覚を時々持ってしまう。だが、たとえ音楽的知識がゼロだとしても、たとえ楽器がほとんど弾けなかったとしても、たとえ顔がブチャイクだったとしても、音楽をやったっていいんだ。表現したっていいんだ。60年代後半のアメリカのニュー・ハンプシャー州において、ドロシー、ベッティ、ヘレンという、ウィッギン三姉妹によって結成されたShaggsは、それを身を持って示してくれた素晴らしいバンドである。この「My Pal Foot Foot」をはじめとして、この世に2枚残されたShaggsのアルバムの収録曲は、ほとんどが彼女達のオリジナルである(カーペンターズの素晴らしいカバーもある)。音楽理論などないのはもちろんの事、「はじめて楽器を触ってみた」ような人間が、あるがままに奏でた音。そこにはまるで、おもちゃで遊ぶ子供のような無邪気さがある。意識よりも無意識が、理性よりも衝動が勝った結果生み出された音楽。それは「自分達もやってみた」というより「やっちまった」という言葉が似合うかもしれない。音楽のあらゆる制約から解放されたその演奏とサウンドは、フリーキーというより何も考えていない、というべきもので、結果的に美しいカオスを形成している。ここにある混沌は、音楽的才能や技術を持った者がいくら挑発的な音楽をやった所で、絶対に出せないものだ。エド・ウッドの映画にも通じる、この脱力感と負のエネルギー。それは「ガレージ・パンク」とか「ロウファイ」とか「モンド」とかいう、ありきたりな形容を越えた「音宇宙」であり、つまらないコトに縛られて生きている僕らに平手打ちを食らわせてくれる「何か」がここにはある。フランク・ザッパをはじめとして、彼女達の音楽を敬愛するミュージシャンや評論家が、この世に数多く存在する(した)という事実。聴きやすく、音楽的な完成度はとても高いのに、全く心に残らない、存在すらすぐに忘れられてしまうような音楽が掃いて捨てるほどある中で、彼女達が残した「音」が、なぜ30年以上たった今も愛され続けているのか？その答えがここにある。この音楽のどこに人の心を惹きつけるものがあるのか？それは分からない人には、説明しても分からないだろう。音楽とはそういうものだ。ひとつはっきりしているのは、彼女達の残した「音」が、The BeatlesやLed Zeppelinの音楽と並んで、僕にとっては墓場まで持っていきたいモノのひとつだという事だ。あと、オマケというか全然関係ないんだけど。この映像は、Europeの名曲「Final Countdown」を、とあるバンドがカバーした素晴らしい演奏である。ぴろり～ろ～・ぴろりろろ～そう、誰にだって表現する権利があるのだ。

2006.10.12

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Thunderclap Newman 「Something In The Air」

60年代末のイギリスにたった一曲のヒットと、たった一枚のアルバムだけを残して消えた、幻の名グループがサンダークラップ・ニューマンだ。The Whoのピート・タウンゼントに見出されたスピーディー・キーン(Vo,Dr)を中心とした三人組で、The Whoの所属レーベルだったTrackからデビューしている。スピーディー・キーンは、元々はThe Whoのローディーを務めていた人物で、The Whoの1967年のアルバム「The Who Sell Out」に収録のナンバー「Armenia City In The Sky」はキーンの作品である。また、このバンドにギタリストとして在籍していたのは、後にポール・マッカートニー&ウィングスの一員となるジミー・マックロウである。'69年に全英No.1を記録した「Something In The Air」は、スピーディー・キーンの作曲能力が遺憾なく発揮された、このグループの代表曲だ。プロデュースを担当しているのはピート・タウンゼントで、ここではベースも弾いている(レコードにはノー・クレジット)。当初は「Revolution」というタイトルが予定されていたが、ビートルズの同名曲が先にヒットしてしまった為、このタイトルに変更された。ポップなメロディと考え抜かれたアレンジは、現在の耳で聴いても完成度が高く、頼りないボーカルとノスタルジックなホンキートンク・ピアノも奇妙な味わいがある。特にブレイク部分での盛り上がりは素晴らしく、ゆったりとした演奏の中にも、大きなスケールを感じさせてくれる名曲である。後にこの曲は、映画「いちご白書」や「マジック・クリスチャン」(リンゴ・スター主演)の挿入歌としても使われ、サイケ・ポップの名曲として現在でも残っている。また、この曲が収録された、サンダークラップ・ニューマン唯一のアルバム「Hollywood Dream」(写真)は、ポップな佳曲がいっぱいに詰まった名盤だ。「Something In The Air」を聴くにはここをクリック！※ポム・スフレのホームページでは。サンダークラップ・ニューマンの名盤「Hollywood Dream」について取り上げています！

2006.10.07

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Duncan Browne 「Give Me Take You」

その短い生涯の中で素晴らしいメロディを紡ぎ続けた英国シンガーソングライター、ダンカン・ブラウンの'68年の1stアルバム「Give Me Take You」は、ブリティッシュ・フォーク・ファンはもとより、シンガーソングライター、ソフトロック系の音楽ファンからも絶賛された大名盤だ。きれいなメロディを持った曲ばかりだが、その中でもイチ押ししたいのは、アルバムの冒頭を飾る曲であり、タイトル・ナンバーでもある「Give Me Take You」だ。天使が舞い降りてきたかのような美しい女性コーラスで始まるこの曲。ダンカンのつま弾くギターとフルートのクラシカルな響き、清楚で柔らかな歌声、そして気品に満ちた美しいメロディは絶品で、思わずうっとりと聴き惚れてしまう。曲全体を包む、麗しさとはかなげな雰囲気も、中世の絵画のようなジャケット(写真)のイメージそのままで、曲に身を委ねていると、そのまま溶けていってしまいそうな気持ちにもなる。60年代英国フォークの最高峰というべき一曲であり、時を超えて人々に訴えかける力を持った名曲と言える。この1曲だけでも、このアルバムを手に入れる価値は充分にあるのだが、他にもキャッチーなフォーキーポップの名曲「On The Bottom Site」が収録されていたりする。ダンカン・ブラウンはその素晴らしい才能にも関わらず、名声や商業的成功には最後まで恵まれる事なく('72年に一曲だけTOP20ヒットがある)、'93年にガンでその短い生涯を閉じた。なお、ダンカン・ブラウンが'77年に組んだグループ、Metroの曲である「Criminal World」は、後にデヴィッド・ボウイが'83年の大ヒットアルバム「Let's Dance」の中で取り上げている。※ポム・スフレのホームページでは、ダンカン・ブラウンのアルバムについて取り上げています。

2006.07.19

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Kinks 「Waterloo Sunset」

キンクス6枚目のアルバム「Something Else」の最後を飾るナンバーで、'67年に全英2位を記録。同アルバムには名曲「David Watts」も収録されている。「You Really Got Me」と並ぶキンクスの名曲中の名曲だが、この時期のキンクスはアメリカでのプロモーションやライヴ活動を禁止(アメリカ滞在中の不祥事のため)されていた事もあり、アメリカでのチャートアクションはほとんどなかったのが残念。キンクスの作品中、最も美しいメロディを持つ曲のひとつで、ゆったりと流れていくようなメロディとビートルズを思わせるコーラス・ワークにはうっとりさせられる。レイ・ディヴィスがほとんどひとりで録音したという逸話も「Yesterday」を彷彿とさせるなあ。ロンドンのウォーター・ルー駅の光景と一人の孤独な青年の心情を歌ったこの曲は、レイ・ディヴィスの英国的詩人としての才能が存分に発揮されたものでもあり、「僕には友達はいらない　ウォータールーの夕暮れを眺めていれば　それだけで幸せだから」というフレーズが泣かせる。僕も10年程前このウォータールーを訪れた事があるのだが、川の向こうに沈む夕陽の美しさは絶品で、まさに「Waterloo Sunset's Fine!」であった。歌い出しの「Dirty Old River」というのはテムズ川の事で、この川の汚さは昔から有名らしい。今は少しはキレイになってるのだろうか。またロンドンに行ってミートパイ食べたいなあ。つーコトでここをクリックすれば聴けますよ！'67年の「Beat Club」の映像です。(訳詩)汚れた川よ　夜の闇に　淀みなく流れていけ　忙しそうな人の群れは　眩暈(げんうん＝めまい)さえ感じさせる　タクシーのライトが眩しい　だけど僕には友達はいらない　ウォータールーの夕暮れを眺めていれば　それだけでしあわせだから毎日　この窓から世界を眺める　夕暮れどきは肌寒い　そしてウォータールーの夕陽はとてもすてき金曜の夜　テリーはジュリーに会う　ウォータールーの駅で　僕はどこにも行かず　のんびりするのが好き　夜は部屋で過ごす　だけど不安は感じない　ウォータールーの夕暮れを眺めていれば　それだけでしあわせだからウォータールーの駅には　たくさんの人たちが集まる　テリーとジュリーは橋を渡る　そこまで行けば落ち着けるから　ふたりには友だちはいらない　ウォータールーの夕暮れを眺めていれば　それだけでしあわせだからウォータールーは夕陽は美しい【訳：若月眞人・苅野ハイディ】※ポム・スフレのホームページではキンクスのアルバムについて取り上げています！

2006.06.03

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ライチャス・ブラザーズ　「ふられた気持ち」

ブルー・アイド・ソウル(またはホワイト・ソウル)を代表する男性デュオ、ライチャス・ブラザーズの代表曲で'65年2月に全米No.1を記録。ディオンヌ・ワーウィック('69年全米10位)やホール&オーツ('80年全米12位)がカバーしてヒットさせた事でもおなじみのナンバーだ。ビル・メドレー(低音)とボビー・ハットフィールド(高音)の異なる歌声のコンビネーションが売り物の、その白人とは思えない黒っぽいボーカルで"ブルー・アイド・ソウル"と呼ばれた彼らは'64年にフィル・スペクターのレーベル「フィレス」に移籍したのを皮切りにヒットを連発。この「You've Lost That Lovin' Feelin'(ふられた気持ち)」はモータウンの看板グループのひとつFour Topsのヒット曲「Baby I Need Your Lovin'」に誘発されて書かれた曲だが、ビル・メドレーのソウルフルなボーカル、サビで一気に爆発する泣き節のメロディ、そしてフィル・スペクターによるウォール・オブ・サウンドが一体となった仕上がりは圧巻で、ポップス・ファンの至福が詰まった最高の一曲だ。当のフィル・スペクターはスタッフの執拗な説得に応じてしぶしぶ作ったというのが本当らしいが、結果的にはフィル・スペクター・サウンドを代表する一曲であり、後世まで残る不滅のスタンダードナンバーとなった。出来上がった曲を聴いた作者のバリー・マンは、イントロのビル・メドレーの低音の歌い出しにレコードの回転数を間違えてる(若い人には分からないネタ…泣)と思ったらしい。ビル・メドレーは後の1987年に映画「ダーティ・ダンシング」の主題歌「Time Of My Life」(ジェニファー・ウォーンズとのデュエット)で全米No.1を獲得。また、'90年には映画「ゴースト～ニューヨークの幻」にボビー・ハットフィールドの'65年のソロのヒット曲「Unchaind Melody」が使用され、リバイバル・ヒットした。

2006.04.12

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Bob Dylan 「Desolation Row」

ギター一本で歌うフォーク・シンガーだったボブ・ディランが、ロック・バンドを従えて'65年に発表したアルバム「Highway 61 Revisted」(写真)。時代をひっくり返したとてつもない作品であり、今もロックの歴史の頂点に燦然とそびえ立つ一枚である事はみなさんご存知の通り。人々が「フォーク・ロック」と呼んだサウンドにのせて、ディランの声が荒々しく響き渡る。そこから放たれる強烈な磁気。音は古いが、本質はしっかりと残る。ヒットしても半年で忘れ去られてしまうような音楽が多い世の中で、40年以上経った今も多くの人の心を捕らえるこのアルバムは、陳腐な言い方だがまさに「永遠の名盤」と呼ぶにふさわしい。ここに収められているのは「Like A Rolling Stone」をはじめとして、どれひとつとっても名曲だが、今の僕が一番好きなのは「Desolation Row(廃墟の街)」だ。アルバムの最後を飾るこの曲は、全篇アコースティックなサウンドなのにとてもロックを感じる。エモーショナルでありながら抑制のきいたディランの歌、表情豊かなハーモニカ、そしてイマジネーション豊かな歌詞。11分にも及ぶ大作で、曲の構造もすごく単純なのに聴いていてダレるという事が全くない。これぞまさしくディラン・マジック。ここで聴ける混沌はどこまでも美しい。1970年ワイト島のロック・フェスティバル(※)の模様を収録したドキュメント「ワイト島1970」でのエンディングには、この「Desolation Row」が使われていた。フェスティバルが終わって、ゴミだらけの殺風景な会場を後に去っていく若者達の姿に重ねてこの曲が流れていたのがとても印象的だった。「Desolation Row」を聴くにはここをクリック!※※(The Who、ジミ・ヘンドリックス、ドアーズ、マイルス・デイヴィス、etc…等が出演)

2006.04.10

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The Millennium 「I Just Want To Be A Friend」

The Beach Boysの「Pet Sounds」と並ぶ60年代ポップ・ミュージックの金字塔と言えるのがThe Millenniumの唯一のオリジナルアルバム「Begin」(写真)だ。コーラスアレンジの魔術師カート・ベッチャー(故人)を中心としたプロジェクトで、ジャケットのイメージそのままのみずみずしいポップワールドが聴く者を夢の世界へと誘う。'66年に制作が開始された本作だが、当時は新しかった8トラックのレコーダーを2台組み合わせて(つまり16トラック分)作ったその緻密なサウンドは、現在の耳で聴いても全く古臭くなく、何度聴いても飽きる事がない。6人のソングライターが腕によりをかけて書いた珠玉のポップソングの数々はどれひとつとっても素晴らしいが、中でもカート・ベッチャー自らが書いた「I Just Want To Be A Friend」は、カートのとろけるような歌声と端正で清々しいコーラスワーク、砂糖のように甘いメロディーが溶け合ったあまりにも美しい曲で、カート・ベッチャー・マジックとでもいうべき最高のソフト・ロック・ナンバーだ。このアルバムの13曲目には「語りつくして」という曲が入っているが、ポップなメロディとドリーミーなサウンドで埋め尽くされたこの作品の魅力はとても語りつくせるものではなく、時を経る毎にその輝きは増していってるような気がする。ポム・スフレのホームページではThe Millenniumの作品について取り上げています！

2006.03.17

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Kevin Ayers　「Girl On A Swing」

Soft Machineのオリジナルメンバーである事でも知られる英国ロック界の吟遊詩人ケヴィン・エアーズの1969年の傑作「Joy Of A Toy」(写真)の中の一曲で、邦題「ブランコの少女」。奇妙な不安感を煽る妖しくも美しいピアノのイントロ。デヴィッド・ペッドフォードによるエキセントリックなアレンジ。ケヴィンのつぶやくような低音ボーカルから滲み出る静かな狂気。上のシュールなジャケットがそのまま音になったようなストレンジな名曲で、奇妙でありながらとてもポップでもある夢想的な音世界だ。ドラッグ感覚をも忍ばせるこの美しい曲を聴くたびに僕は安堵感と心地よい不安感に包まれる。そしてそれは一度ハマると抜けられない快感でもある。この世の全ての事を忘れてブランコで遊ぶ少女と無邪気に戯れてみたい(ヘンな意味じゃありませんよ)。そんな気持ちになるコトありませんか？この曲を聴くとそんな気分にもさせられる。得体の知れない人懐っこさを持ったケヴィンのポップ・ワールドはある意味危険なものであり、それゆえにとても魅惑的な世界なのかもしれない。ポム・スフレのホームページではケヴィン・エアーズのアルバムについて取り上げています。

2006.02.25

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Cream 「Doing That Scrapyard Thing」

先日のグラミー賞では功労賞を受賞したCream。これは1969年に発表されたクリームのラストアルバム「Goodbye」の中の一曲だ。ジャック・ブルースがボーカルをとるこの曲は、作詞＝ピート・ブラウン、作曲＝ジャック・ブルースという「Sunshine Of Your Love」「White Room」などの名曲を生み出したコンビの作品で、'68年に全米1位を記録したアルバム「Wheels Of Fire」のセッション時の未発表曲だが、なぜアルバムから外されたのか理解に苦しむ完成度の高い一曲だ。ギターをレスリー・スピーカーを通して鳴らすなど、当時としては画期的な試みも見られるが、全体としては、軽快なピアノを中心とした楽しい演奏はいい意味でクリームらしくないもので、ビートルズにも通じるポップセンスが光る親しみやすいポップソングに仕上がっている。サビの部分のファルセットボーカルも実に楽しい。クリームはエリック・クラプトンをはじめとした3人のテクニシャンが素晴らしいインタープレイをする事で知られる伝説のバンドだが、それが単に「評価が高いだけの存在」に終わらず、大きなセールスを記録する作品を生み出せたのはジャック・ブルースの高い作曲能力による所も大きいと自分は考える。「Do That Scrapyard Thing」はそんなクリームのポップな魅力がコンパクトに詰まった素敵な一曲だ。この曲が収録されたアルバム「Goodbye」はクリーム解散直後に「最後のオリジナルアルバム」というフレコミで売り出されたが、収録曲はライヴ3曲と未発表のスタジオ録音3曲(いずれも「Wheels Of Fire」セッション時のもの)だけで収録時間も約30分という、実際は集金目的で出された粗雑な編集盤というべきものだった。それでも全米では最高2位を記録。全英ではなんと初の1位を記録するヒットとなり、当時のクリームの凄まじい人気を証明するものとなった。3曲のスタジオ録音曲は「Doing That Scrapyard Thing」をはじめとしていずれも完成度が高く、クラプトンとジョージ・ハリスンの共作である「Badge」は現在でもクラプトンの重要なレパートリーの一曲だ。ライヴの曲では「I'm So Glad」が白眉で、「Goodbye」は結果的にはクリームの作品の中でも決してあなどれない一枚と言えるものとなった。ジャック・ブルースに乾杯！

2006.02.17

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The Doors 「The End」

特集「映画と音楽」その4スクリーン一杯に写し出される緑の木々。鳥や動物の鳴き声だけが聞こえる静寂の中に突然響く「ボン」という低い爆発音。硝煙が立ち込め、美しい緑は黄色い災に包まれていく。それを写すカメラはゆっくりと引いていく。災に包まれたその光景はベトコン村だった。ヘリコプターの音に重なってジム・モリソンの虚無的な歌声が流れるこれで終わりだ。　美しい友よ。これで終わりだ。　ただ一人の友よ。これで終わりだ…これはフランシス・コッポラ監督の「地獄の黙示録」(1979年公開)のオープニングシーンである。流れていた曲はドアーズの代表曲のひとつ「The End」。ドアーズの1967年の1st「The Doors」(写真)の最後におかれている曲で、11分を超す大作だ。「父を殺して母を犯す」というテーマを持つ事で有名なこの曲はよくエディプス神話と絡めて語られるが、幻覚的な歌詞はドラッグも大いに関係あるのだろう。大人になったら「ベトナム」が待っているというのが当時のアメリカのひとつの現実であり、そういう意味では「自分の死を予言する歌」と考えられない事もない。シタールを模したというギターと呪術的なリズムはジム・モリソンの歌う「終末と絶望」を引き立たせ、11分という長さをまったく感じさせない密度の濃さだ。特にクライマックスでの「父さん…俺はあんたを殺したい…母さん…俺はあんたを…」という部分での絶頂は上手いとか下手とかいうのを超越したもので、「カリスマ」という神に選ばれた人間のみが持ち得る魔力だ。フランシス・コッポラとジム・モリソンがUCLAの学生時代に同級生だった事はよく知られているが、「戦争」というものを通して人間の業と狂気を描いたコッポラとジム・モリソンの狂気はピタリと一致し、「地獄の黙示録」はこの曲の持つ恐怖と美しさをいっそう引き立たせる事に成功している。「地獄の黙示録」は難解とよく言われる(後に出た「特別版」でだいぶ分かりやすくはなった)が、映像的には印象に残るものが多く、最も有名な、ワーグナーの「ワルキューレの騎行」が流れるベトコン村襲撃シーンは、CGを使ってないホンモノならではの迫力、ヘリの爆音とワーグナーの高揚感を煽るメロディーにスピード感のあるカメラワークと編集が上手く結びついたもので、不謹慎ながらなかなかに興奮してしまう。戦争大好きなアメリカならではの映画だなあ、と妙に納得したものです(笑

2006.01.19

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ロジャー・マッギン　「イージー・ライダーのバラード」

特集「映画と音楽」その2The Byrdsのロジャー・マッギンの曲で、アメリカン・ニューシネマの代表作「イージー☆ライダー」(1969年)のテーマソングである。ボブ・ディランとロジャー・マッギンの共作であるこの曲は、流れるようなメロディと軽くヴィヴラートするロジャーのボーカル、儚さを感じさせるストリングスが切ないなんとも美しいフォーク・ソングで、映画の中では、偏見に満ちた大人達に理不尽に殺されてしまう主人公の姿に重ねて印象的に使われていた。映画は、気ままなバイク乗りどもが「真のアメリカ」を求めて旅に出るという内容だが、ストーリーはあってないようなもので、そこで描かれるのはヒッピー、ドラッグカルチャー、「よそ者に対する排他性」といった当時のアメリカの姿だった。ここでの主人公達が自由気ままに生きる姿は単なる快楽主義とも取れるが、それでも彼らは誰に迷惑をかけているわけでもなかった。旅の途中に入った店で、主人公達はその土地(アメリカ南部)の人間に陰湿なイジメを受ける。いたたまれなくなって逃げ出した彼らはこんな会話をかわす。「なぜ俺達は嫌われるんだ？」ジャック・ニコルソン扮するジョージ・ハンセンは答える。「それは君を見ていると恐いからさ。君は余りにも自由だからだ。アメリカ人は自由を説くのが好きだ。しかし本当に自由な奴のことは怖れる」これは「自由の国アメリカ」の正体を象徴するセリフとも言える。そのジョージ・ハンセンも野宿をして寝ている所を、店で目をつけられた土地の人間の襲撃にあって死んでしまう。そしてラスト、田舎道を走っていた主人公二人は、通りすがりの車に乗ってたオッサンに「長髪で妙な格好をして、見慣れない奴」という理由で、いきなり銃で狙い撃ちにされてあっけなく死んでしまう(当時のアメリカ南部では実際にこれに近い事があったという)。あまりにも唐突で不条理なこのラストは、かえってリアリティを感じさせるものであり、「自分らしく」生きようとする者は大人達によって押しつぶされるという現実を暗示するものなのかもしれない。炎上するバイクと勢いよく上がる煙の映像に、ロジャー・マッギンの優しい歌声が重なるこのラストシーンは、なんとも切なく、そして美しい。この無力感と寂寥感がこの作品を青春映画の名作にしている。というコトで、「イージー・ライダーのバラード」を聴くにはここをクリック!この映画の代名詞的な曲「Born To Be Wild」についてはまた別の機会に…(笑

2006.01.16

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The Band 「The Weight」

「1963年以来、我々は毎年その年を代表するアルバムを一枚選んできた。---(中略)---激変の今年はまだ6ヶ月も残っており、これからビートルズやストーンズやジミヘンやボブ・ディランの新作が出るかもしれない。だが僕は既に1968年のアルバムを選んだ。The Bandの「Music From Big Pink」は大事件であり、今年の一枚に選ばれるべきアルバムだ。」----------アル・クーパーThe Bandのデビューアルバム「Music From Big Pink」(写真)は1968年に発表されるやいなや大絶賛を持って迎えられた。エリック・クラプトンはこれを聴いてクリームを辞め、アメリカに渡る決意をしたという。ビートルズがGet Backセッションでルーツ・ロック、スワンプロック的な演奏をしてるのはこのアルバムの影響も大きい(Get Backセッションではこのアルバムからの曲を3曲演奏している)。ロビー・ロバートソン作である「The Weight」はこのアルバムに収められているThe Bandの代表曲であり、ロック・クラシックのひとつに数えられている曲である。アコースティックギターの静かなイントロに導かれて始まるこの曲は、一聴した所ではもったりとした印象であり、決して華やかさがあるわけでもない。だが、その演奏は枯れていて淡白ではあるが実に力強いものであり、そして静かであるが熱いグルーヴがあった。メロディもキャッチーとは言えないものの、どこか懐かしいものを感じさせ、親しみやすさと優しさに満ちたものだった。そこには「時代」や「流行」とは関係ない永遠の生命力を感じさせるものがあった。「君の重荷を降ろしたまえ」と語りかけるその歌詞は、「革命」「反抗」「反戦」がキーワードの60年代末という時代では異色なものであり、哲学的な示唆に満ちたものだった。難解でありながらも不思議な説得力があった。それは食べるために万引きをするようなツアーを経験してきた彼らのたくましさから滲み出るものだったのかもしれない。「The Weight」は後に映画「イージー☆ライダー」の中でも印象的に使われ、さらにアレサ・フランクリン、シュープリームス、テンプテーションズなどの多くのミュージシャンにカバーされた。ボブ・ディランの曲を含む「Music From Big Pink」は、この曲の他にも「Tears Of Rage｣｢To Kingdom Come」「Wheels On Fire｣｢I Shall Be Released」などの多くの忘れがたい曲を含む真のマスターピースと言える一枚だ。

2005.12.17

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Phil Spector 「A Christmas Gift For You From Phil Spector」

ブライアン・ウィルソンや大瀧詠一が師と仰ぐ人物であり、60年代前半に数々のヒットを出し、後にビートルズの面々とも深い関わりを持つ事にもなるポップス史上最高のプロデューサーであるフィル・スペクター。そんな彼が、'63年に自身のレーベルで手掛けたアーティストを総動員して作り上げたクリスマスアルバムが「A Christmas Gift For You」(写真)である。フィル・スペクター特有の深いエコー、鈴やクラリネットの音、ストリングスがトレードマークの、通称"ウォール・オブ・サウンド"はクリスマスソングとピッタリの相性であり、おなじみのクリスマスソングの数々がどれも素晴らしいポップソングとしての新しい生命を与えられている。中でもベストと言えるのが、クリスタルズによる「サンタが町にやってくる」で、勢いに満ちたボーカルと、お得意の"ウォール・オブ・サウンド"によるスピード感溢れる演奏(ハル・ブレインによるドラムの迫力の凄さ!)は圧巻で、優しい口調の"語り"から歌になだれこむ瞬間のスリルは鳥肌モノ！他にも「ホワイトクリスマス」「サンタがママにキスをした」「赤鼻のトナカイ」「ウインター・ワンダーランド」など、どれひとつとっても楽しい曲に仕上げられており、聴き慣れた曲の数々が新鮮な輝きに満ちているその完成度には驚くばかりだ。この世に数あるクリスマス・アルバムの中でも頂点に立つ一枚であるのは勿論の事、ポップスの歴史に名を残す大名盤である。クリスマスの季節とは言わず、一年中でも聴いていたい一枚だ。フィル・スペクターの作り上げた"ウォール・オブ・サウンド"は「ポップスの遺産」として現在も様々な形で生き続けている。

2005.12.10

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Manfred Mann 「Mighty Quinn」

64年の全米No.1ヒット「DO WAH DIDDY DIDDY」で有名なマンフレッド・マンは、R&Bフレイヴァー溢れるヴォーカリストのポール・ジョーンズ時代が有名だが、二代目ボーカリストであるマイケル・ダボを中心とした、ポップス色濃い第二期も、かなり捨てがたい。この「Mighty Quinn」は、その第二期を代表するヒット曲で、68年に全米2位、全英1位を記録している。ホンワカしたイントロに、思わず頬がゆるむこの曲。ボブ・ディランの未発表(当時)曲を超ポップに料理したもので、トボけたフルートの音色と親しみやすいメロディ、マイケル・ダボの人懐っこいボーカルが、なんともいえずチャーミング。バーズの「Mr.Tambrineman」やジミ・ヘンドリックスの「All Along The Watch Tower」と並ぶ、ディランのカバーソングの中でもトップクラスの一曲であり、思わず一緒に歌ってしまう最高のポップソングだ。この曲が収録されたアルバム「Mighty Gravy！」(ポム・スフレのHPにレビューあり)も60年代サイケポップの名盤。ポップス、ソフト・ロック系の音楽に興味がある人は、迷わず買うべし!つーコトで「Mighty Quinn」を聴くにはここをクリック!

2005.11.26

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クロディーヌ・ロンジェ　「恋は水色」

ポール・モーリアで有名な大スタンダード「Love Is Blue（恋はみずいろ）」は様々なカバー・バージョンがあるが、その中でも、フランスの生んだ歌姫クロディーヌ・ロンジェの歌うバージョン（1968年のアルバム「Love Is Blue」に収録）は突出した素晴らしさだ。「天使の声」という形容がピッタリのロリータ系ウィスパー・ヴォイス。ニック・デカロ（ポム・スフレのHPにアルバム・レビューあり）のアレンジによるドリーミーなサウンド。「奇跡」と言ってもいいその仕上がりは時間が止まりそうな美しさだ。その素晴らしい声で数々の名演を残した彼女ではあるが、後年夫の愛人を殺害してしまった事を機に芸能活動を引退している（そりゃそうだわな…）。そう思って見ると、彼女の目少しイッちゃってるような気がしないでもない…？　コワ～。ポム・スフレのホームページではクロディーヌ・ロンジェのアルバムについて取り上げています！

2005.10.14

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The Beach Boys 「California Girls」

ビーチボーイズの代表的なヒット曲のひとつでアルバム「Summer Days」（写真）に収録。前奏の「ピッポポッポ、ピッポポッポ…」というのどかなフレーズがカリフォルニアの太陽と青い空を思い出させる（行った事ないけど）。サビのメロディーラインでは、いくつかのパートのヴォーカル・ラインを組み合わせるという、後の「Good Vibrations」での手法が既に使われているが、そんな実験性をも全く感じさせないキャッチーポップスに仕上げている所がブライアン・ウィルソンたる所以である。ミドルテンポの楽曲でありながら、明るさと躍動感に満ちたこの曲もまたNo.1ヒットにふさわしいシングル曲だったが、1965年のヒットチャートではソニー＆シェールの「I Got You Babe」やビートルズの「Help!」に行く手を阻まれ、全米3位にとどまった。この後、お茶濁し的なアルバム「Beach Boy's Party!」を挟んで、いよいよブライアンは「Pet Sounds」の制作に突入するのだなあ…なおこの曲、1985年にテヴィッド・リー・ロス（Van Halenのボーカル）がカバーしてこれまた全米3位のヒットを記録している。ポム・スフレのホームページでは自作曲の公開や独自の名盤CDレビューを行っています！

2005.10.09

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