[ロック音楽]の記事一覧 | こんにちは♪　ス～ジ～です♪

荒井由実「ベルベット・イースター」

立教女学院聖マーガレット礼拝堂２００５年３月２５日はグッド・フライデー、キリストがエルサレムのゴルゴタの丘で十字架にかけられて処刑された日。２６日はホーリー・サタデー、キリストが墓に葬られた日。そして２７日、きょうはイースター・サンデー、復活祭。金曜日に処刑されたキリストがよみがえったことを祝う最も重要な祭日。こんなことがわかるようになったのは、南の島に友人ができてから。ユーミンは、幼稚園がカトリック、中学校がプロテスタントで、グレゴリアンチャントなどの教会音楽に影響を受けたそうです。「ベルベット・イースター」が収録されたファースト・アルバム『ひこうき雲』のデザインは、アルヒーフのレコード・ジャケットを意識したものでした。サウンドは、キャラメル・ママ（細野晴臣ベース、松任谷正隆キーボード、林立夫ドラムス、鈴木茂ギター）の参加で、ユーミンのヨーロッパの香りのする音楽に、アメリカのウエストコースト風の味つけが加わって、バラエティに富んだものになりましたが、基調は、祈りの歌のように思います。このアルバムが発売されたのは１９７３年１１月２０日。ユーミンは当時、大学２年生でしたが、友人の死を歌った「ひこうき雲」をはじめ、曇り空や夜明けの雨などをモチーフにした、このアルバムの作品は、６０年代後半から７０年頃までの波乱に満ちた青春時代に捧げられているように感じられます。それが７２年頃の人々の気分でもあり、ユーミンの音楽は、その雰囲気をうまくとらえていたので、共感を呼んだのではないでしょうか。＜参考＞１９６６年～１９７２年のユーミン私には、ファースト・アルバム『ひこうき雲』の背景で、１９６０年代にユーミンが体験したさまざまなことがひびきあっているように聞こえます。そんなことは、歌詞には、ひとことも出てこないのですが。ユーミンは、それを「私小説というコンセブトに基づいている私小説アルバム」「今まで思春期とか、幼少時代送ってきたのをすべてはき出していたアルバム」と説明していますが、私は、ユーミンは、個人的な体験を、普遍性を獲得するところまで、イメージを研ぎ澄ませて作品化したのだと思います。ユーミンは、１９６０年代にどんな体験をしたのでしょうか。デビューから１０年後の１９８３年に発行された『ルージュの伝言』という、ユーミンのインタビューを山川健一氏がまとめた本からいくつか書き抜いてみたいと思います。以下、敬称略。１９６６年に立教女学院中学に入学したユーミンは、テンプターズやカーナビーツなどのグループ・サウンズのおっかけとして、新宿や銀座のジャズ喫茶に出没するようになります。やがて、それに飽きたりず、立川や横田の米軍基地に出入りしはじめ、基地のＰＸでジミ・ヘンドリックスやクリーム、ジェファーソン・エアプレイン、アンアン・バタフライなどのレコードを買い漁り、ゴールデンカップス、モップス、ビーバーズなどにレコードを持ち込むようになります。特にプロコルハルムのレコードは、すり切れるくらい聴きこみます。そのうち、成毛茂、高橋信之（高橋幸宏の兄）らが結成したフィンガーズというバンドの中国人のベーシスト、Ｃ・Ｕ・チェンに惹かれ、音楽的にも影響を受けていきます。「ユーミン」という呼び名は、Ｃ・Ｕがつけたそうです。１９６８年から、ユーミンは、御茶ノ水の美術学校へ通うようになり、その界隈の、明治大学や中央大学の激しい学生運動を目撃します。ロックミュージカル『ヘアー』を上演しようとするグループと知り合い、ブティック「ベビードール」や飯倉のレストラン「キャンティ」を拠点に交流を始めます。六本木の女王といわれた「キャンティ」のオーナー、梶子にかわいがられ、サン・ローランの衣裳をプレゼントしてもらいます。立教女学院高校へ入学した１９６９年の５月には、元ザ・タイガースのメンバー加橋かつみがユーミンの作品「愛は突然に」をレコード化します。このころ、六本木のディスコ「スピード」に通い、そこに出演していたバンド、フローラルの細野晴臣、松本隆、小坂忠らと知りあいます。ベトナム戦争への抗議、性の解放、資本主義への嫌悪、宗教への疑問をテーマとした『ヘアー』は、東京公演を１９７０年２月２５日、３か月で１１万人の観客を動員して終了。しかし、翌日、主要なスタッフ４人が大麻取締法違反で逮捕され、３月１日からの大阪公演は中止に追いこまれてしまいます。ユーミンは、根岸のドルフィンの近くの外国人収容所にいるＣ・Ｕに面会に行ったり、立教の男の子とパーティをやったり、湘南の海までドライブしたりという日々をおくります。「だから、いわゆるカウンターカルチャーは、もうたっぷり吸い込んだね。６０年代終わりから７２、３年とかまで。すごく暗い時代だったじゃない、本当は。ジェファーソン・エアプレインの歌なんか、私にとっては象徴的だった。ああ、これぞ今の私だとかって思ったもの。あのトーンがそういうふうに思えた。もちろんほかの音楽もいっぱい聞いたけど、なぜかグレース・スリックが代表選手なの。」１９７１年、高校３年生になったユーミンは、芸大の受験勉強に本格的に取り組むため、遊びの誘いは断りますが、曲を作ってアルファレコードに持ちこむことは続けていました。１９７２年４月、多摩美術大学に入学したユーミンは、日本画を専攻しますが、アルファレコードの村井邦彦社長の決断で、シンガーソングライターとしてデビューすることになります。

Eagles「Hollywood Waltz」

♪Springtime, the acacias are blooming♪Southern California will see one more day♪Dreamland and business is blooming♪The birds are singin' as I drift away（春、アカシアの花が咲いている　南カリフォルニアは素敵な1日をむかえる　夢が満ちあふれ、ビジネスは順調　鳥たちはさえずり、私はさまよう）Eaglesの４枚目のアルバム『One Of These Nights』(１９７５年６月１０日発表)の３曲めに収録されている「Hollywood waltz」は、楽園のような南カリフォルニアの１日からはじまります。そこに何人もの男たちの相手をしてきた美しい女性が登場します。昼間は少し疲れているようですが、夜になると天使のよう。♪So give her this dance♪She can’t be forsaken♪Learn how to love her with all of her faults♪She gave more than she’s taken♪And I’ll go down doin’ the Hollywood waltz（だから彼女と、このダンスをおどろう　彼女を見捨てられないよ　彼女は欠点すら愛せることを教えてくれて　彼女は自分以上に私を愛してくれたから　だから彼女と、このハリウッド・ワルツをおどろう）私は、Eaglesのワルツが好きです。１枚めの「Most Of Us Are Sad」、２枚めの「Saturday Night」、４枚めの「Hollywood Waltz」と「Take It To The Limit」、５枚めの「Pretty Maids All In A Row」。特に、この「Hollywood Waltz」は、彼女のイメージに絢爛豪華な映画の都が崩壊していく姿が重ねあわせられているような、美しく切ない歌。ロサンゼルス（ハリウッド）をホームタウンとしていたEaglesならではの作品です。彼女は、もう一度、あの「Hotel California」に登場します。夜の砂漠のハイウェイで見つけたホテル。戸口に現れた彼女は、キャンドルに灯をともし、私を部屋へと案内します。♪Her mind was Tiffany-twisted, she got the Mercedes bends♪She got a lot of pretty, pretty boys, that she calls friends♪How they dance in the courtyard, sweet summer sweat,♪Some dance to remember, Some dance to forget（彼女の心は、ティファニーやメルセデスに酔い、　彼女が「友人」と呼ぶ美しい青年たちに囲まれて　中庭で優雅におどっています。甘い夏の汗の香りをただよわせて　過去の栄光を思い出している人たち、現実を忘れようとしている人たち）私が「ワインを飲みたいのですが」とキャプテンに告げると、「あのお酒は、１９６９年から、ここには置いていません」という返事。そして、彼女は、私に、つぶやきます。“We are all just prisoners here, of our own device”（私たちはみんな、みずからの意志で、ここで囚われの身となっているの）私は、出口をさがして走りまわりますが、夜警に「ここを立ち去ることはできない」と言われてしまいます。いま、ふりかえると、１９５６年前後にElvisらが生み出したロックは、１９６９年前後に登場したスーパースターたちによって活力を取りもどしたものの、１９７６年ころになると、その活力を失い、再び停滞していったように感じられます。それを敏感に感じとって表現したのが１９７６年１２月８日に発表された「Hotel California」という歌でした。１９７６年１０月、John Lennonは、創作活動をやめて主夫生活を開始。Elton Johnは、『Blue Moves』(１９７６年１０月)を最後に、長年のパートナーBernie Taupinと決別。１９７６年１１月２５日、The Bandは、ファイナル・コンサート「The Last Waltz」をサンフランシスコのウィンターランドで開催。そして１９７７年８月１６日、最愛の妻Priscillaに去られて傷心の日々をおくっていたElvis Presleyが死去…。

The Beatles「Get Back」

The Beatlesのシングル「Get Back」は１９６９年４月１１日にイギリスで発売されました。「Get Back」は、１９６９年１月２０日に開催するコンサートと、コンサートにむけてThe Beatlesが新曲を生み出し、それを洗練させていく過程をドキュメントとして撮影し、公開するというプロジェクトの一部でした。The Beatlesは、１９６６年のコンサート・ツアーを最後に、人前での演奏を行っていなかったので、彼らのルーツであるライブ・バンドへの回帰、彼らが初期に演奏していたロックンロールの曲を再び取り上げるという点から、このプロジェクトは「Get Back Session」と呼ばれました。撮影は、１９６９年１月２日にはじまりましたが、１０日にはGeorge Harrisonが脱退するなどトラブルが続いたため、２２日からセッションをアップル社の地下スタジオに移し、旧友のキーボード奏者Billy Prestonを加えて再スタート。１月３０日には彼らの拠点であったアップル社の屋上で４２分間のライヴが行われ、「Get Back」は、１曲め、２曲め、最後の１２曲めと３回演奏されました。久しぶりに人前で演奏するThe Beatlesのメンバーは生き生き。♪Get back, get back, ♪get back to where you once belongedとうたうPaul McCartneyのヴォーカルは、The Beatles自身を鼓舞するように何度もくりかえされます。歌詞の１番では、一匹狼のつもりで虚勢をはっているJo Joという男が、２番では、なんでも自分の思い通りにしてしまう男まさりの女Sweet Loretta Martinが登場し、Paulに「もどってこい」と呼びかけられますが、男はJohn Lennon、女はYoko Onoを指し、JohnがThe BeatlesよりもYokoとの活動を優先していることを揶揄しているようにきこえます。しかし、それだけでなく、Ringo Starrがたたきだすビートをはじめ、「Get Back」の音楽は、ロックンロールの魂を呼びおこす力をもっています。翌３１日にはアップル・スタジオで最後のレコーディングが行われて、「Get Back Session」はほぼ終了。４月１１日にシングル「Get Back」が発表されたものの、アルバムと映画の発表は、さまざまな問題から延期され、アルバムは『Let It Be』として１９７０年５月８日にイギリスで発売、映画『Let It Be』は、１９７０年５月１３日にニューヨークでプレミア・ショーが開かれました。そして、２００３年１１月１７日、このセッションを本来あるべき姿にもどそうという取り組みが『Let It Be…Naked』として発表されたのでした。このＣＤでは「Get Back」は１曲めに収録されています。ふりかえってみると、１９６８年ごろから、ロックンロールの原点に戻ろうという動きがさまざまな形で生まれていました。それは、The BandやCreedence Cleawater RevivalやDelaney&Bonnieのデビューであり、Elvis Presleyの１９６８年ＮＢＣライヴでの復活でした。私は、『Let It Be…Naked』で、ロックンロールを生き生きと演奏するThe Beatlesに出会い、彼らの原点である初期の4枚のアルバム『Please Please Me』(１９６３年３月２２日)『With The Beatles』(１９６３年１１月２２日)『A Hard Day's Night』(１９６４年７月１０日)『Beatles For Sale』(１９６４年１２月４日)を聞き直しました。そして、『A Hard Day's Night』が彼らの最高傑作であることを確信しました。The Beatlesの魂ともいうべき作品です。『A Hard Day's Night』から「Get Back Session」で原点に回帰するまでの彼らの道程については、また別の機会にふりかえってみたいと思います。ここでは、彼らが原点に帰って生み出した「Get Back」が、Elvis Presleyの１９７０年８月１２日のラスヴェガスのインターナショナル・ホテルでのミッドナイト・ショーでうたわれ、Elton Johnの１９７０年１１月１７日のニューヨークのＷＡＢＣ－ＦＭ局でのライヴ・ラジオ・ショーでうたわれたことを紹介しておきます。The Beatlesは、解散の危機にありましたが、彼らの生み出した音楽は、依然として時代の欲求を表現し、スーパースターたちからも強い支持を得ていたのでした。そうそう。「Get Back Session」のエンジニアに起用され、幻のアルバムとなった２種類の『Get Back』を制作したGlyn Johnsが、その後、The Rolling Stones『Get Yer Ya-Ya's Out!』(１９７０)、The Band『Stage Fright』(１９７０)、Eaglesのファースト・アルバム(１９７２)とセカンド・アルバム『Desperado』(１９７３)のプロデューサーをつとめたことも、つけくわえておかなくては。 Get Back(１９６９年１月３０日)

Crosby, Stills, Nash, & Young 『Deja Vu』

イラクでの日本人人質事件。ファルージャでの米軍によるイラク人の虐殺。私は、ふたたびイラク情勢に注目しています。1970年前後のような政治の季節が、30年ぶりにやってきたのでしょうか。こういう時期には、緊張感のある音楽が、しっくりきます。最近、聴いているのは、Crosby, Stills, Nash, & Youngの『Deja Vu』と『4 Way Street』。映画『Woodstock』のビデオも久しぶりに見ました。Crosby, Stills & Nashの美しいコーラスとラテン音楽風のリズミカルなアコースティック・ギターの演奏も素敵ですが、やはりNeil Youngの、しぼり出すようなヴォーカルとエレキギターは強烈で、いま聴いても新鮮。David Crosbyの、心象風景を描き出すような幻想的な曲も好き。『Deja Vu』は、遠い昔の写真帳をおもわせるセピア色のレコード・ジャケットも印象的です。このジャケットのデザイナーは、のちにEaglesのジャケットも担当しています。そういえば、3年後の1973年に発表されたEaglesの『Desperado』に、なんとなく似ています。Joni Mitchellの「Woodstock」が、♪We are stardust♪We are golden♪We are billion-year-old carbon♪And we got to get ourselves back to the garden（私たちは星くず、私たちは輝く貴重な存在　私たちは10億年後の炭素＝ダイヤモンド　だから私たちはエデンの園に戻らなければ）と力強くうたわれたあと、David Crosbyの「Deja Vu」で、♪We have all been beforeというコーラスが繰り返されると、彼らの音楽が、時空をこえて、こだましているように感じられます。彼らは、1970年という時代を生きながらも、遠くを見つめていたのでしょう。それが、彼らの音楽が、いまでも新鮮にひびく秘密のような気がします。Long Time Gone映画『ウッドストック』よりSuite: Judy Blue Eyes 映画『ウッドストック』より

Simon & Garfunkel「Bridge Over Troubled Water」

１９９１年４月２５日(木)、私は１３時間の空の旅をおえてジョン・Ｆ．ケネディ国際空港に初めておりたちました。バスは、ポール・サイモンとアート・ガーファンクルのホームタウンであるクイーンズ区をぬけ、マンハッタンにむけてイースト・リバーをこえるクイーンズボロ・ブリッジにさしかかります。♪Like a bridge over trouble water♪I will lay me down♪Like a bridge over trouble water♪I will lay me down「Bridge Over Troubled Water」のリフレインが、私のなかで鳴っていました。私は、昼も夜も、あこがれのニューヨークを歩きまわりました。近代美術館、自由の女神、アポロ劇場、エンパイア・ステート・ビル、メトロポリタン美術館、ティファニー、ナイトクラブ、セントラル・パーク、ヴィレッジ・ゲイト、マジェスティック・シアター。４月３０日(火)には、グランド・ハイアット・ニューヨークを出て、地下鉄でウォール街まで南下し、ウォーターフロントのピア１７へ。３階のリバティ・カフェで、ロブスター料理とモエ・エ・シャンドンのシャンパンを楽しみながら、ブルックリン・ブリッジや世界貿易センターのツインタワーをながめていました。私は、ポール・サイモンの歌に導かれて、ニューヨークにやってきたのでした。今回は、ニューヨークの思い出とともに、ポール・サイモンが「Bridge Over Troubled Water」を生み出すまでの道のりをたどってみたいと思います。ポール・サイモンは、１９４１年１０月３１日にニュージャージー州ニューアークで誕生し、まもなくニューヨーク市クイーンズ区キュー・ガーデン・ヒルズに移転しました。父はウッド・ベース奏者、母は学校教師という中流のユダヤ人の家庭に育ちました。近所に住む同い年のアート・ガーファンクルとは１９５３年６月、小学校の卒業記念の学芸会の出し物『不思議の国のアリス』で共演して仲良くなります。１９５４年、エルヴィス・プレスリーの音楽に衝撃を受けたふたりは、チームを組んで音楽活動を開始。さらに、エヴァリー・ブラザーズの影響を受けたふたりは１９５７年、トム＆ジェリーとしてデビュー。１１月、最初のシングル「Hey,Schoolgirl」がヒット・チャート第４９位にランク。しかし、続くシングルはヒットせず、エルヴィスの入隊でロックンロールは下火となり、ふたりは学業の道に戻ります。しかし、音楽家への道をあきらめきれないポール・サイモンは、当時のヒット曲の発信地ブリル・ビルディングに出入りし、プロの音楽家としての経験を積んでいきます。１９６２年にボブ・ディランがデビューすると、これに共鳴したふたりは１９６３年９月、再びチームを組んでフォーク・ミュージックに取り組み、グリニッチ・ヴィレッジのクラブ、ガーズ・フォーク・シティに出演。これがコロンビアレコードのプロデューサー、トム・ウィルソンの目にとまり、１９６４年１０月、サイモン＆ガーファンクルは「Sound of Silence」をふくむアルバム『Wednesday Morning, 3AM』で再デビュー。この間、ポール・サイモンは、パリ、ロンドンをはじめヨーロッパ各地のフォーク・クラブに出演。１９６５年、ボストンのハーバード大学の学生の間で「Sound of Silence」が評判を呼んでいるとの連絡を受けたトム・ウィルソンは、１９６５年６月にボブ・ディランが発表した『Highway 61 Revisited』でフォーク・ロックを生み出したバンドの演奏をアコースティック・バージョンの「Sound of Silence」にダビングして発売したところ、１９６６年１月には見事、ヒット・チャート第１位に…♪And in the naked light I saw♪Ten thousand people maybe more♪People talking without speaking♪People hearing without listening♪People writing songs that voices never share♪And no one dare♪Disturb the sound of silence（そして裸電球のあかりのなかに僕は　１万人か、それ以上の人々の姿を見た気がした　彼らはしゃべってはいるが何も語っていない　相手の声はきいているが何も理解していない　決して歌われることのない歌をつくっていた　そして誰も　沈黙の音をやぶる勇気をもっていなかった）「Sound of Silence」のヒットを受けて１９６６年１月に発表した２作めのアルバム『Sound of Silence』は、ヨーロッパでのソロ活動でうたっていた曲をフォーク・ロックにアレンジしたもの。つづいて１９６６年１０月に発表した３作めのアルバム『Parsley, Sage, Rosemary, And Thyme』にも、ヨーロッパでの体験をもとにした歌を収録。ただし、『Sound of Silence』と『Parsley, Sage, Rosemary, And Thyme』をくらべると、『Sound of Silence』には、自己の内面にとじこもるようなひきこもりの歌が多いのに対して、『Parsley, Sage, Rosemary, And Thyme』では、「Life, I love you（人生よ、君が好きだ）」とうたう「The 56th Street Bridge Song(Feelin’ Groovy)」きよしこの夜のメロディを背景にアメリカの悲しいニュースを淡々と読みつづける「7 O’clock News / Silent Night」など、ポール・サイモンの視点が自己意識(内面)から外の世界へと転じつつあるように感じられます。それは、「Sound of Silence」という歌が聴衆に受け入れられたことに対する自信にもとづくのかもしれません。ふたりは、１９６７年６月１６日、サンフランシスコのフラワー・チルドレンのSummer of Loveの発端となるMonterey International Pop Festivalにイーストコーストを代表するミュージシャンとして登場。ギター１本で「Feelin’ Groovy」をうたい、聴衆を魅了します。１９６８年４月に発表した『Bookends』では、ポール・サイモンは、ロンドンで出会った恋人キャシーとともにアメリカをみつめる旅に出かけます。この旅は、実際には１９６４年の秋に行われたのですが、その体験が作品として昇華されるまでには４年の歳月が必要でした。ポール・サイモンは、このとき、ありのままのアメリカを受け入れたのでした。そのころ、サイモン＆ガーファンクルの代表作と新曲「Mrs.Robinson」をサウンド・トラックに起用したマイク・ニコルズ監督の映画『The Graduate(卒業)』が大ヒット。サイモン＆ガーファンクルは、最高のときをむかえていました。ポール・サイモンは、１６歳でロックンロールのヒット・ソングをつくりながら、夢やぶれて内向し、その思いを言葉として研ぎすませてきました。その言葉が聴衆に支持されるようになると、言葉を詩人の内面から外の世界へとむけていきました。このようなポール・サイモンのアメリカとの対話を経て、「Bridge Over Troubled Water」は、１９７０年１月に発表されました。♪When you’re down and out,♪When you’re on the street,♪When evening falls so hard♪I will comfort you.♪I’ll take your part.♪When darkness comes♪And pain is all around,♪Like a bridge over trouble water♪I will lay me downラリー・ネクテルの力強いピアノをバックにうたうアート・ガーファンクルの絶唱をきいていると、Youとはアメリカのことを指しているように、受けとれます。サウンドも、ロックンロールのルーツであるゴスペル・ミュージックに回帰。この歌は早速、１９７０年８月のエルヴィス・プレスリーのラスベガスのホテルでのショーや、１９７１年２月のアレサ・フランクリンのフィルモア・ウエストでのライヴで取りあげられます。それから３０年後の２００１年９月２１日、「Bridge Over Troubled Water」は、ふたたび時代と出会います。９月１１日の同時多発テロのとき、被害者を救出するために世界貿易センターへむかい、殉職した３５０人の消防士と７０人の警官ら、ヒーローをたたえようと、ニューヨーク時間の午後９時から２時間にわたって世界１５０カ国に衛星中継されたテレビ・プログラム『AMERICA:A TRIBUTE TO HIROES』。最後に、ふたつのアメリカ讃歌「God Bless America」「America The Beautiful」がうたわれる前に、ポール・サイモンは登場し、みずからのギターを伴奏に「Bridge Over Troubled Water」を静かにうたいはじめます。歌は、あのリフレインの部分にさしかかります。♪Like a bridge over trouble water♪………………………♪Like a bridge over trouble water♪………………………ポール・サイモンは「I will lay me down」というフレーズを沈黙で通しました。とても悲しく、リアリティのある鎮魂歌でした。「Homeward Bound」「The Sound of Silence」「The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)」(1967年6月16日、Monterey International Pop Festival)「America」(1970年5月1日、The Olympia, Paris)「Bridge Over Troubled Water」(1969年)

The Rolling Stones「Love In Vain」

今夜は、The Rolling Stonesの「Love In Vain」を聴きたくなって、『Let It Bleed』(１９６９年)、『Get Yer Ya-Ya'sOut!』(１９７０年)と、Robert Johnsonのオリジナル(１９３７年)を聴き比べてみました。私は、Stonesのブルースというと、まず、この曲を思い浮かべます。この悲しいブルースが、Stonesのアップテンポのロックンロールの合間に演奏されると、一層しんみりしてしまいます。Robert Johnsonの「Love In Vain」は、Stonesのバージョンよりもアップテンポで演奏されるのですが、Robertは、恋人が汽車に乗って出ていくのを見送る男に感情移入して、歌の最後のほうでは、本当に泣いているのではないかという声で歌っていて、びっくりさせられます。Stonesの『Let It Bleed』の「Love In Vain」ではKeith Richardsが、『Get Yer Ya-Ya's Out!』の「Love In Vain」ではMick Taylorが弾く、スライド・ギターの音が、汽車の警笛や、男がすすり泣く声を連想させて、悲しい気分にさせられます。♪When the train it left the station♪with two lights on behind♪the blue light was my blues♪the red light was my mindというところが私は好きです。いま、聴いていたら、『Let It Bleed』では、♪the blue light was my babyと、Mick Jaggerは歌っていますね。でも、♪the blue light was my bluesのほうが、しっくりくるような気がします。Love In Vain(1972年のツアーより)

Dave Mason『Certified Live』

今夜は、Dave Masonの『Certified Live』（1976年）を聴いています。大好きな作品♪Dave Masonは、Trafficにギタリストとして参加した後、60年代末期から70年代初期にかけて、イギリスとアメリカを行ったり来たりしていたミュージシャンで、Delaney & BonnieのツアーやGeorge Harrisonの『All Things Must Pass』のレコーディングに参加し、Derek And The Dominosにも当初は参加していたそうです。Daveのヴォーカルは、ソウルフルで、曲は、当時のファンク・ミュージックを取り入れた弾けるリズムの曲もあれば、美しいメロディで聴かせるバラードもあり。Bob Dylanが作り、Jimi Hendrixがヒットさせた「All Along The Watchtower」や、Eaglesの「Take It To The Limit」なども、レパートリーに取り上げられています。Daveの音楽は、1970年前後のイギリスとアメリカのロック・ミュージシャンの交流のなかから生み出された、ふたつの文化のテイストが融合した素晴らしい音楽のひとつ。いま聴いても、全然、古さを感じません。We Just DisagreeAll Along The WatchtowerEvery WomanSad and Deep as YouWorld in ChangesOnly You Know and I Know

500 Greatest Albums Of All Time

「Rolling Stone」誌が選んだ、偉大なアルバム500(２００３年１１月)。http://www.rollingstone.com/features/coverstory/featuregen.asp?pid=2164アーティスト別にアルバム数を集計（笑）すると、第１位 The Beatles（解散後のソロ・アルバムをふくめて１５枚）第２位 Bob Dylan（１０枚）第２位 The Rolling Stones（１０枚）第４位 Eric Clapton（９枚）第５位 Bruce Springsteen（８枚）第６位 The Who（７枚）第６位 Neil Young（７枚）第８位 The Velvet Underground（６枚）第８位 David Bowie（６枚）第８位 Simon & Garfunkel（６枚）第８位 Elton John（６枚）でした。１枚くらい、かぞえ間違えているかも。さすがアメリカの雑誌！　イギリス人とアメリカ(カナダ)人のバランスがとれている。というか、予想以上に、イギリス人アーティストの評価が高いですね。私は、The WhoとThe Velvet Underground（Lou Reedのソロ・アルバムをふくめて）は、ほとんど聴いていないので、今度、聴いてみようかな。The Rolling Stonesも、私が聴いているのは、『Beggars Banquet』以降のアルバムですが、3枚目、4枚目、6枚目、8枚目のアルバムがランク・インしていたので、聴きたくなりました。最近は、キムタク主演のテレビドラマ『プライド』のテーマ曲に採用された影響で、『Queen Jewels Very Best Of Queen』がヒット。私が一番好きな曲は「Bohemian Rhapsody」ですが、Queenの曲は、なかなかむずかしい印象がありました。偉大なアルバム５００でも、２３０位に『A Night At The Opera』(１９７５年)がランキングされているだけ。いま、７枚目のアルバム『Jazz』(１９７８年)を聴きなおしてみたら、わかりやすい！なかなかむずかしいという私のQueenの曲のイメージは５枚目のアルバム『A Day At The Races』(１９７６年)まで。６枚目のアルバム『News Of The World』(１９７７年)で方向転換してシンプルなロックンロールをめざし、その結果、アメリカはじめ、世界中で支持を得られるロックバンドになっていったようですね。そのあたりのこと、偉大なアルバム５００では無視されているようですが（笑）。後期のアルバムも、聴いてみたくなりました。

The Concert For Bangla Desh

きょうは、Eric ClaptonのＣＤを聴いていました。『E.C. Was Here』『Crossroads 2(Live In The Seventies)』『461 Ocean Boulevard』と、1970年代前半の作品を聴いたのですが、きょうの私には、ブルースがしっくりこなくって。そこで、ひさしぶりに『The Concert For Bangla Desh』を聴いてみたら、しっくりきました。このコンサートが行われたのは、1971年8月1日。ニューヨークのマジソン・スクエア・ガーデン。1971年3月、パキスタンからの独立をめざしていたバングラデシュの人々は、政府から弾圧を受け、100万人の東ベンガル人が殺害され、1,000万人が死の恐怖からインドへ逃げこみました。インド音楽家Ravi Shankarは、友人のGeorge Harrisonに相談して、バングラデシュの情勢を世界に知らせ、多額の義捐金を集められる、慈善コンサートの実現にこぎつけたのでした。The Beatlesが解散状態となるなかで、George Harrisonは、1970年5月から、Eric Claptonと一緒にソロ・アルバム『All Things Must Pass』を録音。Eric Claptonは、1969年にDelaney & BonnieのツアーやLeon Russellのソロ・アルバムの録音に参加して、アメリカ南部の音楽に取り組むようになり、1970年にはDerek & The Dominosを結成して、Duane Allmanとともに『Layla And Other Assorted Love Songs』を録音。そうした流れのなかで、George Harrisonが当時、親しくしていたアーティストに声をかけて実現した、このコンサートでは、ブリティッシュ・ロックとアメリカ南部のロックの風味が混ざりあった独特のサウンドが鳴り響いています。Georgeの名曲にEricのギターが華を添える「While My Guitar Gently Weeps」はじめ「Beware Of Darkness」「Something」など、Georgeの代表作を聴けるだけでなく、Georgeのギター、Leon Russellのベース、Ringo Starrのタンブリンをしたがえて、代表作を淡々と歌うBob Dylanも聴けるなんて、夢のよう♪My Sweet LordWhile My Guitar Gently Weeps

SIGHT VOL.8 SUMMER 2001　特集「1970年－ジミヘンとジャニスが死んだ年」

渋谷陽一さんが編集する雑誌「SIGHT」第8号（2001年7月発行）は、「1970年－ジミヘンとジャニスが死んだ年」という特集を組みました。私は、購入したまま、読むのを忘れていたのですが、最近、私が影響を受けた音楽とは何だろうと考えていくうちに、1970年の音楽に行きつき、この雑誌を思い出しました。渋谷さんも、3年前、同じことを考えていたのですね。渋谷さんは、特集の扉で書いています。「1970年に僕は18歳だった。（略）ジミヘン、ジャニスの死も、ジョン・レノンが初のソロを出したことも、よど号も三島も、それはショッキングな事件ではあったが、日々の積み重ねの中の出来事であった。それがロック史的にどう評価されるかなどは考えずに、新譜としてリリースされた『原子心母』をマリファナの煙が充満するロック喫茶で聴いていたのである。20世紀も終わり、ロックやサブカルチャーにもそれなりの歴史が生まれ、70年も分析・再評価される機会が増えてきた。どんな視点からも70年は重要な年として位置づけられ、いかに熱い時間が流れていたかが語られている。確かにそうであり、間違いではないのだが、時代の当事者であった自分の体温との差をいつも感じていた。（略）今回、そんな自分の居心地の悪さを正確に見つめなおす意味も含め、70年という1年に正面から向き合う特集を組んだ。テキストは基本的に当時のものをそのまま使い、あえて30年という時間経過のフィルターを排除することにした。（略）しかも、それを1月から12月まで時系列順に並べて、70年という1年を追体験してもらえる形にトライしてみた。（略）逆に、当時のものだからこそセンチメンタルでなく、リアルな空気感が伝わってくるのが興味深い。今回の特集のタイトルは“1970年－ジミヘンとジャニスが死んだ年”である。一番インパクトのある事件としてタイトルにしたのだが、この時代を象徴するテーマ性をもった事件でもあった。つまり、ロックの幻想と楽観主義が終わらざるを得なかった年、それが70年だったのである。（略）ロックに代表される反体制的楽観主義が現実と衝突し、次々と敗れ続けた現実がここにはある。ひとりの編集者として、この特集から読みとってもらいたいのは、まさにそれなのだ。ポール・サイモンからジョン・レノンまで、この特集に登場するアーティストは誰もが自分の作品と同じように社会について語っている、というか、社会との関わりの中でしか語れないような作品を作っているのだ。（略）ここでは世界を語る有効な武器としてロックが信じられ、そこに体が張られているリアリズムがある。（略）この特集に登場する発言者の誰もが本気であり、今読むと恥ずかしいくらい青臭い発言をしている。完全に戦闘モードなのだ。そして実際に闘い、結局敗れた。すべてが敗けたわけではないが、多くの闘いは敗け戦であり、死者も出た。でも、闘わなければ、敗けることもできなかった。（略）」私は、渋谷さんのように、1970年を同時代として生きたわけではありません。それでも、彼らの生み出した音楽は、充分に魅力的で、私を惹きつけます。彼らは、本当に敗けたのでしょうか。私は、私なりに、彼らの作品の魅力に迫ってみたいとおもいます。