加藤浩子の　La bella vita（美しき人生）

[カテゴリ未分類] カテゴリの記事

全786件 (786件中 1-50件目)

1 2 3 4 5 6 ... 16 >

• 朝日カルチャーセンターで、テノール歌手の櫻田亮さんをゲストにお迎えし、バッハの二大受難曲の魅力を語り合います！実演付きハイブリッド講座です

  櫻田亮さんといえば、日本を代表するテノールのお一人。特にバロック音楽の分野で世界的に評価され、ジョルディ・サヴァールの《ロ短調ミサ曲》のツアーでソリストに起用されるなど、実力は折り紙付きです。　　最近は、バッハ・コレギウム・ジャパンの受難曲コンサートでエヴァンゲリストとしてたびたび登場し、絶賛を浴びています。甘く端正な声、言葉の美しさも味方するくっきりした響き、バロック音楽のアフェクトを弁えた、格調のある劇的表現は、世界トップクラスのエヴァンゲリストと言えるのではないでしょうか。　　来月7日、朝日カルチャーセンターに櫻田さんをお迎えし、バッハの二大受難曲の魅力を語り合う講座を開講します。もちろん実演付き。アリアもですが、聖書の同じ記述の部分の表現が、《ヨハネ》と《マタイ》でどう違うか、もお見せしたいな、と考えています。　イタリア滞在が長かった櫻田さんは、なんとスカラ座でも《マタイ》を歌われたそう。その辺りのお話も、ぜひ伺ってみたいところです。　詳細、お申し込みはこちらから。教室受講とオンライン受講が選べるハイブリッド講座です。　​櫻田亮さんと語る　バッハ受難曲の魅力​

  May 12, 2021

• 「日比谷オペラ塾」で、「名作オペラで知る歴史」を開講します

  昨年に続き、自粛のGWとなってしまいましたが、いかがお過ごしですか？　コンサート、イベントはほとんど流れてしまいましたが、新緑に癒されています。　こんな時で恐縮ですが、6月の対面講座のご案内です。　　「フェニーチェ劇場友の会」が主催し、「日比谷図書文化館」で開催されている「日比谷オペラ塾」は、いつもあっという間に埋まってしまう人気の講座ですが、今回は特別編として、二回のみの講座を開講することになりました。　テーマは「名作オペラで知る歴史」。二回にわたり、ナポレオンの対イタリア戦争を背景にした「トスカ」、ドイツ統一の時代に理想のドイツを追い求めてドイツ近世史を扱った「ニュルンベルクのマイスタージンガー」を取り上げます。　大きな会場ですが、人数を絞り、感染症対策も万全にして行う予定です。　詳しくはこちらからご覧いただけます。　​日比谷オペラ塾「名作オペラで知る歴史」​　どうぞよろしくお願いいたします。

  May 2, 2021

• 日本ヴェルディ協会では、新春オンライン講演会として、「音楽の危機」が話題の岡田暁生先生をお招きします！

  音楽学者で、京都大学人文科学研究所教授の岡田暁生先生といえば、「オペラの運命」「西洋音楽史」「音楽の聴き方」など数々の名著や、朝日新聞などの音楽評論でもお馴染みの音楽学者です。今は、先日このブログでもご紹介した、ポストコロナ禍の音楽界へのメッセージのような「音楽の危機」がとても話題になっています。　日本ヴェルディ協会では、新春オンライン講演会に、その岡田暁生先生をお招きすることになりました。　テーマは「コロナの時代の群衆オペラの運命はいかに」。「ナブッコ」のようなヴェルディ初期の群衆オペラは、「第９」のように、コロナ時代で危機を迎えています。そのことを念頭に、ポストコロナ時代の群衆オペラの行方を考えよう、という内容になりそうです。　博識多才の岡田先生ですので、発見の多い講演会になることと思います。　非会員の方は千円で聴講いただけます。　詳細、お申し込みはこちらから。　​日本ヴェルディ協会　岡田暁生新春オンライン講演会​　「音楽の危機」紹介ブログはこちら 　　​「音楽の危機」紹介ブログ​

  November 13, 2020

• 「モーツァルティアン・フェライン」10月例会で、「モーツァルト三大オペラとフランス革命」についてお話しします

  ご存知の方も多いと思いますが、今年はベートーヴェンの生誕２５０周年。　新型コロナのパンデミックで数多くの公演が中止に追い込まれてしまいましたが、この機会に、力強く前向きなベートーヴェンの音楽に励まされた方も少なくなかったのではないかと思います。　そんなベートーヴェンは、フランス革命を音楽で体現した作曲家でもありました。　ベートーヴェンより１４年早く生まれたモーツァルトは、フランス革命前夜の時代を生きました。それは貴族から市民へという時代の端境期でもあり、そのためモーツァルトは、宮廷音楽家からフリーの芸術家へと音楽家の身分が移り変わる、不安定な時代を生き、その影響を受けざるを得ませんでした。　とはいえ、彼の作品には、本人の意識の有無にかかわらず、革命の兆しが投影されていることも事実です。「フィガロの結婚」「ドン・ジョヴァンニ」「魔笛」のいわゆる「三大オペラ」はその好例と言えましょう。　そのことについては、春に出した新書『オペラで楽しむヨーロッパ史」で掘り下げてみました。　この度、時々講演をさせていただいているモーツァルトの音楽の愛好団体「モンソンアルティアン・フェライン」の例会で、このテーマで講演をさせていただくことになりました。　直前のご案内で大変恐縮ですが、ご都合がよろしければお運びいただければ光栄です。　講演の詳細は以下でご覧ください。モーツァルティアンフェライン　10月例会　「オペラで楽しむヨーロッパ史」（平凡社新書）については、こちらからご覧いただけます。　オペラで楽しむヨーロッパ史

  October 12, 2020

• 朝日カルチャーセンター新宿で、砂川涼子さんをお迎えしてモーツァルト講座を行います！お待ちかねの対面講座です！

  久しぶりに、対面講座のお知らせです。　以前から、朝日カルチャーセンター新宿では、歌手の方をお迎えして、対談をしながら２、3曲歌っていただく講座を行なってきました。　この５月には、砂川涼子さんをお迎えして、モーツアルト をテーマにした講座を予定していましたが、ご承知のように緊急事態宣言で延び延びに。　この度、ようやく、実施の運びとなりました。　人気、実力ともに日本を代表するプリマドンナ、砂川涼子さんが、デビュー当時から歌い続けているモーツアルトの魅力を語り、名アリアを歌う講座です。　状況にもよりますが、講座終了後は、砂川さんを囲んで懇親会を行いたいと考えています。　ご参加をお待ちしています。　詳細、お申し込みは以下からお願いいたします。​　砂川涼子と語るモーツァルトの魅力​

  September 28, 2020

• 「ワンコインでいつでも検査」プロジェクト、セミナー開催。旅行業界とクラシック音楽業界のキーパーソンが語ります

  新型コロナはやや落ち着いてきた様子で、国内では色々な規制が緩和されつつありますが、外国との交流はほぼ遮断されたままです。　危機に瀕している旅行業界で、グローバルスタンダードであるPCR検査を普及させようと、「ワンコインでいつでも検査」プロジェクトが立ち上がったことは先日ご紹介しましたが、このプロジェクトがセミナーを開催することになりました。　旅行業界の発起人に加え、同じく危機を迎えているクラシック音楽業界から、この問題に対応している中心人物である、（株）Amatiの入山社長が登壇するとのことです。　入山さんは、クラシック音楽業界を代表するプロデューサーのお一人ですが、今回のコロナ危機に対して、クラシック音楽業界共通のガイドラインなどを普及させることを目的に、「日本クラシック音楽事業協会」を立ち上げました。結果、バラバラだった業界に横のつながりが生まれ、今回のコロナ危機での成果のの一つとなっています。　入山さんは、先日の「クラシック音楽マネジメント学会」のシンポジウムでも、中心的な役割を果たしており、お仕事ができるのはもちろん、人柄も素晴らしく、音楽業界のことを本当に真剣に考えていらっしゃいます。有意義なお話が聞けることと思います。　　セミナーは２６日土曜日の午後、文京シビックセンター会議室ですが（入場無料）、インターネット中継も行われます（事前申し込み要）。後日、youtubeにもアップされるようです。ぜひ、御興味を持っていただけると幸いです。　​ワンコインでいつでも検査プロジェクト　セミナー概要​

  September 19, 2020

• 朝日カルチャーセンターのオンライン講座、次のテーマは「トスカ」です！

  ご好評をいただいている、朝日カルチャーセンター新宿のオンライン講座。　　今月１７日は、プッチーニの傑作オペラ「トスカ」をテーマにお話しさせていただきます。　スリリングなストーリーと、ドラマティックで美しい音楽で、絶大な人気を誇る「トスカ」。アリアをはじめ、聞きどころも盛り沢山なので、何も考えなくても楽しめるオペラです。　けれど、よく見ると、「トスカ」は実によくできているオペラなのです。　特に見過ごしがちなのが、歴史的背景。「トスカ」は、「１８００年６月17日」の出来事だと、台本に指定されています。そんなオペラは、おそらく他にありません。　なぜ、１８００年６月１７日なのか？そこには、ナポレオンの第二次イタリア侵攻という、歴史的な必然があるのです。　なぜ、冒頭で脱獄してくるアンジェロッティは「政治犯」なのか？　なぜ、カヴァラドッシは「ナポレオン軍の勝利」の知らせに躍り上がり、「勝利だ！」と叫んだのか？　なぜ、トスカは、この時点でローマの劇場で歌っていられるのか？そしてなぜ、信心深く嫉妬深いのか？　このようなことは、（主にサルドゥの原作に指定されている）歴史的背景を探ることで、クリアになります。その結果、おなじみの「トスカ」の世界が、グッと身近になるのではないでしょうか。　「トスカ」の舞台はすべてローマに実在しますが、その場所の写真や、現場で撮影された名アリアの歌唱もお楽しみください。　詳細、お申込みはこちらから。　​朝カルオンライン　「トスカ」​

  September 7, 2020

• みなさん気になる？海外のオペラハウスでのドレスコードのお話

  海外への往来ができなくなってしまっている今年。　とうぜん、音楽ツアーも計画を立てられない日々が続いています。　そんななか、ツアーの同行講師を務めている、郵船トラベルさんのサイトで、「旅びと通信」というエッセイを連載しているのですが、最近閲覧数が多かったのが、海外のオペラハウスでの「ドレスコード」のお話。　劇場や音楽祭の写真もたくさん載せてありますので、ビジュアル的にも楽しんでいただけるようです。　ご参考になるかと思い、こちらでも共有することにしました。　以下のリンクからご覧ください。　​「旅びと通信」、「たかがドレスコード、されどドレスコード」​

  September 5, 2020

• 「ワンコインでいつでも検査」プロジェクトのお知らせ

  前回のブログにおける「日本音楽マネジメント協会」シンポジウムについての報告は、大勢の方に興味を持っていただきました。学会にも問い合わせがたくさんあったそうです。ありがとうございました。　会員の方には、シンポジウムのアーカイブが配信されるとのことですので、参加しそびれた方は、ぜひ入会をご検討ください。　　さて、今日は、旅行業界が立ち上げた試みのお知らせです。　　想像がつかれると思いますが、音楽業界同様、旅行業界も未曾有の危機にあります。　特に「Gotoトラベル」の恩恵もない海外旅行は、全く再開の目処が立ちません。（音楽界も、海外との交流が実質的に絶たれ、アーティストの行き来ができないために甚大な被害が出ていることが、シンポジウムで報告されていました。）　　海外との交流を再開する上での最大のネックが、PCR検査数の絶対的な不足と、１４日間の隔離です。日本ではPCR検査について賛否があるようですが、感染者の抑制に成功している国や自治体は、検査数を増やし、隔離することで数を減らしている。ニュージーランドもニューヨークもそうです。検査、追跡、隔離、それが、「グローバルスタンダード」です。　　海外との関係が重要でない業種でも、経済活動の本格的な再開には、検査体制の拡充は必要なのではないでしょうか。それによって生まれる安心感は、大切です。実際、世田谷区のように、自治体などが独自で、検査体制の拡充、無料化、あるいは廉価化をへ舵を切るニュースが聞かれるようになってきました。　　日本ではPCR検査が（場合にもよりますが）２万円ほどします。この価格はネックです。「音楽マネジメント学会」のシンポジウムでもこの話題が出ており、これではそうそう簡単にできない、という話が出ていました。　　　この度、「風の旅行社」代表の原さんが立ち上げた「ワンコインでいつでも検査」プロジェクトは、PCR 検査を、ワンコインで、いつでもどこでも受けられるようにしよう、という主旨です。ぜひご一読いただき、ご賛同をいただければ幸いです。　ワンコインでいつでも検査　プロジェクこ

  August 12, 2020

• 朝日カルチャーセンター新宿のオンライン講座で、カウンターテナーの藤木大地さんをお迎えします！

  長い長い自粛を強いられたオペラ界にも、少しずつ再開の足音が聞こえてきました。　まず今月、藤原歌劇団は「カルメン」を上演予定（１５−１７日）。大きな団体によるオペラ公演は、コロナ自粛以降初になります。　東京二期会は、来月早々の「フィデリオ」でオペラ公演を再開。深作健太さんの演出は、「ソーシャルディスタンス」の時代を意識したものになるそう。ベートーヴェンイヤーの記念公演でもあり、興味を惹かれるところです。　　そして新国立劇場も、８ヶ月！のブランクを経て、１０月の新シーズンから再開です。　演目は予定通り「夏の夜の夢」。大野和士オペラ芸術監督が力を入れる、２０世紀の名作オペラの一つです。　演出はやはり、この時代ならではのものになるそうですが、本作は新国立劇場のオペラ劇場では初めての上演でもあり、大変楽しみです。　注目されるキャストのナンバーワンは、カウンターテナーの藤木大地さんでしょう。ウィーンやボローニャの歌劇場でも活躍。今回歌うオーベロン役は、カウンターテナーの役としても、ご自身のキャリアの中でもとりわけ重要な役だそうです。　その藤木大地さんを、朝日カルチャーセンター新宿のオンライン講座にお迎えすることになりました。　詳細は以下でご覧になれます。朝カルオンライン　オペラ歌手の肖像　藤木大地　オンライン講座なので、生歌というわけにはいかないのですが、その分、ご自身のキャリアからコロナ自粛中の生活、「夏の夜の夢」の見所など、たっぷり語っていただきたいと思います。　講座中の質問もO Kなのが、オンライン講座のいいところ。視聴される際には、ぜひ、率直なご質問もお寄せください。

  August 7, 2020

• 「人生が変わったこの一冊」番外編　シュルツェ「コーヒーハウス物語」、バッティストーニ「僕たちのクラシック音楽」

  「人生が変わったこの一冊」、今日は番外編として、これまで訳し、印象に残った二冊をご紹介させていただきます。　一冊目　ハンス・ヨアヒム＝シュルツェ　「コーヒーハウス物語」（洋泉社）　　原題は「ああ、コーヒーはなんて美味しいんでしょう！」このタイトルは、バッハの「コーヒー・カンタータ」の一節です。ただ、それをそのままタイトルにしても日本人には（よほどのバッハ通でない限り）ピンとこないだろう、ということで、邦訳はこのタイトルになりました。編集を担当してくださった江森一夫さんのアイデアでした。　原書のタイトル通り、「コーヒー・カンタータ」の壮大な解説書とでもいうべき一冊なのですが、とにかく面白い！コーヒーとコーヒーハウスの起源から始まり、１８世紀前半のヨーロッパを席巻したコーヒー・ブーム（バッハ以前にもいくつも「コーヒー・カンタータ」があったのです）、当時の、そしてライプツィヒの「コーヒーハウス」の実態、「コーヒー・カンタータ」の解説、そしてコーヒーの輸入過剰から禁止令に至るコーヒー・ブームの終焉まで、「コーヒー」を鍵にしたちょっとした社会史。それを、「歩くバッハ事典」というふさわしいバッハ研究の碩学、シュルツェ博士がユーモアたっぷりに綴るのです。「バッハ関連の本」にしてはとても読みやすいし、装丁もしゃれていて一読で虜になりました。英訳も出ていて、ライプツィヒの「バッハ博物館」に行くと英独両方の版が売られています。（残念ながら邦訳は販売されていませんが。。。）　まだドイツ人にとってコーヒーが未知のものだった１７世紀に、オランダからコーヒー豆を送られたドイツの田舎街の商人が、コーヒーのいれ方を知らず、豆をコンソメに入れて煮ちゃった、なんて話は笑えました。それから１世紀後に訪れたコーヒー・ブーム。「コーヒー・カンタータ」はそれを背景に生まれたのでした。　訳書のページはコーヒー色になっていますが（お洒落！）、これも江森さんのアイデアです。「絶対売れるよ！」と大騒ぎして売り込み、大量に売れ残ってご迷惑をおかけしました。。。。在庫がはけたのは、中村紘子さんが「BSブックレビュー」で取り上げてくださったから。有名人とテレビの威力を思い知りました。　残念ながら絶版ですが、ご縁があれば復刊させたい一冊です。　シュルツェ　「コーヒーハウス物語」　洋泉社　　　二冊目　アンドレア・バッティストーニ「僕たちのクラシック音楽」（音楽之友社） 　もう一冊、印象に残っている訳書は、ご存知マエストロ・バッティストーニの初めての著作「僕たちのクラシック音楽」です。　原題は「Non e Musica per Vecchi（＝シニアのための音楽じゃない）」。「クラシック音楽」にまつわる「古臭い」というイメージを払拭したいためのタイトルなのですが、流石に原題の訳をタイトルに使うのはためらわれ、このようなタイトルになりました。　原書は、２０１３年にコモでバッティにインタビューした帰りにミラノの書店で見つけて購入。これは訳さなければ、というわけで、音楽之友社さんが引き受けてくださいました。　　原文はもちろんイタリア語で、とても私一人で訳す力はなく、イタリア語のプロで、いっとき文法のクラスなどでお世話になった入江珠代さんに下訳をお願いしました。入江さんはチェロも弾くので、やはりチェロ弾きのバッティとは話があって、打ち合わせをかねた食事会でも盛り上がった記憶があります。原文と突き合わせつつ５回くらい書き直したので、相当にイタリア語の勉強になりました。　　で、これ、本当にいい本です。彼の才気と音楽への愛が溢れています。ユーモアのセンスもある。もともとすごい読書家なので、バックボーンにただならない教養があるのも伝わってきます。何より、クラシック音楽が忘れられかけている！危機だ！博物館みたいに思われている！でもクラシック音楽って、オペラって、本当に素晴らしいものだよ！と、幅広い読者を想定して語りかけてくる熱意が素晴らしい。　「なぜ私のような変わり者（実は、けっこういるんです）は、何世紀も前に死んだひとたちの作品を勉強することに、人生を捧げようとするのでしょう？　なぜ私たちは、人生をクラシック音楽に捧げたいという願望にとりつかれて、クラシック音楽に将来を賭けるのでしょう？　私は、オーケストラの音がなくては、オペラへの情熱がなくては生きていけません。これから、その理由を説明しようと思います。音楽の授業をするつもりはありません。私が語りたい音楽は、退屈とは無縁なのですから」（「前奏曲」より）　全体は6章に分かれ、彼自身の体験や気持ちを語る「前奏曲」「間奏曲」「後奏曲」がつきます。　各章のタイトルと簡単な内容は以下です。第１章、第４章、第５章にはそれぞれ５曲が紹介されており、QRコードで聞くことができます。　第１章　オーケストラとの出会い　（彼のこれまでの軌跡、オーケストラの魅力、オーケストラの名曲５曲の解説）　第２章　指揮台で　（指揮者の仕事とは何か）　第３章　マエストロ（名指揮者たち）　第４章　大いなる挑戦〜作曲という仕事　（大作曲家五人とその代表作）　第５章　劇場人の使命　（オペラができるまで、オペラ名曲５作の解説）　第６章　砂漠のオペラ（パルマ王立歌劇場を率いてオマーンへ行った時の回想。国境を超える音楽の魅力）　各章の導入には、バッティ自身の体験や経験を語るエッセイ的な部分がつき、その後で解説に入る構成です。原書は導入部は斜体にしてあったのですが、邦訳では導入部を「である」調、本文を「ですます」調にしました。　どの章も面白いのですが、特に第２章の導入部で、チャイコフスキーの「悲愴」の第一楽章を指揮している様子を綴った部分は大変面白かったです。指揮者は指揮台の上でこんなことを考えているのだ、こんなことをしているのだ、と手に取るようにわかるのです。そして彼の言葉も、時に詩人のそれです。「第一楽章のクライマックスだ。チャイコフスキーは、僕たちの目の前に、真っ暗で底なしの裂け目を開く。僕たちは、この大きな空虚から生まれ出て、人生の最後には再びそこへ堕ちていくのだろう。僕の内にひそんでいる亡霊たちが、この淵から湧き上がってくる。僕は彼らと向き合い、踊り、親しくなり、そして憎む」。　第５章、オペラの章の冒頭も素敵です。　「劇場は船だ。　　夜、リハーサルの後、オーケストラのメンバーや歌手たちが帰っても、なんだかんだと楽屋でグズグズしていて、僕ひとりが遅くなってしまうことがある。そんな時、出口へ向かう前に、舞台の袖を通るのが好きだ。　人気がなくなり、静まりかえった劇場では、古い建物が、見えない波に揺られるように上下しているのがわかる。木のきしむ音、天井の梁から下がるロープは、帆船のようだ。それを上がっていけば、マストから見渡せるような景色が広がっているのかもしれない」。　最後の最後に付録のようにあるのは「冗談まじりの音楽小辞典」。これがまた面白い。バッティのユーモア全開です。「序曲」なんていう真面目な項目もあるのですが、一方で「キャンディ」なんていう項目もあります。「キャンディ　　もしコンサートにキャンディを持参するなら、ぜひ包み紙をはがしてきてください。ホールの静けさや、永遠に続くかのようなピアニッシモのなかで包み紙を剥く音を立てるのは、お葬式で笑い声をたてるようなものですから！」　冒頭に、「日本の読者の皆さんへ」と題された、訳書版「まえがき」があるのも嬉しい。冒頭の一文は「日本は「音の国」です」。　なぜ？と思われた方は、ぜひ本書をご一読ください！バッティストーニ「僕たちのクラシック音楽」　「悲愴」は東京フィルとの快演がCDに。彼は現在東京フィルの首席指揮者で、ディスクもたくさん出しています。CD第一弾のレスピーギ「ローマ三部作」も、目の覚めるような名演です。

  June 13, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第22回は（バルツァの）「カルメン」です

  昨日一昨日と、ロッシーニのオペラ・セリアというかなりマイナー路線に走ってしまったので、メジャー路線に戻ります。　ずばり「カルメン」です。　やはり、名作中の名作です。とにかく音楽が素晴らしい。人気オペラにはヒットメロディがつきものですが、ヒットメロディがこれほど多い人気オペラは他にありません。次から次、という感じ。人物のキャラも分かりやすいし、それを描写するビゼーの音楽も天才的。音楽でキャラが立ちます。そして、場面も立つのです。　世界での上演回数も、「椿姫」に次いで二番目（Operabase調べ）という超メジャー作品なのですが、実は私にとっては、「すごかった」「大満足」という公演に出会えることがわりと少ないオペラでもあります。これ、「椿姫」と同じかも。なんでかなあ。回数は、それなりに接しているとは思うのですが。。。カウフマンがホセを歌い、ラトルが指揮したザルツブルク音楽祭の公演とか、現代の名演出の評価が高いカリスト・ビエイト演出のプロダクションとか（観たのはマドリードのレアル劇場）、ガランチャがカルメンを歌った、リチャード・エア演出のMETの大人気プロダクションとか。まあ、この時のMETの公演では、当初予定されていたカウフマンが降板で、ヨンフン・リーになってしまったのが痛かったですが。　直近では、２月に観たチョン・ミョンフン指揮の東フィルの公演も（演奏会形式）、音楽的に洗練され、緻密で、「歌」も豊かな、素敵な演奏でした。　ちなみに上にあげたエア演出のMETの「カルメン」は、２００９−１０ シーズン制作の伝説的なプロダクションで、アラーニャとガランチャの共演、ネセ＝ゼガンのMETデビューで大成功。ライブビューイングもされ、大人気。日本でライブビューイング１０周年の時に人気ベストテンを募ったら、見事１位に輝いていました。　DVDはこちら。　​MET「カルメン」DVD ガランチャ＆アラーニャ​　　　上のエア演出のプロダクションから、ガランチャの「ハバネラ」をどうぞ。　​「カルメン」より「ハバネラ」　ガランチャ​　こちらは、上にあげたビエイト演出の「カルメン」（パリ、オペラ座での上演）でフィナーレを歌うアラーニャとガランチャ。演出で随分違うので、是非ご覧ください。　　​「カルメン」フィナーレ　ガランチャ＆アラーニャ　ビエイト演出　パリ、オペラ座​　　今思い返してみて、やはり「カルメン」というオペラは、「椿姫」同様、タイトルロールの歌手に大きく左右される作品だと痛感します。カルメン役の存在感、というのはやはり大きい。指揮者が作る音楽がいくら素晴らしくとも、やはりカルメン役の強烈さは不可欠です。　そうなると、原則「ナマ派」の私でも、録音録画に頼るしかありません。　幸い、「カルメン」の名盤はいくつかあります。マリア・カラスの録音（彼女は舞台ではカルメンを歌っていません）は有名ですが、映像もいいのがあります。上にあげたガランチャ＆アラーニャ＠Metもおすすめですが、あと二枚は、間違いない、と言っていい名盤がある。　一つはクライバーの指揮で、オブラスツォワとドミンゴが共演しているもの。ウィーン国立歌劇場ライブ。１９７８年。クライバーのキレキレの指揮、登り坂のドミンゴの熱い歌唱、迫力のオブラスツォワ。しかも演出は安心無敵豪華絢爛のゼッフィレッリ。天下の名盤と言っていいでしょう。　なんと字幕付きで全曲見られます。　​「カルメン」ウィーン国立歌劇場　ドミンゴ、オブラスツォワ、クライバー　youtube​　映像が欲しくなった方は、こちらから購入できます。　​「カルメン」クライバー、ドミンゴ、オブラスツォワ　DVD​　もう一枚は、アグネス・バルツァとホセ・カレーラスがMETで共演したものです。１９８７年。レヴァイン指揮。これも伝説的な映像ではないでしょうか。　実は、私にとって、「カルメン」の歌唱で一番印象に残っているのはバルツァです。１９４４年生まれのギリシャのメッゾで、「カルメン」は最大の当たり役。日本では２００２年のハンガリー国立オペラの来日公演で聴きましたが、もう６０歳近かったのに立派な歌唱で感心した覚えがあります。　この 1987年のMET のものは、その彼女の全盛期の「カルメン」。とにかく上手い！響きがしっかりしていて、強弱も自在で、どの声域でも美しい。中音域がムラなくて、高音も綺麗に響くし、抜けるし、全体的に迫力があります。フランス語の響きも綺麗。そして、こちらの心をぐいと引き付けて持っていく個性がある。決めつけてしまうかもしれないけれど、ギリシャの大地からの魂の叫びのような。。。「声」だけとったら、このような強烈さは、がランチャよりバルツァの方が上だ、と思います。ガランチャは容姿で得をしていますが、笑、声はここまで強烈ではない、と思う。美しい声ですが。　残念ながら全曲無料というのは見つからなかったのですが、圧巻のフィナーレがyoutubeで見られます。カレーラスも大病の前で全盛期。ホセという役は、ドミンゴより、真面目な甘えん坊みたいな感じのカレーラスの方が合っている感じがします。　　​「カルメン」MET バルツァ＆カレーラス　フィナーレ　youtube​   「ハバネラ」も貼っておきます。ガランチャと比べてみてください。　ガランチャのもこれも、両方ともMETのプロダクションなのですが、バルツァ 1987、ガランチャ２００９、という２０数年の好みの差も感じます。　​「カルメン」より「ハバネラ」バルツァ　​　実はバルツァとカレーラスの「カルメン」は、１９８６年のロイヤルオペラの来日公演でやっているのですが、それは見ていなくて、とても残念です。見ていれば、生涯最高の「カルメン」になったかもしれません。　　全曲見たいな、と思った方は是非こちらで。ミルズの演出も伝統的で贅沢。痺れます。　​「カルメン」DVD Met 1987　バルツァ＆カレーラス​

  April 22, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第２０回はロッシーニの「オテッロ」です

  イタリア・オペラで今一番「旬」の作曲家といえば、ロッシーニでしょう。　前も書いたと思いますが、１９８０年代以降（正確にはもっと前から）、ロッシーニは復活基調。しばらく前に亡くなったアルベルト・ゼッダ氏を中心に、自筆譜が発掘され、作品が次々と蘇り、全集が出版され、１９８０年に創設された生地ペーザロのロッシーニ音楽祭は、ロッシーニの「今」を伝えるメッカとなりました。定番作品の上演、レアな作品の復活上演、歌手や指揮者の育成が一体となり、伝統的な演出が多イタリアでは珍しく、演出上の冒険も頻出して、ファン、マニア、批評家が詰めかける、レベルの高い音楽祭となっています。「イタリアのバイロイト」という別名があるくらい。それほど「詣でる」人が多い。　私も何度か行きましたが、実際、レベルは高いです。どの公園もそれぞれ満足度は高い。歌手もみんなうまいし、若手がどんどん出てくる。活気に溢れています。だから「旬」なのです。ここを発信地にして、質の高いロッシーニ上演が世界に散っていっているという感じですね。　ペーザロに最後に行ったのは２０１４年なので、だいぶ前になってしまいましたが、その時の「セヴィリアの理髪師」に出ていて感銘を受けた伯爵役のガテル、フィガロ役のセンペイは、いずれも最近新国立劇場に登場して絶賛されました。ガテルは新国で「コジ・ファン・トウッテ」のフェッランド、センペイはこの２月の「セヴィリアの理髪師」でフィガロ役でした。センペイ本人から聞いたのですが、あの時の２０１４年のペーザロでの成功がきっかけになり、世界中からオファーが舞い込むようになったとか。ペーザロは歌手の産地？として注目されているのでしょう。　センペイの歌う「セヴィリアの理髪師」からフィガロの登場のアリアです。　​「セヴィリアの理髪師」よりフィガロの登場のアリア「私は街の何でも屋」センペイ　２０１８​　　ペーザロに限らず、各地でロッシーニの上演に接すると、名前を知らない歌手でもうまくてびっくりする、ということが増えました。ロッシーニは、歌手の層が厚いのです。昨夏ヴェローナで見た「セヴィリアの理髪師」も、知らない歌手もいましたが皆うまかったし、２０１５年にナポリのサンカルロ劇場で見た「チェネレントラ」も、ミロノフにマルフィと、当時すでにウィーンなどで活躍している若手が出ていて、満足度は高かった。ナポリって（ロッシーニの時代はオペラ界の中心でしたが）今は正直田舎の劇場なので、こんなところで（失礼！）こんなにレヴェルの高い上演、さすがロッシーニは今が旬だなあ、と思った記憶があります。　特に、ペーザロの音楽祭のおかげで注目されるようになったのが、ロッシーニのオペラ・セリア（シリアスなオペラ）でしょう。喜歌劇が得意と思われていたロッシーニが、実は劇的でスケールの大きな作品も得意だったし、むしろそちらの方で革命的だった、ということですね。　この分野での集大成である「セミラーミデ」など、非常に完成度が高いですし、ペーザロ以外でもかなり上演の機会が増えていると感じます。また、ロッシーニの最後の大作である「ギョーム・テル（ウィリアム・テル）」も、フランス語のグランドペラですが、鳴り物入りで新制作される機会が増えているようです。　「ギョーム・テル」、ペーザロで２０１３年に上演されていて、マリオッティの指揮、歌手もフローレス、レベカなどすごいキャストで、行きたいなーと思いながら果たせず。DVDを買いましたが、これはすごい演奏です。現地で聴きたかった。　DVD情報はこちら。アマゾンで輸入盤ですが、すごい数の評価がついています。　​ロッシーニ「ギョーム・テル」　ペーザロ２０１３　DVD​　youtubeで聴けますが、映像はなし。ラジオ中継ですね。　​ロッシーニ「ギョーム・テル」　ペーザロ２０１３　（音のみ）​　さて、私が初めてロッシーニのセリアに打ちのめされたのは、「オテッロ」です。　初演は１８１６年。ヴェルディ の「オテッロ」のほぼ６０年前。題材は同じシェイクスピアです（ロッシーニの場合は必ずしもシェイクスピアに忠実ではないですが）。２００７年にペーザロで見た時に、すごい曲だと思いました。悲劇で終わるのも当時は珍しいし。オテッロがデスデモナを殺す嵐のシーンなど極めて劇的で、「リゴレット」でジルダが殺される嵐の三重唱の先駆のような感じです。先駆というか、ヴェルディが取り込んだというか。笑。「オテッロ」のオテッロとヤーゴの二重唱は、「リゴレット」の第２幕幕切れのオテッロとジルダの二重唱に似ています。 ロッシーニの「オテッロ」は、以前から録音などはあったし、サントリーホールのホールオペラでも上演されたことがあって（１９９６年）生でも聴いていますが、歌手がかならずしもロッシーニを得意とするメンバーばかりではなかったこともあるのか、いまいちピンと来なかった。それが最近は、バルトリやフローレス をはじめ優れた歌手が歌うようになり、真価が認められるようになったと感じます。これまでヴェルディ の「オテッロ」の影に隠れて？いたのが復活してきたという感じでしょうか。　バルトリのDVDのトレイラー。共演はオズボーン、カマレナなど。ほぼ同じメンバーで、これはパリのシャンゼリゼ劇場でみて打ちのめされました。　 ​バルトリ 主演「オテッロ」DVD トレイラー​ DVD情報はこちら　​バルトリ主演「オテッロ」DVD​　「オテッロ」に初めて驚倒したのは、繰り返しですが２００7年のペーザロでした。やはり歌手がすごかった。フローレス に加え、グレゴリー・クンデを初めて聴いて、これも打ちのめされました。その後クンデはフランス・オペラを経て、今やヴェルディ、プッチーニ歌いなのはご存知の方も多いでしょう。彼はロッシーニのテノールとしては重めの「バリテノール」だったんですね。で、５０を過ぎてギアが入り？声量が増したという話を本人から聞きました。あと、ソプラノはペレチャッコで、技術の高さと声と姿の美しさに惚れ惚れした記憶があります。パルンボの指揮も迫力がありました。　まあ、この作品、テノールが３人！出てくるので、それに各人いい歌手が出てこないと真価はわからないし、ソプラノのデスデモナ役にもある程度の劇的表現力が必要で。やはり歌手が揃わないと、ですね。　とはいえ、このような作品に接することができるようになったのは、本当にロッシーニ・ルネッサンスのおかげです。　　いつもながら？、youtubeに全曲上がっています。こちらはパート１　​ロッシーニ「オテッロ」　ペーザロ、ロッシーニ音楽祭２００７​　パート２。この映像の最初でフローレス（ロドリーゴ役）が歌っているアリアだけでも、ぜひ。　​ロッシーニ「オテッロ」　ペーザロ、ロッシーニ音楽祭２００７　パート２​

  April 20, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第1９回は（マリオッティの）「ナブッコ」です

  またまたヴェルディが続いてしまっていて恐縮です。　とはいえ、これはどうしても書きたい。　今をときめくミケーレ・マリオッティに出会って、吹き飛ばされてしまった演奏だったので。　「ナブッコ」。２００９年、パルマ、ヴェルディ フェスティバルでの演奏です。　これも、パルマのレージョ（王立）劇場が、２０１３年の生誕２００年に合わせて全オペラを録画したtutto verdiのシリーズとして映像化されており、そちらはヌッチやテオドッシュウなど豪華キャストですが、私が見た回は、ちょっと前に新国立劇場の「トスカ」スカルピアで成功したスグーラなどが出た日でした。それでも感銘を受けたのは（もちろんスグーラも悪くなかったですが）、第一にマリオッティの指揮のおかげです。序曲の第一音から「吹っ飛び」ましたから。　後で知人から聞いたのですが、これ、伝説の演奏だったらしい。マリオッティは、ロッシーニ やベルカント・オペラの演奏で有名になった人ですが（ペーザロのロッシーニフェスティバルの総裁を長年務めていた方の息子さん）、今、ヴェルディも重要な公演はもっぱらマリオッティが振るようになっています。それも、初期〜中期を任されることが多い。ベルカント指揮者としてのキャリアのためでしょう。最近でも、パリの「椿姫」、スカラ座やミュンヘンの「群盗」、スカラ座やザルツブルク音楽祭での「２人のフォスカリ」など枚挙に暇がありません。中止になってしまいましたが、スカラ座の「仮面舞踏会」も彼が予定されていました。　DVDはこちら。　　​マリオッティ指揮「ナブッコ」　パルマ２００９​　 youtubeには２００８年のものが上がっていました。序曲だけでもぜひ聴いてみてください。吹っ飛びます。軽快なリズム感と、クレッシェンドして盛り上げるところのコントラストの大胆さ、絶妙さ。メリハリのつけ方がいいです。ヴェルディならでは、そして「ナブッコ」ならではの直線的な一気呵成の手触りを残しつつ、細部も丁寧に仕上げています。だからよくありがちな野卑さがない。どこかにエレガントな感触がある。それがマリオッティの個性です。これ、彼が振るロッシーニのオペラ・セリアに繋がる演奏だと感じます。　その後の迫力満点の開幕の合唱も素晴らしい。引き込まれます。　有名な「行け、我が思いよ、黄金の翼に乗って」は１時間３３分くらいから。  ​マリオッティ「ナブッコ」　パルマ２００８　youtube​　演出はダニエレ・アッバードですが、実はこのプロダクション、２０１２年に二期会で上演され、その時はアンドレア・バッティストーニが日本デビューを果たして大成功を収めたんですね。バッティストーニの日本の原点となったプロダクションでもあります。　その後、２０１３年の生誕２００年にマリオッティがボローニャで振ったのも聴きましたが、これも素晴らしかった。やはり序曲で吹っ飛んだ記憶があります。演出が笈田ヨシさんだったのですが、これは正直いまいち。ずいぶん後になって笈田さんにインタビューする機会があった時にこの話を出したら「僕、『ナブッコ』苦手なんです」と正直におっしゃっていました。笑。　これ、全曲youtubeに上がっていました。５年前のパルマより軽快な演奏です。　「ナブッコ」でそれ以外に感銘を受けた公演は、２００４年、ジェノヴァで、フリッツァが振った公演です。フリッツァも、ベルカントを中心に今をときめく指揮者。やはり「ナブッコ」はベルカントオペラという側面が強い作品なのでしょう。 youtubeに上がっています。序曲だけでもぜひ。爽快で推進力に富んだ堂々とした演奏です。 ​フリッツァ指揮「ナブッコ」　ジェノヴァ２００４　youtube​ 「ナブッコ」といえば、伝説的な演奏はムーティが振ったスカラ座ですよね。もちろん生ではみられていませんが、貼り付けておきます。１９８７年。ブルゾン、ディミトローヴァ。 これはやっぱりすごい。熱風のようです。スカラ座のオーケストラの力もあるのでしょう。　​ムーティ指揮「ナブッコ」　スカラ座　１９８７　youtube​　これは凄い！と思った方は、こちらから購入できます。　​ムーティ「ナブッコ」　DVD​　ところで、「ナブッコ」はヴェルディの３作目のオペラで、初めて大成功を収めた出世作。よく、成功は「国家統一運動risorgimento」の気運にあったからだ、と語られますが、少なくともそれだけではない、というのは最近言われるようになってきました。囚われのヘブライ人が歌う「行け、我が思いよ」の合唱が、占領下にあるミラノ人（初演はスカラ座）の心に訴えてアンコールされた、という俗説は今では否定されています（アンコールされたのは最後の合唱）。　個人的には、「ナブッコ」の成功の最大の原因は、やはり音楽にあると思う。迫力があり、熱くてストレートで、「みんなの歌」的な親しみやすさにあふれている、そういう音楽は新鮮だったと思います。初演歌手の力で成功したという説もありますが、初演された年の後半のシーズンの再演でも大成功していて、その時は歌手が代わっているので、それも違うのではないかと思う。　また「ナブッコ」の物語自体は、旧約聖書だし、直接の原作はフランス語の戯曲ですが、それはスカラ座でバレエにもなっていて成功していたので、馴染みはあったはずです。だから物語で感動したというのは、どうでしょうか。　「ナブッコ」に影響を与えたと言われている、ロッシーニの「モーゼとファラオ（元は「エジプトのモゼ」）」というオペラがあり、「行け、我が思いよ」の合唱のモデルになったと言われている、「あなたのいらっしゃる天から（モーゼの祈り）」と呼ばれる合唱もありますが、これも、ソリストが先導したりして、「行け、我が思いよ」より凝っている音楽だ、と感じます。　ムーティがこの作品を復活させ、スカラ座で上演しています。　その公演から、「モーゼの祈り」がyoutubeで見られます。アブドラザコフ、フリットリなど歌手も豪華です。　​ロッシーニ「モーゼとファラオ」　スカラ座　２００３年　ムーティ指揮より「モーゼの祈り」​　　全曲のDVDはこちら。　​ロッシーニ「モーゼとファラオ」　ムーティ指揮スカラ座　DVD​　「ナブッコ」という作品やその背景については、もしご興味を持っていただけたら、拙著「ヴェルディ」（平凡社新書）をご覧いただければ幸いです。　​「ヴェルディ」平凡社新書​

  April 19, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第１６回は（デセイの）「ルチア 」です

  今月１日からはじめたこのシリーズ、毎日更新を目指しているのですが、ああ、また１日抜けてしまいました。ご容赦ください。　で、今日は２回更新を目指します。　まず１６回目として、前回に続いてドニゼッティの作品、「ランメルモールのルチア」（以後「ルチア」）をあげたいと思います。　ドニゼッティといえば、長くレパートリーに残っているのは「ルチア」と「愛の妙薬」。最近は再発見が進み、いろいろな作品が取り上げられつつありますが、この２作の人気は定着しています。　特に「ルチア」は大変な傑作だと思います。ヒロインの「狂乱の場」が有名だから、というだけではなく、作品としてとてもよくできている。劇的な展開もスムーズだし、緊張感もあるし、美しい、またダイナミックな旋律にも事欠きません。第２幕フィナーレの六重唱なんて素晴らしい曲だし、また「狂乱の場」に隠れてしまっていますが、全曲のフィナーレであるエドガルドのアリア・フィナーレも名曲です。台本作者のカンマラーノもドニゼッティも、円熟期だったのではないでしょうか。　名作だけに、多くのベルカントソプラノが取り組み、名演を残していますが、個人的に一番「やられた」のはナタリー・デセイです。運よく、２０１１年の２月に、メトロポリタンオペラで実演に接することができました。これは本当に圧倒的、というか、今思い出しても、ルチアになり切ったデセイが胸の中に飛び込んでくるように新鮮です。彼女、「憑依型」だと思うのですが、それが、殺人にまで追い込まれてしまうルチアにぴったりでした。声も姿もはかないのに、そこに宿る狂気の表現が素晴らしかった。　演出はメアリー・ジマーマン。２００７年のシーズンオープニングに、デセイを想定して製作されたプロダクションで、ライブビューイングもされました。その後ネトレプコがこの演出で歌い、映像化されてブレイク。また２０１１年のメトロポリタンオペラの来日公演の時は、ダムラウがこのプロダクションで歌いました。一方デセイのMETの映像は発売されていないし、日本ではコンサート形式でしか披露されていない（2012年、ゲルギエフ指揮、マリインスキー歌劇場管弦楽団）のは、ちょっと残念です。この時の演奏は素晴らしかったですが。　恐縮ですが、デセイの公演については、ライブビューイングを見た後の感想をブログにアップしていましたので、それを貼り付けます。共演陣も、カレヤ、テジエ、クワンチュル・ユンと豪華です。　​デセイ「ルチア」　ライブビューイングの感想​ youtubeに、このメトのプロダクションの「狂乱の場」の後半があがっていました。 ​デセイ「狂乱の場」　後半　メト　youtube​ 追記：なんとこの時の全曲が「オペラオンビデオ」というサイトにあがっていました。​2011年　メト「ルチア」全曲​ 彼女の声はとても華奢で、本当は「ルチア」や、その後取り組んだ「椿姫」は厳しいかもしれないのですが（高音域は素晴らしいと思うのですが）、そのギリギリ感というのが、また狂気のルチアに似つかわしいと思ってしまうのです。　本作は、１８３９年にパリのヴァンダトゥール座という劇場で初演されたフランス語版もあり、フランス人であるデセイはこちらも得意にしています。２００２年にリヨンの歌劇場で上演されたものが映像化されており、そこからの「狂乱の場」がyoutubeにあがっていました。　​「ルチア」フランス語版　狂乱の場　デセイ　youtube​　　  これはパリのオペラ座で上演された時のドキュメンタリー。ストーリーの説明やバックステージの風景、デセイのインタビューなど。カメラワークも面白い。こんなのがあるんですね。　ドニゼッティの美しい旋律の断片も聴けます。　　​デセイ「ルチア」、パリ、オペラ座上演でのドキュメンタリー​

  April 17, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第1３回は（ガーディナーとベルリン古楽アカデミーほかの）「ブランデンブルク協奏曲」です

  バッハの迷宮、第四弾です。（多分、これで終わりにする予定です。汗）　今日は、これも名曲中の名曲「ブランデンブルク協奏曲」でいきたいと思います。　ブランデンブルク辺境伯に献呈されたため、「ブランデンブルク協奏曲」と呼ばれている（１９世紀のバッハ研究家、シュピッタの命名）この協奏曲集、正式な名前は「種々の楽器のための協奏曲」。その名の通り、様々な独奏楽器が、様々な形式で登場します。オーケストラが二つに分かれて競い合う、古いタイプの「合奏協奏曲」（第一番）から、いくつかの独奏楽器による協奏曲、その中には、当時は通奏低音楽器だったチェンバロを独奏楽器にした（第五番）モダンなものも、そして特定の独奏楽器を持たないもの（第３、第６番）まで。それぞれ個性豊かな曲揃いです。いわば当時の協奏曲の集大成。バッハはどんな分野でも「集大成」してしまう作曲家でした。　当時ケーテンの宮廷楽長だったバッハが、なぜブランデンブルク辺境伯にこの作品集を献呈したかについては、いろいろな説があります（普通は自分の君主に献呈しますから）。就職願いだったという説。主君のケーテン侯爵の意を汲んだという説。けれど、決定打はありません。バッハの作品は、「ブランデンブルク」のような有名作品であっても、実に謎だらけなのです。　　有名作でありながら、特に６曲いっぺんに生で聴ける機会はなかなかありません。昨年の１１月、鈴木優人さんの指揮とチェンバロでバッハ・コレギウム・ジャパンが全曲やってくれたのは快挙でした。演奏もヴィヴィッドにして精緻で、とても良かった。　個人的に忘れがたい演奏は、２００８年、ケーテンのバッハフェスティバルで、ジョン・エリオット・ガーディナーが、手兵のイングリッシュ・バロック・ソロイスツ（以下EBS)のメンバーと行った上演です。　ケーテンのバッハフェスティバルは、１年おきの偶数年に、バッハが５年半ばかり宮廷楽長を務めたケーテンの街で開催されるフェスティバルですが、特に２０００年から２０１４年まで、ベルリンフィルの総裁や、アンスバッハのバッハターゲの総裁を務めたハンス・ゲオルク＝シェーファー氏が総裁を務めていて、それはそれは豪華なゲストが来たのです。ガーディナーをはじめ、コープマン、ピノック、レオンハルト、ヤーコプス 、ミンコフスキ、ファウスト、ムローヴァ、ヒューイット、レオンハルト、、、、ちょうど、ライプツィヒのバッハフェスティバルが「しけていた」（失礼！）時期でしたから、それは夢のようでした。で、２００８年のフェスティバルのハイライトが、ガーディナーとEBSの「ブランデンブルク」全曲でした。　感動したのは、シチュエーションもあります。この作品が作曲されたケーテンの街で（一部はそれ以前に作曲されたと言われますが、現在のような形に纏まったのはケーテン）、バッハの主君レオポルト侯爵の玉座の間だった空間、つまりはおそらくこの曲が当時上演されていた空間での上演でしたから。（この大広間、現在は「鏡の間」と言います）　マチネのコンサートだったので、音楽に没頭していてふと目をあげると、大きな窓の向こうに木々の葉が揺れるのが見えたりした記憶も、今なお鮮やかです。　けれどもちろん、印象に残った理由は演奏です。１パート一人で、若い奏者たちがまさに丁々発止の妙技を披露。即興をちりばめたり、追いかけあったり戯れたり。「楽興の時」という言葉がぴったりの、。そしてプログラムに「指揮Leitung」と書かれていたガーディナーは、皆の前に立つどころか、なんと客席の最前列に陣取り、ただ見守っているだけ。アイコンタクトはしていたようですが。。。　この時もツアーでしたが、ツアーメンバーが何人もガーディナーの並びの席で、隣になった方まであり、「冥土の土産」だと大喜びでした。　ガーディナーのブランデンブルク協奏曲、もちろんCDも出ています。ただ私にとっては、ケーテンでの印象があまりにも強くて、それには及ばないのですが、名演であるのは確かです。　​ガーディナー　ブランデンブルク協奏曲　CD​ なんと、ケーテンのお城での録音風景がyoutubeに上がっていました！私たちが聴いたケーテンのバッハテスティバルの際に、上のCDを録音したらしい。これは「第一番」で、「バッハホール」で演奏しています。ここではしっかり指揮しています。　　​ガーディナー　ブランデンブルク協奏曲　録音風景​　こちらは、私たちが聴いた「鏡の間」で第三番を録音している時の映像。ケーテンのお城もたっぷり見られます。　​ガーディナー　ブランデンブルク協奏曲　録音風景　鏡の間​　　　実のところガーディナーという演奏家は、私にとっては生の方が圧倒的に印象が強い演奏家です。カンタータも「マタイ」も、現場で聴く方が遥かに色彩的。オペラティックと言ってもいいかもしれません。それが彼のいいところなのに、録音になると今ひとつ表情が淡いのです。なぜなのでしょう。　　CDのもう一つのお勧めはこちら。ベルリン古楽アカデミー。旧東ベルリンを本拠とする団体で、ルネ・ヤーコプスなどともよく共演していました。統一感がありながら自発性にも富み、颯爽とした疾走感が快く、音色が美しく、しかも名手揃い。この「ブランデンブルク」は実に魅力的です。​ベルリン古楽アカデミー　ブランデンブルク協奏曲　CD​「第三番」の第３楽章をこちらから。　​ベルリン古楽アカデミー　ブランデンブルク協奏曲第三番　第３楽章​　DVDもご紹介しておきましょう。ガーディナーの生演奏にノックアウトされた、ケーテンのお城の「鏡の間（玉座の間）」で録画された、フライブルク・バロックオーケストラの演奏です。旧西ドイツを代表する、古楽オーケストラの老舗。質朴な演奏が当時を偲ばせます。２０００年の３月、第１回の「バッハへの旅」（バッハツアー）でこのケーテン城を訪れた時、ちょうどこのDVDの録画中で、お城の中に入れなかったのでした。​フライブルクバロックオーケストラ　ブランデンブルク協奏曲　DVD​　このところご紹介してきたものも含めて、バッハの名曲の名演奏については、「バッハ」（平凡社新書）の第５章「ディスクガイド」でご紹介しています。ご興味を持っていただけたら、ご覧いただければ嬉しいです。​「バッハ」平凡社新書　２０１８​

  April 13, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第１２回は　バッハ「ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ」です

  このシリーズ、一昨日からどうやら、バッハの迷宮に入り込んでしまいました。。。あれもこれもご紹介したい、状態になってきています。何しろ、当時の音楽をあらゆる分野で集大成した巨人なのと、かれこれ２０年続けている「バッハへの旅」に付随して聴いた曲の記憶がどんどん蘇ってしまっている次第で、お許しください。　今日は、「ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ」BWV(バッハ作品番号）1014-1019をご紹介したいと思います。　バッハのヴァイオリン曲というと、なんと言っても「無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータ」が有名ですよね。　それは、本当に、すごい曲です。ヴァイオリン１本であんな音楽が作れるなんて、全くもって奇跡。例えこの曲集と、「無伴奏チェロのための組曲」だけを残したとしても、バッハの名前は永遠に残ったことでしょう。　一方、「ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ」は、「無伴奏」に比べてさほど有名ではありません。「ロ短調」が「マタイ」の陰に隠れて？しまっているように。　けれどこの曲集も、超絶な名曲集だと思っています。クラシックでもあり、モダンでもある曲なのです。チェンバロが、通奏低音ではなく、ヴァイオリンと対等なオブリガート楽器として扱われている。後の、モーツァルトやベートーヴェンのヴァイオリンソナタの先駆なのです。一方で、チェンバロの右手はバロック時代のトリオソナタの旋律楽器の役割も果たしているので、トリオソナタの変形ともみなせます。両方の要素が同居しているのです。　このような形式はほかの作曲家も作っているのかもしれませんが、受難曲同様、バッハの作品が圧倒的に完成度が高いのです。そして6曲の１曲１曲が、実に個性豊かです。　特に好きなのが、BWV1017(第四番）と1018（第五番）です。二曲とも短調で、痛切な色合いに満ちている。特に、寄せては返すような分散和音に伴われ、ヴァイオリンが存分に歌う1017の冒頭楽章、重音で奏でられるヴァイオリンの和音が異様な緊迫感を作り出す1018の第３楽章は強烈です。　この曲に触れる時、思い出す風景があります。　１９９９年の晩秋、翌年（バッハ没後２５０年でした）出す予定の「バッハへの旅」という本の取材ために、バッハゆかりの地を編集者とカメラマンとの３人で駆け巡ったことがありました。ライプツィヒやヴァイマール、アイゼナッハは知っていましたが、ケーテンやアルンシュタットなどに行ったのは初めて。どこも小さい街でしたが、ケーテンは小さい上にとても寂しかった記憶があります。　ケーテンに着いたのは夜でしたが、到着するまでしばらくの間、とっぷり暮れた野原の中の道を走りました。夜空に大きな銀色の月がかかり、光が煌々と降り注いでいた。　「こんなところに住んでいたなんて、バッハも寂しかったでしょうね」　バッハ狂い（失礼！）の編集者が、ポツリと漏らしました。　その時浮かんだ音楽が、ケーテンで書かれた1017の第１楽章だったのです。降り注ぐ月の光に、それはとてもふさわしいように思えました。　翌年の春に出た「バッハへの旅」（東京書籍）で、ケーテンの章の冒頭を「ケーテンでは月が降る」と始めたのは、この時の記憶からでした。　　ケーテンは、バッハが器楽曲をたくさん書いた町として知られます。２つの「無伴奏」はその代表格ですし、「ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ」もそう。ケーテンでお仕えした侯爵がカルヴァン派で、礼拝用の音楽を書く機会がほとんどなかったからです。それらの器楽曲はどれもこれも完成度が異様に高く、だからケーテン時代のバッハが一番好き、という方も結構います。　　「ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ」、「無伴奏」に比べると数は少ないですが、名演はいろいろあります。ここではモダン楽器とピリオド楽器による、対照的な演奏をご紹介したいと思います。　レオニード・コーガン（ヴァイオリン）、カール・リヒター（チェンバロ）　モダン楽器　緊張感を持った美音、雄大なスケール感、リヒターのチェンバロの妙技！くまなく鳴らし、グイグイ押し進む「美音」のヴァイオリン奏者が、チェンバロの大家相手に横綱相撲をとっているような、濃い演奏です。　　ケーテンの月夜にふさわしいと思った、BWV1017の第１楽章。　​コーガン＆リヒター　ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ　BWV1017 第１楽章​　全曲のCDはこちら。　​コーガン＆リヒター　バッハ　ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ　CD​　　一方、ピリオド楽器による名演がこちら。シギスヴァルト・クイケンとグスタフ・レオンハルトという組み合わせです。こちらはふうわりとした手触りの、自然な感触で、肩が凝ることなく？バッハの複雑な対位法が楽しめます。　​クイケン＆レオンハルト　バッハ　ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ　CD​　　　この２人によるBWV1017の第１楽章はこちらから。　　　​クイケン＆レオンハルト　バッハ　ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ　BWV1017 第１楽章​

  April 12, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第１１回「ロ短調ミサ曲」の追記です

  昨日ご紹介した「ロ短調ミサ曲」ですが、何しろ大曲大傑作なので、素晴らしい演奏（ディスク）はたくさんあります。　２０１６年にライプツィヒのバッハフェスティバルのファイナルコンサートで「ロ短調ミサ曲」の、これも忘れがたい演奏を残したウィリアム・クリスティと彼の楽団のレザール・フロリサン、最近CDが出ました。​クリスティ　「ロ短調ミサ曲」CD​　フランス・バロック音楽を復活させたことで知られるクリスティですが、彼の「ロ短調」はとてもゴージャス。響きが彩り豊かで華やかで、合唱など、陽光と戯れる噴水を眺めるようにヴィヴィッドです。テンポ感が軽快で、推進力があるのも魅力。ライプツィヒで聴いた時は、「永遠におわらないでほしい」と思ってしまいましたから。　　CD用のトレイラーで、ゴージャスな「クレド」がちょっぴり聴けます。クリスティのインタビューも。　​クリスティ　「ロ短調ミサ曲」トレイラー​　さて、ライプツィヒにおけるバッハ演奏といえば、かつてバッハが指揮していた聖トーマス教会合唱団や、バッハがその先祖的な楽団を指揮していたゲヴァントハウス管弦楽団を抜かすわけにはいきません。この二つの団体は、もちろんバッハフェスティバルの常連です。　ゲヴァントハウス管弦楽団と関係の深い指揮者の一人に、日本でも人気が高いヘルベルト・ブロムシュテットがいます。ブロムシュテットとゲヴァントハウス管は、私が聴いた限り２回、バッハフェスティバルのファイナルコンサートの「ロ短調」に登場していて、いずれも映像化されて販売されています。個人的には、２００５年に録画された旧盤の方が好きだったりします。映像のいいところは、会場になっているバッハゆかりの聖トーマス教会の雰囲気がよくわかるところ。おこもり必須の昨今は、映像がある方が楽しめるかもしれません。　​ブロムシュテット　「ロ短調ミサ曲」　DVD ２００５​　　最後の「神よ平和を与えたまえ」で、多くの観客が立ち上がる様子は壮観です。（なぜか最近はスタンディングがなくなってしまいました）。

  April 12, 2020

• 「人生が変わったこの曲、この演奏」、第６回は（バルトリとジャルスキーの）「エジプトのジューリオ・チェーザレ」です

  昨夜はバルトリの「ノルマ」のことを書きましたが、バルトリといえば（忘れられない演奏はたーくさん！ありますが）、もう一つどうしてもご紹介しておきたいのは、２０１２年にザルツブルク音楽祭で観たヘンデルのオペラ「エジプトのジューリオ・チェーザレ（エジプトのジュリアス・シーザー）」です。バルトリをはじめ出てきた歌手がみんな「超」がつくほどうまく、目を丸くしっぱなしの４時間半だったからです。　目が丸くなった理由を一言で言えば、「今時のバロックオペラって、なんとレベルが高いのだ」ということです。　（このオペラ、今月新国立劇場で上演されるはずだったのですが、中止になってしまいました。新国立劇場のオペラパレスでバロックオペラが上演されること自体が初めてでしたので、とても残念です）　バロックオペラは、今世紀に入ってから、欧米のオペラハウスでどんどんレパートリーになっています。なかでよく上演される作曲家といえば、モンテヴェルディとヘンデルではないでしょうか。特にヘンデルは、作品の数も多いし、超絶技巧が披露できるし、メロディも美しい。物語は古代ものが大半ですが、ヘンデルの時代の世相も反映されていて、普遍的な人間模様が描かれており、その点で時代に縛られないので、演出も多彩です。現代に置き換えているプロダクションも少なくありません（というか、主流かもしれません）。　そう、バロックオペラくらい、近年復活し、その面白さが見直されているオペラのジャンルはないように思います。ロッシーニをはじめとするベルカントオペラもそうですが、もともとベルカントオペラはバロックの延長線上にあるので､両者は繋がっています。私が、昨日ご紹介したような、バルトリとピリオド楽器のオーケストラによる「ノルマ」に抵抗がないのは（ノルマ役はドラマティックソプラノでなければ、という方には、バルトリのノルマは受け入れがたいと思います）、バッハを中心としたバロック音楽に長年馴染んでいるせいもあるかと思っています。　バロックオペラが復活したのは、バロックやルネッサンスの音楽、おおざっぱにいえば「古楽」が復活したからです。その出発点はバッハですが、その周辺のバロック音楽、そしてそれ以前の音楽も、演奏習慣の研究や楽器の復元、カウンターテノールなどの登場によって演奏法が変わり、以前は「演奏不可能」と思われていた作品も、オリジナルに近い形で演奏が可能になりました。　例えば「ジューリオ・チェーザレ」は、以前も取り上げられてはいましたが、音域などを変えて演奏されることが普通だったようです。ベルリン国立（州立）歌劇場が１９８０年に来日してこの演目を披露した時、初演の時はカストラートが歌った主役のチェーザレ（シーザー）を歌ったのは、バス歌手のテオ・アダムでした。もちろんバスの声域に移し替えて、です。この頃はカウンターテノールはオペラの舞台にはいませんでしたし、音域から言えばメッゾソプラノやコントラルトも歌う役ではあるのですが、音域を変えること自体、当時は抵抗がなかったのですね。私は残念ながらこの舞台に接していませんが、今時の「ジューリオ・チェーザレ」とは、別の作品に聴こえたことでしょう。　この「ジューリオ・チェーザレ」、ヘンデルのオペラの中でも人気が高く、上演回数が多い作品。あのシーザーとクレオパトラが出会って結ばれるまでの物語なので、ストーリー的に馴染みやすいのも有利かもしれません。とはいえ、やはり人気の最大の理由は「音楽」でしょう。主役たちのアリアの饗宴！バロック時代の演奏法が復活してきた現在では、彼らの装飾、即興合戦が実に楽しい。うまい歌手が揃うと（もちろん指揮者の統率力もあるでしょうが）、あんなことやってる！の連続で、ハラハラドキドキしっぱなし。それが、バロック・オペラの醍醐味です。　その顔ぶれですが、まず、カウンターテノールが４人！というのに驚かされます。タイトルロールのチェーザレをはじめ、ポンぺーオの息子セスト、クレオパトラの弟で敵役のトロメーオ、クレオパトラの侍女ニレーノ。顔ぶれがまた豪華で、チェーザレにアンドレアス・ショル、トロメーオにクリストフ・デュモー、セストにフィリップ・ジャルスキー、そしてニレーノには、大大ベテランのヨッヘン・コヴァルスキー。これだけの顔ぶれが揃うなんてさすがザルツブルク、というため息と、これだけの人材がカウンターテノールにいる！という嬉しい衝撃、その二つにやられました。　皆それぞれにうまいのですが、個人的には、この時初めて実演に接したカウンターテノールの王子、ジャルスキーに痺れました。甘く、やや硬質ながら官能的な色合いのある声、響きもクリアで美しく、声量も申し分がありません（カウンターテノールは、基本的にはファルセットなので、声量的にはどうしてもふつうのテノールのようにはいかないようです）。加えてヴィジュアルもよく、舞台でのスター性も申し分ない。実力とスターオーラが輝いているカウンターテノールだったのです。　一番印象に残った怒りのアリア L'angue offesso mai riposa。この公演の映像です。　​ジャルスキー　セストの怒りのアリア​　また、女声陣も、準主役のコルネリア（セストの母）に、これもベテランの名メッゾ、アンネ・ソフィー・フォン・オッターを配する贅沢ぶり。オッターとジャルスキーの二重唱も聴き物でした。　　　とはいえ、なんと言っても、主役はバルトリでした。　繊細でニュアンスに富んだ歌唱と、コケットから怒りの爆発まで、実に幅広い表現力。何よりしびれたのは、弱音の素晴らしさです。戦いに出たチェーザレの身の上を案じ、神に祈るアリア　Se pieta はその夜の白眉でした。バルトリの、色合いもデュナーミクも多彩自在な、心に語りかける声、ニュアンス豊かな弱音、そしてヘンデルの流麗な旋律の美しさときたら！終わった瞬間、「gigante!（偉大だ）」という掛け声が飛んでます。​バルトリ　se pieta​　　結局、「ジューリオ・チェーザレ」も、「声の饗宴」という点では、このシリーズの第１回でご紹介した「イル・トロヴァトーレ」と同じ（だから繋がっている、のですが）。もちろん、スタイルは全然違います。そして、今、どちらの人材が充実しているかと言ったら、圧倒的に「ジューリオ、チェーザレ」が得意なタイプの歌手なのです。　イタリア・オペラの「黄金時代」という形容があります。第１回でご紹介したような歌手たちが活躍していた、２０世紀半ば頃を指して使ったりしています。けれど、この「ジューリオ・チェーザレ」に出ていたようなタイプの歌手たちは、当時は存在すらしていませんでした。カウンターテノールがオペラの舞台に本格的に登場してくるのは、彼らが歌えるレパートリーが本格的に復活してきた、２０世紀も末になってからです。そういう意味では、今は、バロック（とベルカント）の「黄金時代」と言っていいように思います。　ザルツブルクの「ジューリオ・チェーザレ」、映像はこちらから。これはBDですが、DVDも出ています。　　​ジューリオ・チェーザレ　映像​

  April 7, 2020

• おこもりにおすすめ、オペラハウスのライブストリーミング

  新型コロナの影響がじわじわと押し寄せ、そして今日は突然の雪。　外に出かけることもままならなくなりました。　　欧米のオペラハウスもほとんど閉鎖ですが、いくつかのオペラハウスでは、過去の公演をストリーミング中継してくれています。もちろん無料。いつもは有料のウィーン国立歌劇場も、閉鎖期間に限っては無料で、アーカイブからこれ！という公演を上映してくれています。「EBravo」さんが、いま、フリーで見られるストリーミング一覧をまとめてくれました。オペラ、そして国内外のオーケストラのストリーミング中継も紹介されています。　また、３月、ヨーロッパツアーを行なっていたバッハコレギウムジャパンが、途中で中断を余儀なくされた時、最後にケルンのフィルハーモニーで行なった「ヨハネ受難曲」無観客上演のライブも、まだ見られるようです（これは私も見ましたが、大変感動的な演奏でした）。ストリーミングの一覧は、以下のサイトからご覧下さい。ストリーミング一覧​　王道のメトロポリタンオペラやウィーン国立歌劇場から、スイスを代表し、ちょっと通むけのチューリヒ歌劇場、そして相当に冒険的なブリュッセルのモネ劇場まで、様々な劇場の注目公演が見られるのは嬉しい限りです。劇場により、日替わりで異なった演目を提供したり、一定期間同じものを配信していたりするので、このページでチェックしてください。　個人的には、やはり誰もが楽しめるのはメトロポリタンオペラとウィーン国立歌劇場かなと思います。スターが出るのも嬉しいですね。　そして、日本では、この２つほどは知られていないかもしれませんが、質が高くてスターも出る、のはベルリン州立歌劇場です。昨夜もここのストリーミングで「マクベス」を見ていましたが、マクベス役にテノールからバリトンに転向したドミンゴ、夫人役にネトレプコという二大スターを揃え、この劇場の音楽監督であるバレンボイムが指揮をとった、音楽的に大変水準の高い公演でした。ドミンゴが、テノール時代に「オテロ」のタイトルロールを得意にしていたのはよく知られていますが、「マクベス」は「オテロ」同様、シェイクスピア原作の心理劇なので、彼の迫真の心理表現が堪能できるという点で、ドミンゴに向いているレパートリーだと感じます。ちなみに彼のマクベスは生でも見ましたが、例えば「ドン・カルロ」のロドリーゴのような華々しい役より、声質的にもやはり彼に向いていると思いました。　先の見えない日々を、このような素晴らしい公演を提供して力づけてくれる劇場関係者の方々に、心から感謝したいと思います。再開なった折に、また客席に居られる日を夢見て。

  March 29, 2020

• 生きているって、素晴らしいわね〜サー・アンドラーシュ・シフ

  超絶久しぶりですが、コンサートの感想です。Facebookからの転載ですがご容赦ください。「生きているって、素晴らしいわね」　コンサートが終わった時、後ろの席にいた、ある有名作曲家の未亡人が、私にそう囁きました。本当にそう。その言葉を噛み締めた一夜。先が見えない危機の中だからこそ、これほど深く真摯に音楽の素晴らしさと向き合うことができる。アーティストも私たちも。そのことに感謝した夜でした。　多くの演奏家が来日を取りやめる中、来日を敢行し、一部のコンサートを行ったピアニストのサー・アンドラーシュ・シフ。いてもたってもいられなくなり、昨夜、お邪魔することができました。　現在、「巨匠」とよばれるピアニストの中で、シフは演奏に接する機会の多い大家です。日本によく来ますし、毎年６月に開催されるバッハフェスティバルの常連でもあり、彼のバッハは近年ではほぼ毎年接することができています。　いつも思うのは、音楽への深く、端正で、自然な、そして喜びに満ちた向き合い方。８０歳近くなっても日々歌わずにはいられないあのドミンゴのように、ピアノを弾くのが（多分）息をするようにごく自然な営みで、喜びであることが伝わってくる。それを感じることは大きな喜びです。　演奏する姿勢も（少なくとも見る限り）自然で、柔らかい。卓抜なテクニックも、細やかな彫琢も、すべてが一つの呼吸のなかで行われるかのように、さりげなくも繋がって、大きな弧の中に抱かれていきます。　そしてシフが弾くと、どの作品も「古典」だなあ、と感じます。バッハやモーツァルトやベートヴェンはもちろん、バルトークをはじめとする２０世紀ものも。生まれた時代にかかわらず、その場に錨を下ろして永遠の生命を獲得している、という意味で。 昨夜も、そうでした。　シューマンの「精霊のための変奏曲」に始まり、ブラームス、モーツァルト、そして再びブラームスの小品を並べた前半、バッハ「平均律」第１巻第２４曲に始まり、ブラームスの小品、そしてベートーヴェンの「告別」へと至る後半、それぞれ、曲間を開けることなく続けて演奏。前曲の余韻が漂う中、次の曲が開始されます。特にバッハ〜小品〜ソナタで構成される後半は、コンサートプログラムとして理想的といえば理想的で、一夜に二つのプログラムがあるようでした。いえ、シフのことですから、冒頭のシューマンから始まる謎解きのようなプログラムになっていることは自明なのですが、その高度な謎解きが楽しめなくとも、「古典」としての音楽の佇まい、その呼吸がさらに深く、細やかになっていて心を奪われました。一つ一つの音の表情の豊かなこと。一瞬の弛緩もなく、けれど一瞬の力みもなく、音の内側をギリギリまで彫り込む。小刀で木を彫刻してゆくように。彼の、「フォルテピアノってこうだったんだなきっと」と感じさせる、「木」の手触りがあるやわらかなタッチは、実に気品があって効果的です。ヴィルトゥオジティもすごいのに、それもまたさりげない。音楽を自然の営み、自然の一部と感じさせる。「格調」とはこういうものです。　アンコールの数々がまた絶品でした。ピアノ作品でいえば「初級〜中級」に位置付けられる、有名な小品のオンパレードでしたが、それらがなんと宝物のような作品ばかりであるか、つくづく思い知らされました。１曲めの「ゴルトベルク変奏曲」のアリアを聴いた瞬間、音楽の原点に帰ってきたような気持ちになって、安堵と感動で思わず涙。続くモーツァルトのソナタ第１５番の１楽章は、「ピアノ初心者」用の作品としてあまりにも有名ですが、これこそモーツァルト！と叫びたくなる名演。「モーツァルトは易しいけど難しい」というのはこういうことなのです。音符はシンプルだけど、そこからここまで豊かで美しい音楽が紡げる。一つ一つの音が星のように美しく、七色の光をたたえ、自然な装飾に彩られてそこにありました。モーツァルトの残した音を形にすることには、なんと無限の可能性があることでしょう。　シューマンの「アラベスク」も絶品でしたが、最後のシューベルトの即興曲作品９０の３でまた泣けました。寄せては返す波のように、無限に続く音のきらめき。少女時代に愛奏した曲でした。でもね、日本のピアノ教育のおかしなところは、こういう珠玉のような作品を、単に指が回るかどうかで「初級中級上級」と区分けしてしまうところですね。音楽の先生に「なに弾いているの」と聞かれて「シューベルトの即興曲」と答えたら、「あまり進んでないんだね〜」と言われてしまいましたから。笑笑。　カーテンコールはスタンディングオベーションの嵐。ゆったり丁寧にお辞儀を繰り返すシフの目にも、光るものがあったように見えました。これからヨーロッパに戻ったら、しばらくは自主隔離かもしれません。でも、そんなことはどうでもいい。潤んだ目から、そんなメッセージが伝わってきました。　ありがとう、サー。

  March 20, 2020

• 日本を代表するテノール、福井敬さんのオペラアリアCD（オーケストラ伴奏付き）制作のための、クラウドファンディングのお知らせ

  福井敬さんといえば、日本を代表するテノールのお一人。輝かしい声、役柄の芯に迫る表現力、そして歌曲からオペラの大作まで驚異的なレパートリーを誇り、日本のオペラ界の第一線を走り続けています。　オペラの代名詞的な役柄は「トゥーランドット」のカラフですが、個人的にはびわ湖ホールのヴェルディ初演シリーズは、福井さんがいなければ成り立たなかったと思っています。９作品のうち７作に出演、とりわけ「スティッフェーリオ」のタイトルロールは迫真でした。この作品が「知られざる名作」だと教えてくれたのは、福井さんの力の賜物だと思います。　また、最近発売されたイタリア古典歌曲のCD「アマッリリ麗し」では、古楽アンサンブルのアントネッロと共演。明るく艶のある、温かみをたたえた声、明晰な発声に加えてアントネッロとの溌剌とした掛け合いで、古典の世界を新鮮に響かせ、福井さんの別の一面を見せてくれました。　録音も多い福井さんですが、オペラ歌手の王道ともいうべき、オーケストラ伴奏付きのアリア集は未録でした。CD事情が厳しい昨今、レコード会社は正直、費用のかかるオーケストラ伴奏付きのCDを制作する体力はありません。　そこで、福井さんの大ファンを自認する江川紹子さんが中心となり、オーケストラ伴奏で、福井さんのオペラアリアを収めたCDを制作するクラウドファンディングが立ち上がりました。　録音場所には、福井さんのメインの活躍の場の一つであり、日本のオペラ活動の中心地の一つでもあるびわ湖ホール、指揮に現田茂夫さん、オーケストラに、びわ湖ホールのプロデュースオペラでも活躍する京都市交響楽団を迎える贅沢な企画です。　また、寄付の額により、様々なリターンが用意されていて、本プロジェクトの委員会の方々の工夫が伺えます。完成したCD をいただけるのはもちろんですが、びわ湖ホールでの「ローエングリン」チケット付き！というものも。　これからのCD制作のあり方を模索する上でも、ひとつのモデルケースになるプロジェクトだと思います。　詳細はこちらからご覧ください。　福井敬CD制作クラウドファンディング​

  March 14, 2020

• 「正面からベートーヴェンに挑む」〜「調布国際音楽祭」２０２０

  　「調布国際音楽祭」の記者会見に行ってきました。　鈴木優人さんがエクゼクティブ・プロデューサー、お父様の鈴木雅明先生が監修を務める音楽祭です。　この音楽祭、鈴木家が調布の住人だからということで生まれた音楽祭のようですが、地元密着型を志し、地元のアーティストや、地元にある桐朋学園の協力も得ると同時に、国際的なアーティストも招き、アイデアも豊富で、今年で８年目を数えます。　ベートーヴェンイヤーなのでベートーヴェンを特集するのですが、とても面白そうな内容でした。　メインは交響曲の全曲演奏。それも、いろんな形態でいろんなオケと、あるいは室内楽やピアノ連弾でやるんですね。そのバリエーションにもそそられます。　例えば第９は雅明先生の指揮でN響（調布に来るのは２８年ぶりだそう）、合唱はN響と初顔合わせのB CJ。優人さんはBCJを指揮して５、６、８番。第７番はこのフェスティバルのために集まる若手演奏家のオーケストラ、フェスティバルオーケストラで雅明先生の指揮。同じコンサートで、バッハの名手として知られるピアニスト、マルティン・シュタットフェルトが協奏曲の第１番を弾き振りするのも聴きものです。残る1,２、３、４番はどうするかというと、様々な編曲版で、室内楽やピアノ独奏でやるんですね。これは、全曲聴いてみたいと思ってしまいます。　優人さん、記者会見で、ベートーヴェンは「強いメッセージのある作曲家なので、取り組むかどうかは大きな選択だが、正面から取り組むことにした」「これを調布におけるベートーヴェン元年にしたい」「出来るだけたくさんのベートーヴェンを、いろんな形で聴いていただきたい」。その言葉通りのプログラムになりました。　鈴木優人さんという方は本当にマルチタレント（演奏、作曲、プロデュース）の持ち主であるのに加え、人柄がソフトで自然体でとても感じのいい方。会場で会ったあるマネジメントの方が、「彼といっしょに仕事をしたいという方が本当に多い」と言っていましたが、よくわかります。周囲がついていきたいと自然に思う。そしてどんどんアイデアが出てきて、それを実現できる力がある。　お父さんの雅明先生も素晴らしいお人柄で、周囲を巻き込む情熱と人望があり、BCJが３０年発展して続いてきたのは雅明先生あってのことだと思いますが（本当に大変なこともたくさんあったと思いますし、色々大変だったとチラとおっしゃられたのを耳にしたこともありますが、次の瞬間にはまたいつもの笑顔に戻るのが素晴らしい）、優人さんは優人さんで、お父さんにないものをお持ちです。　BCJのようなピリオド楽器の団体は、アーティスト個人で立ち上げたものが大半ですが、父子で受け継ぎ、成功している例は寡聞にして知りません。これが単なる世襲なら批判されるでしょうが、お２人とも飛び抜けた才能と実力（それも繰り返しですがタイプの違う才能）の持ち主だから、可能になったことなのだと思います。　　調布音楽祭の内容、サイトにはまだアップされていないようですが、会期は６月１４ー２１日です。

  February 4, 2020

• METライブビューイング「蝶々夫人」上映前解説を担当いたします

  １９世紀末の長崎を舞台に、米国軍人とその現地妻になった日本人女性の悲劇を描く、プッチーニの「蝶々夫人」。哀しくも心を打つ物語と、それを彩る繊細で彩り豊かな音楽で、人気の高いオペラです。　メトロポリタン・オペラで上演されている「蝶々夫人」のプロダクションは、故アンソニー・ミンゲラの演出によるもの。日本にとどまらず、中国やベトナムの要素も感じさせる「東洋の美」を凝縮した舞台で、大変人気の高いプロダクションです。　その「蝶々夫人」が、来月７日から１週間、Metライブビューイングで上映されます。期間中の２月１３日、二子玉川での上映に先立って、ミニ解説を担当させていただくことになりました。　物語や音楽の魅力はもちろんですが、作品成立の背景にあった「ジャポニスム（日本ブーム）」、実は多く書かれているジャポニスム・オペラの中で「蝶々夫人」が上演され続けている理由、改訂を繰り返すたびに際立つプッチーニの「蝶々さん愛」などについて、お話しさせていただこうと考えています。　詳細は以下をご覧ください。　​Metライブビューイング「蝶々夫人」上映前解説会​

  January 29, 2020

• 東京二期会「椿姫」公演に先立ち、日本ヴェルディ協会との共催で、指揮者のサグリパンティ氏のトークと、二期会歌手による演奏つきのイベントを開催します

  ヴェルディのオペラで、いえあらゆるオペラの中でも絶大な人気を誇る「椿姫」。　今年も、早速２月に、は東京二期会の主催公演、そして東京芸術劇場の主催による公演が控えています。　このうち二期会の公演は、パリのオペラ座、ミュンヘンのバイエルン国立歌劇場などでも活躍し、これからの飛躍が期待されているイタリアの若手指揮者、ジャコモ・サグリパンティが指揮をとるのが、大きな話題になっています。サグリパンティは「椿姫」も得意としており、パリのオペラ座でも絶賛されました。　この度、私が所属している日本ヴェルディ協会と二期会さんとのコラボで、サグリパンティをメインゲストに、プレイベントを開催することになりました。　前半はサグリパンティに「椿姫」の魅力を語ってもらうトーク、そして後半は二期会所属の歌手によるミニコンサートという構成です。曲はもちろん「椿姫」からの名曲をお楽しみいただきます。　ヴェルディ協会の会員は無料ですが、一般の方も１０００円で入場いただけます。これは、お得なイベントだと思いますよ！　　詳細はこちらでご覧ください。　​「椿姫」プレイベント​　実はサグリパンティを初めて聴いたのは、２０１４年のロッシーニ音楽祭「セヴィリアの理髪師」。あれがまた、よかったのです。　その時のブログです。　​サグリパンティ指揮「セヴィリアの理髪師」​

  January 20, 2020

• よりバランスよく、より野心的に〜新国立劇場２０２０−２１シーズンラインナップ発表

  　新国立劇場の新シーズンラインナップが発表されました。　会見場にいつもより女性が多かったのは、来シーズンから就任するバレエ部門監督の吉田都さん効果もあったようです。（当たり前でしょうが、とっても細い方でした！）　オペラのラインナップについては、大野和士監督のインタビュー共々「音楽の友」誌に書くので、あまり詳しくは書けないのですが、個人的に目についたことを中心に書き留めてみます。　さて、オペラは１０作、うち新制作は４作。オープニングはブリテン「夏の夜の夢」、日本人の新作に藤倉大「アルマゲドンの夢」、大野監督が、バロックオペラと「一年おきに交代で制作する」としているダブルビル「夜鳴きうぐいす」「イオランタ」、シーズン最後を飾る「カルメン」。大野さんは藤倉作品と「カルメン」を振ります。「カルメン」は「トゥーランドット」と同じオリエ演出で、壮大だった「トゥーランドット」とは違う、室内的なプロダクションになるようです。　レパートリーは「こうもり」「トスカ」「フィガロの結婚」「ワルキューレ」「ルチア」「ドン・カルロ」。全体として、とてもバランスがいいです。２０世紀、新作、ロシア、ベルカント、ヴェルディ、モーツァルト、ワーグナー、プッチーニ、フランスもの。だいたい揃っている。このようなバランスの良さは、新国立劇場では若杉弘時代以来ではないでしょうか。若杉時代との違いは、演出がより冒険的に、そしてキャストも、若手からベテランまで、今現在各地で歌っている「歌い盛り」「振り盛り」の歌手や指揮者が目につくことでしょう。　指揮者でいえば、「夏の夜の夢」にブリテンが得意なブラビンズ、「フィガロの結婚」にベルカントやフランスものの名手エヴェリーノ・ピド（最高！）、「夜鳴きうぐいす」「イオランタ」にユルケヴィッチ、「ルチア」に若手女性イタリア人指揮者として注目をあびるスカップッチなど。　歌手も、どの演目にも「これは聴きたい！」と思う歌手が含まれています。キルヒ、アンガー、シリンス、テオリン、藤村実穂子！ら世界のワーグナー歌いが、そして脇役にも中島郁子、金子美香、増田のり子ら日本の第一線が揃った「ワルキューレ」は別格として（ちなみに指揮は飯守泰次郎前新国立劇場監督。前任が指揮者として戻ってくるのは初めてだそう）、「ドン・カルロ」にはペルトゥージ（おそらくイタリア系では世界最高のフィリッポ）やガンチ（イタリア系ス若手ピントテノールの売れっ子）が、「トスカ」にはメーリが、「フィガロ」にはガンベローニやプリランテや脇園彩が、「ルチア」にはルングやブラウンリー！が、「こうもり」にはシュムッツハルトや大ベテランのリドルが、ダブルビルにはトロシャンやシウリーナが、という具合。どの演目にも誰かしらいる、というわけです。そうそう、オープニングの「夏の夜の夢」で、藤木大地さんが主役を務めるのも注目です。　これだけのキャストが来てくれるということは、新国立劇場がアーティストにとってそれだけ魅力のある劇場になった、ということで、それは素直に素晴らしいことだと思います。　このように新国が充実してくると、難しくなるのは海外の歌劇場の引っ越し公演でしょう。メーリやペルトゥージなどという歌手は、スカラ座の引越し公演でくるような歌手。それが二万円台で聴けてしまうわけですから。。。　詳しいラインナップはこちからから。　　​新国立劇場２０２０−２１シーズン​

  January 8, 2020

• 今年楽しみなオペラ公演　その１　パレルモ、マッシモ劇場

  今年のコンサートの「お聴き初め」は、NHKのニューイヤーオペラコンサートでした。日本を代表するオペラ歌手のガラコンサートのような、オペラ版「紅白」のようなコンサートですが、今年はアンドレア・バッティストーニが指揮し、「ハープの貴公子」クサヴィエ・ド・メストレをゲストに迎えて、例年以上に盛り上がり、構成もよく、大変熱気に溢れるコンサートとなりました。感想はフェイスブックに投稿しております。　さて、東京フィルの首席指揮者を務め、日本で大人気のバッティストーニですが、彼の日本デビューは２０１２年、二期会公演の「ナブッコ」でした。これが大成功を収めて、日本でのキャリアがはじまったのです。　その「ナブッコ」を、バッティストーニが久しぶりに日本で振ります。それも、イタリアの劇場の来日公演です。パレルモ、マッシモ劇場。シチリアを代表する大劇場です。シチリアといえば「ゴッドファーザー」を思い浮かべる方もあるでしょうが、一方で「歌の国」「感情の国」としても知られ、多くの名歌手を輩出している島でもあります。バッティストーニは「ナブッコ」を、バイエルン国立歌劇場をはじめあちこちで振っていますが、イタリアの劇場との共演ということで、力の入った演奏が期待できると思います。歌手も、ベテラン中心にネームバリューのある人気キャストが揃っています。　マッシモ劇場、もう一つの演目は「ノルマ」。こちらの推しは、人気ソプラノ、デジレ・ランカトーレのタイトルロールです。彼女にとってノルマは、つい最近取り組み始めたばかりで、こちらもとても力が入っている様子です。昨年の１０月末、トリエステ歌劇場の公園で来日した際、ヴェルディ協会主催のイベントで、来日演目である「椿姫」のアリアや二重唱を歌ってくれましたが、アンコールとして「ノルマ」の名アリア、「清らかな女神」を歌ってくれて、会場が熱狂したことがあります。入場料二千円のイベントでアンコールに「清らかな女神」とは大盤振る舞いでしたが、それもランカトーレさんが、「ぜひ日本の皆さまに私の「ノルマ」を聴いていただきたい」とのことで、実現したアンコールでした。　イタリア・オペラの２大名作を、波に乗るイタリア人アーティストが演奏するマッシモ劇場の来日公演。これぞイタリア・オペラ！と言いたくなる熱狂が体験できる公演になるのでは、と楽しみにしています。詳細はこちら​マッシモ劇場　来日公演​

  January 5, 2020

• 明けましておめでとうございます。１月の講座のお知らせです。

  明けましておめでとうございます。本年もよろしくおねがいいたします。早速ですが、１月の講座のお知らせです。朝日カルチャーセンター新宿では、「オペラになったジャポニスム」を開講します。プッチーニの「蝶々夫人」はジャポニスムの産物ですが、そこに至るまでには様々なジャポニスム・オペラがありましたし、原作とみなせるいくつかのジャポニスム文学もありました。今回の講座では、「ジャポニスム」とは何か、から始めて、「舞台におけるジャポニスム」の総決算とも言える「蝶々夫人」へ至る道を辿ってみたいと考えています。「蝶々夫人」の初版やブレーシャ版、また異なる演出による映像もお楽しみください。​朝日カルチャーセンター​学習院さくらアカデミーでは、冬学期の定番となっている、みなさんでのオペラ鑑賞を前提とした講座を開講します。今回は、２月に新国立劇場で上演される「セビリアの理髪師」がテーマ。ロッシーニが残したオペラ・ブッファの大傑作を、原作などにも触れつつ映像つきでたっぷりご紹介。今回のキャストや演出のポイントもお伝えします。鑑賞会は２月１１日を予定しています。終演後にはご希望者でアフターディナーを。解説、公演鑑賞、アフターがあってオペラ鑑賞は完結します！​学習院さくらアカデミー​ギリギリのご案内で恐縮ですが、どうぞよろしくお願いいたします。

  January 4, 2020

• 日本ヴェルディ協会では、日本を代表するバス歌手の妻屋秀和さんをお迎えし、ヨーロッパの歌劇場事情をお話しいただく講演会を開催します

  妻屋秀和さんといえば、日本を代表するバス歌手。ミラノに留学後、ドイツ、ライプツィヒ歌劇場やヴァイマール歌劇場の専属歌手を勤められ、幅広いレパートリーを習得されました。現在もドイツを拠点に日本とヨーロッパを往復し、日本のバス歌手の第一人者として活躍されています。　日本ヴェルディ協会では、１２月４日の夜、その妻屋さんをお迎えし、ヨーロッパの歌劇場事情をお話しいただく講演会を開催します。ヨーロッパでの歌手生活が長い妻屋さんだからこその現地の生のお話し、日本のオペラ界との違いなど、オペラファンなら興味津々のお話しがうかがえるはずです。終了後は妻屋さんを囲んで懇親会も予定しています。詳細はこちらでご覧ください。​妻屋秀和講演会​

  November 18, 2019

• METライブビューイングの開幕に合わせ、「見どころ」講座を朝日カルチャーセンター新宿で開講します！

  今月１５日から、恒例のMETライブビューイングがスタートします。大人気演目で、この６月に亡くなったばかりのフランコ・ゼッフィレッリの豪華絢爛な演出でも大人気の「トゥーランドット」を皮切りに、多彩な１０演目が公開。新制作が５作と野心的なのも魅力だし、「さまよえるオランダ人」に、日本人として初めてLVに登場する藤村実穂子さんが出るのも注目です。​Metライブビューイング​その開幕に合わせ、今シーズンのライブビューイングの見どころ講座を、朝日カルチャーセンター新宿で開講します。人気演目から、MET初演の「アクナーテン」「アグリッピーナ」まで、映像を交えながらガイドさせていただきます。ダムラウや藤村実穂子など、今シーズン出演の有名歌手にもインタビューしましたので、その時のエピソードもご披露します！皆様のお越しをお待ちしています。​朝日カルチャー　METライブ講座​

  November 3, 2019

• モーツアルト関連の講座のお知らせです

  今月開講されるモーツァルト関連の講座のお知らせです。どちらも、音楽愛好団体の主催ですが、一般の方ももちろん聴講できます。　モーツァルトファンの集い、「モーツァルティアン・フェライン」では、テオドール・クルレンツィスとムジカエテルナによる「ダ＝ポンテ三部作」について語ります。３作のCDが世界的に話題となった彼ら、この夏はペテルブルク〜ウィーン〜ルツェルンで、三作の一挙上演ツアーを敢行（演奏会形式）。幸いルツェルンでの上演を聴くことができ、その斬新さに度肝を抜かれました（Facebookに写真入りでアップしています）。「演奏会形式」を超えた演奏会形式。これからのオペラ上演の一つの形を見せられた思いでした。彼らのこれまでのモーツアルトオペラ上演の総決算だと思います。　今回の講演では、彼らによるモーツァルト・オペラのこれまでの歩みをたどり、その新しさについてまとめてみたいと思います。詳しくは以下をご参照ください。​モーツアルティアンフェライン​「綾瀬でオペラを！の会」では、「魔笛」についてお話しします。ウィーンの写真も交えながら、この大人気オペラの魅力の秘密を探ります。​綾瀬でオペラを！の会​

  October 9, 2019

• 秋の講座。「椿姫」関連講座を朝日カルチャーセンター新宿で、「歴史とオペラ」を神奈川大学エクステンションセンターで開講します。

  秋、１０月。新しい講座が続々はじまりました。学習院さくらアカデミーでは、「オペラになった歴史のヒロイン」が今日から開講。ジャンヌ・ダルクからクレオパトラまで、歴史上の有名女性とオペラの接点を探る講座です。​学習院さくら​朝日カルチャーセンター新宿では、「椿姫」の過去と現在と題し、作品解説から解釈の変遷（歌、指揮、演出）を網羅。須藤慎吾さんをお迎えしてのレクチャーコンサートもあります。​朝日カルチャーセンター新宿​神奈川大学エクステンションセンターでは、石井美樹子先生との共同講座で「歴史とオペラ」を開講します。石井先生の名調子と、オペラの映像をお楽しみください。​神奈川大学​

  October 5, 2019

• 大野和士の真骨頂　ベンジャミン「リトゥン・オン・スキン」日本初演

  新国立劇場のそして都響の監督として、大活躍の大野和士さん。今年はとくに大野さんの、日本での「オペラの年」です。これまでヨーロッパが長かったので、実は、とくに２１世紀に入ってから、大野さんが指揮するオペラは、あまり日本ではやっていませんでした。大きな公演は、大野さんが指揮者をつとめている劇場（モネやリヨン）の来日公演とか、新国の「トリスタン」くらいだったのではないでしょうか。　けれど新国立劇場の監督になられた今年は、これまでに大野さんの指揮するオペラ、それも大きな作品を３本観ることができました。新国立劇場の「紫苑物語」、７月の文化会館（新国立劇場と共同制作）の「トゥーランドット」、そして今夜の、ジョージ・ベンジャミン「リトゥン・オン・スキン」です。いずれも、大野さんがプロデュースもしている。そう、プロデューサーとしての能力も非常に高い方です。ヨーロッパで長く活躍していることが大いにありますが、「今」の音楽界の動向をキャッチし、「今だからこそできる」的な公演をプロデュースできる。長く活躍している、だけでは説明できない「センス」を持っている指揮者だと思うのです。日本人指揮者では、他にちょっといないのではないでしょうか。世界でも、そう大勢いるとは思えません。　今夜、サントリーホールで日本初演された、イギリスの作曲家ジョージ・ベンジャミンの「リトゥン・オン・スキン」（セミステージ形式）は、まさに大野和士の真骨頂、と呼びたくなる舞台でした。　２０１２年にエクサンプロヴァンス音楽祭で初演された「リトゥン・オン・スキン」は、２１世紀オペラの名作との呼び声が高い作品だそうです。中世のフランスを舞台に、専横的な領主＝プロテクターと呼ばれます、とその妻、そして領主に頼まれて装飾写本をつくる少年との三角関係を描いた悲劇。１４歳で嫁ぎ、プロテクターに支配されていた妻アニエスは、少年を誘惑して関係を持ち、女に目覚める。２人の関係を知ったプロテクターは少年を殺し、その心臓を妻に食べさせる。妻はそれを自分の心のように貪り、自害する。。。。　あらすじはドロドロしているようですがシンプルで、音楽が透徹しているのでそれほどエグさは感じない。冒頭をはじめ、時々現代と中世を行き来する構成でもあります。登場人物は全部で5名ですが、おのおの、自分の行動の「語り」もする。それも含めて、テクストがとても素敵です。劇作家のマーティン・クリンプというひとのテクストだそうですが、詩的で含蓄に富んでいます。　音楽がまた素晴らしい。緻密で、同時に透明感があり、時に弦楽器の波に抱かれるように各パートの音色が浮かび上がります。大野さんが解説動画で「トリスタン」のようだとおっしゃってましたが、物語も音楽も、ベンジャミンが影響を受けたという「ペレアスとメリザンド」の色合いを強く感じました。歳のいった専横的な夫と若い妻、その恋人の若い男、そして小悪魔的なヒロインのキャラクターも共通している。プロテクターが少年を殺すシーンは、オーケストラが荒れ狂う間奏曲。バス・ヴィオラダガンバ、マンドリン、グラスハーモニカといった楽器の音色が、中世らしい趣を添えていました。　舞台美術（というか、「演出」といっていいと思う）は、イギリスを中心に活躍している針生康さん。オーケストラの後方に白い舞台を設けて演出的な空間とし、ダンサーや映像を活用します。ダンサーは心理表現、映像フランスの古い町や自然、古い館の部屋をイメージした空間などを背景に交えて、リアルで美しい。主役３人は通常のコンサート形式のようにオーケストラの前で歌っていましたが、衣裳は中世をイメージしたもののようでした。　音楽的水準もきわめて高いもの。プロテクター役のシュレーダーの、憎々しい荒々しさ、傲岸さ、妻アニエス役のエルマークの、透き通った豊麗な美声と美しいフレージング、デュナーミクの多彩さ。少年／天使役の藤木大地の、現実離れした、いかにもこの世とあの世をつなぐような美声。マリア＆ヨハネ役の小林由佳さんと村上公太さんも健闘し、穴のないキャスティングでしした。　そして、すべてを統括する大野さんの指揮のみごとだったこと。知的に縫い上げられ、ところどころ官能が漂う、こんな作品は彼にぴったりです。初演ものを多くてがけてきただけあって、余裕すら感じられました。「紫苑物語」も面白かったですが、作品じたいは、これに比べるとバランスを欠く、ということがよくわかりました。やはり、２１世紀の名作といわれるだけのことはあります。ほんとうによくできていて、美しく整って、無駄がないのです。全体で９０分くらいの作品ですが、あっという間でした。　見そびれた方、公演は明日もあります。コスパ抜群！です。

  August 29, 2019

• 美しさに息を飲む〜カーセンの「エフゲニー・オネーギン」@セイジ・オザワ　松本フェスティバル

  チャイコフスキーの「エフゲニー・オネーギン」は魅力的なオペラです。私たちにも身近な感情の数々。プーシキンの原作による文学的な空気。そしてなにより、リリカルで精緻で劇的なチャイコフスキーの音楽。宝石のように美しいテーマ（ライトモティフ）の数々（第１幕の手紙の場の前と、第３幕のタチヤーナとオネーギンの再会の場面でクラリネットが吹く「愛のテーマ」の、夢のなかで珠をころがすような美しさ！）。そして、チャイコフスキーのオペラでしかありえない、魔法のような舞踏会の音楽（バレエ音楽）が躍動感を添える。ロシア・オペラのなかでダントツの人気を誇るのもうなずけます。（個人的には、ムソルグスキーの「ボリス・ゴドゥノフ」も革新的ですごいオペラだと思うのですが、親しみやすさでは「オネーギン」のほうが数段上でしょう。）　今年の「セイジ・オザワ　松本フェスティバル」、メインのオペラはこの「オネーギン」でした。音楽祭総監督の小澤征爾さんも得意にし、ウィーン国立歌劇場をはじめ各地で振っているオペラです。　今回の指揮は、ファビオ・ルイージ。イタリア出身の名匠。オペラもオーケストラもオールラウンドに得意な、熟練のマエストロです。小澤さんを尊敬し、この松本で、彼の代役で「ファルスタッフ」も振っている。プログラムによると「オネーギン」を振るのは初めてとか。言葉ができないオペラはふらないことにしていたそうですが、ロシア語を勉強中、とありました。　セイジオザワフェスティバルの魅力は、豪華なキャストです。今回も魅力満点。タイトルロールはMETなどでもこの役を歌っているクヴィエチェン、そのほかに新国でもモーツァルトほかで大好評のパオロ・ファナーレ（レンスキー）、MET をはじめ世界中で大活躍のロシアの若手バス、アレクサンドル・ヴィノグラドフ、やはりロシアの大べテラン、ラリッサ・ディアドコヴァ（フィリピーエヴナ）などなど。タチヤーナ役のアンナ・ネチャーエヴァは初聴きですが、すでに世界各地で活躍している有望株です。　全般的に素晴らしい出来栄えでしたが、唯一、主役に波乱あり。まずクヴィエチェンが怪我で降板。代役のレヴァント・パキルチも初日は体調不良で降板し、カヴァーの大西宇宙さんが「三度目の正直」の代役に。大任を無事果たしたと記事で読みました。大西さんを期待していたのですが、今日（２２日）の２日目は、体調が回復した？パキルチが登板。結論からいえば、大西さんが聴きたかった、というのが本音です。まあ、「オネーギンを続けて歌うのは大変』（会場で会ったある評論家の方）ということもあるのでしょうか。大西さんはまた改めてオペラの舞台で聴いてみたいものです。　ほかのキャストはほんとうに実力派揃い。ヴォリュームはやや控えめながら、甘く繊細な声、美しいレガート、悲痛な色合いで悲劇の主人公レンスキーを演じたファナーレ（辞世のアリアは圧巻）、第３幕のアリアで、ロシアらしい深い深いバス（声の底まで降りて行って響かせるような）を聴かせてくれたヴィノグラードフ。けれど一番出色だったのはネチャーエヴァ。むらのない美しい響き（倍音の響きの美しさ）、情熱的な色合い、多彩な感情表現、そして役柄への深い共感。全曲で一番しびれたのは、第３幕の大詰めで、タチヤーナがオネーギンに「愛しています」と告げる場面でした。「万感の思い」とはこのことでしょう。「ドン・カルロ」のエリザベッタのように凛として、でももっと（身分も、あちらは王妃ですので、公爵夫人のほうが下ですし）揺れている心が感じられる。　ルイージの指揮もすみずみまで丁寧で、行き届いていました。とくに数々の名アリアの伴奏部分が繊細で、名工の細工を見る思いでした。名だたるソリストが形成するオーケストラのうまさはいうまでもありませんし、東京オペラシンガーずの合唱の素晴らしい。とてもレベルの高いオペラ。松本まで来る甲斐があるというものです、　とはいえ、今回の公演で一番魅入られたのは、ロバート・カーセンの演出でした。あまりの美しさに「息を飲む」瞬間がたびたび訪れたくらいです。躍動感と繊細さ、大胆さが同居した、大変魅力的なプロダクション。世界中で上演されているそうですが、うなずけます。　このプロダクションはもともと、METのために制作されたのだそう。METのライブビューイングでは、フヴォロトフスキーとフレミングの共演で上映されていました。シンプルな装置と豪華な衣装、の組み合わせは、たとえばイタリアなどでもよくあるのですが、その手ものはまあ予算の関係で衣装だけ豪華に、という感じで、装置はほんとにシンプル、というか簡素。場面の雰囲気付けに、ソファ一つ、像一つ、などが、まあ無造作に置かれていたりするわけです。　　カーセンの演出は、もちろんそんなものとは次元が違います。全体はオネーギンの回想に見立てられ（プログラムにある本人の言葉）、前奏曲ではオネーギンが舞台上で回想にふけり、枯葉が降りかかる。これは田舎の思い出ということらしい（前出の評論家）。なので、第１幕の田舎の家の場面では、舞台に枯葉が敷き詰められているわけです。そして、どの場面も、舞台がすっぽり収まる「長方形」の空間が意識されていました。　第２幕の舞踏会の場面では、椅子と小テーブルが長方形に並んで、広間の雰囲気を作りますが、その椅子がいく種類もあるところが田舎らしく、また風情があります。招待客はその椅子とテーブルがつくる空間のなかで踊り回るという仕組み。衣装もカラフルで、若々しい。　　これが、第３幕のグレーミン公爵邸でのパーティとなると、椅子で空間を作るのは同じなのですが、並べられている椅子はすべて同じ（同じ椅子がたーくさんあるような、より豪壮なお屋敷なのでしょう）。招待客の衣装も黒が基調でシックだし、何よりみなさん踊りません。踊り手は別にいて、お客はそれを見守っている。より格の高い社交界、という感じなのです。　そして圧巻は、第２幕後半の決闘の場面。舞台には紗幕がかかり、照明は深夜をあらわす濃い水色。登場人物は影でしかわかりません。決闘が終わり、レンスキーが倒れると、あたりは明るくなり、舞台奥のレンスキーの遺骸の向こうから朝日が昇るのです。　どの場面も絵になり、まさに「叙情的情景」（チャイコフスキーが「オペラ」などの代わりに本作につけたタイトル）の世界が現出していました。

  August 23, 2019

• ゲルギエフによる、マリインスキー歌劇場「チャイコフスキー・フェスティバル」の記者会見に行ってきました

  １１月に開催される、マリインスキー歌劇場「チャイコフスキー・フェスティバル」を率いる指揮者で、歌劇場音楽監督のワレリー・ゲルギエフの記者会見に行ってきました。　オペラ２曲、交響曲全曲、協奏曲５曲を一挙に！それも１週間ほどの間に上演するという、ゲルギーらしい密度の濃い催しです。２５歳以下なら５０００円で買える「ゲルギエフ・シート」があるのも嬉しい。　オペラは「スペードの女王」と「マゼッパ」（後者は演奏会形式）。いずれもプーシキンの原作。前者はまあ有名ですが、後者はめったに演奏されません。とはいえゲルギーには思い入れの深い作品のようで、なんと最初に指揮したチャイコフキーのオペラだそう。「リッチで劇的なオーケストレーション」と、ワーグナー並みの、ドラマティックで劇的な声が必要とされ、オケと歌手との対決が聴きものの、「知られざる名作」だそうです。　プレスリリースにかんたんなあらすじがありましたが、うーむ、なかなかにドロドロな凄まじい作品。歴史に題材をとり、ほとんどが実在の人物だそうですが、さすがロシア史、親族だろうが殺し合うのがすさまじい。俄然興味がわきました。　「スペードの女王」は、日本ではなかなかやりませんが、名作中の名作。音楽が大変充実しています。こちらはしっかり舞台上演で、ヒストリカルな美しい演出のよう。「身近な題材が大きな物語に」なったオペラで、「演出上、強い特別な仕掛けがなくとも楽しめる」（ゲルギエフ）なるほど。こちらは正統的に楽しめそうです。主役が名テノール、ガルージンというのも嬉しい（ダブルキャスト）。一時彼の「オテロ」にはまって何回か追いかけたことがあるんです。日本でも歌いましたが（ソフィア歌劇場来日公演）、２００３年に現地で聴いたフィレンツェ歌劇場の「オテロ」は大大名演だったなあ。　一度だけマリインスキーに行ったことがあるのですが、その時プロコフィエフの「賭博者」がかかっていて、そこでもガルージンが歌っていたのでした。あれもすごかった。終演後楽屋に連れて行っていただいたのに、どきまぎしてほとんどなにも喋れなかった、うぶな？私でありました。　オーケストラコンサートでは、「なかなか上演されないマイナーな作品」も含め、「チャイコフスキーの３０年間の創作がたどれる」プログラムが魅力。ピアノ協奏曲第３番なんて、恥ずかしながら生できいたことがありません。貴重な機会になりそうです。　　印象に残った質疑。「こんな短い期間にこれだけの密度の濃い演奏会を行える、そのエネルギーの源は」ときかれて、「演奏会の準備はその前に始めるわけではない。１４、５歳のとき、その作品に触れた時から私の血肉になっている」的な答えが返ってきて、とても納得。だからリハーサルなしでも演奏できてしまうんですね。　マリンスキー訪問時、「賭博者」終演後に、幕が下りたステージ上でゲルギエフが、あくる日の演目を打ち合わせしているのを目撃しました。打ち合わせがあれで済ませられてしまう、ということに驚愕した記憶があります。　もうひとつ、開幕したばかりのバイロイト音楽祭にデビューした感想をきかれたゲルギー（演目は「タンホイザー」）、「音響がほんとうにスペシャル。祝祭劇場はワーグナーの作品」だと言っていたのも、印象に残りました。　　「チャイコフスキー・フェスティバル」詳細はこちらです。　　チャイコフスキー・フェスティバル　https://www.japanarts.co.jp/news/news.php?id=3876

  August 2, 2019

• 朝日カルチャーセンター新宿で、ロイヤルオペラハウス「オテロ」の魅力、そして「イタリア統一とヴェルディのオペラ」を開講します

  朝日カルチャーセンター新宿、この夏の講座のお知らせです。　今月は、「ロイヤルオペラハウス《オテロ》の魅力」。ヨーロッパ屈指のオペラハウスで、近年の充実ぶりが目を引くロンドンの「ロイヤルオペラハウス」が、９月に　　年ぶりの来日を果たします。その演目のひとつである、「オテロ」の紹介講座です。　この「オテロ」は、２０１７年に現地でプレミエを迎え、ロイヤルオペラのそのシーズンの目玉公演になったもの。現地で観劇しましたが、充実のキャストに加え、音楽監督パッパーノの緊迫感溢れる指揮、作品の舞台であるヴェネツィアのシンボル「獅子」をモチーフにしたキース・ウォーナーの演出藻とても印象的でした。今回の来日では、現地でもオテロ役を歌った、今を代表するオテロ歌いグレゴリー・クンデ、ロイヤルを中心にめざましい活躍をみせる名バリトン、ジェラルド・フィンリーと男声陣が大変充実しています。本プロダクションの映像を中心に魅力をたっぷりご紹介します。　８月は、春から連続の「ヴェルディのオペラとイタリア統一」をテーマにした講座の最終回。「統一後」の作品ににじむ、母国へのヴェルディの思いを追います。１回だけのご受講も大丈夫です。　いずれも、終了後には懇親会をかねたお茶会を予定しています。ぜひ、お越しください。　朝日カルチャーセンター

  July 15, 2019

• ２０１９年「バッハへの旅」と「ライプツィヒ・バッハフェスティバル」を終えて〜ツアーメンバーとフェスティバルの昨今

  今年も、２０年来続いている「バッハへの旅」のガイドをやってまいりました。旅のメインは、６月にライプツィヒで開催されている「バッハフェスティバル」。サヴァールの「音楽の捧げ物」、アンタイの「ゴルトベルク変奏曲」、ソロモンズ・ノット・バロックソロイスツの「ヨハネ」など、聴きもの満載の充実した内容でした。コンサートの感想などはフェイスブックに写真入りであげておりますので、よろしければご覧ください。　フェイスブックhttps://www.facebook.com/hirokkina　こちらでは、今回の旅に参加してくださったメンバーの総括的なご報告と、バッハフェスティバルの昨今について、FBより転載いたします。 バッハツアー総括　その１　ツアーメンバー　参加メンバー２５名、うちリピーター５名、２０名は新規の方。　よく「いつも同じ人が来るんでしょう」とおっしゃる方がいますが、同じ方が２０年来続けることなんて不可能です。逆にいえば新規の方が多いから２０年続いているわけで。　「前からこのツアーを知っていたけれどリタイアしてやっと来られた」という方も毎回。または最近はネットで探してこられる方もちらほら。とにかく、こちらからすれば「知らない人ばかり」というのが毎年の状況です。　最高齢８６歳（ご自分でおっしゃったので書いてもいいかと）、最若齢３０代（母娘で参加）。８６歳の方は矍鑠！７０歳で仏教学で博士号をとられ、８０代になってオルガンを始めた。普通８０代っていうのはいろいろ「やめていく」「できなくなる」年齢だと思うのですが、それに逆らう？のがやはり若さの秘訣かも。あと、運動をする方は多いですが、やはり頭脳労働も大事だなあと痛感しました。見習わなければ。　北は札幌から南は福岡まで。香川、名古屋、大阪など全国区でした。　ほとんどが一人参加。友人同士というのはとても少ない、のがバッハにかぎらず音楽ツアーの特徴かも。来れば同好の士で仲良くなれますしね。　たくさんいただいたご縁、バッハに感謝の日々でした。バッハツアー総括　その２　バッハフェスティバル　ここ数年、おかげさまでツアーは満席ですが、それはフェスティバルの内容がいいことが大きい。２０年間きているので、その間には正直「しょぼい」こともありました。２０００年代はけっこうつまらなくて、もうやめようかと思ったこともあるくらい。２０１０年過ぎたあたりからだんだんよくなってきた気がします。メンデルスゾーンフェスティバルとの合体とかいろいろ変化があったよう。また、担当者の力もあるでしょう。今のインテンダントのマウルさんはすごく積極的な感じがします。プレスの集まりにお招きいただいたのですが、ツアーの仕事があって伺えずに残念。いずれお目にかかる機会もあるかと思っています。　音楽祭も劇場もオーケストラも、何事も「人」ですよね。担当者に見識があるかどうか。いいものを知っていて、見分ける力があり、ネットワークが築けるかどうか。それはすごく大きいです。というか、それにかかっていると言ってもいいとおもう。　以前、ライプツィヒが「しけていた」とき、素晴らしく活気があったのはケーテンのバッハフェスティバルでした。毎日毎日コープマンやガーディナーやレオンハルトやサヴァールやミンコフスキやファウストやヒューイットやそれはそれは目もくらむばかりの面々が、狭い街でバッハを奏でていました。ヘンゲルブロックに出会ったのもケーテン。それはひとえに総裁のシェーファー氏の力。ベルリンフィルやアンスバッハのバッハフェストのトップだった方でした。その方が去ったケーテンは、残念ながら見る影もありません。ほんとに「人」です。　シェーファーさんが健在だったときに、「ケーテン・バッハフェスティバル・イン・ジャパン」をやるのが夢で、実はいくつか主催者に相談したのですが、スポンサーがいなければ何もできないのだ、ということを痛感しました。。。

  July 2, 2019

• 上演が稀な作品の充実した新制作〜ミラノ・スカラ座「群盗」

  ６月の半ばから末にかけ、毎年恒例の「バッハへの旅」と、個人的な取材旅行で２０日ばかりドイツとイタリアに行ってまいりました。　旅のようすは、フェイスブックに写真入りでアップしておりますので、よろしければご覧いただければ幸いです。　ここでは、最後に見たスカラ座の「群盗」について、FBより転載いたします。　旅の最後はスカラ座でヴェルディの「群盗」。今回の、バッハツアー後の単独行動の一番の目的、というか、これを聴くことをまず決めて、それから他の、ベルリンなどの行動を決めた公演でした。理由はなかなか上演されないヴェルディの初期作品だということと、最近この分野でとても活躍しているマリオッティが指揮するから、ということです。マリオッティは大好きな指揮者だし、今ヴェルディ初期といえば、かなりの確率で彼なので（前回この分野でマリオッティを聴いたのは、２０１７年ザルツブルクの「２人のフォスカリ」でした。）　とても満足のいく公演でした。４０度！のミラノまで来た甲斐がありました。　まずやはりマリオッティの指揮。前奏曲からすかんとするいい音が出てきましたが、彼の音というのは基本的にエレガント。丸くてやわらかな、ちょっとスモーキーな時もありますが、きれいで明確な音。なので、よく（悪口のように言われる）ヴェルディ初期の「ウンパッパ」が決して粗野に聞こえない。もちろん音楽に存在している熱気はちゃんと表現してくれるのですが。　で、今回聴いていて思ったのですが、彼の音色は「ベルカント」のそれなんですね。ベルカントものの「声」を思わせる音色。そこが、他の指揮者と違う。私が「群盗」を生で聴いたのはこれまで一度だけ、ナポリのサンカルロ劇場でルイゾッティの指揮だったのですが、ルイゾッティは煽る煽る。それはそれで快感ですが、「群盗」をベルカントの流れにある作品ととらえると、マリオッティの音楽作りのほうがしっくりきます。「群盗」はもともと、ベルカントの名歌手だったジェニー・リンドのために書かれた作品（そしてヴェルディ作品として初めて外国、ロンドンで初演）という面もありますので。　で、その「ジェニー・リンド」のために書かれた、という点ですが、今回の公演でよくわかりました。というのも、ジェニー・リンドが受け持ったアマーリアのパートが、やはり他のパートのための音楽と書法が違う。ドラマはシラーのの原作（シラーの出世作）で、内容は劇的で暗い悲劇なのですが、「声」中心の作品だから、カヴァティーナ（カンタービレ）〜カバレッタ形式の大アリアで歌手を聴かせる部分もあり、そこは悲劇的な響きとはいえないわけですが、なかでもアマーリアのパートは、リンドが得意だっただろうコロラトゥーラを、かなり意識して書き込んでいる。ちょっと周りから浮いてしまうほどなんです。ルイゾッティのときはそこまで感じなかったので、マリオッティと、ひょっとしたら歌手（オロペーサ）のせいもあるのかもしれません。それはポジティヴにとらえていますが。　象徴的なのが、この作品で一番よくできているのは大詰めの第４幕（と、その前の第３幕後半）なのですが、ここにアマーリアはほとんど登場しません。リンドのためのパートがない部分のほうが、劇的な集中力があるんですね。今回の公演でそのことがよくわかりました。もちろんマリオッティの指揮も一変してドラマティックで、作品の見せ場をよく伝えてくれていました。収穫でした。　そのアマーリア役を歌ったのはリセット・オロペーサ。アメリカのソプラノ。ここのところ急激に活躍の場を広げている歌い手です。コロラトゥーラが得意で、これがスカラ座デビュー。ルイゾッティのときはドラマティック・コロラトウーラ？のルクレツィア・ガルシアでしたが、オロペーサのほうがしっくりきました。技術的にかなり高く、コロラトゥーラの技術がたしかで、かなりひろい音域（テッシトウーラ）もよくカバーしていました。声にはしっかりした「色」もあり、きき手をひきつけるものもあり、これからどんどん個性が出てくるような気がします。ヴィジュアルも美しくて、スターになれる可能性は高そうです。　主役のカルロ、伯爵家の息子で群盗に身を落としてしまったカルロは、ファビオ・サルトーリ。スカラ座を中心に、ヴェルディからヴェリズモで活躍している歌手。スカラ座にくるとよく彼を聴くことになります。朗々とした美声、明るく、魅力ある声、技術的にもしっかりしたものがあるので重宝されるのでしょう。いい声なんですが（カーテンコールの拍手も歌手のなかでは一番多かった）、ちょっと「泣き」が入りすぎるのが気になりました。前はこんなことなかったのですが。　伯爵役はミケーレ・ペルトゥージ。ベルカント、とくにロッシーニから出発して今やヴェルディのバスとしても大活躍。いつも安定していて、彼が出てくると間違いない、という大歌手です。柔らかいトーン、音色のパレットと表現力、美しいレガート。大きな役ではありませんが、ドラマを文字通り「締めて」いました。　悪役のフランチェスコはマッシモ・カヴァレッティ。彼もよくスカラ座に出ています。技術的に高いものがあり、わりと何でも歌えるから重宝されるのかもしれませんが、悪役らしいドスの効いた、アクの強さがないのが残念。やっぱりその辺はヌッチなんかと違います。迫力がないんですよね。イタリアのバリトンはやはり今後が心配です。　とはいえ、今のスカラ座としては全体的にかなりいい水準の歌唱。今シーズンのオープニングでシャイーが指揮した、やはりヴェルディ初期の「アッティラ」よりよほどよかったのではないでしょうか。（「アッティラ」は映像でしか見ていませんが）。　一方で、ベルリンドイツオペラの「ハムレット」のようなダムラウ、センペイといった強力スターはいない、それでもスカラ座としてはいい水準なのだなあ、というところは、やや引っかかったのではありますが（この２人なみの歌手は、今回の顔ぶれだとペルトウージでしょうか）。　ちなみにダムラウは、来年ミュンヘンで「群盗」を歌うそうです！「リンドにために書かれたパートだから私にも歌えそう」だと。聴いてみたいな。　演出（新制作）はデヴィット・マクヴィカー。メトなどで重宝される売れっ子です。場面は伯爵家のような立派な建物で、それが劇の進行とともに荒廃していく。シラーが意図した、身分制への反発、その崩壊を体現しているようです。軍の宿舎のようになったり、群盗たちの基地になったり。荒くれ者たちの合唱では、合唱団員に混じってバレエダンサーも踊りまわって活気を添え、なかなか効果がありました。　とはいえ演出の一番のキモ？は、原作者のシラーを黙役で登場させたこと。前奏曲では軍服役の彼が兵隊に鞭打ちされるシーンがあり（シラーも軍隊にいたことがあったらしい）、その後彼は常に舞台にいて、劇の進行を見守り、時に参加します。アマリーアに剣を渡したり、フランチェスコを殺したり（！）。アマーリアは彼の憧れの女性でもあるようで、舞台の背景として、ファンダイク風のアマーリアの肖像画がかかっていました。

  July 2, 2019

• 黄金のオペラ愛〜ドナルド・キーン「オペラへようこそ！」（文藝春秋）

  ドナルド・キーンさんの最後のご本、「オペラへようこそ！」を読みました。亡くなられた後の御出版。英語で語られたのを中矢一義先生が日本語にされたそうです。　素晴らしいご本。売れているらしい。読まれているらしい。オペラ好きにとってはどんどん読まれてほしい、売れてほしい本です。　なぜかって、オペラを愛する「幸せ」が、ぎっしり詰まっている本だから、です。キーンさんにとってオペラを愛するということは「幸運」以外の何物でもない、と。そう言い切れるのって、実はなかなか難しいのではないでしょうか。私など、オペラがあって幸せな人生だというのはもちろんなのですが、世間一般からみたら変わり者だよね、という思いはどこかにあります。それで全然構わないのですが、キーンさんのように、迷いなく「堂々と溺れる」のはつくづくすごいと思う。しかも聴き方が深いです。さすが。　　オペラとの出会い、オペラにまつわるきままなエッセイ、オペラと日本古典芸能との関係、作品論、歌手論、などからなっていますが、どの章もそれぞれ読み応えがあります。エッセイの章では、「初めて見るなら「カルメン」」、「最初に精通した「フィガロの結婚」は最高傑作」、など、初心者にも参考になる部分もあちこちにあります。　　作品論では１１作品、歌手論では８人を取り上げていますが、感じ入ったのはとくに歌手に関する表現。カラスはもちろん、フラグスタート、シヴァルツコプフ、ニルソンなど伝説の歌手を、それもいい時に聴いていらっしゃるのですが、彼らの「声」の表現が絶妙なのです。ご自身が歌われる訳ではない、つまり専門的に声楽を学ばれているとかそういうわけではないと思うのですが、（もし間違っていたらすみません）、そういう方が語る「声」の魅力が、すごくわかりやすく、イマジネーションをそそってくれるものでした。　たとえばキルステン・フラグスタートについてはこうです。「ヴァーグナーのオペラで、オーケストラが最大限の力を振り絞って熱演しているときでも、その上を飛翔してくるフラグスタートの声には、甘美さを感じとることができました。稀有なソプラノでした。外見からいえば、彼女より魅力的なソプラノはいたかもしれません、しかしヴァーグナーのオペラにおいては、フラグスタートの声の魅惑に匹敵するものを備えた歌手は、一人たりとも存在していませんでした」。　この文章を読んだら、どうにもこうにもフラグスタートのヴァーグナーを聴きたくなるのではないでしょうか。私はそうでした。　男性歌手で、キーンさんが「最高」だと太鼓判を押す、エツィオ・ピンツィア。不勉強で名前しか知りませんでしたが、これもこの表現を読んだら聴きたくなります。　「ピンツィアの声の特徴を述べるのは簡単ではありません。演ずる役に応じて声を変えていたからです。しかし、どの役を歌っても、力にあふれていても、決して荒さはみせず、きわめて柔軟性に富み、声域全体にわたって均質を誇る声だったという点では、共通していました。ピンツィアは、ことばに誇張を伴わない彩を添える能力をそなえていて、いかなる楽句にも、その中心となる意味が確実に伝わるように配慮していました」。　ことばと「声」の関係が眼に浮かぶようです。中矢先生の訳も絶妙なのだと思いますが。　　作品編では、１１作中６作がヴェルディのオペラ。「エルナーニ」や「シモン・ボッカネグラ」といったマイナー作品があるのも嬉しい。キーン先生、以前はヴェルディ協会でも何度も講演をしてくださったようで、いつも大盛況だったよう。聴けなかったのがくやしくてたまりません。。。　「仮面舞踏会」がシェイクスピア的、というのもなるほどでしたが（悲劇だがユーモアがある）、一番膝を打ってしまったのは、「「トロヴァトーレ」ほど楽しいオペラはない」という、「トロヴァトーレ」の章の書き出しです。まさにまさに！「この悲劇を見て、涙を流したことがありません」「オペラが終わってみると、マンリーコに関して、楽しい思い出（！）ばかりが残っているのです」…あんなに人が死んでばかりいるオペラで「楽しい思い出』が残る！なるほど。　いやまさに、同じようなことを、私自身最初の著書「今夜はオペラ！」で書いたのでした。「「トロヴァトーレ」くらい、読むと聴くとでは大違いのオペラはない」というようなことですね。でも、「こんなに楽しいオペラはない」という書き方は思いつかなかったなあ。さすがです。　ちなみに、最晩年のキーン先生のベスト１０オペラは以下です。１「ドン・カルロス」２「トラヴィアータ」３「神々の黄昏」４「カルメン」５「フィガロの結婚」６「セビーリャの理髪師」７「マリーア・ストゥアルダ」８「湖上の美人」９「エヴゲーニイ・オネーギン」１０「連隊の娘」　晩年は、ヴェルディや「フィガロ」「カルメン」に加えて、ベルカントにかなり魅せられていたご様子ですね。　ご本の詳細はこちら。　https://www.amazon.co.jp/ドナルド・キーンのオペラへようこそ-われらが人生の歓び-ドナルド・キーン/dp/4163910077

  June 12, 2019

• 「修道院の柱のように壮麗な」音楽が心に碇を下ろす名作〜METライブビューイング「カルメル会修道女の対話」

  METライブビューイング、今シーズン最後の演目は、プーランクの「カルメル会修道女の対話」です。　あまりなじみのない演目で、ライブビューイングではもちろん初めて。初日の夜に行きましたが、思ったより客席は埋まっていました。ふだんより男性率が高かったような気がします。一部のオペラファンにはそれなりに知られている気もするので、それもあるのかもしれません。　いやはや、すごいオペラだ、と改めて思いました。　私は生では１度しか見ていないのですが（藤原歌劇団の公演）、むしろこのオペラが凄いと思ったのは、その後いくつかの映像を見比べているうちに、でしょうか。このオペラが初演されたスカラ座でムーティが指揮した映像なども（カーセン演出）、音楽の鮮やかさを伝えて印象的です。　「カルメル会」というオペラは、史実をベースにしています。フランス革命の終盤、恐怖政治のもとで宗教も迫害され、修道院に解散令が出されるなか、信仰を守って殉教したカルメル会の修道女たちの物語。そのなかでギロチンを逃れたひとりの修道女の手記がベースです。彼女たちは２０世紀に「福者」に認定されました。　手記はその後、ル・フォール、ベルナノス、そしてプーランクにより、小説や映画のシナリオ、そしてオペラになったのです。詳しくは拙著「オペラでわかるヨーロッパ史」をご覧いただければ幸いです。　　オペラでわかるヨーロッパ史オペラでわかるヨーロッパ史　どの物語もほぼ史実通りですが、さきがけとなったル・フォールの小説における大きな変更は、架空の女性ブランシュの創造です。それはほとんどル・フォールの分身のような存在。おびえやすくてはかなくて、殉教の誓いをきいて逃げ出してしまう。ル・フォールの小説ではブランシュは殴り殺されますが、ベルナノスのシナリオ、そしてプーランクのオペラでは、恐怖を克服して断頭台に上がります。彼女が恐怖を克服できたのは、死の際して断末魔の苦しみをさらした修道院長が、ブランシュの「恐怖」を肩代わりしてくれたから、という経緯があり、ここはこのオペラのスピリチュアルなハイライトであるように思います。そう、このオペラで重要なのなは、「人間の目に見えない」部分が大きなテーマになっていることではないかと思う（歌手たちもインタビューで「スピリテュアルな作品」と言っていました）。そういう点で、やはり宗教的な色あいの濃い作品だと思います。神秘的な部分があるといってもいいかもしれない。　フランスオペラには、宗教色の濃い作品がときどきあります。１９世紀ならグノーの「ファウスト」もそうですし、２０世紀にはいると先般日本初演されたばかりのメシアン「アッシジの聖フランチェスコ」という大作がある。またオペラではなくオラトリオではありますが、オネゲルの「火刑台上のジャンヌ・ダルク」も、やはり「聖女」ジャンヌ」を考えずには聴けない音楽です。「カルメル会」がフランス人でカトリックであるプーランクの手で生まれたのも、必然ではあったのでしょう。最初、題材を提示された時には、地味な物語だと迷ったそうですが、作曲を始めてからはのめりこんだようです。　　今回の指揮をとったMET音楽監督ネセ＝セガンは、幕間のインタビューで、このオペラの音楽を「壮麗」、そして「修道院の柱のよう」だと表現していました。後者はなるほど納得でした。彼はまた「退屈しがち」な音楽だというようなことも言っていましたが、とんでもない！彼の手にかかると、どの音も明瞭で、意味を持って立ち上がってきます。人物のその場の感情をに沿って、めまぐるしく移り変わる。だからドラマが、心の葛藤がシリアスに迫ってきます。しかもすみずみまで美しい！たとえていえば、細かいレリーフが織り込まれた厚みのあるタペストリーのよう。それが織り上げられていく「壮麗」さ。「ブランシュの動機」「殉教の動機」などが織り込まれ、ところどころに織り込まれた聖歌の旋律や、宗教音楽につきものの対位法がキラリと光りを放ちます。最後の、修道女たちが断頭台に消えていくところで歌われる「サルヴェ・レジナ」は衝撃的ですが、それ以上に浄化されるのは、最後の最後でブランシュが歌う「来れ、聖霊よ」。そして群衆たちのうめき声。天上に上っていく「ブランシュの動機」。息を飲み、引き込まれっ放し、あっという間の３時間でした。　歌手たちもみな熱演。ブランシュ役のイザベル・レナードの凜とした深い声、コンスタンス役のエリン・モーリーの明るく清冽な声は、それぞれブランシュ、コンスタンスのキャラクターにぴったり。インタビューによれば、２人は音楽学校時代からの親友だとか。息があっているのはそのせいもあるのでしょう。いいですねえ。　ライブビューイングはお久しぶりのベテラン、カリタ・マッティラは死を前に狂乱する修道院長を大熱演。リドワーヌ新修道院長のエイドリアン・ピエチョンカは今が旬の大ソプラノ、やわらかで格調高い声は、落ち着いたこの人物にやはりぴったりです。たくさん女声がいるのですが、みな適材適所で、さすがMETと思わされました。　　ジョン・デクスターの演出は、４０年前からMETで上演されているとのこと。宣伝写真には、舞台上に広がる十字架型をした舞台に、うつぶせに横たわる修道女たちの姿があり、幕切れの断頭台での彼女たちかと思ったら、最初の場面でした。断頭台の場面はもっと現実的な、史実を連想させるもので、一般女性の服装をした〜多分逮捕された時そういう服装〜修道女たちが、群衆に囲まれているなかをひとりひとり舞台の奥にある（見えない）断頭台へ向かっていく、というもの。　これ、意外に効果的だなと思ったのは、これまでは群衆が見えない舞台が多かったのですが、群衆を可視化することで、群衆が歌う合唱〜ハミングもあり〜がよくできている、ということがよくわかったことでした。　ちなみに、十字架状をした舞台はずっとそのまま出ており、ドラマはすべてその上で演じられます。METの広い舞台を生かした、いいアイデアだと思いました。　司会役はお久しぶり！ルネ・フレミング。さすがに当意即妙、中身のある話をどんどん引き出してくれて、興味の尽きないインタビューを楽しむことができました。　「カルメル会修道女の対話」は木曜日まで。楽しむだけがオペラじゃない、心に深い碇を下ろしてくれるオペラもある。あるいは壮麗な音楽に浸るだけでもいい。来た甲斐があったと思わせてくれる、貴重な作品です。https://www.shochiku.co.jp/met/METライブビューイング

  June 9, 2019

• 朝日カルチャーセンター新宿で、森谷真理さんをお招きして「ヴェルディの魅力」をテーマにレクチャー＆ミニコンサートを行います！

  昨今、快進撃を続けているソプラノの森谷真理さん。　　前回のブログでとりあげた二期会の「サロメ」でも、Aキャストでタイトルロールを歌い、絶賛されています（明日もう一度公演があります）。　私が森谷さんにノックアウトされたのは２年前、三河市民オペラ「イル・トロヴァトーレ」のレオノーラ役。キラキラ輝く声、完璧なテクニック、しなやかで繊細なベルカントの響きに魅了されました。　いろいろ歌える方ですが、ヴェルディが歌いたい、と、ご本人の口からうかがったこともあり、このたび、朝日カルチャーセンター新宿で、「ヴェルディ」をテーマにした対談講演のゲストにお招きできることになりました。　もちろんアリアの実演も入ります。（「マクベス」「イル・トロヴァトーレ」）。　さらに伴奏は、なんと河原忠之さんという豪華版。終了後には、森谷さんを囲んで懇親会も予定しています。　話題のプリマの声と素顔に身近で接するチャンスです。ぜひ、お越し下さい！　詳細は以下から。　森谷真理

  June 7, 2019

• 大階段に銀盤の月、紗のかかった音色、出色の出来の「総合芸術」〜東京二期会オペラ劇場「サロメ」

  今日は二期会の「サロメ」。B キャスト組の初日です。　全体的に完成度の高い舞台。演出と音楽が一体化し、いずれもレベルが高く、満足度の高い公演でした。　ウィリー・デッカーの演出（ハンブルク州立歌劇場のプロダクション）は、ゆがんだ壁に囲まれた舞台に、斜めにゆがんだ大階段をいくつか組み合わせなシンプルなもの。ヨカナーンの牢は階段の隙間から出入りする設定です。小道具としては「月」に見立てた銀盆〜もちろんあとでヨカナーンの首を載せるもの〜が活躍していました。大階段を駆け回らなければならない歌手は大変ですが、余計なものがなく、急勾配の階段で繰り広げられる演技に人間関係の複雑さが織り込まれて、観客としては見やすい舞台でした。衣装もごくシンプルで、白、黒、灰色くらいしか「色」のない舞台。ヘアスタイルはヘッドスキン。飾り？らしいものといえば紙の王冠くらい。そのへんも、いかにもデッカーです。　演技上強調されていたのは、サロメとヘロデの関係。「７つのベールの踊り」は、この２人だけの間で演じられ、サロメを追うヘロデと、まとわりつかれながら誘惑し、突き放すサロメの２人芝居。なかなかに官能的でした。そして最後は、サロメが自刃してヨカナーンの遺骸の上に倒れるというオチ。心中ですね。　コンヴィチュニーが演出した、二期会の前回の「サロメ」は日程の関係で見られなかったのですが、あれはたしかサロメとヨカナーンが結ばれるハッピーエンドだったとかで、それよりはよほど納得のいく幕切れだったのではないかと思いました。　ヴァイグレ指揮の読響は、やや快速なテンポで精密な音楽をつくり、一方で作品から連想されるゴージャスな響きを抑えて、紗がかかったような曇り気味の響きを作っていたのがとても美しく、舞台の雰囲気にもあっていたと思います。　サロメ役田崎尚美さんのよく通るダイナミックな高音、ヘロデ役片寄純也さんの、日本人離れしたスピントの効いた声、ヘロディアス役清水華澄さんの芸達者ぶりと、歌手もそれぞれ聴きごたえがありました。　プログラムも充実。新国のプログラムは以前から内容の幅広さで評判が高いですが、最近の二期会も各分野の専門家の寄稿が多くなり、読み応えあります。「サロメ」のような昔からのテーマで、いろんな芸術になってきた対象は、とくにそういう視点が不可欠でしょう。名著「名画の言い分」の著者木村泰司さん、サロメ文学の研究者大鐘敦子さんへのインタビュー、出色でした。木村さん、クラナッハの「サロメ」を紹介しつつ、「田舎殿様趣味」と言い放ったのには笑ってしまいました。

  June 6, 2019

• 見ごたえ満点、ミュージカル風グランド・オペラ〜ロイヤルオペラシネマシーズン「ファウスト」

  昨日はロイヤルオペラシネマシーズン「ファウスト」の試写へ。グノーの代表作で、ヒットメロディもりだくさんの大作オペラ。今年の来日公演の演目でもあります。　見ごたえありました。ロイヤルは昨今好調なオペラハウスと言われるし、現地で見てもいつもそう思いますが、この「ファウスト」も、生で見たい！と思わせられる迫力の舞台でした。　見たい！と思った第一の理由は、デヴィット・マクヴィカーの演出。マクヴィカー、METなどでは極めてクラシックな演出を求められているようですが、ロイヤルではもうすこし自由度が高いよう。かなり「はじけた」舞台でした。時代をおそらく作曲者のグノーと同時代、１９世紀後半のパリに変え、オペラ自体がオペラ座で上演されているという設定。オペラ座の緞帳や、オペラ座の客席も舞台装置の一部です。そして全体がとてもダンサブル。キャバレーのシーンなども盛り込んで、ミュージカルのようなグランドオペラになっていました。メフィストフェレスの「金の子牛の歌」の場面も、メフィストフェレスがマルグリートを責める場面もダンサーを活用し、場面の状況を活写する。ファウストが魔女の夜会に連れて行かれる「ワルプスギスの夜」の場面で、妊娠したマルグリートや、血まみれのヴァランティンが出てくるのはやや悪趣味の感がありましたが。。。悪趣味といえば、メフィストフェレスが皆に酒を振る舞う場面で、キリストの磔刑像の脇腹の傷からワインが出てくるのもなかなかグロテスクでした。　宗教的なものの象徴としてパイプオルガンを出していたのも、壮麗な雰囲気が加わって効果的でした。　歌手も適材適所で高水準。いちばんノリノリだったのは、メフィストフェレス役を演じたアーウィン・シュロット。ダン・エッティンガーの小気味いい指揮に乗り、ケレン味たっぷりの演技。声にも輝かしさと色の広がりがあり、引き込まれます。　マルグリート役はイリーナ・ルング。世界中でスタンダードな演目によく出ているリリック・ソプラノ。新国立劇場でも「椿姫」で好演しました。スクリーンで見て、改めてその正統派美女！っぷりに瞠目。金髪のマルグリート役はぴったりです。そうですね、エヴァ・メイをもうちょっと整えたような感じといったらいいでしょうか。凛とした真摯さと、女性らしい甘さが同居する声は魅力的で、美貌とあわせてひっぱりだこになるのもうなずけます。　ファウスト役はマイケル・ファビアーノ。甘く、ややスピントの効いた声、安定していました。エッティンガーの指揮もダイナミックでリズム感に富み、数々のヒットメロディをそれぞれの個性を浮き立たせて、印象的に聴かせていました。　「ファウスト」って、タイトルロールよりメフィストフェレスとマルグリートが目立つオペラです。乱暴にくくれば、聖と俗。善と悪。この２人の対決が、作品の要なのではないでしょうか。だからこの２人には、力のある歌手が必要。その点でも、まったく申し分ない公演でした。９月の来日公演で「ファウスト」を観劇予定の方は、予習として見て置かれるといいのではないでしょうか。あ、来日公演はファウスト役がグリゴーロだから、タイトルロールの存在感はずっと大きくなりそうです。　「シネマシーズン」の詳細は以下で。　ファウスト

  June 6, 2019

• オテロ（オセロー）はなぜデスデーモナを殺したか？〜石井美樹子先生との共同講座「オペラへの招待　シェイクスピア悲劇とオペラ」より

  以前このブログで告知した、英文学者の石井美樹子先生との共同講座「オペラへの招待〜シェイクスピア悲劇とオペラ」＠神奈川大学エクステンションセンター、火曜日午後１時〜２時半。　５回シリーズも４回を終えましたが、毎回、前半を担当なさる石井先生のお話がほんとうに面白く、発見に満ちていてワクワクします。　先週の「マクベス」に引き続き、今週は「オテロ」と、２週連続のヴェルディオペラ。映像はドミンゴ＆ムーティ＠スカラ座と、カウフマン＆パッパーノ＠ロイヤルオペラ。ロイヤルの公演は現地で見て、「カウフマン再発見」となった記念すべき公演です。この９月に来日するプロダクションでもあり。ロッシーニの「オテロ」もちょっとご紹介しました。　石井先生、「オセロー」でも、「目からウロコ」のお話しばかりで、もっともっときいていたい！　イギリス人は黒人が嫌い、だから国民投票でEU脱退とか言っている、という話に始まり、エリザベス時代に来英したモロッコ大使がいた、それが物珍しくて大勢見物人が出た、シェイクスピアもそれを知っていたにちがいない、「オセロー」創作の背景にはそれがある、という。さらに、オセローはなぜあんな風にデズデーモナをかんたんに殺してしまったのか。それは、地中海一帯にあった「名誉殺人」という風習のせい。オセローはモーリタニア出身でーだから黒人ではなく褐色ー、孤児で、７歳で軍人になり、当時もっとも文化的な大国だったヴェネツィア共和国の将軍になった。キリスト教に改宗し、ヨーロッパ化した。そして４２歳で１８歳くらいの若い白人のデズデーモナと結婚する。しかしイヤーゴの奸計にひっかかり、妻を疑い始めて、ヨーロッパ化のしたから原始的な部分が出てきた。それが、ヴェネツィアではありえない「名誉殺人」の風習。「名誉殺人」とはなにか？男性は、たとえ事実がなくても、妻が不貞の噂を立てられたら、妻を殺していい。それは「名誉」に関わることだから。なのだそうです。　この「名誉」という概念、この間ロイヤルオペラ見た「運命の力」にも共通すると感じますが、「運命の力」の舞台であるスペインも、名誉殺人の風習はあったのだそう。なるほどですね。　そして、「オセロー」の重要なキーとなる「ハンカチ」。あれは原作では、白にイチゴの模様がある、つまり白に赤。それは、処女のしるし。シェイクスピア劇では、舞台でずっと白に赤い色のあるハンカチが舞っていたはず。つまりデズデーモナは結婚した時処女だったという暗示。つまり無実。純潔。舞台上のオセローだけがそれを知らない。観客は皆知っている…。　ワオ。すごい「演出」ですね。　来週は最終回の「リア王」です。これなはなかなか難物、悩ましいですが、しかし「リア王」って、まさに現代の親子の関係そのもの。そういう点でも難物です。　今回の講座、おかげさまで好評でしたので、秋には、１０−１１月にかけて、「歴史とオペラ」をテーマに、再度石井先生とご一緒することになりました。先生のご専門であるテューダー朝の話が中心になると思います（ドニゼッティ「女王三部作」など）。どうぞご期待ください。

  June 6, 2019

• 「伝統」というやっかいなもの〜日本ヴェルディ協会、香原斗志さんの講演会で思ったこと

  先週のことですが、所属している日本ヴェルディ協会の主催で、イタリア・オペラの分野で大活躍中の評論家香原斗志さんをお迎えし、講演会を行いました。　テーマは「イタリアにおけるヴェルディ上演の現在」。大変興味深いテーマで、平日の夜にもかかわらず４０名ほどが見えて盛況でした。　香原さんのお話は、まずは「伝統」への疑義。いわゆる「イタリア・オペラの黄金時代」に代表される、素晴らしい立派な声で歌われることが「伝統」になってしまっているが、それは果たして楽譜に書かれている通りなのか。作曲家の意図にかなっているのか、というところから入り、昨今、批判校訂版も出版され、作品が書かれた時の形が明らかになってくると、それは今「伝統」と言われている演奏法とは違う。もともとの楽譜に書かれているのは、声をはりあげるのではなく、もっとニュアンスに富んだ、繊細な、ベルカントの技法を踏まえた歌い方だということです。　考えてみれば当然のことで、当時活躍していた歌手たちはベッリーニやロッシーニやドニゼッティが得意だったわけで、ヴェルディももちろんそんな彼らを前提にして書いている。ヴェルディになっていきなり声が立派になるとか、声をはりあげるとか、そういうことはありえない、というわけです。　比較対象の音源や映像も豊富で、参加者からは「大変面白かった」という声が多く出ていました（冒頭で、立派な声のデルモナコと、繊細さがまさるカウフマンのラダメスの比較、とてもわかりやすかった）。ユーモアを交えつつ、熱気あふれる香原さんのお話ぶりも好評でした。　見せていただいた映像のなかでは、トリノの「第一次十字軍のロンバルディア人」で歌っていたアンジェラ・ミードがよかったなあ。ミードは生で聴いていないので、ぜひ機会を見つけて聞いてみたいです。　個人的に香原さんのお話をきいていて思い出したのは、一昨年インタビューしたフランチェスコ・メーリの話。メーリは一昨年の夏にザルツブルクで、ムーティの指揮で「アイーダ」のラダメスを歌ったのですが、ムーティと楽譜を徹底的に研究した結果、とても繊細でニュアンスに富んだ歌い方になった。それは、一部の聴き手には批判された。彼らが期待していたような、立派な声をはりあげるものではなかったから。でも「楽譜通りにやったらこうなった。それが好きか嫌いかはまた別の問題」と、何度も強調していたのでした。同じことだと思います。　この４月、トリノに、ヴァイオリニスト＆指揮者のファビオ・ビオンディの取材に行った時も、同じような話が出ました。「伝統」というのが、いかにオリジナルと異なっているかという話です。食べ物がいい例だ、とビオンディは言いました。たとえばパルマの名物ハードチーズで、法律で決められた産地や製法の認定マーク、D.O.Cがついているパルミジャーノ・レッジャーノは、このチーズが生まれた時と今では味が全然ちがう！のだそうです。　　　日本ヴェルディ協会では、このような講演会やイベントを年に５−６回開催しています。会員は無料です（年会費は一般会員で１万円です）。終了後はほぼ毎回、講師を囲んで懇親会を行っています。オペラ好きの方、ぜひご入会ください。ヴェルディアン以外も大歓迎です。楽しいですよ〜。日本ヴェルディ協会

  June 6, 2019

• ロイヤルオペラシネマシーズン「運命の力」、現地での公演に思ったこと、映画館で思ったこと

  この３月、ロンドンのロイヤルオペラで、今シーズン随一の話題公演となった「運命の力」がプレミエを迎えました。カウフマン、ネトレプコ、テジエ、フルラネットら豪華スターにパッパーノの指揮で、前評判も上々。　現在、「ロイヤルオペラシネマシーズン」として、映画館で上映中ですが（といっても明日までです。。。前日のアップですみません）、３月には現地公演を観ることができました。　その時の感想は公演レポートとしてアップされています。　https://spice.eplus.jp/articles/235641　一方で、この週末に映画館で再見し、いろいろ新しい発見もありました。　まず、ライブビューイング上映につきものの、幕間のインタビュー＆解説。ロイヤルの場合、METと違って、現場で歌手や指揮者に幕間インタビューは行わないようです。歌手や指揮者のコメントや解説はあらかじめ録画。まあそのほうが、アーティストは楽ですよね。また、肝心なことがじっくりきける、という利点もあります。　圧巻は、指揮したパッパーノがピアノを弾きながら行う音楽解説。テーマの変形、オーケストレーションの雄弁さなどを手を替え品を替えて解説。最後に「ヴェルディはとても信仰深いひとだった。そうでなければこの作品は書けない」と言い切ったのに、深くうなずいてしまいました。　彼の指揮も実に素晴らしいもの。雄大な旋律がある一方で、登場人物の気分や状況がどんどん移り変わっていくようすが音楽にこれほど明確に、くっきり刻まれていることを教えてくれた「運命の力」の演奏は初めてです。「運命の力」って、だれてしまうことがしばしばあり、つまりそれは作品に欠陥があるからだ、というような発言も見かけたことがあるのですが、パッパーノの指揮で聴いたらそんなことを言うひとはまずいないのではないでしょうか。だれちゃうのは、この作品と格闘できる力が備わっていないからですね。つまりはたいへんな作品であり、そのすばらしさを引き出すには、音楽と言葉の深いところまで降りていかなくてはならない。パッパーノはそれができるひとだったのでしょう。　合唱がこれほど多彩だと気付かされたのも、今回が初めてでした。　歌手では改めてカウフマンに瞠目しました。前より胸が厚くなり、響きかたが立体的でパワフルです。現地ではテジエもカウフマンに引けをとらないと思ったのですが、やはりカウフマンのほうが「力量」という点でひとつ上かもしれない、と思い直しました。　　問題は尺の長さと上演の時間帯。夜間の時間帯だと１９時開始で終映２３時４０分！。これではきたくとも来られないひとも多いでしょう。　ところで、話は飛びますが、以前、クルレンツィスが「運命の力」をやったらあうんじゃないかと思ったのですが、改めてそう思いました。彼、スピリチュアル系ですからね。ロシアで初演された作品だし、いつかやってほしいなあ。

  May 29, 2019

• 朝日カルチャーセンター横浜で「名画で楽しむ名作オペラ」を開講します

  久しぶりに、朝日カルチャーセンター横浜で、講座をもたせていただくことになりました。　テーマは「名画で楽しむ名作オペラ」。取り上げる作品はオペラが「椿姫」、絵画が「オランピア」（マネ）そのほか、です。　１９世紀半ばのパリは、娼婦の街でした。フランス革命後の社会の変動に伴い、爆発的に数を増やし（「お針子」と「娼婦」は紙一重です）、パリの街の花ともなった娼婦たち。その光と闇を、オペラや絵画とともにご紹介していきます。このテーマに真っ向から取り組んだ、「椿姫」のパリ・オペラ座の演出による映像もお楽しみください。　詳細は以下からご覧いただけます。　朝日カルチャーセンター横浜

  May 22, 2019

• 音楽的な充実と映画館鑑賞ならではの多彩な楽しみ〜METLV「ワルキューレ」

  METライブビューイング、今シーズンも残り２作。後半のおそらく最大の目玉である「ワルキューレ」を鑑賞してきました。新制作時に話題になったR・ルパージュの壮大なプロダクション。キャストも充実し、音楽的なバランスがとてもよく、さすがMET!と唸らせられる秀演でした。　ルパージュのプロダクション、今回の映像ではメイキング映像で、彼の発想のスタートラインが紹介されました。演出の目玉は巨大な可動板ですが、それは原作のひとつである北欧神話「エッダ」の故郷であるアイスランドを訪れたときにひらめいたとか。プレートが交わるところにあるアイスランドの島、そこでうごめく火山や岩山…そのイメージがベースになったということです。その再現は、第２幕の岩山や、第３幕幕切れの炎に包まれる岩〜可動板がすべて上下に揃って赤に染まり、圧巻〜であざやかでした。第１幕では、可動板は基本的にフンディングの家をあらわすのですが、時に背後が明るくなって物語が影絵で説明されたり、雪が舞う冬から明るい春の景色を描いてみせたりと大活躍。巨大かつシンプルかつ変幻自在で、なるほど神話の世界にぴったりです。第３幕冒頭、有名な「ワルキューレの騎行」で、ワルキューレたちがシーソーのように動く可動板から滑り降りてくるところでは、思わず客席から歓声が沸いていました。（個人的な疑問は、ラストシーンでブリュンヒルデがさかさまになっている部分。随分長い間、さかさまで可動板にはりつけです。あれはほんものかスタントマンかプロジェクションマッピングなのか。。。。）　歌手たちは粒ぞろい。一番注目されていたのは、今回がライブビューイングデビューだという、ブリュンヒルデ役のクリスティーン・ガーキーでしょうか。なるほど輝きと女性的な魅力に富んだ豊かな声。ぱっちりと目力のある瞳、表情もチャーミングです。ナタリー・デセイを立派にしたような感じ。この役の魅力は「１０代の彼女を演じられること」という言葉の通り、「ああいえばこういう」反抗心も含めて、今まで見たなかでたぶん一番、いい意味で「お嬢っぽい」ブリュンヒルデでした。インタビューも飾り気が無く（「公演日のジンクスは特にないの。今日はパンにゆで卵を乗っけて食べてきたわ。夕食の予約もしてあるのよ！」などなど）、好感が持てます。来シーズンはオープニングで「トゥーランドット」のタイトルロールだそうですが、プライド高くわがままで、でも女性的で情にもろい、可愛いお姫様のトゥーランドットが期待できそう。楽しみです。　ジークリンデ役のヴェストブルックは、プロダクション初演時にもこの役を歌い、それがMETデビューだったそう。以来ワーグナーにイタリアオペラのドラマティックな役柄に大活躍。今シーズンも「西部の娘」でヒロイン（カウフマンの相手役）でした。彼女が歌うジークリンデは、表情豊かな大人の女性でとても共感できます。兄で悲恋の相手ジークムント役のスケルトンは、たっぷりとした素直な声、豊かな声量、柔軟なフレージングで、ワーグナーの「声」を聴く楽しみを味あわせてくれました。フンディング役はイケメンのワーグナー・バス、グロイスベック。最近よく出ていますが、大変うまい歌手で、大成が楽しみです。ヴォータン役のグリムスリーは新国でもヴォータンを演じた歌い手ですが、スタイリッシュな声と内面的な表現の豊かさが魅力。ワーグナーに「自分の好きなシェイクスピアに近いものを感じる」と言う発言など、印象に残りました。　個人的に一番強烈だったのは、フリッカを演じたジェイミー・バートン。強烈な存在感と輝き、深い色合いと奥行きに富んだ声と、みじんも動じない「強い女」を確信をもって演じた演技力。インタビューでも、フリッカの強いところが好き、と発言。以前「ルサルカ」のイエジババ役だったんですね。もっと聴きたい！という引き込むパワーを持った歌手でした。次は大役で聴いてみたいです。　さて、とはいえ、やはりワーグナーの大作は指揮者が要。METには１１年ぶり、まさに満を持して登場したフィリップ・ジョルダン。本拠地のパリや本家のバイロイトでもワーグナーに定評のある、旬の指揮者です。　果たして、流れとテンポ感が抜群で、自然な流れに乗って情景と一体化していく音楽を体験することができました。千変万化する美しい自然の風景のなかを、のり心地のいいスマートな車（車にはとんと詳しくないので、車種まで指定できないのがくやしいのですが）に乗って、４時間半駆け抜けたような気分。うわーつと持って行かれるワーグナーを期待する向きにはちょっとスマートすぎるかもしれませんが、音楽の構造はよくわかります。弱音の美しさも印象的。そしてオーケストラの織物を紡いでいく「歌」、とくに弦楽器のそれが心に残りました。　今回、カメラワークが、前回よりいちだんと細やかに歌手たちの表情や演技を追っていて、映画の利点を感じました。恋心を感じたジークフリートの手をさりげなくまさぐるジークリンデの手の表情など、客席にいたらなかなかわからないでしょう。字幕が実際の舞台より見易い場所に出るのも、映画上演の長所だと思います。舞台の両端に出る字幕だと、分量の多いワーグナーのせりふはなかなか目で追えない。音楽に浸れれればいいという考えもあるかもしれませんが、イタリア・オペラのお決まりのせりふではなく、感情や思想の深いところに降りていくワーグナーのオペラは、やはりせりふの意味がわかったほうがベターでしょう。ワーグナー初心者には、映画館でのワーグナーデビューはオススメだし、「ワルキューレ」は演目としてもぴったりなのではないでしょうか。　案内役はデボラ・ヴォイト。一世を風靡したワーグナー・ソプラノ、前回の上演ではブリュンヒルデ役でしたし、まだまだ現役。そんな彼女がインタビュアーに回るとどうなるのか、実はちょっとはらはらでしたが、MET総裁のゲルブはじめインタビューされる歌手たちも気遣いを見せ、結果として、ヴォイトが歌った前回の上演の記憶もいろいろ呼び返されて、今回のプロダクションの内情、魅力がよくわかるインタビューになっていたのはさすがでした.公開の詳細は以下で。ワルキューレ

  May 13, 2019

• 英文学者の石井美樹子先生とご一緒に、「オペラになったシェイクスピア悲劇」の講座を行います

  オペラとシェイクスピア劇は、相性がいいようです。　ヴェルディの有名な３つのオペラだけではありません。「ハムレット」「ロメオとジュリエット」「リア王」など、シェイクスピアの名作はいくつもオペラ化されており、劇場のレパートリーになっています。レパートリーになっているオペラが、原作の香りをとどめていることも特筆するべきでしょう。グノーの「ロメオとジュリエット」はロマンティックで華やかだし、ライマンの「リア王」は原作の厳しさを映し出すような、モノトーンな音楽に貫かれています。　今月１４日から、みなとみらいにある神奈川大学のエクステンションセンターで、英文学者の石井美樹子先生とご一緒に、「シェイクスピア」と「オペラ」の関連をさぐる講座を行うことになりました。今回はとくに「悲劇」にテーマをしぼり、「ロミオとジュリエット」「ハムレット」「オセロー」「マクベス」「リア王」の５作をとりあげます。シェイクスピアの戯曲の原作、歴史的背景から掘り起こし、石井先生による作品解釈、そしてオペラへの改変について、オペラの映像もご紹介しながらお話ししていきます。　詳細はこちらからご覧ください。神奈川大学エクステンションセンター

  May 9, 2019

• 平成の「音楽」と「時代」を振り返る〜片山杜秀、山崎浩太郎「平成音楽史」（アルテスパブリッシング）

  面白すぎる。　ご存知、博覧強記のお２人、片山杜秀＆山崎浩太郎が「平成」３０年間のクラシック音楽界の推移について語りつくした１冊、「平成音楽史」（アルテスバブリッシング）。片山さんはご存知の通りほんらいのご専門は政治ですから、その切り口からの知識も加わってほんとに面白すぎる。平成が始まった１９８９年は、「ベルリンの壁が崩れた」歴史の転換点だった年、というところから始まり、「ペレストロイカはソ連を持たせるためのものだったのに、ゴルバチョフがラディカルすぎてソ連が崩壊した」（片山）という出だしでまず目からウロココでした。そうだったのか！「ゴルバチョフの大失敗」。えー、ノーベル平和賞なんですけど。　他の国だってうまくいっているわけではなく、「旧東西ドイツとスラヴ系諸国の関係は、大正昭和初期の日本本土、朝鮮半島、満州みたい」なんてところもさすがです。で、片山さんの予言「東側の崩壊に２５年遅れて西側が崩壊する」。。。。　そして３．１１を経験した今の日本は、（多くの方がいっていることですが）何が起きるかわからないこともあって「刹那主義化」した。先のことを考えても仕方ない。国土強靭化って言っても不可能。「とりあえず２０２０年のオリンピックのことだけかんがえておこう」というニヒリズムが蔓延している。できないことばかりだから、怒りたくても怒りきれない。今の安倍政権なんて昔の日本人の健常な感覚を持っていたら４、５回総理大臣が変わっていてもおかしくないのに変わらないのは、「もうどうでもよくなっているから」。。。。すごくよくわかります。　さてそれで音楽の話はもちろんそれ以上に面白いわけで。CDブームに始まり、マーラー・ブーム、古楽ブーム（古楽はグローバリズムへの反撃。だからアメリカでは発展しなかったというのはよくわかります）、アダージョ・カラヤンの大ヒット、佐村河内事件などをあげつつ、その背景にあるものを見ていくわけです。ひとつの筋として、「教養主義の崩壊」が語られているのはよくわかります。クラシック音楽が権威でなくなった。評論もサブカル的なものが出てきた。宇野功芳はサブカルのはしりかつ司馬遼太郎！に似ている（なるほど）。それはそれで面白いんですが、一般社会に浸透していた教養主義がなくなると、橋下徹がやったようにクラシック音楽の予算がかんたんにカットされてしまい、もともと満員になっても赤字なんだから補助がなければもたない、その補助がかんたんに切られるという状況がこれからもっと起こるだろう。それはたしかにそうなっていくでしょうね。生き残りは厳しい。　とはいえ音楽ファンには楽しい状況もあるわけで。たとえば古楽は、それまではつまらなかった古典派以前の音楽を楽しくした、「きわきわにしてしまった」（片山）。「きわきわ」っていう表現がいいですね。いやあ古楽好きです。そしてネットの発達でレアな曲、演奏がかんたんに聞けるようになり、そういう意味では「幸せ」（片山）。　　そうそう、オウム真理教がやっていたオーケストラ「キーレーン」の話もでてきました。今振り返るとありえないみたいな話ですが。　平成３０年。短いようでこれだけのことがあった。そしてその背景にはいつも「時代」があった。時代と音楽を振り返り、これからを考えたい方必読です。片山さんの講演会はなんどか行きましたが、読んでいて、熱が入ってくると立ちあがらんばかりに弁を振るい続ける姿が目の前にうかびました。　あっ、クルレンツィスは「オイルマネー」。そんな噂はきかないでもなかったですが、オイルマネーというからなんとなく中東かと思っていたら本拠地のロシアのペルミで石油が出るんですね。知らなかった。あとドゥダメルもオイルマネー。これはいちおう業界？にいながら知らなかったです（疎いですね）。　面白すぎる。

  May 2, 2019

全786件 (786件中 1-50件目)

1 2 3 4 5 6 ... 16 >