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加藤浩子の　La bella vita（美しき人生）

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「人生が変わったこの１冊」、第８回は桐野夏生「グロテスク」です

桐野夏生の「グロテスク」は、あの「東電OL殺人事件」に題材をとった長編です。　「東電OL殺人事件」については、記憶されている方も多いのではないかと思います。１９９７年に、東京電力で総合職として働いていた優秀な女性が殺された事件ですが、その女性がなんと夜は渋谷の街で立ちん坊をしていて、それがらみで殺されたらしいということで世間の好奇心をそそり、大変な騒ぎになった事件です。しかも「犯人」として捕まった、被害者の客でもあったネパール人は、終始無罪を主張したにもかかわらず有罪の判決を受けて服役し、出所後に無罪を勝ち取りました。なので、未解決の事件でもあるのです。　この事件を題材に、ノンフィクション、フィクション両方で、多くの本が書かれました。ノンフィクションの代表作は佐野眞一さんの「東電OL殺人事件」。佐野さんは、本作の中で無実の罪を着せられたネパール人ゴビンダさんに丁寧に寄り添っていますが、一方で佐野氏をこの題材に駆り立てたものは、被害者に対する、ちょっぴり恋にも似た興味のようです。　「グロテスク」もまたこの事件から派生した物語ですが、「東電OL」がモデルになっている女性は何人もの主人公の一人にすぎません。著者はこの本で、人間の「悪意」というものを徹底的にえぐりとります。登場する人物は皆「悪意」を拡大され、デフォルメされた「グロテスク」な存在です。一番語り手の役割を果たす「私」は、美人の妹ユリコに人生を抑圧され、悪意を通して人間をみる癖がついています。ユリコは、生まれながらの娼婦。「東電OL」がモデルだろう和恵という女性は、ストレートで進学できる私立一貫校に高校から入り、ダサくて周囲に馴染めず、一流会社に就職したものの会社にも馴染めず、実質左遷のような部署替えにあい、自分を爪弾きにする世間への復讐？もあって夜の世界に走り、けれどそこでも次第に相手にされなくなっておかしくなり、殺されてしまう、なんとも救いようのない人生を送ります。　「和恵」は、モデルとされている方とはかなり違うとは思います。実際に殺された女性は、写真を見る限り綺麗な方ですし、会社でも優秀で（総合職のはしり）、論文なども発表して評価されていたよう。そこはやはり小説、フィクションですから、デフォルメされて当然です。　そして犯人は、やはり「和恵」のお客ですが、中国の極貧地域から日本に流れてきたかなりの悪党、という設定です。まあ２０年前の話なので、今のように中国からの観光客が日本に溢れかえる時代ではありません。ちなみにこの犯人は、ユリコも殺しています。　後味は無茶苦茶悪い小説です。私も引き込まれ、ページをめくるのがもどかしい！！！という典型的な読書の快楽を味わいつつ、何度か読み返したあとは気持ちが悪くて処分してしまいました。今回、改めて読み直そうと思ったもののそういうわけで手元になく、ネットでも買えず（今、アマゾンをはじめネット書店は異常な品薄です）、kindle版をダウンロードして読みました。　桐野夏生はすごい作家だと思うし、いくつか感服した小説はあります。けれど「グロテスク」で立ち止まってしまうのは、「そうそう！」と膝を打ちたくなる部分があるからです。　「佐藤和恵」は、私立の一貫校の高校から入学したという設定ですが、これは殺された女性〜渡辺泰子さんという名前がネットに出てきます〜と同じです。慶應義塾女子校。渡辺さんはそこから慶應の経済学部に進み、東電に就職しました。　「グロテスク」の「佐藤和恵」は、この学校〜もちろん小説には、学校名は書かれていません〜にやはり高校から入り、浮きまくります。真面目に勉強してきて憧れの学校に合格し〜それは多分に厳格で吝嗇な父の影響だという設定〜、けれど入ってみたら、そこは「内部生」と「外部生」に分割される階級社会。生真面目でダサい「佐藤和恵」は全く溶け込めません。さらにそんな自分を客観視できず、居場所がない。この状態は大学に入り、さらに就職してからも続きます。彼女は人間関係を築くことができないのです。友人ができない。仲間ができない。もちろん恋人もできない。初体験の相手はなんと客。（この小説では、美人の妹ユリコに抑圧されている「わたし」も４０まで処女で、最後はやはり娼婦になって客相手に体験することが示唆されています、、、いやはや）　でもこの「人間関係を築けない」って、社会で生きていけない最大の原因ではないでしょうか。　　　私がこの小説に恐怖を感じると同時に、ほのかな共感？を抱いてしまうのは、わたし自身、人間関係という自分が弱点だと感じている、そこを突っつかれてしまうからです。「佐藤和恵」とその周辺に、自分自身の断片的な投影を見るからです。これ以上のことはここでは書きませんが、改めて、桐野夏生の観察力と物語構築力、そして何より凄まじい筆力に、久しぶりに圧倒されました。

May 8, 2020

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シュヴァルツコプフの後継者？カリタ・マッティラ

　今回のツアー、演出も面白かったが、歌手もずいぶん贅沢に聴いた。　フローレス、バルチェッローナ、ヌッチ、ハンプソン、ボニー・・・キラ星のような歌手を連日聴いたのだが、一番すばらしかったのは、女性ではソプラノのカリタ・マッティラ、そして男性ではバリトンのレオ・ヌッチである。　レオ・ヌッチは日本でもおなじみ、大ベテランのイタリアのバリトン。もう４０年近く、第一線で活躍している。とくにヴェルディ・バリトンとしてぬきんでた存在。得意の「仮面舞踏会」レナート役で、今回ぴか一！の大熱唱アリアを聴かせてくれた。会場はほとんど総立ち状態だった。　演技もすばらしく、目や動作にこめられた表情の濃さ、密度の高さにはつくづくうならせられてしまった。　ヌッチは以前から何度も聞いているが、今回初めて聴く歌手で、一番期待していたのがフィンランド生まれのソプラノ、マツテイラ。ＤＶＤでは何度も聴いていて、「ドン・カルロス」のエリザベッタや、「シモン・ボッカネグラ」のアメーリアに魅了された。とにかくうまい！高音から低音まで危なげなく出るし、声もつやとはりがあって、よく通り、澄んで美しい。　そのマッティラ、シャトレ座の「アラベラ」は、期待通りの歌唱だった。ハンプソンやボニーら共演者を圧倒して、みずみずしく、よくふくらむ、艶と広がりのある声が突き抜けてきたとき、本当にうっとりしてしまった。今活躍しているソプラノでは、彼女とフリットリの印象がダントツである。　マッティラはまだ確か日本に来ていない（珍しい！）。ぜひ呼んで欲しいものである。　「アラベラ」の公演終了後、シャトレ座の総裁と芸術監督を交えたカクテルパーティが劇場内であった。　そのとき、「マッティラがすばらしかつた」と芸術監督に伝えたところ、　「彼女は、シュヴァルツコプフのようになる歌手です」という答えが返ってきた。　シュヴァルツコプフ！あの伝説の名歌手ではないか。カラスかシュヴァルツコプフか、という。　　スゴイお墨付きである。でも一番肝心なのは、「カリタ・マッティラ」をきわめて欲しい、ということ（もちろんご本人は承知していらっしゃることだろうけれど）。　たとえば「カラスの再来」などという売り出し文句をかぶせることは、その歌手にとって何の利点もないのだから。　そして一度、彼女の「ドン・カルロス」、エリザベッタを、ナマで観てみたいものである。

June 2, 2005

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「人生が変わったこの曲、この演奏」、第２８回は（クルレンツィス＆セラーズの）「皇帝ティートの慈悲」です

昨日は三度、更新をしそびれてしまいました。　今日は２本の更新を目指します。　１本目は、２０１７年ザルツブルク音楽祭の「皇帝ティートの慈悲」です。このシリーズの第２回目で書いた、ギリシャ生まれの指揮者テオドール・クルレンツィスがザルツブルク音楽祭にデビューし、話題をさらったオペラ公演でした。　クルレンツィスは「フィガロの結婚」のCD以来ハマっていて、オペラは２０１６年チューリヒ歌劇場の「マクベス」を皮切りに、２０１８年秋のルクセンブルク歌劇場「椿姫」、２０１９年９月ルツェルン音楽祭、モーツアルト＝ダ・ポンテ三部作などを見ましたが、セミステージで、３作を連夜上演してくれたルツェルンはちょっと別格として、強烈だったのはやはりザルツブルクの「ティート」です。「今」の、総合芸術としてのオペラの可能性を感じました。　「皇帝ティートの慈悲」は、モーツァルト晩年のオペラ・セリア。セリアというのは、オペラ発祥の１７世期以来の、神話や古代史に基づく作品です。「皇帝ティートの慈悲」もローマ帝国時代の皇帝が主人公ですが、同じ台本に繰り返し作曲されてきました。この時代のこの手のオペラというのは、「どういう機会にそのオペラが作曲されたか」が重要なので、モーツァルトの場合はレオポルト２世のボヘミア王戴冠を祝うために、「寛容さ」で知られたローマの皇帝ティトゥスの物語を作曲してほしいと依頼されたのでした。　ですので、今の時代に人気の「椿姫」や「カルメン」のように、物語の内容や人物に共感できるという類のものではありません。そのため、「フィガロの結婚」のように、ある程度人物の心理が伝わるモーツァルトの人気オペラほどには、人気が高くない。音楽はもちろん美しいけれど、それだけでは正直、聴いている方は「もたない」部分があります。　こういうオペラを今の時代に「再生」するには、仕掛けが必要なのだ。ザルツブルクの「皇帝ティートの慈悲」は、そう痛感させられた公演でした。セラーズの演出も、クルレンツィスの音楽も、「今だからこそ」「今の時代だからこそ」可能だ、というメッセージに満ちていたからです。　一番の発見は、今時の演出でしばしば行われる、別の曲を挿入するというやり方が、初めてピンときたことでした。　　その時のブログの一部を貼り付けます。　この公演は、いわゆる世間一般の？「皇帝ティトの慈悲」ではなく、「皇帝ティト」を土台にした、セラーズ＆クルレンツィスによる、「モーツァルトのある面を集大成したモニュメント」だということ。セラーズは、「ティト」のテーマは「許しと和解」だと語っています。それを尊重しつつ、より「モーツアルト」の真髄に迫るため、作曲のときに時間がなくてジェスマイヤーに任せたレチタティーヴォをカット。さらに、ティト暗殺未遂に際して、本作に「スピリチュアルな瞬間」がない、などの理由で、「ハ短調ミサ曲」を第２幕の冒頭をはじめ数カ所に挿入。また、台本ではセストに暗殺されるのはティトではなく他人ですが、今回はセストに襲われたのはティト本人で、重傷を負い、最後は死ぬ設定です。　筋書き的にはこちらのほうがすっきりします。だって襲われたのは実は他人だったって、ほんとうはおかしいですからね。なので、ティトは息をひきとる間際に皆を許すのです。そして彼の葬式の場面が続き、「フリーメーソンの葬送音楽」が流れます。　オペラの演出に際して、その作品以外の曲を入れるのは、ヨーロッパではしばしばあります。なかには、驚かせてやろう的な、必然性を感じないものも少なくありません。けれど今回はまったく違和感がありませんでした。コンセプトが一貫していたことと、演出家と指揮者の双方に「モーツァルトの本質に迫る」目的が共有されていたからだと思います。同時に演出家も指揮者も、モーツアルトのスペシャリストであり、モーツアルトを知り尽くしている。　セラーズといえば、２０世紀の終わりに、ニューヨークを舞台にした衝撃の「ダポンテ三部作」の演出で世界を沸かせ、クルレンツィスはこの数年の「ダ＝ポンテ三部作」の録音で新風を巻き起こしました。だからこそ説得力を持つ解釈ができたのです。奇をてらったものではまったくないのです。　セラーズの演出は、いわゆる昨今の「テロの悲劇」を前面に押し出したもの。ティトのモデルはネルソン・マンデラ！です。ティトと、部下のプブリオをはじめ多くのキャストが黒人歌手というのも本プロダクションの特色です。これは多分セラーズの意図でしょうが（彼が演出した「ドン・ジョヴァンニ」も黒人歌手でした）、よしあしがあると思います。。。今後このプロダクションを上演するときに、今回黒人だったキャストはみんなそうしなければならないのか？これはなかなか微妙な問題です。少なくとも一部のキャストは、この作品に向いた声ではなかったので、声を優先するのか、その意味でのヴィジュアルを優先するのか。。。。まあ、セラーズの母国アメリカには、黒人キャストで上演される「ポギーとベス」というオペラもあるわけですが。　隣に座った地元の紳士と色々話していて、「政治的な演出ですよね」と言ったら、「モーツアルトは政治的でしょう、フィガロもドンジョヴァンニもそう」と言われて我が意を得たりでした。よくネットで「音楽や芸術に政治を持ち込むな」という投稿を目にしますが、おかしいと思う。「今」を生きていれば政治のことが気になるのは当たり前です。「歴史」を振り返るのも同じ。歴史に興味があるのは「今」に興味があるからです。歴史の延長線上に「今」があるのですから。　クルレンツィスの音楽についていえば、「モーツァルトは大人の音楽」だと痛感しました。素晴らしい演奏なんですよ。完璧すぎるほど。とても細やかで、すみずみまで行き届いていて、音の隅から隅まで描き切る。とくにピアニッシモの部分はそうです。その行方を見届ける緊張感！なので、すごいんですが、かなり緊張を強いられます。アグレッシブな部分の盛り上げ方はさすがですが。あと、ピリオド楽器なので、どうしても音色的には地味ではあります。ここ一番、というところでは、奏者がピットのなかで立ち上がって迫力満点に鳴らしていましたが。（このオケ、ふだんのコンサートは立って演奏することでも有名です）　でもモーツアルトって本来はそうなんだと思うんです。きれいで甘いモーツアルトなんて、５分聴いたら飽きます。あれはBGM用です。ほんとうのモーツアルトは顕微鏡で見たくなるような細かい表情に満ちていて、よく噛まないとよさがわからない音楽なのかもしれない。とくに「通」を意識して書かれた音楽は。１８世紀だから、音楽はまだまだ一部の階級のためのものであったのですから。一方で、今回は（荘重なテーマを抱えた）演出のせいもあったのか、上のような理由でレチタティーヴォをカットしたせいもあったのか、彼とムジカエテルナが得意とする即興や遊び心はかなり抑えられていました。暴れまわっていたのはAbashevとShabashovaによるフォルテピアノくらい。フォルテピアノがどこにいるのかと思ったら、指揮台にピタリと寄り添っていたのでした。　演奏としては、挿入された「ハ短調ミサ曲」の部分がすごくよかったんです。最初のほうで、「やっぱり昨日聴いたヘンデルとは半世紀違う音楽だなあ」と思いながら聴いていたら、急に「ヘンデルか！？」と感じさせるような古臭い、つまりは教会の音楽が聴こえてきて、その落差に耳を疑ってしまいました。教会音楽はやっぱり伝統的な古いジャンルなんだということが見事にコントラストされていた。加えて、合唱曲ばかりだから、ムジカエテルナ合唱団が「むちゃくちゃうまい」というのがよくわかりました。ピリオド系の合唱団はうまいのが多いですが、ここもほんとにうまいです。今回のプロダクション自身がスピリチュアル的なテーマを設定していることも関係しているのかもしれません。　歌手のいちばんはセスト役のフランスのメゾ、マリアンヌ・クレバッサ。きゃしゃな体から湧き出るシャープなよく通る声、完璧なテクニックと敏捷な演技。第１幕の、バセットクラリネットのオブリガート付きのアリアでは、バセットクラリネット奏者が終始舞台上で演奏していて、彼と絶えず絡み（寝ながらバセットクラリネットを吹く！）、大喝采を浴びていました。こちらのレビューでも「新スター誕生！」と騒がれています。それにしても、やっぱりいわゆるクラシック音楽って、「演奏」次第なんですよ。今回のザルツブルクで改めて痛感しました。もちろん第一は「作品」なんですが、「演奏」つまり「解釈」で天と地ほど違う。はたから見ていると、「演奏」についてわいわいいうのは「マニアック」に見えるのだろうと思うのですが、しかたのないことなんです。だって「皇帝ティト」にしろ「アリオダンテ」にしろ「２人のフォスカリ」にしろ、オペラのレパートリーのなかではマイナーな作品。それが上演され、高く評価されるのは、クルレンツィス＆セラーズ、あるいはバルトリ、あるいはマリオッティ（とドミンゴ）がいるから、なのですから。　この時の演奏ですが、残念ながらネットでは「音」しか聴けません。ですので、このシリーズでご紹介するかどうか迷ったのですが、やはり、私自身の「オペラ観」「オペラ・セリア観」が変わった公演でしたので、取り上げることにしました。　「オペラ・セリア」というのは、物語は二の次、だと思っていたのですが、よく考えると、その時にその物語を取り上げるのにどんな意味があるか？というジャンルなのです。４月に新国立劇場で上演される予定で中止になったヘンデルの「ジュリオ・チェーザレ」も、シーザーとクレオパトラのロマンスを、なぜ１７２４年に取り上げるのか、理由があったのです。当時の世相に重ねている。この手のオペラは「読む」ものなのです。　（来月発売号から「音楽の友」で、「オペラで知るヨーロッパ史」というタイトルの連載を始めますが、第１回はこのような視点から「ジュリオ・チェーザレ」の背景を探っています）。　2017年ザルツブルク音楽祭「皇帝ティートの慈悲」、映像はハイライトがいくつかネットで見られます。セスト役のマリアンヌ・クレバッサが、恋人に唆されてティト暗殺へと向かうアリア「私は行きます」は、ザルツブルク音楽祭の総裁によって、「音楽祭のハイライト」と総括された見事な演奏でした。　「皇帝ティートの慈悲」よりセストのアリア「私は行きます」、クレバッサ（セスト）　２０１７年ザルツブルク音楽祭　劇中に挿入されたモーツァルトの「ハ短調ミサ曲」も一部見られます。　「皇帝ティトの慈悲」に挿入されたモーツァルト「ハ短調ミサ曲」　音はこちらから全曲聴けます。やはり刺激的！　　「皇帝ティートの慈悲」全曲　クルレンツィス指揮ムジカエテルナ

April 29, 2020

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「モーツァルティアン・フェライン」で、「イドメネオ」についてお話しします

　数あるモーツアルト・ファンの集いのなかでも、多彩な講演会やコンサートを通じて活発に活動している「モーツァルティアン・フェライン」。　これまでも、ダ＝ポンテ三部作などのお話しをさせていただいてきましたが、今週の土曜日は、モーツァルトの若き日の傑作「イドメネオ」についてお話しさせていただきます。　「イドメネオ」は、オペラ・セリアという性格もあり、長い間あまり上演が活発ではありませんでしたが、近年、急速にその価値が認められるようになっている作品です。ミュンヘンの宮廷からの依頼で作曲され、モーツァルトが父のレオポルトから独立するきっかけともなった、モーツアルトの私生活とも関係の深い作品。またモーツアルトにとっては久しぶりの本格的なオペラ作曲の機会となった作品で、彼のはりきりぶりが音楽にも反映されているように思えます。　日時は今週土曜日、１５日の２時から、場所はお茶の水です。詳細は以下をご覧ください。　http://www.geocities.jp/mozartian_verein2/letter/letter17/201707.html　

July 11, 2017

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「人生が変わったこの１冊」、第９回は、中里恒子「時雨の記」です。

昨日の「グロテスク」から一転、大人の夢物語です。　中里恒子「時雨の記」。芥川賞、読売文学賞などを受賞した女流作家の代表作で、多分中里作品の中では一番ヒットした作品。４０代の未亡人と、50代の妻子持ちの会社社長の純愛物語。山本富士子！と丹波哲郎！の主演でテレビドラマにもなりました。歳がバレますね。笑。　不倫もの、といえばそうなのですが、プラトニックラブというところが憎いのです。おそらく人生で初めて「打てば響く」「何も言わなくても通じる」相手に出会った二人。「趣味が合う」んですね。いわゆる音楽とかの「趣味」ではなくて、生活全般に対する好みというか。　例えば、ヒロインの多江が暮らす葉山？あたりの慎ましい一軒家〜「多江」はお茶の先生をして身を立てているという設定です〜を初めて訪れた主人公の壬生は、多江が使っている器の趣味が気に入ります。何を「いい」と思うか、その見方が共通していると感じる。　足しげく「多江」とあうようになった「壬生」は、持病の心臓病が悪化しているのに気づき、不仲の妻と別れて、多江と住む家を作ろうと思い、その設計図を作ります。　けれど壬生は、その家の完成を見ずに、多江の家で逝ってしまう。当然、多江は壬生の妻に疑われます。それをやり過ごし、多江は壬生の４９日に、かつて二人で訪れた、藤原定家が隠居をしていた「時雨亭」の跡を再訪して、壬生の墓はここにある、と思い定めます。　その後、多江は、壬生の友人から、壬生から渡された「家の設計図」を受け取ります。　物語はこう締め括られます。「多江の手に渡された一枚の紙、そこに建っている家屋、生えている青苔。もう絶対に壊れることのない不動の地を、壬生は残してゆきました。　逢うことはなくても、もみじは散る。時雨は降る。さあっと降るのでした。多江には、松風の音も冴え冴えしくきこえました」　時雨は、２人で「時雨亭の跡」を訪れた時も、「さあっと来て、さあっと過ぎて」いったのでした。２人の恋のように。　（「冴え冴えしく」ですが、本文では別の字が使われており、変換できません。。。恐縮です）　　著者は川端康成の代筆もしたことがあったそうで（当時の作家は「代筆」などはごく普通のことだったらしい）、古典の教養も深いよう。文字通り冴え冴えしい文体には、そんな背景も滲むような気がします。主人公たちの自然でさっぱりした気質は、山田詠美作品にも共通するように感じますが、作者たちが普段触れているモノや文章が違うので、別の世界が紡がれているのが眩しいです。　本の詳細はこちらから。　中里恒子「時雨の記」　文春文庫

May 9, 2020

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「人生が変わったこの一冊」、第２９回は司馬遼太郎「空海の風景」です

「人生が変わったこの一冊」、２９回は司馬遼太郎「空海の風景」です。　タイトル通り、「弘法大師」の名で親しまれている８−９世紀の僧で、真言宗の始祖でもある空海の生涯を、彼の宗教というか哲学というか世界観の変遷、発展を交えて語る一冊です。　　なぜ著者は空海の伝記を書いたのか。　それは著者が空海において「ごくばく然と天才の成立ということを考えている」かららしい。　著者は空海の著作には若い頃から馴染んでいたようですが、決定的な「空海」体験は、学生の頃、兵隊に取られそうだと知り、その前にということで友人と吉野の山歩きをした、その時に、それと知らずに高野山にたどり着いてしまった。「不意に山上に都会が現出した」と著者は書いています。「悪いものにたぶらかされているようでもあり、夢の中にいるようでもあった」それは、そうでしょう。「深いひさしのある門燈によっていってきくと、ここは高野山だという」　強烈な体験だっただろうことは、想像がつきます。私も高野山は何度か訪れましたが、本当になぜこんな山上に壮麗な街があるのか、という景色ですから。まして放浪の果てに偶然たどり着いたら、どんな心持ちがすることでしょうか。　後日、空海の足跡を辿りながら、著者は思います。空海が、高野山などという人里離れた山に寺を作ろうと思ったのは、ここを長安にしたかったからではないかと。若い頃、遣唐使の船に乗って、艱難辛苦の果てにたどり着いた唐の長安の都。そのスケール、国際性は、当時の日本の比ではなかった。　「８、９世紀のころの大唐長安と日本との文化的な落差のはなはだしさは明治の日本と巴里どころではない」　それは、そうでしょうね。遣唐使に使う船からして、中国の船とは全然レベルが違ったらしい。ほとんどコントロールの効かない帆船。しかも、なぜかいつも逆風になる夏の時期に出ていた。遭難しにいくようなものです。空海の乗った船も嵐にもまれ、ずいぶん南の方に流れ着き、一行は有名な函谷関を含む険しい陸路をへて長安に至ったのです。　空海は「２０年」！の留学僧として派遣されましたが、わずか２年で帰国。というのも、当時唐で流行していた密教の大元締めの恵果という高僧から、密教の後継者として見出され、奥義を授けられるのです。　日本に帰ってからは時の嵯峨天皇と親交も結び、聖俗の世界で大活躍しました。　　そんな空海は、ちょっと日本人離れしたスケールの持ち主だったよう。本作では、空海と同時代に活躍した僧で、天台宗の開祖である最澄との関わりがかなり執拗に描かれていますが、最澄はエリートで、優等生的な「いい人」、空海はそれに比べると野人怪人、捉え所がない、清濁合わせのむ人間です。そして時々「雌伏」を繰り返す。しょっちゅう山に籠ったりして「時」を待つ。本能的にもそうしたほうがいい、と思っているかのようで、その「機をみる」ありようは、まるで千里眼で、離れている都のことを見通しているかのようです。そして時が満ちると皆の前に現れ、その場を感嘆の渦で包むのです。　そんな空海を、著者は、日本人にはまれな　「巫人能力」　の持ち主だ、と言います。初めて聞いた言葉ですが、しっくりきました。　空海はおそらく、もともと、「自然」との繋がりから多くを受け取るタイプ。だからよく山に籠ったのでしょうが、まだ唐へ渡る前の若い頃、室戸岬で「明星」を体内に取り込んだ体験は強烈です。著者はそれが、空海が空海になった原点だとしています。空海は故郷の四国の山中を長くさすらいますが、その時の最大の収穫が、雨露を凌ぐために潜んでいた洞窟の中で、明星を取り込んだことなのです。「天にあって明星がたしかに動いた。みるみる洞窟に近づき、道内に飛び込み、やがて凄まじい衝撃とともに空海の口中に入ってしまった。この一大衝撃とともに、空海の儒教的事実主義はこなごなに砕かれ、その肉体を地上に残したまま、その精神は抽象的世界に棲むようになるのである」　これは、ある意味、「即身成仏」と言ってもいいのかもしれません。　　そんな空海は、その後の様々な経験を経て、この世の原理には「王も民もな」く、長安で知った「民族」というものも、「仏教もしくは大日如来の密教はそれを超越し」ていると知る。空海自身の実感でいえば、いまこのまま日本でなく天竺にいようと「すこしもかまわない」「人類としての実感のなかにいる」ようになります。　「日本の歴史上の人物としての空海の印象の特異さは、このあたりにあるかもしれない。言いかえれば、空海だけが日本の歴史のなかで民族的な存在でなく、人類的な存在だった」　だから、「天才」なんですね。いやあ、天才って大変。それにしても、日本人離れしています。そこが空海の魅力です。　　空海は「密教」を日本に持ち込み、広めた人間です。ちょっと前に最澄が、密教の「一端」を、それも偶然に日本に持ち込みますが、恵果から奥義を授かった空海から見れば、それは密教のかけらにすぎず、大系でもなんでもなかった。最澄はそれを理解して空海に教えを乞いますが、空海は最終的に受け付けません。その辺りの２人の関係を通して、空海と最澄の人間像が浮かび上がりますが、そのあたりは司馬遼太郎が得意とした方法ではないでしょうか。　「密教」については、私は語るような立場にありません。以前私淑していた高僧の方がたまたま真言宗だったので、空海や真言宗に親しみを感じるようになって今に至ります。空海の持つ色合いが大陸的であることは、本書を読んでとても納得しました。　本の情報はこちらから。　司馬遼太郎「空海の風景」中公文庫

May 29, 2020

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ドンナ・アンナの謎

　昨夜、モネ劇場の来日公演「ドン・ジョヴァンニ」を見てきた。　ここの音楽監督をしている大野和士氏の指揮。凱旋公演である。　大野ファンなのか、会場におしゃれな女性多し。スカラ座やウィーンの来日公演に来ているマダムたちとは、ちと感じの違うお客が多かった。面白いですねえ。　　大野さんの指揮はほんとすばらしかった。流れがよくて鋭敏だけれど繊細で。レチタティーヴォから歌への移行があんなに絶妙なモーツァルト・オペラの演奏は初めて聴いた。（知り合いの評論家によると、とても計算しているそうだけれど）。オケも反応がとてもいい感じ。　歌手は、それはウィーンとかに比べればまだ若手だし、一段階落ちるかもしれないけれど、全体的に若々しい活力があって、とても楽しめた。大野さんは歌手に歌わせるのもうまい。　プログラムの記事によると、大野氏はすごく頭のいいひとらしい。話術、交渉も巧みとか。えらく貴重な人材ですね。　ところで、「ドン・ジョヴァンニ」という作品は、（よく言われることだが）モーツァルトのオペラのなかで、かなり異質な、ロマン派の方へはみ出している作品である。　今日とくにそれを感じたのは、登場人物の心の葛藤の激しさだった。　とくにドン・ジョヴァンニをめぐる女性は、みんな揺れている。というのも3人とも、どこかでジョヴァンニに惹かれているからだ。　ドン・ジョヴァンニと結婚して捨てられたドンナ・エルヴィーラはもちろんだし、口説かれては陥落しそうになるツェルリーナも当然、そしてよく論議の対象になるドンナ・アンナも。　それぞれ程度は違うのだが、みなドン・ジョヴァンニに惹かれる気持ちがあり、葛藤しているのだ。　葛藤のなかで、一番自分の気持ちを把握できないのが、ドンナ・アンナだろう。お嬢さん育ちで、たぶんそういう激しさを経験したことがないから、どうしていいか分からないんじゃないだろうか。　ただし、よく（とくに男性から）言われるように、ドンナ・アンナが幕が上がる前にドン・ジョヴァンニと関係してしまっており、そのために惹かれている、と言う解釈は（そういう演出も多い）、私はとらない。　だってドンナ・アンナはファザコンで処女（のはず。貴族の娘なんだから嫁入り前は厳禁でしょ）なのだ。だからこそ、闇にまぎれて忍んできた暴漢＝ドン・ジョヴァンニを追っかける、なんて無謀なことができたのではないだろうか。もし本当にやられていたら、とても起き上がって追っかけてくる、なんて無謀なことは、精神的にも肉体的にもできないと思うよ。自分の恥をさらすようなものだし。　まあ、ただ、私が感じたのは、やられてしまったのかどうなのか、ということではなく（それは最終的にはあまり重要ではない気もする）、その忍んできた男に、ドンナ・アンナはフェロモンを感じてしまったのだろうなあ、ということである。　おとなしいお行儀のいい婚約者のドン・オッターヴィオと結婚するというレールを信じきっていた彼女が、自分でもわけのわからない感情に襲われているのではないか、ということである。　けれど同時に、そのジョヴァンニは父の仇であるわけだから、それはそれでやはり許すわけにはいかない。　つまり、どうしていいかわからない状態ではないだろうか。　だから彼女の歌うアリアはわけがわからない。オッターヴィオの誘いを断るのは、ドン・ジョヴァンニへの複雑な感情に揺れているからだろうけれど、まさかそれを口に出すわけにはいかないから、父のことだけで逃げようとする。でもそれは本心の半分でしかないから、やはり心情のこもらない、半分空虚なわざとらしい感じがしてしまうのではないだろうか。オペラ・セリア型の大仰なアリアにしたのには、その心理表現もあるのでは。　今回改めて認識したのはドンナ・エルヴィーラの女らしさ。モーツァルトは男の純情を描くのは得意だけれど、女の純情はあまり描かないな、と思っていたのだが、どっこい、これはすばらしき女の純情であります。揺れる女心を描いた第2幕の彼女のアリアには、本当に胸を打たれた。

October 7, 2005

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キンボーさんとゼッダさん

　これだけ国際的に活躍する演奏家が増えても、生まれも発想もコスモポリタン、というひとは、まだそういないように思う。　　今日、インタビューの仕事でお会いした、指揮者のキンボー・イシイ＝エトウさんは、コスモポリタン、という言葉がぴったりのひとだった。　　名前が示すように、日系ではあるが、１６分の１は「オランダ人」（オペラじゃありません）。現在の国籍はアメリカ。　12歳まで日本にいたが、その後ウィーン、そしてニューヨークで勉学。ヴァイオリンから指揮に転向し、ここ数年はベルリン・コミッシェ・オパーの首席指揮者をつとめていた。　「お話好き」なひとときいていたが、それ以上に「外人的」（変な言い方でごめんなさい）。つまりジョークやアクションを交えての活発トーク。回りをまきこんでしまう陽性のパワーの持ち主だ。　まあ、そうなるまでにはいろいろご苦労もあったよう。ここでは書けないお話も、たくさん出た。　　で、書ける範囲のお話で、面白かったことを。　今回キンボーさんにインタビューできたのは、びわ湖ホールのフリーペーパー「湖響」のお仕事があったから。キンボーさんが、7月にびわ湖ホールで「フィガロ」を振るので、その公演紹介をかねたページである。　まず、「フィガロ」の魅力とは。　「フィナーレ。これが面白い。ふつうフィナーレっていうと、ああ、これでフィナーレって言う感じでしょ。それが「フィガロ」の場合は、フィナーレが一番充実しているの。ここにクライマックスがある。これはほかのオペラにはない魅力」　なるほど。第2幕なんてまさにそうですね。　で、ポイントというかモンダイは、「演出」。キンボーさんは、前衛演出の牙城？ベルリンにいて、コミッシェ・オパーでは読み替えが当たり前なので、今回も、「先入観を持たないで来てください」、そういう公演にしたいという（今回の演出は岩田達宗さん。粟國淳さんとならんで、たぶん今をときめく若手演出家である）。　日本の観客を知っている身としては、ちょっと、？　だって「フィガロ」には、まだまだ時代劇を期待する層が少なくないから。　「そんなこと言ったら、フィガロとかセビリヤとか、その辺はみんな同じ衣装でよくなっちゃう。そんなの、つまらないでしょう？」　それは、そうです。はい。　「演出」に対する日独の受け止め方の違い、の話はしばらく続いたのだが、キンボーさんが口にしたこんな話は、各国のオペラ事情をよく反映していた。　「あのね、ドイツでは、一番強いのは演出家。オーストリアでは、指揮者。イタリアでは、声楽家。そしてニューヨーク（メト）では、スポンサー。　だからこんなオペラが観たい！と思ったら、スポンサーになりましょう！」　それ、いいですよねえ。やってみたいなあ。　というわけで、キンボーさんのキャラのおかげで大盛り上がりに終わったインタビューを終え、ホテルの廊下に出たら（実は都内某所のホテルの1室でやったのです）、どこかで見たような老紳士が、歩いてくるではないか。　「あ、ひょっとして、ゼッダさん！？」　ロッシーニ研究の権威で、来週、東京で日本初演される、ロッシーニの「どろぼうかささぎ」（藤原歌劇団公演）の指揮をするために来日している、アルベルト・ゼッダ先生だったのでした。　　思わず話しかけ、「来週聴きにうかがうつもりです」と言ったら、にこにこして、　「今日5時からピアノリハーサルがあるんだけどね、見に来ない？」　とおっしゃるではないか。　実はこのホテルの近くには、劇場つきで話題になった、某音楽大学のできたて校舎があるのでした。あの劇場でリハ！　行きたかったけれど、次のアポがあったので、泣く泣く失礼したのでした。　夜遅く、なかよしのオペラ評論家からメールあり、「ゼッダと（チンツィア）フォルテと（アントニーノ）シラクーザとご飯を食べてきました。とても楽しかった！」（フォルテとシラクーザは、「どろぼうかささぎ」Aキャストの主役です）　うーん、いいなあ！　　ホテルの１室で？キンボーさんと記念撮影。

February 28, 2008

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ヴェルディとジュゼッピーナの知られざる私生児〜「ジュゼッペ・ヴェルディとフェッラーラの棄て子」、そして「シモン・ボッカネグラ」の秘密

ジュゼッペ・ヴェルディの人生のパートナーといえば、ジュゼッピーナ・ストレッポーニ。　作曲家の娘で、ソプラノ歌手として活躍し、「スカラ座のプリマドンナ」として君臨。ヴェルディの出世作「ナブッコ」のアビガイッレを歌ったのがきっかけで、妻子を亡くしたばかりのヴェルディと親しくなりました。けれど２人が正式に結婚にいたるまでには、それから１７年の月日がかかります。（２人は結婚前、１０年ほど同棲していたのですが）　なぜそんなに時間がかかったか。最大の理由はジュゼッピーナの過去でした。奔放な男性関係で知られた彼女は、ヴェルディと知り合う前に、複数の男性との間に少なくとも４人の子供をもうけていたのです（１人は死産）。父親の名前がわからない子供もいました。　劇場の世界では、珍しくなかったというひともいます。けれどヴェルディの故郷であるイタリアの田舎町ブッセートでは、とんでもないことでした。もともと息子と折り合いが悪かったヴェルディの父は、息子がジュゼッピーナを連れてきて「家名を汚した」と怒りました。同棲した２人は、町の人たちから激しいバッシングを受けます。　おそらくそれが原因で、２人はブッセートに越して２年後の１８５１年に、近郊のサンターガタに移りました。今でも「ヴェルディ邸」として知られるサンターガタの家は、周囲から孤立した一軒家。孤独を愛したヴェルディですが、ここまで引きこもった原因のひとつがジュゼッピーナでした。　２人は１８５９年に結婚。その後も子供ができることはなく、ヴェルディはやがて年の離れたいとこを養女にして家を継がせます。なので、ヴェルディには直系の子孫はいません。　と、いうことに、長い間、なっていました。　ひょっとしたらジュゼッピーナは、ヴェルディの子供も身ごもったのではないか。でもスキャンダルを恐れて、赤子を棄てたのではないか。　そういう話は、１９９０年代から出始めました。９０年代に膨大なヴェルディの伝記を著したフィリップス・メッツ女史は、クレモナの棄子養育院の記録から、１８５１年の春に２人の間の子供が棄てられたと推測しています。そして、そんなことがあったなら、２人とブッセート、そして父親との決裂は決定的になっただろう、とも。　けれどこの説には確たる証拠はありませんでした。　そしてこの春、この問題に決定打となりうる著書が発売されました。著者は指揮者のシモーネ・フェルマーニとジャーナリストのジョヴァンニ・フェルマーニの兄弟。２人はヴェルディとジュゼッピーナの間に生まれ、棄てられた（里子に出された）女児のひ孫だと主張しています。　私はある方の紹介でこの本を読み、この６月、ミラノでシモーネ氏にお会いしました。そして、おそらくフェルマーニ兄弟はヴェルディとジュゼッピーナの末裔だろうと思っています。　このことに接してのち、腑に落ちたことは、「シモン・ボッカネグラ」という作品についてです。　「シモン」をご存知の方ならおわかりのように、「シモン」は棄て子、それも女の子の物語です。主人公は未婚の身で心ならずも恋人を妊娠させ、恋人は死亡。生まれた女児は里子にだされて行方不明に。しかし２５年後に父娘は再会します。その場面の二重唱の天国的な美しさ！　それは、実際に、ヴェルディが娘を棄てたからではないでしょうか。贖罪（ある友人言葉）も、あるのではないでしょうか。　そしてその「娘」は、自分が原因で決裂した父と祖父を、仲直りさせるのです。その場面の音楽もまた、限りなく感動的なのです。　ヴェルディは実父と仲が悪かった。それはジュゼッピーナも一因でした。もし結婚前のヴェルディとジュゼッピーナに子供ができていたら、あるいはできたことがわかれば、大スキャンダルになったことでしょう。だから２人は子供を棄てる決断をせざるをえなかった。ヴェルディは、父との和解を夢見たでしょうか。　「シモン」は、棄て子事件があったとしたら、その６年後に初演された作品です。地味な作品だと日本では言われますが、実はファンが多い。「シモン」がいちばん好きなヴェルディオペラだというひとを何人も知っています。感動的な名作ですから。そして世界中の劇場でレパートリーです。メトでもウィーンでもスカラでもしょっちゅう上演されているのです。公演が少なすぎる日本のほうがおかしいのです。（さすがに生誕２００年の２０１３年には、演奏会形式でちらほらありましたが）　で、やはり、あの感動的な音楽は、棄て子事件のせいかもしれない、と感じています。　詳しくは、今月刊行された「日本ヴェルディ協会」の協会誌に寄稿しております。ご興味のある方は、ぜひご覧いただければ幸いです。　会報ご希望の方は、以下のサイトからお入りになり、事務局にご注文ください。　多くの方にご高覧、ご意見をいただけましたら幸いです。　 http://www.verdi.or.jp

November 23, 2015

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「モーツァルティアン・フェライン」10月例会で、「モーツァルト三大オペラとフランス革命」についてお話しします

ご存知の方も多いと思いますが、今年はベートーヴェンの生誕２５０周年。　新型コロナのパンデミックで数多くの公演が中止に追い込まれてしまいましたが、この機会に、力強く前向きなベートーヴェンの音楽に励まされた方も少なくなかったのではないかと思います。　そんなベートーヴェンは、フランス革命を音楽で体現した作曲家でもありました。　ベートーヴェンより１４年早く生まれたモーツァルトは、フランス革命前夜の時代を生きました。それは貴族から市民へという時代の端境期でもあり、そのためモーツァルトは、宮廷音楽家からフリーの芸術家へと音楽家の身分が移り変わる、不安定な時代を生き、その影響を受けざるを得ませんでした。　とはいえ、彼の作品には、本人の意識の有無にかかわらず、革命の兆しが投影されていることも事実です。「フィガロの結婚」「ドン・ジョヴァンニ」「魔笛」のいわゆる「三大オペラ」はその好例と言えましょう。　そのことについては、春に出した新書『オペラで楽しむヨーロッパ史」で掘り下げてみました。　この度、時々講演をさせていただいているモーツァルトの音楽の愛好団体「モンソンアルティアン・フェライン」の例会で、このテーマで講演をさせていただくことになりました。　直前のご案内で大変恐縮ですが、ご都合がよろしければお運びいただければ光栄です。　講演の詳細は以下でご覧ください。モーツァルティアンフェライン　10月例会　「オペラで楽しむヨーロッパ史」（平凡社新書）については、こちらからご覧いただけます。　オペラで楽しむヨーロッパ史

October 12, 2020

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イタリア旅こぼれ話　その３　ドレスコードをわざと外すと。。。。

　イタリア旅行のこぼれ話、その３は、「ドレスコード」について。　「オペラ」というと、ロングドレスにタキシード。そういう時代がはるか彼方のものになってしまったことは、ご存知の方も少なくないと思います。もしくは、そのような正装の習慣が、一部のフェスティバル（ザルツブルクやグラインドボーン）、と、大劇場のシーズンオープニング（スカラ座をはじめイタリアの劇場やメトなど）に限られてしまっていることも。　シーズンオープニングといっても、たとえばフランスなどまるで「正装」の空気はありません。２年前、リヨンの歌劇場のオープニング当日の「マクベス」に行った時、フランスにせよオープニングだからといちおう？ロングスカートをはいていって、場違い感を発信してしまいましたから。ドレスコードはカジュアルの一頃。ネクタイ姿もほとんど見かけず、お隣のジャーナリストらしき人物はスニーカーにリュックサックというていたらく（失礼！）。会場で会ったパリ在住のジャーナリストの知人にこぼしたら「だってここはフランスですよ」と言われてしまい、ぎゃふん。「リヨンは若いひとが多いから、よけいカジュアル」なんだそうでした。　そんなわけで、当節、海外へオペラ観劇に出かけても、せいぜい「ちょっとおしゃれ」くらいが浮かないドレスコード。ま、国によって多少の差はありますし、観光客の多い大劇場ーウィーンやスカラーでは、観光客がおしゃれてしているのでそれに混じっておしゃれする、という手もあります。　こういう風に「おしゃれしたい」と書いてしまうのは、海外でなければ着られない服を着よう、とついついもくろんでしまうせい。というのも、ヨーロッパに出かけた時、つい買ってしまうロング丈のドレスとかスカートが何枚か、日本では出番がなくて眠っているのです。「つい買ってしまう」のは、１万円以下で買えるような手頃なロングスカートなどを「つい見かけてしまう」（言い訳ですね）から。日本だと、まず見かけないたぐいのものです。　この夏も、プロヴァンスに出かけた時、「つい買ってしまった」えんじ色のロングスカートが、日本ではまったく出番なし。だいたい日本だと、電車に乗らなければならないから着られないのです。タクシーで乗り付けるような優雅な身分なら、たまには冒険してみるのもありかもしれませんけれど。　で、強引に、イタリアでデビューさせてしまいました。　１０月、スカラ座で一度。そして年内にもう一度どこかではきたいと、今回のイタリア旅に持参したのです。再度のお目見え？は、オペラ観劇最終日のローマ歌劇場でした。　いやはやこれが、浮きまくり、でした。　まず、イタリアの他の劇場と比べて、今のローマは多少客層が違う感じがあります。ムーティが来てから、オペラファンの間で人気が出ているせいでしょうけれど、わりとオペラ好き、オペラマニアという感じのひとが多い。その前に訪れたナポリのサンカルロ歌劇場は、地元の社交界という感じでローマよりは多少華やかだったのですが。　そして、これはたまたまだと思うのですが、私が入ったボックス席ときたら、私以外の５人は全員男性、それも、いかにも筋金入りのオペラファン、という感じの、もの静かで地味なひとたちだったのです（前も書きましたが）。当然服装も地味。セーターにスニーカー、そして足元にリュック。あれは、ジャーナリスト席だったのでしょうか。。。そのなかにひとり混じってロングスカート、というのは、今思い出しても笑えます。　海外で思い切ったものを着てしまうのは、もし場違いで浮いても、ヨーロッパ人はわりとマイペースで他人のことを気にしないから、めいめい、思い思いにしている人が多いから、という理由なのですが、今回はさすがに気になりました。イタリアで、こんなに「浮いた」気分になったのは、初めてかも知れません。　オペラやコンサートのドレスコードがカジュアルになるのは、悪いことではないと思っています。気軽に出かけられる場所であってほしいと思うからです。半世紀以上前、この歌劇場にマリア・カラスが出ていたときの劇場内の映像（モノクロ）を見たことがありますが、みなそれこそ舞台の歌手なみに、ティアラのようなアクセサリーも含めてデコデコに正装していました。あれでは、一般人はとても敷居をまたげないでしょう。　けれど同時に、非日常のハレの場としての機能が皆無になるのも寂しい気がします。服装も含め、その「場を楽し」める雰囲気がなくなってしまうのは、由緒正しき社交場だった歌劇場の歴史を考えると物足りない。歌舞伎だって、和装のお客さんがいると映えますよね。いろんな人がそれぞれの楽しみ方ができる場所なら理想的なのに。　今後はイタリアの歌劇場でロングスカートをはこうと思ったら、シーズンオープニングを目指さなければならないのかも、と、ロビーを行き交うノーネクタイの紳士たちの間を肩をすぼめてすり抜けながら思った、ローマの夜だったのでした。　　

December 26, 2013

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オーケストラ自由自在～ガーディナー「管弦楽組曲」

　ケーテン・バッハフェスティバル２日目。　今日は、昼間はライプツィヒで観光をし、夜にケーテンで、ガーディナー＆イングリッシュ・バロック・ソロイスツによる「管弦楽組曲」、全曲演奏会の１回目を聴くことになっています。　ライプツィヒはやはり十数度。雲行きはすっきりせず、灰色の１日でしたが、あちこちまわって、昼間は名物のソーセージで腹ごしらえをしました。　　一方、ケーテンでの夕食はアイスバイン。はじめ「アイスバイン」と聞いたときは、とんでｌもなくヘビーそうでどうしようかと思ったのですが、けっこうさっぱりしていて、かなりいけました。さすがに完食、というわけにはいかなかったのですが。昼間が昼間でしたしね。　ドイツの町の例にもれず、ケーテンにも地ビールがありますが、ここのさっぱり軽いビールと、アイスバインはよくあいました。　コンサートの会場は、２００８年にできた「バッハホール」。　４５０席、バロック音楽には理想的な空間で、なかなかぜいたくです。　とはいえ、フェスティバルの時はいいけれど、ふだんは何をやっているのか、気になるところ。だってほんとの一地方都市、それも小都市で、ひとけなんておよそないところですから・・・　ちょうど催しものカレンダーがあったので見て見ましたが、やはりふだんは、地元の演奏会とか、１２月にロシアのどこかの町のバレエ団が「くるみ割り人形」をやるとか、そんな感じでした。もったいないな。東北のどこかに以前できた「バッハホール」みたいですね。　もっとも、バッハファンならご存知のように、ケーテンはバッハが５年半あまり宮廷楽長をつとめたバッハゆかりの町なので、「バッハホール」はあって当然といえば当然なのです。そこが日本とは違うところですね。　さて、期待のガーディナー。今日は管組の前半２曲に、「オーボエ・ヴァイオリン」の協奏曲。チェンバロ協奏曲から復元されたものですが、現在ではこちらのほうが一般的なようです。　最初は２番。フルート協奏曲のような作品ですが、１パート１人の小編成で、全員がソリスティックな感じ。丁々発止の面白さを味わいました。　続いてはオーボエ・ヴァイオリン。ソロ２本に対抗するように、少し編成が大きくなり、競い合うソロにオケがからんでスピード感満点です。　そして最後に第１番。いちばん祝祭的な曲ですから、それにふさわしく大編成。曲の性格によって編成を変え、それもコンサートが進むにしたがって大きくして、盛り上げてゆく、その構成の巧みさにも打たれました。　華があり、はじけるようで、やわらかくて、それでいてテンペラメントに満ち、スマート。ヘンデルの国の華やかさ。あ、ヘンデルてもともとドイツ人ですけれど、あの華やかさには、やっぱりコスモポリタンのイギリスがあっていたのじゃないでしょうか。

September 2, 2010

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東京二期会、２０１６−１７シーズンラインナップ発表

　東京二期会さんの、２０１６−１７シーズンラインナップ発表記者会見に行ってきました。　演目と内容は、二期会さんのサイトにアップされています。　http://www.nikikai.net/lineup/2016shusai.html 　会見には、二期会の中山理事長、山口制作部長のほか、所属歌手の成田博之さん、木下美穂子さんが登場しました。成田さんは来年２月の「イル・トロヴァトーレ」でルーナ伯爵を、木下さんは再来年２月の「トスカ」でタイトルロールを歌います。　今回発表された６演目のうち、５演目が新制作。基本的にヨーロッパの歌劇場との共同制作で、プロダクションレンタルも含みますが、演出家が来日して「東京バージョン」を作るケースもあり、（「トロヴァトーレ」や「トリスタン」など）、力が入っています。指揮者もすべて海外から招聘し、しかも演目にふさわしい指揮者をちゃんと呼んでいる。この作品だからこのひと、というのが納得出来る人選です。　ラインナップの説明をきいて、二期会のいくつかの方向性、「色」がきちんと打ち出されているということを実感しました。　たとえば、（これは２０１２年の「ナブッコ」でバッティストーニと出会い、大好評だったことから始まったと思うのですが）、若手注目イタリア人指揮者が振るイタリア・オペラ。来年２月の「イル・トロヴァトーレ」はバッティストーニ、再来年２月の「トスカ」はルスティオーニの指揮です。２人はイタリア若手指揮者の有望株とされている「三羽烏」のうちの２人で、いずれもこれまで二期会との共演が成功している指揮者。（ちなみに「三羽烏」のもうひとりは、ミケーレ・マリオッティ）。オペラカンパニーのもう一方の雄である藤原歌劇団が、８７歳のロッシーニの神様アルベルト・ゼッダの指導のもとでロッシーニに力を入れているのとは対照的に、若手指揮者でヴェルディ、プッチーニをやる、というのは、少なくとも現時点で二期会カラーになりつつあるのでしょうか。なれば面白いと思います。（まあ昨年、ベテランのガブリエーレ・フェッロで「ドン・カルロ」というのもありましたが）　一方で、これまでの「ドイツ・オペラの二期会」も健在。とりわけ得意のリヒャルト・シュトラウスに関しては、今年秋の「ダナエの愛」に続き、来年１１月は「ナクソス島のアリアドネ」、再来年７月は「ばらの騎士」と、３年間連続して３作品を取り上げます。「ナクソス島」は、これが日本でのオペラデビューというシモーネ・ヤングが振るというのも注目です。女流指揮者として第一線で活躍しているヤング、現在はハンブルクが拠点で、「リング」なども大好評で、注目されています。　ドイツオペラとしては、来年の９月に「トリスタン」が登場しますが、なんと二期会初上演ときいて驚きました。それだけ時を待っていたということでもあるのでしょうか。こちらの指揮はベテランのヘスス・ロベス＝コボス。私は知りませんでしたが、彼は「リング」がベルリンドイツオペラの来日公演で日本初演された時に振っていたのですね。演出はこれも大家のウィリー・デッカーです。　唯一の再演である「フィガロの結婚」は、「名作オペラ祭」と銘打って、S席１万円とお得な料金になっています。指揮が、ウィーンで活躍するサッシャ・ゲッツェルというのも楽しみ。彼の「フィガロ」はウィーン国立歌劇場でも好評だったそうで、ぜひ聴いてみたいと思いました。　記者会見の最後に、登壇した二人の歌手が、それぞれバッティストーニとルスティオーニについて触れていましたが、これが興味深かったので再録しておきます。　ルスティオーニ（二期会では「蝶々夫人」を指揮。木下さんは今度の「トスカ」が初共演）について、木下さん　「とてもチャーミングな方。いろいろエピソードがあるのですがちょっとここでは（笑）。イタリア人ですから当然なのですが、イタリア語のテキストの読みが深い」　バッティストーニについて、今年２月の「リゴレット」でも共演した成田さん　「オペラの公演は、指揮者ありきの場合がけっこうあるのですが、彼は違います。常に歌手を見ている。歌手に目配せする中でやりとりしていると感じる。常に歌い手の目を見ていて、一緒になって演奏している。それがとても自然なのです。だから違和感なく演奏できるし、安心感がある。聴き手のほうでも心地よい」　共演者ならではのコメントですね。　バッティストーニは、音楽もそして人柄も「自然体」と言われますが、共演者の立場から見てもそうなのだなあ、と思わされた言葉でした。　　　　　　

July 18, 2015

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皇太子殿下のヴィオラ

　皇太子殿下がヴィオラを演奏されることは、よく知られています。　昨日、知人の誘いで、殿下がヴィオラパートを演奏されるという、アマチュアオーケストラの演奏会にいきました。　オーケストラは「俊友会」という名前で、曲は「第９」です。　アマチュアオーケストラは、失礼ながらあまり聴かないので、現状はよく分からないのですが、第1曲めにベルリオーズの「海賊」序曲があり、技術的にはなかなかの高レベルと感じられました。　プログラムで確認したら、このオーケストラは、各大学のオーケストラ出身者により結成されているそう。　学生オケといえば、早稲田交響楽団、東大のオーケストラなど、「うまい」と騒がれた時期もありましたから、やはりレベルは高いのかもしれません。　殿下は、「第９」からの登場。　他の団員にまじって舞台に現れたようで、全員が着席してから、姿を確認することができました。　　演奏前は殿下スマイルでにこやかに、演奏中も、気のせいかもしれませんが、楽しまれているような印象を受けました。　殿下は、失礼ながら結構ファンですし（知性を感じます）、雅子さまの件では殿下ご本人もおきのどくだなあ、と思ったりしています。　ピアノが玄人はだしという皇后陛下をはじめ、天皇ご一家が音楽好きのご家庭であることは、私のようなことをしている人間からみると、とてもいいなあ、と思います。　家庭で音楽を奏でることは、１９世紀以降、ブルジョワ家庭のひとつの理想でもあったようですし、高度成長期には、ご承知のように日本でもおおいに流行していました。　天皇ご一家も、それはもちろんご承知のことだったでしょう。　そうしておつくりになったご家族（と皇室）のイメージ、賛否はともかく、定着し、受け入れられたように思います。　それにひきかえ、雅子妃ご病気という悪い条件もかさなり、これからの皇室のお姿、というのはなかなか見えてこないような気がします。　何かこの「音楽」のような、家族を結びつけ、国民にアピールする何かが、皇太子ご一家にも共有されるときが来るのでしょうか・・・

May 11, 2009

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国旗の多い国

　おとといの夜からジュネーヴにいる。フランス語圏のスイスだ。　今朝は劇場の関係者に会うため、少し早めに起きて、通訳のひととホテルのロビーで落ち合った。　先週の雪が嘘のような晴天。ホテルの正面に横たわっているレマン湖の向こうに、モンブランが霞んで見える。やっぱりスイスはきれい。風景プラス、町の清潔さが魅力だ（町並みは必ずしも面白いとは思わないけれど）。　そんなスイスに来ていつも思うのは、「国旗」が多いこと。公共の建物はもちろん、ホテルの屋根や橋の欄干などにも、国旗がはためいている。「ガーデンハウス」などと呼ばれる市民農園の一角にも、国旗が掲げてあったりする。その率は、ドイツやフランスよりずっと高い。　国旗と並んで、各州の旗、そして各国の国旗が掲げてあるケースが目立つことも特徴だ。州の旗は、直接制の民主主義が根付いていて、国民投票がさかんな国の、州ごとの独立性の証だろうか。そして各国の国旗は、世界に名だたる観光立国の、歓迎の証のような。　日本は国旗を掲げてある場所が少ない、というひとがいる。そうだろうか。公共の建物や大ホテルには、掲げてあるのが一般的になっている。　加えて日本が異様？なのは、日曜祝日に国旗を掲げるという習慣。戦前は「旗日」っていったんですよね（私の母などもよく「旗日」という言葉を使っていた）。私の知る限り、ヨーロッパでは日曜祝日にことさらに国旗を掲げる習慣はない（アメリカのことは知らないが）。　　　今では、日曜祝日に、国旗なんか掲げないという方が大半だろう。でも街中には、この「旗日」が再び浸透しつつある。祝日に渋谷あたりに出ると、東急本店通りなど、すべての街灯に日の丸が掲げてあって、ほとんど日の丸の洪水。街を行き交うバスも、日の丸のバッテンで飾られている。　私が小学生くらいの頃は、日曜祝日にバスに日の丸、はかなり当たり前の光景だった。それが一時ほとんど影をひそめたな、と思ったら、またぞろ復活してきた。　何だか不気味な気がするのは私だけだろうか。　別に日の丸が嫌だとか、認めたくないというのではない。なぜか理由が分からないまま、日曜祝日が日の丸だらけになるのが不思議なのである。条例や法律ができたという話も聞かないし。まったく報道されないのも不思議でしかたない。　誰か、この件について報道記事を目にした方があったら教えて下さいな。ぜひ理由が知りたいものです。

March 14, 2005

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METライブビューイング「オルフェオとエウリディーチェ」

　METの最新映像が映画館で配信され、人気の「METライブビューイング」。　今シーズン6作目の「オルフェオとエウリディーチェ」に行ってきました。　評判のよかった、前回の「つばめ」を観られなかったので、その分まで期待して。　演出はダンサーで振付家のマーク・モリス。前シーズンで大人気だったプロダクションだということです。　なかなか面白いステージではありました。　舞台には、ガラス張りのビルのような巨大な装置。何階にもなっており、各階には（おそらく）歴史上の有名人がずらっとならんでいます。場面に応じて、この装置をダイナミックに動かすのは圧巻でした。　一方、出演者はみな、いまどきのカジュアルスタイルで、まあ現代のお話にしてあるのでしょう。　演出は当然ダンスが多く、背広やジーンズで踊るわけですが、これは場面によっては違和感を覚えました。まあ、これが今の流行なのかもしれませんが・・・　たとえば最後の結婚式のお祝いのシーンでは、踊りの音楽が宮廷舞踏風で、振り付けもなんだかそれに近いのに、背広やジーンズではちぐはぐ・・・と思ってしまいます。　無理に「現代」という設定にしなくとも、時代不明の抽象的なものにしてもおもしろいのではないでしょうか。　この作品のダンス・オペラ風演出としては、パリで観たピナ・パウシュ振り付けのものがありましたが、あのほうがはるかに洗練されていたと思います。踊りもまったく不自然さを感じませんでしたし、衣裳も、大きな布をうまく使ったような感じでしゃれていました。　　歌手の衣裳にしても、背中に天使の羽根をつけた愛の神が、ジーンズとどピンクのシャツなんですもんねえ・・・　歌や音楽の面ですが、今回つくづく、やはりスピーカーを通す「音」は、最終的なよしあしはわからない、と思いました。　タイトルロールのステファニー・プライスは危なげなかったし、エウリディーチェのダニエレ・ド・ニースは、観客の期待通り？のコケティッシュさでしたが（それがこの役にふさわしいかどうかはちょっと疑問ですが）、やっぱりナマの声で聴かないと、わからない。　まあ、そういうもの、として楽しむ分には、十分なエンタティンメントだと思いますが。

February 19, 2009

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「人生が変わったこの１冊」、第１５回はエミール・ゾラ「ナナ」です

「人生が変わったこの１冊」、今日も、オペラ原作群シリーズ継続です。　エミール・ゾラ「ナナ」。ヴェルディのオペラ「椿姫」の世界が、ちょっと垣間見られる作品です。　ゾラはフランス自然主義を牽引したとされる作家。ナポレオン３世の時代を舞台にした「ナナ」は、貧しい環境から這い上がり、下層階級から大貴族まであらゆる男性を虜にした高級娼婦ナナの奇想天外な人生をたどる作品です。　オペラ「椿姫」には、「蝶々夫人」同様、ちゃんとした？原作があります。アレクサンドル・デュマ＝フィスの「椿姫」。著者は実在した有名高級娼婦と付き合った経験を美化して小説にし、ベストセラーになりました。　「椿姫」の時代はルイ・フィリップ国王をいただく「7月王政」の時代、１８４０年代なので、普仏戦争の勃発（１８７０年）で終わる「ナナ」とは２、３０年の隔たりがあります。とはいえ、二つの物語のヒロインは共に下層階級から這い上がった娼婦なので、大筋の生活ぶりなどはそれほど大きく変わらないのではないか、と思います。そして「ナナ」が参考になるのは、その手の女性の日常生活や、その手の女性の重要な活動の場でもあった劇場の様子が、読者が一緒に体験しているようにリアルに描かれているところです。デュマの「椿姫」にもそういう描写はもちろんありますが、なんと言っても「椿姫」は、悲恋に酔う語り手の思い入れたっぷりの、そして社会への反発という「テーマ性」が強い物語なので、登場人物の一人一人の表情がそう綿密に描けているわけでもないし、生活の音や匂いが強烈に伝わってくるわけでもありません。　でも「ナナ」は違います。リアルで、引き込まれる。行間からその時々の風景や匂いが鮮やかに立ち上ります。ゾラはこの手の物語を書くにあたって取材を重ねたそうですが、それも頷けるし、またその書きぶりには才能を感じざるを得ません。こう言ってはデュマに失礼ですが、ゾラの作家としての才能はデュマ＝フィスの比ではないでしょう。　「椿姫」を何十回とみている身には、最初の方に登場する、ナナの邸宅での夜会の場面はすごく参考になります。ヴァリエテ座でオペレッタにデビューし、声は悪いし歌の技術もないのに、容姿と官能性で大成功を収めたナナは、成功を祝う大宴会を開きます。開始は真夜中すぎ、結婚式の披露宴３回分くらいの御馳走が明け方まで続く。途中で、別の夜会からきたメンバーも合流したり。アフターにはダンスをしたり。６時くらいまでなんだかんだやっているわけですね。そしてメンバーの中には結核患者もいるのです（当時はまだ、結核が空気感染することは知られていませんでした）。　もちろんデュマの「椿姫」にもこのような場面は出てくるのですが、「ナナ」のように印象に残らない。観察眼が違うのです。ゾラは食べ物のメニューから会話から、参加メンバーの一人ひとりの様子から時間の経過と共に会がグダグダになっていく様子まで、生き生きと描写します。オペラ「椿姫」の第１幕は、このような夜会なのです（オペラでは十数分ですが）。こんな生活をしていたら体が持たないに決まっている、と痛感させられます。　もう一つ興味をそそられるのは、ナナが出演している劇場の様子です。狭く埃っぽい階段や舞台裏、洗面器や化粧道具や衣装がちらばる、不潔で雑多な楽屋、いろんな人がひしめき、観察しあう客席の賑わい。そこに立ち込める様々な匂い。それをゾラは活写します。昨日取り上げた「お菊さん」が「音」の小説なら、「ナナ」は「匂い」の小説です。　　主人公の「ナナ」は、飛び抜けた美貌と官能性をのぞくと、多分どこにでもいる普通の、そしてちょっとだらしない女性です。彼女の生い立ちは「居酒屋」という小説で語られますが、貧しい両親から暴力を受けるようになり、家出して娼婦になった。小説「椿姫」のモデル、マリー＝デュプレシだって、生い立ちは似たようなものです。けれど多分マリーの方が賢く、知的だった。ナナは〜彼女にも実在のモデルがいます。コーラ・パールという高級娼婦です〜自然のままで、何も計算していない。マリーのように教養なんてありません。だからその時その時の気分で動く。純愛もどきのこともやったり、なぜかDV男とくっついて街娼をやる羽目になったりするかと思えば、大貴族を手玉にとって次々と破滅させる。自由奔放というか奇想天外。一人で１０人分くらいの人生を生きている感じです。同じ娼婦でも、マノン・レスコーやマリー・デュプレシは、これほど破れかぶれ（本人はそう思っていないでしょうが）でも、下品でもなかった。ナナはどこかずれていて、多くの人間が眉をひそめる下品さを漂わせているのです。　例えば、同じ部屋にチグハグな家具が同居しているとか、お金が入ってくるのになぜかいつもお金に困っているとか、、、。けれど、なぜか憎めない。そして不思議なカリスマ性を持っている。　そういう女性を、ゾラは実に丹念に生き生きと描いています。小説としては、「マノン」や「椿姫」より圧倒的に面白い。そして怪物のようなナナを産んだのは、時代だ、ということもしっかり伝わってきます。あの印象派もこの時代の産物です。　「ナナ」は娼婦の代名詞になり、マネも有名な絵画にしています。オペラでもおなじみの「ルル」や「ミミ」もそうですが、同じ発音の２語からなる名前の女性は、「その手の女性」だという暗黙の了解があったようです。「ルル」はともかく、「ラ・ボエーム」のミミが娼婦だと言うと怒られそうですが、アリア「私の名はミミ」で、「本名はルチアですが、皆は私をミミと呼びます」と歌っているのは、なんとも意味深です。　詳細はこちらから。これも中古か電子書籍になってしまうようですが。　ゾラ「ナナ」新潮文庫

May 16, 2020

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「人生が変わったこの１冊」、第１８回は、須賀敦子「トリエステの坂道」です

「トリエステの坂道」は、１９９０年に「ミラノ、霧の風景」でデビュー、講談社エッセイ賞と女流文学賞をダブル受賞して話題をさらい、９８年に急逝するまで１０数冊のエッセイを発表して読書好きを魅了し続けた伝説のエッセイスト、須賀敦子さんが、イタリアの「家族」とその周辺を描いた１冊です。　須賀さんは他の本も実に魅力的なのですが、この本に収められた「セレネッラの咲く頃」というエッセイに、彼女がそのころ訳していた石川淳「紫苑物語」のことが出てくるのにつられました。「紫苑物語」は、ご存知の方も多いように、西村朗さんの作曲でオペラ化され、昨年2月に新国立劇場で初演されています。　とはいえ、今回須賀さんの作品を数冊読み返した中で一番やられたのは、本書に収録されていた「ふるえる手」というエッセイでした。イタリアを代表する作家、ナタリア・ギンズブルグとの交流を描いた作品ですが、秀逸、というか鮮やかなのは、ローマのサン・ルイージ・デイ・フランチェージ教会の祭壇にあるカラヴァッジョの「マッテオの召出し」との出会いと（著者は絵画には相当造詣が深い）、ギンスブルグとの出会いと別れを重ねているところです。　ローマでこのカラヴァッジョ作品に出会い、「深いところでたましいを揺りうごかすような作品」に出会った「稀な感動」に浸った数ヶ月後、著者は憧れの作家の一人であるギンズブルグに、人を介して出会います。２人の間には敬意に満ちた親交が生まれますが（「ありがたい、なつかしい先達」と著者は回想します）、しばらく後、ギンズブルグは病で逝きます。著者は最後に彼女に会ったときのことを思い返し、彼女が「すっかり元気」と言った言葉を信じてしまった自分をうとましく思う。「重い現実を支えきれないでいた」著者は、その足でカラヴァッジョを見に行きます。そしてその作品の中に、カラヴァッジョ自身を発見するのです。　とくに作中のその男の、「醜く変形した両手」、「変形はしていても、醜くても」、「画家に光をもたらす」「絵を描く手」に。そして著者はその手の向こうに、最後に会った時のギンズブルグの、震えながらコーヒーを淹れてくれた「疲れたよわよわしい手」を見るのでした。　　「鍋つかみのかわりにした黒いセーターの袖の中で、老いた彼女の手はどうしようもなくふるえていて、こぼれたコーヒーが、敷き皿にゆっくりとあふれていった」　　やられました。込み上げてきてしまったんですね。　恐るべし、須賀敦子。　　須賀さんの最大の魅力は、人物に対するあたたかな目線にあると、今回読み返してみて感じました。どんな身分の（失礼）人にも、ギンズブルグのような大家にも、アフリカからイタリアに連れてこられた、放浪者のような青年にも、丁寧で暖かな視線を注ぐ。人間としての品格のようなものを感じます。クリスチャンだったこともあるのでしょうか。　ご存知の方も多いかと思いますが、須賀さんはもともと日本の富裕層の出身です。それがフランス、そしてイタリアへ渡り、労働者階級出身のインテリと結婚し、書店経営に関わりますが、６年で夫を喪うという激変を経験。帰国後、大学で教えながら翻訳、エッセイに取り組みました。結婚した相手の社会階層の低さは、お嬢様だっただろう須賀さんとはかけ離れていたはずです。そこに溶け込み、イタリアの現実を肌で知り、それを、フィクションを散りばめたように幻想的で、含蓄にとんだ、そして勁い筆遣いで淡々と、でも根底には熱を込めて描いてゆく。そこにはいつも「人間」がいます。若桑みどりさんが「クアトロ・ラガッツィ」で１６世紀の人々に心を重ねたように、須賀さんは２０世紀後半の激動のイタリアに生きる様々な人々の日常と人生を心の目で追うのです。　読者は須賀さんのエッセイを通して、イタリアの「現実」を、人間の息遣いと共に受け取ります。下層階級の貧しさ。（ミラノにも、未婚の女性が妊娠して捨てられる「カヴァレーリア・ルスティカーナ」のような世界があります）。厳然と残る身分制（ミラノの大聖堂を挟んで、街が「階級」に分かれているという指摘も本当に面白い）。今に残る貴族たちの生活ぶり。けれど階級社会と言っても様々な人々がいて、階級間をつなぐ役目を果たすのも、「人」なのです。　　「差別」も様々です。階級間の差別、思想的な差別。そして、いわゆる「南チロル」と呼ばれる、第一次大戦までオーストリアに支配されていた地域のドイツ、オーストリア系の人たちが、まだ「イタリア人」を下に見ているというような（知らなかった。。。）人種的な差別。最近、ベルリンでも西に住む人はずっと西に住み続けて東というとまだ馬鹿にする、というような話を聞いたばかりだったので、差別というのは、人間どこへいっても付き纏うものだと改めて思いました。　　須賀敦子は、そんな混沌とした人の世で、いろんな人々を繋いだ存在だったのでしょう。そして彼女が、著作という形で、その世界と読者を繋いでくれたのは、僥倖と言うしかないような気がします。　須賀敦子「トリエステの坂道」　新潮文庫

May 18, 2020

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