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こんなコンサートに行った～マーツァル指揮チェコ・フィルハーモニー管弦楽団

世界一のオーケストラを聴いてきた。クラシック音楽を聴き始めて４０年近くになる。１９８０年代までは札幌にやってくる外国のオーケストラは年に数団体と少なかったが、コンスタントに聴き続けているといつのまにか世界の主要オーケストラのほとんどに接した。まだ聴いたことのないオーケストラを数えた方がはやい。アムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団、バンベルク交響楽団、北ドイツ放送交響楽団、ニューヨーク・フィル、イスラエル・フィル、ミラノ・スカラ座管弦楽団・・・という条件付きで言うのだが、今回、チェコ・フィルを聴いて、チェコ・フィルこそ世界一のオーケストラであり、日本のオーケストラがこのレベルに到達するにはあと１００年か２００年、いや、ひょっとすると永遠に不可能かもしれないと思った。チェコ・フィルを聴くのは初めてではない。しかし、以前に聴いたときは、いいオーケストラだとは思ったものの、ここまで感心＝感動はしなかった。それはたぶん、音楽そのものの高揚や指揮者の解釈に耳を奪われていたせいだと思う。ところが今回はスメタナの連作交響詩「わが祖国」という単純な仕組みの音楽だったためか、オーケストラのアンサンブルや音色をリラックスして気楽に聴くことができた。そういう余裕を持って聴いたせいか、以前気がつかなかったことに気づき、「チェコ・フィルこそ世界一のオーケストラ」という確信を持ったのだった。世界一だと思ったのは、どの点においてか。ウィーン・フィルはじめ世界中のオーケストラに優秀な弦楽器奏者を供給している「弦の国」のオーケストラだけあって、弦楽器の音色はたしかに美しい。しかし、ボストン交響楽団やフィラデルフィア管弦楽団などチェコ・フィルより美しい弦楽セクションを持つオーケストラはほかにもある。ミスの少なさなど、いわゆる技術的な面はどうか。ウィーン・フィルよりはうまいが、ソリスト級の名人ぞろいのベルリン・フィルやアメリカのメジャー・オーケストラには及ばないと思う。フランスのオーケストラのような色彩感、イギリスのオーケストラのような闊達で流暢な表現力も、チェコ・フィルにはない。しかしチェコ・フィルは、ひとりひとりのメンバーが最高の室内楽奏者の能力を持ち、自分の音が、複雑なオーケストラ・スコアの中にあってどういう意味を持っているかを完璧に判断して演奏しているのがわかる。言ってみれば、拡大された室内楽としてのオーケストラの理想的なアンサンブルが繰り広げられていたのである。指揮者がいちいちキューを出さなくても、お互いの音を聴きあっているため、バランスや音程やアンサンブルが完璧で音楽的なのだ。バランスを失した刺激的なフォルテのないオーケストラの響きとはこんなに充実し感興に満ちたものだったのかと驚いたし、センセーショナルなところのまったくない音楽の豊かさに魅了された。すべてのパートに感心したが、とりわけ感心したのはティンパニ奏者とホルン・セクション。あんなにディミニエンドの上手なティンパニは聴いたことがないし、遠く離れたセクションの音を絶妙なバランスとタイミングで引き継ぐホルンも初めてだ。楽員ひとりひとりが室内楽奏者の精神を持っているオーケストラというと、オペラのオーケストラ、特にウィーン・フィルが思い浮かぶ。しかし、ウィーン・フィルには、どこかプライドというか自分たちの音楽が正統だというような奢りを感じることが多い。はっきり言って嫌いだ。しかしチェコ・フィルの演奏にはそういう要素がまったくない。謙虚に音楽に向かい、作曲家の内心の声に耳を傾け、ていねいに音にしている誠実さと素朴さを感じる。これは、チェコという国と国民性、すなわち、１９６８年にはソ連軍の戦車を花束で迎え、１９９０年にはあのビロード革命をなしとげた人々の国のオーケストラであることとは無関係ではないだろう。カレル・コシークの哲学、ミラン・クンデラの文学、そして素晴らしい人形劇や絵本やアニメーションの数々・・・これらは、同じ精神の源から発しているものであり、チェコ・フィルはそれらと同じ響きを奏でている。チェコ・フィルは、今夜も地球のどこかであの「人間の顔をした音楽」を奏でていることだろう。そう思うと、心がポカポカと温かくなる。

November 29, 2007

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こんなコンサートに行った～竹田恵子＋高橋悠治

「竹田恵子＋高橋悠治コンサート」に行ってきた。竹田恵子は一度ぜひ聴いてみたいと思っていた歌手。「こんにゃく座」の代表を長くつとめていて録音も多い。日本語で歌うのは難しいものだが、いくつかの録音で言葉が明瞭に聴き取れるのに感嘆し、いつか実演を聴きたいと思っていたのがやっとかなった。プログラム前半は日本語訳のシューベルトのリート３曲、高橋悠治の「ぼくは１２歳」から８曲、シューベルト詩の「民衆に訴える」。ピアノソロで戸島美喜夫の「柿むき」、小変奏曲「機織りうた」、「冬のロンド」。前半の歌とピアノのプログラムは不完全燃焼というか欲求不満が残る。シューベルトのリートは、ふだん聴きなれたベル・カントの歌唱から耳を切り替えているうちに終わってしまったし、「ぼくは１２歳」は、アンサンブル版に比べると全体にテンポが速く、音楽に浸るヒマがなく先に進んでいってしまう。戸島作品は密度の濃いものだった。特に「冬のロンド」の、シリアスな曲想とそれを十全に表したブリリアントな演奏はすばらしいものだった。後半、小熊秀雄の童話によるモノオペラ「めをとうし」（高橋悠治作曲）は、それにしても何というとりつくしまのない音楽だろう。残酷なメルヘンとでもいうべき童話の内容それ自体は、まあそれでも理解できないことはない。しかし、音楽はというと、モーツァルト以来の心理描写ではなく、場面や内容を異化する「注釈」でもなく、残酷なユーモアに満ちたこの物語に、常に平行移動のような距離をとっていく。ふつうわれわれが音楽に期待するドラマ、情緒、癒しや慰めが、この音楽にはない。とりつくしまのなさは、たとえば７０年万博に際して作られた「エゲン」のような曲から、高橋悠治の音楽の特徴のひとつではある。しかし、あの曲にさえ、聴き手を挑発するような音や、急接近してくる音はあった。ところが、この曲には、そういう音がいっさいなく、ハーモニーや対位法のような、あるいは増幅するリズムのような、聴きなれた慣習的な音楽がまったくと言っていいほどないのだ。これは驚くべきことだ。というか、そういう音や語法なしに、３０分以上もの音楽の時間を持続させられるのは、人智を超えた技ではないだろうか。この音楽に比べれば、いわゆるクラシックの範疇の「現代音楽」など、騒音と不協和音だらけでもチョコレートのようにスウィートと言わなければならない。とりつくしまのない音楽が作り上げるよるべない世界。それは「死というものを知らない老いた牛の夫婦の物語」であるこのひとりオペラでさえ、その物語の内容を超えて彼岸の世界を指し示しているように聞こえる。既存の音楽のシステムを使わず、しかもインスピレーションに頼る即興演奏でもないような作曲。それは、「誰にでも創作可能な」音楽への道をひらくのではないだろうか。武満徹は、現代の文化の危機は、謎であるような芸術と芸術家の不在であると語ったことがある。謎としての芸術、謎としての音楽。こんにちの世界で、高橋悠治の音楽以外に「謎」であるような音楽があるだろうか？ひとときの気晴らしや娯楽ではなく、さりとて高尚な芸術でもない。ざりっとした異物感がいつまでも残る不思議な音楽でありコンサートだった。「ぼくは１２歳」の中山千夏による初演が行われた杉並公会堂は、３０年ぶりに訪れてみるとモダンな建物に変身していた。「

November 16, 2007

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デームスとスコダ～ウィーンの奇跡　　　　

５分遅れで始まったコンサートが、２０分の休憩を挟んで終わったのは午後９時４０分。正味１時間程度のことも少なくないクラシックコンサートだが、たっぷり２時間２０分。７９歳と８０歳の二人のピアニストの紡ぐ音楽世界は、途方もなく豊かで、２時間があっという間に過ぎた。我に返って時計を見たときあっと驚いた。戦前に生まれ、主に戦後に活躍を始めたウィーン出身の３人のピアニストがいる。フリードリヒ・グルダ、イェルク・デームス、パウル・パドゥラ・スコダである。グルダは残念ながら亡くなってしまったが、デームスとスコダは現役。スコダなど８０歳を記念して世界ツァーを行っている。前半はシューベルト。冒頭、デームスが弾「４つの即興曲集」を聴いていて、小澤征爾がバックハウスについて書いていた文章を思い出した。たしか、自分の家で暖炉にあたるように、孫に語りかけるような演奏で、音楽以外のものがいっさいな純粋なものだったと。デームスの演奏はまさにそのようなもので、それ以外に付け加えることはない。こんな音楽を聴いたのは生まれて初めてだ。次は連弾で「幻想曲ヘ短調」。サロン音楽としてはかなり充実した、シリアスな内容の作品だが、サロン音楽の軽さに陥らず、必要以上にシリアスにもなることもない演奏。明と暗の間を行き来する音楽の微妙な陰影がすばらしかった。マーラーはシューベルトの音楽にかなり影響されているのがわかる演奏だった。後半はモーツァルト。スコダのソロでソナタの１５番。スコダの方が１歳上だが、演奏はスコダの方が「若い」。とても８０歳の人の音楽とは思えないほど、音がキラキラと輝き、音楽も軽々と弾む。次の「２台のピアノのためのラルゲットとアレグロ」（スコダ編）は、冒頭のシューベルトと並んでこの日の白眉。まるでさっき作曲されたばかりでインクも乾いていないのに演奏されているように新鮮で、同時に熟成されたウィスキーのような味わいの気品ある演奏。音楽はどこまでも流麗で、この時間が永遠に続いてくれたらと願った。「２台のピアノのためのソナタ」を聴きながら思ったのは、「速度」についてだ。時速３００キロのTGVに乗ったことがあるが、時速１５０キロのクルマより遅く感じた。その１５０キロのクルマより、時速８０キロのオートバイの方が速く感じる。バンコクの小さな運河で乗ったボートバスは最高時速３０キロ程度だと思うが、８０キロのバイクよりエキサイティングだった。しかしそれらのどの体験よりも「スピード感」を感じるのがモーツァルトの作品、とりわけこのソナタの第１楽章である。このスピード感ある乗り物に永遠にゆられていたい、そう思ったころ、曲は終わってしまった。長く熱い拍手に応えてアンコールはシューベルトの連弾曲が２曲。「ロンド」と「軍隊行進曲」。純粋な音が「遊ぶ」さまが目に見えるような、かけがえのないアンコールだった。クラシック音楽を聴き始めたころ、ジョージ・セルの最後の演奏会をうっかり聞き逃してしまった。彼は札幌公演のあと帰国してまもなく亡くなった。そんなことがあったので、デームスやスコダのような人たちを一度聞いておきたいと思っていたが、その願いがやっとかなった。この二人は、このあと香川や大阪、新潟など各地で演奏するようだ。もしわたしがピアノ専攻の音楽学生だったら、追っかけをやっていただろう。ある年齢に達しないとできない類の音楽というのはある。しかし、多くの音楽家は８０歳を待たずに世を去ってしまう。ウィーンの巨匠二人が偶然にも長生きで、しかも演奏活動ができるほど健康であるという奇跡と、その音楽が年齢にふさわしく見事に熟成したという奇跡。この二つが巡り合うこと自体が奇跡とも言える。人生とは何とすばらしいものだろう。こんなすばらしい音楽がまだ生き残っていて、それと遭遇できるとは。

October 29, 2007

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知性のオーラ、音楽のオーラ～岡嶋晋バイオリン・リサイタル

岡嶋晋という人のバイオリンを聴いてきた。札幌も音楽会が増えた。１０年前に比べて倍、３０年前に比べると１０倍以上になっているのは確かだと思う。秋のこの時期には３つも４つも重なることが珍しくない。人口は３０年で倍程度だが、それ以上に音楽愛好家が増えたのか。元が少なかっただけかもしれないが、クラシックやジャズを聴く人は、それ以外の音楽を好む人に比べて頻繁にコンサートに行く傾向がある。そんな中で、ほとんど無名のこの人のコンサートに出かけたのは、２０世紀イタリアの作曲家ピツェッティ、イギリスのウォルトンなどの珍しい作品、それに「イヴリーのために」という、イタリアの前衛作曲家ブルーノ・マデルナがバイオリニストのイブリー・ギトリスのために書いた作品がプログラムに組まれていたからである。札幌出身で、北大医学部、ロンドン王立音楽院で学び、現在はロンドンで開業医をしながらコンサートも開いている、という経歴もおもしろいと思った。会場の渡辺淳一文学館にも興味があった。渡辺文学には何の興味もなく、渡辺文学のファンには軽蔑の感情しかないが、こんな機会でもなければ入ることはないので、割と趣味のいいこの建物に入るちょうどいいチャンスかと思った。際立って優れた人というのは、何も言わなくても、何もしなくてもオーラを発しているものである。歳のころ４０代なかばと思われる（実際は３０代に見える）この人はまさにそうで、ステージに現れた瞬間にもう勝負あったという感じ。８０～１００人ほどの小さなホールは、ステージがいちばん低くなっている。音響効果はさほど良くないが、小さいし、そういう形状なので演奏の細部がよくわかるというか、アラが聞こえやすい。この人のバイオリンの腕を評するなら、ソリストとして立っていくのは難しいが、日本のプロのオーケストラならコンマスは無理としても、かなり前列の方に座ることのできるレベルだと思う。外国生活が長いせいか、洗練された物腰、人をそらさない話術には感銘を受けた。曲目の解説を交えながら進行したのだが、その簡にして要を得た解説には感心した。実際、この人のバイオリン演奏をそうたびたび聴きたいとは思わないが、病気になったとき、この人の診療なら全幅の信頼がおけるのではないかと思う。自身のHPを見ると、１０年ほど前には乳がん専門医の認定も受けている。そうと知っていれば、母を診察してもらったのにと、残念に思った。演奏者の呼吸が間近に感じられるような、アットホームな小さな規模のコンサートというのはいいものである。そうしたコンサートは、せいぜい１００人くらいの会場で行われることが多いが、演奏者が一流ではなくても、この日のコンサートのように心の奥に深い印象となって残ることが多い。この人の全身から発せられる知性のオーラが、音楽のオーラに転化すればすごいことになるだろうが、必ずしもそうはいかないところがクラシック音楽演奏の難しさだ。この人は毎年札幌でリサイタルを開いていて、今年で１５回目になる。最近はロンドンでもリサイタルを開いているようだ。来年、１６回目のリサイタルにはぜひ行って、ついでに今回参加しなかった打ち上げにも出て、いろいろと話を聞いてみたいと思っている。

October 26, 2007

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そして誰もいなくなった～札響第５０２回定期演奏会

札響の定期演奏会を第１回から全部聴いている知人がいる。そういえば最近見かけないが、まだ生きているだろうか？わたしが初めて札響定期を聴いたのは３８年前。定期演奏会で言うと１００回台だったと思う。そのころは中学生だったが、その年に２２歳、つまり大学新卒だった人は今年定年になる。オーケストラは学歴は関係なく、高校中退の人もいたが、約半年ぶりに札響定期に出かけてみて、３８年前の楽員がとうとうひとりもいなくなっているのに気づいた。札響の独特のトーンを築きあげたのは初代指揮者の荒谷正雄と二代目のペーター・シュバルツだった。このトーンを愛した人は武満徹など少なくないが、シュバルツが去ってからも３０年以上の歳月がたち、この時代を知る楽員もほんの一握りになってしまった。いわゆる「札響トーン」は部分的には健在だが、すっかり変質してしまった・・・というのが約半年ぶりに札響を聴いての感想だ。一週間前にサントリーホールでベルリン・シュターツカペレを聴いたばかりの耳でキタラホールで札響を聴く。まず驚いたのはサントリーホールと比べての音響のよさであり、日本のオーケストラの中では抜群にきれいな音だった札響のトーンの変化だった。オーケストラは指揮者次第で音が変わる。しかし、ネヴィル・マリナーは老練な指揮者らしく無理なく鳴らしていたと思うので、これはやはり札響の音が変わった～それも凡庸な日本のオーケストラのようにと思わざるをえない。まあたった一回か二回の印象で即断するのは控え、もう少し聴いてから判断しようと思う。曲目はベートーヴェンのバイオリン協奏曲とメンデルスゾーンの交響曲第３番「スコットランド」。独奏のアラベラ・美保・シュタインバッハーは今年２６歳とは思えないおとなびた風貌そのままの、堂々とした風格のある演奏で大器の器を感じる。アンネ・ゾフィー・ムターに支援されているそうで、なるほどと思う。ムターもまた、どこかの国の美少女バイオリニストなどとは違って他の誰にもないオリジナルな音楽を創造している。この、そこらの「美女」が束になってもかなわない美人バイオリニストは、決してその容姿容貌に負けていない。アンコールで演奏されたイザイの無伴奏ソナタ（「怒りの日」をテーマにした曲）の鮮烈な演奏、多彩な表現力には圧倒された。ベートーヴェンはこれからまだ「深み」と「流麗さ」を両立させた演奏が可能だろうが、こうした技巧的に高度な曲を音楽的に、しかも余裕さえ感じさせての演奏には呆然としてしまった。天は二物を与えずというが、ウソだ。天は二物も三物も与える。ネヴィル・マリナーは、一度実演で聴いておきたい指揮者のひとりだった。その願いはかなったが、熟達で老練だという以外、どうしてもマリナーの指揮でこれを聴きたい、というものがなかったのも事実で、聴いたあとも同じ印象だけが残った。たぶん、この人は大編成のエキサイティングな曲より、室内楽のような音楽に向くのだろうと思う。札響定期は２日あるので、２日目は、この美人バイオリニストの美貌そのものを「鑑賞」することと、ファサード席でマリナーの指揮を「観察」することにした。　　　　　　　　　　　　　　　　

October 19, 2007

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バレンボイムとベルリン・シュターツカペレのマーラー９番

東京へ行ってきた。佐藤真が自殺した場所の近くに宿をとった。東京と埼玉の県境近く。１２日には、改装なったサントリーホールで、ダニエル・バレンボイム指揮ベルリン・シュターツカペレのコンサートを聴いた。死ぬまでに実演で、それも一流の指揮者とオーケストラで聴いておきたいと思っている曲がいくつかあるが、マーラーの「交響曲第９番」もその一つ。オペラ公演のため来日している彼らのたった３回のオーケストラ・コンサートのうちの１回がこの曲で、タイミングよくこのコンビでこの曲を聴けたのは幸運だった。ベルリン・フィルはもちろん、ウィーン・フィルからさえ聴けない、ビロードを思わせる感触の、しかし木質の素朴さをのこした弦の響きがこのオーケストラの最大の魅力。オーケストラ全体としては、同じ旧東ドイツのドレスデン・シュターツカペレに一歩を譲るが、機能性にも不足のないビルトゥオーゾ・オーケストラである。レナード･バーンスタインと同じく、ロシア系ユダヤ人の血をひくバレンボイムのマーラーには過剰な期待をしていた。悪くはなかったのだが、過剰な期待の分、というかバーンスタインのような没入のマーラーを期待していた分、やや期待はずれの演奏だった。バレンボイムは、伝統あるこのオーケストラの美点を生かそうとしているように思う。自然な響き、自然な流れを重んじ、流線型のマーラーを造型していたと思う。どこまでも美しく、バランスのとれたマーラーで、決して悪い演奏ではなかった。しかし、と思う。これはマーラー、しかもあの９番なのだ。バレンボイムはユダヤ人でありながらイスラエルのパレスチナ占領政策に反対している先鋭な知識人のひとりだが、たとえば中間２楽章では、こんにちのパレスチナの悲劇をもたらした人間の愚かさの全体をあざけり、弾劾するような怒りを聴きたい。グロテスクな楽想はもっとグロテスクに、バランスを欠くほどに暴走し、妖怪の叫び声や笑い声のような「下品で醜い」表現を聴きたかったと思う。音の美しさを犠牲にしても、たとえば強いアタックで多少音がひび割れてしまっても、「表現」を優先するべきではないだろうか。終楽章もそう。テンポがやや速めであることもあって、予定調和的に円満な終結を迎えることになってしまったと思う。不条理な死を強制される人々への、静かな怒りを隠した切実な祈りのような感情は、とうとう聴くことができなかったと思う。連日のオペラ公演、その合間のオーケストラ・コンサートという性格もあったかもしれない。そういうコンサートでは、どうしても破たんなく演奏しようという安全運転の意識が指揮者にもオーケストラにも働き、表現までは至らないことが多い。しかしバレンボイムとベルリン・シュターツカペレである。どんな条件下のコンサートであれっても他のどんなコンビも創造しえない音楽の時間を作ることができると思うし、またそうすべきだ。改装したサントリーホールは音響効果が改善されたというが、それはあまり感じなかった。このホールは、音のいい席が非常に少ない。

October 13, 2007

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こんなコンサートに行った～ムーティ指揮PMFオーケストラ

今年もパシフィック・ミュージック・フェスティバル（PMF)が始まった。１９９０年に始まったこの教育音楽祭は１８回目になるが、一ヶ月近くの会期の最初に今年はいきなり大物が登場。今年６６歳になるイタリアの指揮者リッカルド・ムーティである。ムーティは、札幌には１９７５年のウィーン・フィル来日公演に随行して来ているから、３２年ぶり２度目ということになる。もちろん、聴くのは初めて。同じプログラムの二日続けての公演（９日・１０日・札幌コンサートホール）を聴き、特に二日目はファサード席から「見」て、いまや数少なくなった「大指揮者」のひとりだと思った。ムーティは０５年に内紛によって２０年近くつとめたミラノ・スカラ座音楽監督を辞任しているが、小澤征爾、アバド、メータ、マゼール、バレンボイムといった同世代の指揮者に比べると、オペラ指揮者の性格が強く出ているのが最も印象に残った。だから、冒頭のヴェルディの歌劇「運命の力」序曲のようにドラマティックな展開の曲はムーティの独壇場。テンポの緩急と暗転する舞台を思わせる雰囲気の変化（というより転換）、コンサート指揮者ならここまでやらないと思われる速いテンポの設定やたたみかけるような展開は、これから始まるのはコンサートではなくオペラだと思わせるほどだった。続くモーツァルトのオーボエ協奏曲は、PMFの講師陣のひとりでもあるウィーン・フィルのマルティン・ガブリエルをソリストに、オーケストラはやや大きめの編成。モーツァルトにしてはもさっとした厚すぎる響きには違和感を持ったが、歌に満ちたすばらしいモーツァルトだったと思う。オーケストラのすべての声部が「歌って」いるのがモーツァルトの特徴だが、リズムを刻む目立たない楽器の音などすべてに配慮が行き届き、それでいて神経質にならないのはすごい。目をつぶって聴いていたら眠ってしまったのだが（笑）、目をつぶって聴いているとまるでウィーン・フィルのような響きがする。ただしムーティが要求する繊細な歌と気品は、にわか仕立ての学生オーケストラには荷が重かったようだ。シューベルトの交響曲第８番「ザ・グレート」の冒頭部分、ホルンのテーマが終わり、弦楽器に移っていく部分がこんなに美しいとは知らなかった。ムーティは、他の曲でもそうだが、メロディが異なる楽器に受け渡されていくときの、その音のつながり、フレーズを非常に大事にする。これは、お互いの音をよく聴きあっていないとできないことで、室内楽的な耳を必要とするが、この冒頭部分だけでなく、盛り上がったダイナミックな部分でも、同じようにフレーズや音のつながりを大事にしているのがわかる。それが、ムーティ・マジックと呼びたくなる、豊潤な音楽の時間と響きを生み出していることに気づかされる。盛り上がるとき、テンポも同時に速くなっていく演奏家は多い。しかしムーティはそういう煽られたような興奮を演奏に求めようとはしないようだ。そうではなく、音楽それ自体に語らせるように、あくまで楽譜に忠実に、しかし雰囲気のある音楽として楽譜を音化していく。終楽章など、もう少しスケール感がほしいし、大見得を切るような部分があってもいいと思うが、トスカニーニを思わせる即物的な表現がムーティの身上なのかもしれない。アンコールの「天体の音楽」のようなシュトラウス・ファミリーの作品の演奏は、たぶんムーティが世界ナンバーワンだと思う。好みでいうと小澤征爾のような、端正で機知に溢れた演奏がベストだと思うが、オーケストラを無理なく美しく響かせ、単調な音楽から多彩な色彩を引き出していく様は、マジックというよりミラクルの領域に入っている。純然たるヨーロッパの伝統、特にイタリアの伝統を感じさせるムーティの音楽は、じつは好みではない。もう少し甘かったり苦かったり、音楽には人間の直截な感情とか激情を聴きたい。しかし、これがヨーロッパなのだ。媚びない歌、誘わない官能、色を重ねない響き・・・１８年間のPMFに来た指揮者ではレナード・バーンスタインに次ぐ巨匠だと思うし、現存する指揮者では５本の指に入る巨匠かもしれないと思う。好きではないが、ムーティの演奏ならどんな曲でもどんなオーケストラ聴いてみたい、なぜなら、非常に豊潤な音楽の時間が約束されていると思うからだ。

July 10, 2007

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こんなコンサートに行った～アーネム・フィルハーモニー札幌公演

オランダのアーネム・フィルが来るというので、病み上がりの重い体をひきずって聴きにいってきた。人口１４万人の町のオーケストラがこれほどのレベルとは思ってもみなかった。たしかに超一流ではないが二流でもない。特に弦楽セクションの内声部の充実した響きがすばらしく、管楽器も温かく柔らかいトーンで豊かに鳴る。個性に乏しいメジャー・オーケストラよりも、ヨーロッパの小都市のこういう団体を聴く方が、たとえばビンボー旅行で地元の人とふれあったような体験に通じるものを得られる気がする。指揮は昨年からこのオーケストラの常任指揮者をつとめる小林研一郎。プログラムはベルリオーズの「宗教裁判官」序曲、バイオリンの千住真理子をソリストにメンデルスゾーンのバイオリン協奏曲、チャイコフスキーの交響曲第５番。コバケンは１０年おきくらいに聴いている。札響定期で聴いたシベリウスの２番やチャイコフスキーの「マンフレッド」の名演は、１０年以上たったいまもきのうのことのように思い出す。しかし今回は、６０代も後半になり円熟の極地にあるコバケンの欠点、というか音楽家としての致命的な欠陥に気づいた。ほぼ満席の聴衆は熱狂していたが、その中で沈思黙考してしまったのはわたしだけだろうか。チャイコフスキーのこの曲は、コバケンの長所も短所もひときわあらわになりやすい曲だと思う。コバケンは、甘美な部分ではテンポを落とし、弱音からクライマックスへと周到に盛り上げる。一方、ダイナミックな部分は一様にテンポが速く、しかもどんどん速くなる。ゆっくりした曲はよりゆっくり、速い曲はより速くという具合になり、全体ではバランスが悪く、しかもクライマックスは矮小化して雄大さに欠ける結果になる。この手のデフォルメされた演奏というと、ストコフスキーを思い出す。あそこまでひどくはないが、何しろテンポ設定が主観的にすぎケレンがすぎる。もちろん美点も多くある。たとえば、響きのバランス。どんなに強奏してもブラスなどが突出することがなく、音楽的で美しいのには瞠目させられる。よく歌い、テンポが遅くなっても決してだれることがないのも美点だ。しかしいつまでも心に残る優れた演奏とは、速い楽章はむしろゆっくり目で、ゆっくりした楽章はぎりぎりと思える速さで演奏したものである場合が多い。つまり、全体としてのテンポは平準化されている場合が多いものだ。甘美な曲を情緒たっぷりに歌い上げるのは、表現としては安易なのだ。テンポを上げることで劇的な盛り上がりを作り出すやり方は、曲によってはうまくいくし、特に生演奏では効果的だし演奏者の生理にもかなう。しかし、モノには程度というのがある。コバケンのテンポ設定と解釈は芸術というよりチャイコフスキーのこの曲を素材にしたショーと言ってもいいのではないだろうか。深く内省的な演奏で感動させられたことも多いコバケンを久しぶりに聴いた感想は幻滅と失望でしかなかった。すばらしかったのはアンコールで演奏された弦楽合奏によるダニー・ボーイ。ヨーロッパ・トーンの温かく落ち着いた響きの弦と、歌い込んでも決して演歌的にならず、雄大な河の流れのように盛り上がっていくコバケン節の奇跡的なマッチングがチャイコフスキーでの幻滅と失望を吹き飛ばしてくれた。しかしそれでも、もう二度とコバケンのコンサートに足を運ぶことはないと思う。

March 2, 2007

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こんなコンサートに行った～札響第４９５回定期演奏会

オーケストラアンサンブル金沢の音楽監督に就任した井上道義が久しぶりに客演。この人は、デビュー直後から節目節目に何度か実演を聴いている。一度も裏切られたことはないし、その明快で個性的な指揮ぶりはいつ見ても楽しい。巨匠性とかカリスマ性はないが、欧米のメジャーオーケストラの常任指揮者級の実力の持ち主だと思う。オール・モーツァルト・プログラムで、前半は２５番と３５番の交響曲を２曲。小編成に絞り込んだ対抗配置で、オリジナル楽器オーケストラの演奏解釈をかなり取り入れた、ダイナミックの幅の大きい、アクセントの強い、そして速めのテンポの演奏。これはこれでいいのだが、あたかもこれ以外の演奏スタイルは間違っているとでも言いたげな昨今のこのスタイルの流行には食傷気味。往年の大指揮者たちのロマンティックな演奏が懐かしくなる。札響では二代目常任指揮者ペーター・シュバルツの素朴でぬくもりのあるモーツァルトも魅力的だった。後半はパントマイムのための音楽「パンタロンとコロンビーネ」 K.446。オーケストラの定期演奏会としては珍しく、オーケストラは見えない位置においてバレエ仕立てにして上演。井上道義はたしかバレエの素養があり、ここでも指揮者兼ダンサーとして登場。音楽だけ聴くと印象に残らない曲だが、バレエ（パントマイム）と一緒に聴くと、モーツァルトの心理描写の巧みさには感嘆させられる。ワーグナーを経てベルクの「ヴォツェック」に至るオペラの心理描写のルーツはやはりモーツァルトなのだろう。その発見は心地よい驚き。だが動作の滑稽さで笑う観客が多いのには違和感を持った。箸が転げてもおかしい年頃の女の子ならともかく、大げさな身振りやわざとらしい演技に屈託なく笑えるほど幼稚ではないぞと思ってしまった。芝居は嫌いではないが、芝居がかったものは好きではない。だからしらけてしまうのである。井上道義や、井上の同級生で札響の常任指揮者の尾高忠明など、ちょうど団塊の世代の指揮者は、巨匠性を獲得するその一歩手前にいるような気がする。サヴァリッシュやデュトアのように巨匠性を獲得しないで終わるのか、それとも小澤征爾のように巨匠の道を歩むことができるのか。彼らはじつはいま音楽家人生の正念場にいるのだと思う。井上道義の余技は楽しんだが、余興のようなことに時間を費やすには、そろそろ残り時間が少なくなっている自覚はあるだろうか。

January 27, 2007

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こんなコンサートに行った～早坂文雄とチェコの二大作曲家

すばらしい音楽だった。４１歳の若さで夭逝したこの作曲家がもっと長生きしていたら、「大作曲家」と呼ばれたのではないだろうか。早坂文雄の弦楽四重奏曲が演奏されるというので行ってきた。早坂文雄は１９１４年に生まれ１９５５年に没した作曲家。ウィキペディアに詳しい。http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%97%A9%E5%9D%82%E6%96%87%E9%9B%84彼の唯一の弦楽四重奏曲（１９５０年）は３楽章からなり、それぞれに閃きと練達の作曲技法が感じられる。第２楽章はラヴェルの弦楽四重奏曲の影響か、ピチカートのみで演奏されるが、そこに模倣は全くなく、完全に独創的。この作曲家が「自分自身の音楽語法」に到達していることがわかる作品で、数多くの映画音楽を作曲した彼らしく、視覚的な想像力を誘う部分もあり、初めて聴いたのに全く飽きることがなかった。この珍しくも貴重な作品を演奏したのは札響メンバーからなるノンノン・マリア弦楽四重奏団。初めて聴いたが、これまでの地元の団体としてはピカイチで、思い切りよく雄弁な表現と緻密なアンサンブルの両立した、なかなか優れた演奏を聴かせていた。珍しい作品、たぶん死ぬまでに二度と生演奏で聴く機会などないだろうから、とりあえず聴いておこうと出かけたが曲・演奏共に思わぬ拾いものだった。早坂作品の前後にヤナーチェクとスメタナの弦楽四重奏曲という構成だったが、早坂作品がこれら名曲に全く位負けしていないのに驚いた。札幌にもいい音楽家は増えた。しかし室内楽と声楽は世界レベルとの差が大きく、正直言って楽しめる機会は乏しかった。こういう楽団が出てくるのだから、長生きはするものだ（笑）この団体は今後必ず聴きに行こうと思う。

December 18, 2006

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こんなコンサートに行った～北海道教育大学音楽コース定期演奏会

先日、北大交響楽団を聴いてなかなか楽しめたので、別の大学のを聴いてみた。北海道教育大学の音楽コースの前身は北大教育学部の音楽学科で、戦後の学制改革で移行した。この大学には５つの分校があり、それぞれに音楽学科があるが、最近、それらをひとつに統合する動きが始まったようだ。分散していたものがまとまると質が向上する。というわけで、音楽を専攻している人ばかりということもあって、北大交響楽団とは格段と質の異なる上質な音楽を楽しむことができた。とはいえ、オーケストラ自体の、特に弦楽器のレベルは北大の方が上。ただ、たぶん前列のプルトには専攻生がいるようなのと、サークル活動ではなく授業の成果の発表なので練習時間は非常に短いと思われるので単純な比較はできない。最初に（たぶん）専攻生だけでショスタコーヴィチ「弦楽四重奏曲第８番」からの３曲。合唱でバッハのモテット。最後にスメタナの交響詩「モルダウ」。その間に、フルート、バイオリン、独唱、ピアノのソロ（ふたり）がオーケストラ伴奏付きの協奏曲やアリアなどを演奏するというプログラム。たぶん学内での選抜を経ているのだろう。これらソロを披露した人たちは、十分にプロとしてもやっていけると感じた。堂々としたステージマナーといい、後生おそるべしとはこのことかと思った。オーケストラを聴きながら、技術レベルは北大より劣るのに、なぜ格段と音楽の印象が豊かなのか考えてみた。ひとつは指揮者の差。すべてのプログラムを指揮した中村隆夫は、まあ不世出の音楽家というところで、ヨーロッパならどこか小さな歌劇場の音楽監督くらいにはなっていただろうと思われる実力と音楽性の持ち主。もうひとつは、やはり個々の学生が音楽を専門に学んでいるところから来る、ニュアンスの多彩さだろうと思う。たとえば、フレーズの終わりなどが、指揮者が指示しなくても、ていねいだったり、思い切りよく切れたり、曲想に合っている。一般に指揮者はフレーズの入りを指示することが多く、終わりにまではなかなか指示が行きわたらない。大指揮者の録音でも、妙に先へと転んでいる演奏は稀ではない。フォルテといいピアノというが、これらの用語は音の大きさを表したというより、音楽の雰囲気を表している。力強く輝かしいフォルテもあれば、張りつめたフォルテ、重々しいフォルテ、沈むようなフォルテもあれば飛翔するフォルテもある。個々の奏者がそういうニュアンスを感じとって演奏しているので、全体として表現が多彩で、音楽的に豊かだという印象が残るのだろう。３０年以上前の札響がそうだった。技術レベルは東京のオーケストラに比べてかなり劣るのに、どんな強奏部分でも美しい音色を決して失うことはなかった。音楽評論家などが決して足を運ばないコンサートにこそ発見があるものだが、これからもこうした「逆張り」で「発掘」していこうと思う。

December 7, 2006

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こんなコンサートに行った～弦楽四重奏による「モツレク」

モーツァルトのレクイエムを弦楽四重奏で演奏したＣＤがある。そのＣＤを聴いて、自分でも演奏してみたいと考え、自分でいろいろなスコアを集めて研究し編曲。札響チェロ奏者の文屋治実は、毎年夏と冬のボーナス時期にリサイタルを開いている。その冬のリサイタルに加えて、そんな動機から今年は若い美女3人を従えてモーツァルトの「レクイエム」の自身による弦楽四重奏版をメーンに室内楽の夕べを持った。結論から言うと、原曲にはないこの曲の隠された美点のようなものを聴きとることはできなかった。しかし、骨格だけのようになっているとはいえ、この名曲を生の音で、しかもアットホームな室内楽のシーンで聴くというのは、この曲との距離をぐんと縮めてくれるような体験だった。原曲とはまったく異なる曲に聞こえる部分もあったが、フーガ形式で書かれた部分などは意外に迫力もある。モーツァルトは優雅に疾走するだけの音楽ではなく、激情と闘争の音楽でもあるのだ。気になったのは、どうしてもテンポが速くなりがちなことと、和やかな部分でもどこか緊張の糸が張っていること。これは指揮者をおかない室内管弦楽団などでも感じることだが、元が声楽曲だけに、もう少し「歌」に浸りたいと思う部分まで前へ前へと進んでしまうのには、次の皿のテンポが速いコース料理を食べているようなせわしなさを感じてしまった。「モツレク」の弦楽四重奏版のＣＤを見つけたら買って、この日の印象と比較してみたいと思う。

December 5, 2006

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こんなコンサートに行った～テミルカーノフ指揮サンクトペテルブルク交響楽団

ショスタコーヴィチの交響曲第13番「バビ・ヤール」は、鐘の音で始まり、鐘の音で終わる。全曲中、この鐘の音は死と恐怖と葬送と絶望を象徴するかのように鳴り響いている。しかし、1時間に及ぼうかというこの曲の最後の鐘の一打は、驚いたことにそれまでの鐘の音とはまったく違う意味を持って響いた。同じ楽器の同じ音なのに、である。この最後の音の持つ意味を言葉で表そうとしたら、100万言を費やしても足りないだろう。それほどの深い含蓄と衝撃的な意味を、たった一音に込めることのできたショスタコーヴィチという作曲家には畏怖の念を覚える。100万言費やしても足りないこの音の意味をたった一言で述べるとするなら、希望という言葉をおいてほかにない。暗く絶望的な音楽の中から、あらゆる安易な楽観や希望を否定し尽くした先になお残るホンモノの希望が立ちのぼってくる。そしてそれは、そう、まるで魯迅の文学のように受け手に手渡されてゆく。その消えゆく鐘の響きの中に、数千万人が理不尽な理由で粛清された旧ソ連で当局との妥協と抗争を繰り返しながら人間性と芸術の勝利を信じて崇高な作品を作り続くけた二人の芸術家、詩人エフトシェンコとショスタコーヴィチの強靱な精神、その不屈の魂がよみがえって眼前に現れたかのような錯覚さえ覚えた。高校生のころにこの曲を知ってすでに30年以上。何十回聴いたかわからないこの曲のほんとうのすごさは、こうして実演を聴くまでわからなかった。エフトシェンコとショスタコーヴィチの偉大な精神に触れるという何ものにも換えがたい体験はできたが、迫力や伝達の意思を欠く男声合唱と、液晶パネルで表示された歌詞の穏健すぎ直訳に近い日本語訳は不満だった。前の日に聴いたドレスデン・シュターツカペレが大きな音を出していたのに比べると、やはり世界屈指のオーケストラであるサンクトペテルブルク交響楽団はより柔らかく美しい音色で音色も明るめ。どことなく北国の人の温かさを感じさせる音色と、ピアニッシモの美しさを大事にしセンセーショナルに走らない表現が素晴らしかったが、それはテミルカーノフの持ち味なのかもしれない。前半はレーピンのソロでショスタコーヴィチのバイオリン協奏曲第一番。やはりこの曲も実演でなければその価値や意味がわからない曲のひとつで、第3楽章パッサカリアの後半の長大なソロの感動的なカデンツァが急速なフィナーレへ流れ込むめくるめく変化、あっけない終わりには、作曲者のメッセージ、人間性への無限の信頼と楽観を聴きとることができた。レーピンはかつてただの曲芸師かと思っていたが、30代になりこの難解な曲を完全に手中にした真摯な芸術家に成長していたのにも驚かされた。二日続けて世界屈指のオーケストラを聴くという幸運に恵まれたが、ホールの音の違いには悩まされた。東京芸術劇場に比べてサントリーホールの音響は特に一階部分は悪い。近々改修工事が行われるらしいが、シューボックス型に比べてワインヤード型のホールは音響に不満を感じることが多い。外来オーケストラが「バビ・ヤール」のような曲をこの先取り上げることはないだろうという判断の下に東京まで出かけたが、そのかいはあったし、地球の反対側でも出かけて聴く価値のある曲だということもわかった。しばらくは「バビ・ヤール」体験に浸ることにしたい。つまらない音楽で耳と心を汚したくない。

November 24, 2006

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こんなコンサートに行った～シュターツカペレ・ドレスデン

何の予定もない休日の東京、というか東京の休日。若い頃なら映画のハシゴをしたところだが、歳をとると「ひょっとしたらこれが最初で最後の経験になるかもしれない」ことの方に食指が動く。たまたま、まだ聴いたことのない世界最高峰のオーケストラのひとつ、シュターツカペレ・ドレスデンのコンサートがあったので聴いてみた。晩秋にふさわしいオール・ブラームス・プログラム。オーケストラ・コンサートで曲が終わって拍手が鳴る。たいていの場合、それは指揮者やソリストに向けられたものである。この日も熱狂的で盛大な拍手がバイオリンの樫本大進と指揮のチョン・ミュンフンに対して送られていた。樫本大進は素晴らしかった。この曲がコンチェルトというより「バイオリン独奏つき交響曲」のように聞こえたのは初めてだ。ソリストとしても、ほどよい円熟味が出てきているように思う。メーンは交響曲第４番。この演奏は、というか指揮者の解釈は、録音・実演の両方でいままで聴いた中で最低だ。チョンが実力ある指揮者であることは論を待たない。しかし、わたしには彼の音楽作りは違和感ばかりが残るのだ。たとえば、第3楽章や第4楽章のテンポは速すぎる。特にフィナーレの後半部分は、テンポに問題があるだけでなく力に満ちすぎている。どんな人にも等しくやってくる晩年や老い、そういった人生の悲哀というか憂愁を感じさせる部分が、なんとまあ「人生の勝ち組」の音楽になっている。第2楽章も同様。寂寥とか無常といった言葉はチョンの辞書にはないのだろう。久しぶりに、音楽を聴いていて腹が立ってくるという経験をした。その立腹は、ひたすらチョンの解釈・音楽的体質に向けられたものである。チョンは10年近く前にPMFの指揮者として参加し、何度もその演奏に接した。ヴェネツィアでラヴェルやマーラーを指揮したコンサートを聴いたこともある。それらの機会でも、速い楽章では速すぎ、遅い楽章では遅すぎると感じたのを覚えている。現存するほとんどの国家よりも歴史のある、世界最古のオーケストラであるシュターツカペレ・ドレスデンは、FMやCDで聴いてベルリン・フィルやウィーン・フィルをしのぐ世界最高のオーケストラではないかと思っていたが、ドイツ音楽を演奏させたら世界一なのではないかと思う。特筆されるのは弦楽器の木質の響き。円みを帯びた豊かな響きがホール（東京芸術劇場）に広がっていくのが、まるで目に見えるようだった。奏者全員がボロディン・カルテット並みの室内楽奏者なのではないかと思うほどの自発的なアンサンブルの精神は、うまいがどこかビジネスライクなアメリカ（など）のオーケストラには決して求められない性質のものだ。長い間音楽を聴いてきたが、こんなオーケストラもあったのかと驚いた。というわけで、ソリストとオーケストラにはブラボー、指揮者にはブーという居心地の悪い感想の残るコンサート。

November 23, 2006

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こんなコンサートに行った～北大交響楽団第112回定期演奏会

北海道で最も歴史のあるオーケストラというと北大交響楽団である。第一回演奏会は戦前にさかのぼる。前身の楽団は何と大正時代に創設されている。プロ・オーケストラである札響がまだ小編成で古典派やせいぜい初期ロマン派の曲しか取り上げていなかったころ、果敢に大編成の難曲をやるこのオーケストラをよく聴きに行ったものだった。聴いたのは、しかし２２年ぶり。ということは、この日舞台に乗っていた学生たちのほとんどはその空白期間に生まれた人たちということだ。驚いたのは、２０年以上の間に、プロのオーケストラが進化した以上に水準が向上したこと。専門的な教育を小さいころから受けてきた人ばかりなのではないかと錯覚するほど技術水準は高く、一般の音楽愛好家の耳をひきつけるに十分な演奏が繰り広げられていた。特に驚いたのは弦楽器のレベルの高さ。管楽器は一般に歳をとってから始めてもある程度上達するが、弦楽器は小さい頃からの訓練が必要。しかし、大学に入ってから始めた人も決して少なくないという話に、驚きを通り越してあきれてしまう。以前、少しだけ音楽を教えたとき、勉強のできる生徒ほど楽器の上達北も速いと感じたが、いわゆるアタマのいい人が好きなことに打ち込むと目覚しく上達するのだということをまざまざと見せつけられた気がした。かつてカラヤンが早稲田大学のオーケストラを指揮したことがあったが、音楽を専攻したわけでもない一般学生のアマチュアオーケストラがこれだけの演奏をすることに、日本の経済的な豊かさを感じずにはいられない。指揮の川越守はこのオーケストラの再建に尽力し、長く指揮者をつとめている人だが、この人の指揮も20年の間に格段の進歩を遂げていた。以前は、あまりにもそっけなく無愛想な音楽つくりに疑問を感じることが多かった。しかし、アンサンブルの難しいところでは大きく細かくふり、そうでない部分では音楽の雰囲気を表すことに専念する、といったやり方はオペラ指揮者によくあるタイプで、職人的、あるいは楽長音楽的な指揮者といえるかもしれない。この人の長所も短所も、そうした指揮者のそれとかなり一致すると見た。曲目はJ・シュトラウス二世の「ウィーンの森の物語」、グラズノフの交響詩「ステンカ・ラージン」、川越氏の自作「喜遊曲第11番」、そしてチャイコフスキーの交響曲第６番「悲愴」。７０年代までのこのオーケストラを知る者としては、かつての破天荒な勢いが失われたのには寂しい思いが残る。おとなしく優等生的ではあったが、ビューティフルな演奏であったことだけは確かで、音楽は革命ではないのだからそれでいいのかもしれない。

November 18, 2006

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こんなコンサートに行った～札響第４９３回定期演奏会

札響定期では珍しく、ベルリン・フィル首席のエマニュエル・パユが客演するとあって二日間とも完売。そのパユだが、非常に想像力の豊かなフルーティストであることは歴然。アンコールで演奏されたアンデルセンのエチュードが何と豊饒で魅力的な音楽になっていたことか。つまらない音楽を豊饒なものにするパユのマジックも、しかしモーツァルトには効かない。モーツァルトにしては美しすぎ作為的にすぎる演奏（曲は「アンダンテ」）には違和感が残った。イベールのフルート協奏曲も「美しさ」に主眼を置いた演奏で、技巧の顕示はない。ただ、この曲は端正に演奏した方が曲の魅力は際立つと思う。名人の流麗な演奏を聴いたという印象だけが残る。トリのマーラー「交響曲第５番」は、尾高忠明がたぶん世界ナンバーワンの指揮者。かつてＢＢＣウェールズ響との来日公演で聴いたこの曲の演奏はバーンスタインのそれをもしのぐほど素晴らしかったので期待したが、期待したほどではなかった。それはたぶん、オーケストラのせいだと思う。タイトな弦楽器の響きが興をそぐし、ひと昔前に比べるとかなり柔軟になったとはいえマーラーにしてはスクウェアな感じがつきまとう。しかしそれでも美点はたくさんあった。福田善亮のソロはじめトランペット・セクションは見事だった。新しい首席ティンパニ奏者武藤厚志のツボにはまった演奏は、オーケストラ全体のレベルが１ランク上がったかのような印象を受けた。１４日にはサントリーホールでこの曲を演奏するらしいが、あのホールでどんな風に響くのか、聴いてみたい気もする。

November 11, 2006

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こんなコンサートに行った～ブタペスト・フィルハーモニー管弦楽団

日本のオーケストラのレベルも上がってきて、欧米のオーケストラをありがたがる時代は終わった。ブタペスト・フィルも、金管はさすがにうまいものの、木管は日本の地方オケの方が上。弦楽器はいい勝負で、トータルするとイーブンというところか。しかし、日本のオーケストラがどうしてもかなわないのは、特に弦楽器に顕著な響きの豊かさ。大きな音ではないのに、炊きたての新米のようにふっくらとした柔らかい響きで鳴る。ヨーロッパのローカル・オーケストラにしばしば聴かれる落ち着いたトーンは健在で、何かすごく健全な文化に触れたという気がするコンサートだった。その弦楽の響きを最も堪能できたのはチャイコフスキーの「弦楽セレナード」。もう少しスィートさが欲しい気もしたが、素朴な田舎菓子のような味わいも悪くはない。ブラームス編曲のハンガリー舞曲４曲のあと、後半はドヴォルザークの交響曲第９番「新世界から」。指揮のヤーノシュ・コバーチュという人はオペラでも活躍している中堅で、ケレンのない実直な音楽作りをする人。質朴なオーケストラが実直な指揮者でやる「新世界」は、悪くはないが、強い印象は残らない。ロシアのオーケストラのチャイコフスキー、北欧のオーケストラのシベリウス、東欧のオーケストラのドボルザークなどは、テンポが速すぎると感じることが多い。特に緩徐楽章。あの有名な二楽章の後半、晩秋の夕暮れ時のような哀愁を感じさせる５４小節からのフレーズはたいていの演奏が速すぎると感じるが、この日の演奏もやはりそうだった。マーラー自身の指揮で「巨人」を初演したこともある名門オーケストラらしいが、女性奏者が多いこともあって迫力に欠ける。きっと過渡期なのだろう。

November 8, 2006

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クルト・レーデルという名指揮者

１６年ぶりにＬＰレコードを買った。というか、以前持っていたＬＰを買い直した。いつまでたってもＣＤ化されないので探していたが、狸小路の中古レコード屋で何げなく箱の中の一枚を取り上げたらこのＬＰだった。クルト・レーデル指揮ミュンヘン・プロアルテ室内管弦楽団のバロック名曲集。パッヘルベルの「カノン」が入っている。この有名な曲にはたくさんの編曲や録音があり、スキャットで歌われたりもしている。原曲はオルガン曲なので、そもそもよく聴く弦楽合奏版自体が編曲だ。その弦楽合奏版でも、微妙にアレンジが異なっていることに気づく人は少ない。たぶん１９６０年代のレーデルのこの録音では、ピチカートで演奏される和音が、盛り上がったところでアルコ、つまり弓で弾かれるアレンジになっている。いかにも質実なドイツ人気質を感じさせる演奏もいいが、このアレンジの閃きはすばらしい。最初はフルーティストだったレーデルはもう９０代。指揮者としてまだ活躍しているらしいが、あるインタビューで「７０を過ぎてから、やっと音楽とはどういうものかわかってきた」と言っているのを読んだことがある。何と謙虚な、そして内省的な発言だろうか。こういう人の「カノン」が、たとえばカラヤンのそれと月と一円玉くらいの差があるのは当然だ。それにしても１５歳の春にこの演奏にめぐり逢った幸運には言葉もない。どんなにすばらしい曲のすばらしい演奏でも、出逢うべき時期というのがある。この演奏は１５歳の春に出逢うべきものであり、今さら出逢ってももう遅い。１５歳の瑞々しい感性を持つ人だけが、この演奏を聴いて、魂の底が打ち震えるような感動を得ることができる。だからもう遅い。あなたは永遠にこの演奏から感動を得ることはできない。あなたにできるのは１５歳の春にこの演奏に出逢う才能と運がなかったことを永遠に嘆くことだけだ。

September 18, 2006

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東京カルテットの行くところ

今年もPMFに東京カルテットが来た。コンサートで演奏するだけでなく、PMFの参加者たちに室内楽を教えたりもしているらしい。ベートーヴェン、武満徹、ブラームスというプログラムを聴き進むうち、ふと思ったことがある。１７世紀、ルネサンスからバロックにかけて、ヨーロッパ音楽の中心地は「オペラの母」モンテヴェルディが音楽監督をつとめるベネツィアの聖マルコ大聖堂だった。２０世紀後半、大衆消費社会の成立とともに、世界最高のオーケストラがありヘルベルト・フォン・カラヤンがその音楽監督をつとめるベルリンがヨーロッパ音楽の中心地になった。しかしいまはそういう場所はない。クラシック音楽界は、パリ管やフィラデルフィア管の音楽監督にクリストフ・エッシェンバッハが就任するほどの人材不足、いや人材枯渇に見舞われている。そんな中、美しさと力強さ、ニュアンスと迫力、自由さと厳格さ、流麗さと緻密さといった矛盾するものが見事に統一した東京カルテットの演奏を聴きながら思ったのは、彼らの行くところ、そこがクラシック音楽の中心地になるということだ。東京カルテットがいる今月２６日まで、札幌のキタラホールがクラシック音楽の聖地、世界の中心になる。

July 20, 2006

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こんなコンサートに行った～札響第４８６回定期演奏会

今年はモーツァルト生誕２５０年、ショスタコーヴィチ生誕１００年、武満徹没後１０年にあたる。そのため、彼らの作品を取り上げるコンサートが多い。札響第４８６回定期演奏会は、このオーケストラとの関わりが深かった武満徹作品によるプログラム。出世作「弦楽のためのレクイエム」、首席ヴィオラ奏者の廣狩亮をソリストに迎えて「ア・ストリング・アラウンド・オータム」、トゥイル・バイ・トワイライト、ウェールズの女性フルート奏者エミリー・バイソンをソリストに迎えて「ウォーター・ドリーミング」、テレビドラマ「波の盆」の作曲者自身による編曲版。指揮は音楽監督の尾高忠明。いわゆる現代音楽のコンサートにもかかわらず、客席は８割の入りで、途中で席を立つ人もいなかった。世界で初めて武満徹作品だけで定期演奏会を行ったのは札響で、それは１９７６年のことだった。今回演奏された作品では「弦楽のためのレクイエム」を除いてまだ作曲されていなかったころの話だ。４６歳の作曲家がステージに現れたときのことはいまも鮮明に覚えている。ストラヴィンスキーは「あんなに痩せた男から、こんなに厳しい音楽が生まれるとは」と言ったが「あんなに小さな男から、こんなに大きな音楽が生まれるとは」と大学浪人中の男は思った。痩せて小さくアタマが大きい独特の風貌が音楽以上に印象的で、いまだかつて響いたことのない新しい音、新しい音楽を生み出す作曲家というものに強烈な憧れをかきたてられたものだった。１９８２年には、とある雑誌社の主催で、やはり武満作品のみによるコンサートが開かれた。札響の演奏で、すべて世界初演曲という意欲的というよりは破天荒なものだった。１９９４年には、武満徹はパシフィック・ミュージック・フェスティバルのレジデント・コンポーザーになり、室内楽や声楽も含めてたくさんの作品が演奏された。これらの「音楽史的に見ても画期的に重要な」コンサートのすべてに立ち会ったのは誇りであり、というかこれくらいしか誇ることはないが、それはオリンピックで金メダルをとるよりも誇らしいことではある。そんなぼくになぜ道行くすべての人がひれ伏さないか、不思議に思うくらいだ。武満さんは札響を愛していた。札響の、よく晴れた日の支笏湖の湖水を思わせるような澄んだ響きもさることながら、音を出すこと、音楽を演奏することに対するひたむきなまじめさや謙虚さを高く評価していたのだと思う。タケミツを演奏する指揮者はかなり増えたが、それでも、小澤征爾、ケント・ナガノと並ぶ「タケミツ指揮者」の最高峰のひとりが尾高忠明だと思う。武満さんがもしこの会場にいたら、満足しよろこんだ演奏だったと思う。じゅうぶんに繊細な「タケミツ・トーン」を響かせていた一方、大きな音のところでも響きが濁らず透明さを保っていたのは、指揮者とオーケストラの両方の功績だと思う。ひとつだけ注文をつけるとすれば、響きがあまりに明るすぎたと思う。この世のスキマを通ってあの世から聞こえてくるような武満徹の音楽には、たとえば「ウィンター」や「アステリズム」、「テクスチュアズ」などの作品にもあるように、ひやっするほど怜悧で、ぞくっとするほど暗く重く厳しい響きの部分もある。そういう部分は、もっと暗く固い凝縮した音色が欲しかった。最後に演奏された「波の盆」では、映画音楽やテレビドラマのための音楽もたくさん作った武満徹の一面を知ることができた。こういう機会は、コンサートではほとんどないと言っていい。思えば、70年代から８０年代の前半にかけては、こうした大家の名前を映画やテレビのクレジットでよく見かけた。あのころは、何というぜいたくな、音楽の黄金時代だったことか。

February 25, 2006

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こんなコンサートに行った～札響第４８５回定期演奏会

生誕２５０年にちなむオール・モーツァルト・プログラム。本人を直接知る、指揮者の広上淳一と同業の知人によれば彼は「天才」だそうである。なるほど、彼の指揮からはどういう音楽を作りたいかがはっきりとわかる。交通整理に終わる指揮者が多い中、「この音楽はこう響かなければならない」という自分自身のビジョンを持っている。で、その広上のモーツァルトだが、交響曲第３１番「パリ」を聴く限りでは、流行のオリジナル楽器オーケストラのスタイルではなく、大編成の１９世紀的なスタイル。ただし甘ったるくもロマンティックでもなく、古典の節度を感じさせるもの。ただ、何というか彼のモーツァルトには優美さとか繊細さとかが不足している。オーケストラも、モーツァルトにしてはややがさつに響く。次のバイオリン協奏曲第３番に登場した米元響子のソロも似たような印象で、日本的にスクエアなところがいまいち。とはいえ、まだ２１歳なのに堂々とした演奏ぶりにはすでに大家の風格が漂っている。後半は「戴冠式ミサ曲」。コーラスはガーデンプレイスクワイヤ。どちらかというと若手を集めたソリストといい、若々しい声のこのコーラスといい、祝祭的な気分にあふれたこの曲にはふさわしい共演相手。ソリストの中ではテノールの吉田浩之が日本人には珍しい明るく軽い声質の持ち主で印象に残った。「白鳥」や「アルハンブラの想い出」といった小品ではない曲で「クラシックは何とおもしろい音楽なのだろう」と思った最初の曲はモーツァルトのピアノ協奏曲第２６番「戴冠式」だった。その後、生意気盛りになって、音階と和音だけでできているような単純なモーツァルトの音楽からは遠ざかったこともあった。しかし、音響効果のよいホールの、最もいい席で聴くモーツァルトには鳥肌が立つほど素晴らしいと感じる部分がたくさんあった。マンハイム楽派など、一見、モーツァルトと似た音楽を作った作曲家はたくさんいる。モーツァルトがそういう作曲家群と一線を画して素晴らしいのは、すべての声部が、それ自体独立した生き物であるかのように生き生きとしていること、さらに言えばすべての声部が「歌って」いる点にある。器楽曲や宗教曲でも、まるでオペラのように聞こえるときがある。バイオリン協奏曲第３番のラスト近くで突然、オーストリアのノスタルジックな民謡が挿入される部分など、まるでオペラの一場面を観ているようだ。こういうことはやはり生演奏でないとわからないものだ。昼のクラシックコンサート、「昼クラ」がブームなのだそうだ。この日も、リタイアしたシルバー世代が多かった。そのせいか、初演のときはパリ市民が大喜びした「パリ」の第１楽章の転調のしかけにも客席の反応は静かなもの。１５年くらい前、クラシック音楽愛好家の新聞記者とクラシック音楽の未来について議論したことがある。彼の主張は、高齢者の割合が多い成熟した社会ではクラシック音楽はブームになる、というもの。そのころはとてもそうは思えなかったが、１００万セット売れたという７枚組CDのヒットなどを見ても、あんがい彼の説は正しかったのかもしれない。しかし高齢者にマーラーやブルックナーはきびしい。モーツァルトがもっと聴かれるようになるということかもしれない。

January 30, 2006

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こんなコンサートに行った～ゲルギエフ指揮マリンスキー歌劇場管弦楽団

このコンサートの事前の興味は二つ。ひとつはロシアのオペラのオーケストラはどんな音がするのだろうかというもの。もうひとつは「鬼才」ゲルギエフがどんなマーラーをやるのかという興味。結論から言うと、悪くはないが、ぜひゲルギエフでマーラーを聴きたいというほどの演奏（解釈）ではなかった。むしろ前半に演奏されたチャイコフスキー「くるみ割り人形」からの抜粋が「おそるべき」演奏だった。メルヘンなおとぎ話として軽く扱われるこの曲に、実はとてつもなく深い何か・・・人間が宿命的にもつ悲劇性のようなもの・・・があるということを感じさせられた。音で思考するというか、音楽で哲学し瞑想したようなチャイコフスキーというべきか。ユーリ・バシュメット、ゲルギエフ、そしてロストロポーヴィチ・・・なぜかこうしたロシアの音楽家の演奏には、西洋や日本の音楽家には決してない＜瞑想的＞な何か、深い地の底へ降りていく感覚に引き込まれることがある。後半のマーラー（交響曲第５番）は、尾高忠明や小澤征爾の白熱と集中、インバルの緻密さに及ばない。もちろん凡庸な指揮者とは比較にならない素晴らしい演奏ではあるのだが、ゲルギエフでなくてはならないという必然性のようなものは全く感じられない。何カ所かはイージーに、ルーティンワークに流れていたところをみると、ゲルギエフの資質とマーラーの音楽には根本的に相性の悪い部分があるのだと思う。オーケストラはすばらしかった。歌っても決して吠えない管楽器。強奏しても柔らかくまろやかで甘い響きの弦楽器。いまでは少なくなったローカルさと現代的なビルティオーゾティが両立している。しかもオペラのオーケストラのためか柔軟で室内楽的な音楽作りは実にヒューマンな温もりがある。ベルリン・フィルはもちろん、ウィーン・フィルよりもこのオーケストラの方が好きだ。このオーケストラをここまで育てたのはゲルギエフの功績だと思うが、本人にはもう少し音楽的な成熟を期待したい。

January 7, 2006

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こんなコンサートに行った～札響４８３回定期演奏会

何年後かに、きょう聴いたブルックナーの交響曲第４番「ロマンティック」を思い出すことがあるだろうか。きっと思い出さないだろうと思う。３０年近く前に聴いた小澤征爾の「幻想」、小林研一郎の「マンフレッド交響曲」、秋山和慶のエルガー「交響曲第１番」、尾高忠明のマーラー「交響曲第５番」・・・ブルックナーでは、札響の常任指揮者だったペーター・シュバルツが指揮した４番、７番、８番の演奏はいまも耳に残っている。札響がまだまだ未熟だった時期の破たんだらけの演奏だったが、胸を打つ何かがあった。オトマール・マーガという指揮者は、悪い指揮者ではない。欠点を探そうと思ってもすぐには見つからない。この日のブルックナーの演奏も、かなり充実したものだった。外面的な効果を狙うことのない誠実な演奏で、テンポも中庸。速すぎず、遅すぎない。ドイツの指揮者にありがちなひきずるような重さもない。オーケストラもよく鳴っていて、しかもうるさくない。しかしそれでは、なぜこのコンサートは印象に残らないのか。音楽には２種類ある。日常性の音楽と非日常性の音楽である。ヨーロッパで行われているのは日常性の音楽である。よくも悪くも、音楽が生活の一部になっていて、いつも圧倒的に感動的な体験を求めるわけではない。そこそこの演奏でじゅうぶん楽しみ、そして満足しているのがヨーロッパ人だ。しかし、音楽会の数が少なく、しかも料金が破格に高い日本では、聴衆はコンサートに圧倒的な体験、非日常的な感動を求める。しかも曲がブルックナー、フィナーレのラスト３分に「神」が現れる、あの「ロマンティック」である。いささか感受性が摩耗し世間ズレした中年男の胸のうちにさえ、「時間よ止まれ、きみは美しい」と叫ばせる時間が提供されてしかるべきだった。立派な演奏なのに、そういう神がかりの瞬間はなかった。だからこの演奏が記憶に残ることがないだろうと思ってしまうのである。カリスマ性の不足と言ってしまうこともできるかもしれない。レナード・バーンスタインがロンドン交響楽団を指揮した映像を見ると、マーラーの「復活」のフィナーレでは、奏者や歌手たちが、まるで何かに取り憑かれたように演奏していて、そこには日常と隔絶された崇高で神秘的な時間が流れているのがわかる。そういう時間の創造に、この日のマーガと札響は失敗したのだ。もしぼくが日刊紙の編集長なら、一面トップはこの記事にする。このことに比べれば、みぞほ証券の３００億円損失事件など、事件としてのスケールが小さい。

December 10, 2005

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民衆に訴える～斉藤晴彦と高橋悠治の「冬の旅」

シューベルトがこんな詩をのこしていたなんて知らなかった。　　民衆に訴える　　　　時代の青春は終わった　　民衆の力も　　流れ行く群衆のなかに埋もれて　　使いはたされた　　苦しみにさいなまれ　　あの力の名残りさえ　　時代にさまたげられて　　実りなく消える　　民衆は歌を忘れて　　病んだ時代をさまよう　　あの日の夢を捨てて　　顧みることもなく　　ただ歌だけが運命に　　立ち向かう力をくれる　　かがやく思い出をえがき　　苦しみを和らげて１８２０年代のヨーロッパは、フランス革命のあとの反動の時代だった。「冬の旅」のミュラーもシューベルトも、この時代に３０歳そこそこで死んだが、この詩を読むと、夜警国家で生きることを強いられた芸術家の感性が、どんな思想に裏打ちされていたかがわかる。「黒テント」で知られる斉藤晴彦が日本語で歌う「冬の旅」は、最初は耳が拒否反応を起こした。聴き慣れたクラシックの歌手による演奏とはあまりに違うからだ。ときどき、というよりかなり頻繁に音程もはずれるし、なかなか「音楽を楽しむ」という感じにならない。しかし、何曲か進み、ピアノ伴奏つきの詩の朗読を聴いているのだという風に耳がリセットされると、ドイツ語で歌われてるとひたすら「暗い」だけのこの歌曲集の裏側に隠されたユーモアや風刺、批評精神が浮き彫りになってくる。高橋悠治のピアノは相変わらずすばらしい。マウリツィオ・ポリーニの完璧な演奏を聴いても「あんな風にピアノが弾けたらいい」とは思わない。ひたすら圧倒されるだけだ。しかし、高橋悠治のピアノを聴いていると、「あんな風にピアノが弾けたら気持ちがいいだろうな」という気がしてくるから不思議だ。耳に心地よいというより、身体的な快感があるのだ。なぜそう感じるのか、ずっと考えていた。音楽的に言えば、まずテンポ感覚がいい。「冬の旅」の旅人のように、後ろを振り返らず、立ち止まらない、少し速歩のテンポ。逆に、速い曲では速すぎず、走り出さない。それが端正な印象を与える。次に、フレーズ感がいい。呼吸すべきところで呼吸するので、重たい曲でも決して息苦しくならず、いつも爽やか。こういう風に感じさせるピアニストは、ジャズの世界にはときどきいるが、クラシックではほかにグレン・グールドくらいだ。そのグールドも、高橋悠治に比べると作為的に聞こえる。この世には、自分の音楽を押しつける、あつかましい音楽家の音楽があふれている。聴く人の中にある音楽的感性を呼びさます音楽や演奏というと、高橋悠治をおいてほかにはいない。そういう演奏だから、「あんな風にピアノが弾けたらいい」という生理的な快感を伴う感想が生まれるのだろう。何度でも思う。今度生まれ変わることがあるなら、あんな風にピアノが弾けたらいい。コンサートの最後は新曲「民衆に訴える」（高橋悠治）。今年聴いた、最も感動的な音楽。

December 9, 2005

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皿の上の記憶

このところ、せっせとLPをハードディスクレコーダーに取り込んでいる。これは久しぶりに聴いたLP。２０年ぶりくらいか。初めてきいた２０歳のころの感動が甦ってきた。A面はミュージカル・ナンバー。「ようこそ劇場へ」で始まるのが心憎い。いかにも、さあこれから楽しい時間が始まるという期待を抱かせる。そしてその期待は満たされる。アメリカにちなんだ音楽を自由に使った林光の「アメリカ・アメリカ」のあと、「霧の日」「ジェニー」「追憶」といったソングと黒人霊歌を集めたB面へ。このLPの元となったリサイタルは、いまは亡き三谷礼二が構成し演出したらしい。ふつうのスクエアなクラシックコンサートとは違う、かといってただ消費されるだけのエンタテイメントでもない、素晴らしい時間が流れただろうということはこのLPからだけでも容易に想像できる。それにしても林光のピアノは絶妙。黒人霊歌のCDはたくさん聴いたが、編曲といい伴奏といい、林光の右に出るものはない。このLPはCD化されていない。ずいぶん聴いて擦り切れてしまっているので、LPそのものを買い直してはどうかと思っていたら、ウーマンエキサイトのオークションに出ていた。

November 20, 2005

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こんなコンサートに行った～札幌交響楽団第４８３回定期演奏会

有名曲なのに、なぜかコンサートではめったに演奏されない曲がある。ムソルグスキーの交響詩「はげ山の一夜」はそんな曲だ。この日演奏されたのは原典版。有名なリムスキー・コルサコフの編曲した版とはかなり印象が異なり、ゴツゴツとしていて、いかにもオペラのための音楽という感じがする。視覚的な喚起力は、編曲版よりもはるかに大きい。しかし、エンタテイメントとして楽しむなら編曲版に軍配があがる。R=コルサコフの、ムソルグスキーの音楽の骨格をわしづかみにした力のすごさを逆に感じた。チャイコフスキー「バイオリン協奏曲」のソリストは若手ジェセフ・リン。特に高音の美しいのびやかな演奏で、ストイックでスクエアな演奏をするタイプが多いアジア系バイオリニストの中では異色。次代を担うスター演奏家の鮮烈な登場という印象。１９世紀ロシア作品の前半に対して、後半は２０世紀アメリカの作曲家・指揮者レナード・バーンスタインの作品が２曲。「シンフォニック・ダンス」と「管弦楽のためのディヴェルティメント」。前者は「ウェストサイド物語」の音楽によるもので、後者はボストン交響楽団創立周年記念で書かれた祝祭的な、そしてパロディーとユーモアたっぷりのエンタテイメント作品。こういう音楽は、何も考えず、いささか下品でやり過ぎところもあるバーンスタインの音楽をただ楽しめばいい。打楽器とブラスが盛大に活躍するこういう曲を聴いていると、バーンスタインは寂しがり屋だったような気がしてくる。寂しいからこそ冗談を言って周囲を笑わせ、わざと明るく振る舞うタイプの人がいるが、バーンスタインもそういうタイプだったのではないだろうか。指揮の高関健は、スコアに特別の配慮をしていたようだ。楽譜にとことん忠実な一方、指をならす部分を何カ所か追加していたが、かなり研究した結果のような気がする。ロシアの憂愁とアメリカの明るい感傷。この対比はおもしろいが、それなら最後の曲はほかにもっとふさわしい曲があるはずと思う。衒いがなく、流れよく明快な音楽を作る高関健の指揮は見ていても、聴いていても気持ちがいい。この指揮者が指揮するコンサートで裏切られた経験はほとんどないが、今回もオーケストラはよく鳴り、細部まで統率が行き届いていてさすがの出来だった。練習を公開していたらしいので、行き損ねたのが残念だ。

November 12, 2005

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オッコ・カムという大指揮者～札響第４３２回定期演奏会

都会の喧噪に疲れて旅した先は秋のカナダ。目の前には知床の１００倍ほど雄大な森と湖が広がり、空気は冷涼で澄み切っている。わずか１時間強、そんなショートスリップをしたような錯覚に陥ったのがフィンランドの指揮者オッコ・カムが登場した札響定期演奏会。やはりフィンランド作曲家、シベリウスの比較的演奏されない作品ばかり(交響詩「ポヒョラの娘」、交響曲第７番、同第４番）を集めたプログラム。アンコール曲までシベリウスというシベリウスづくしの一夜、ではなく午後。それにしても、何と健全な響きであり音楽だろう。まるでシルバー・パインのログハウスの中に身を置いている錯覚してしまうような木質の響き。樹液の香りが漂ってくるようなマイナスイオンでオゾンな響きというべきか。その響きの中を、荒野をさまよう孤独でうつくしい野生動物の歌のようなメロディ、そしてハーモニーが深々と奏でられていく。弦楽セクション、特にバイオリン以外のパートの豊かで質朴な響きは、２３年前に聴いたヘルシンキ・フィルハーモニーを思い出させる。思えば、あのオーケストラほど「健全さ」を感じさせるオーケストラには出会ったことがない。欧米の一流とされるオーケストラは、うまいが、どこかあざとさがある。しかし、バルセロナ、プラハ、ノヴォシビルスク、そしてヘルシンキといった「周辺の」オーケストラにはそういうものを感じなかった。素朴で心のきれいな人たちの集団がひたむきに音楽をやっている、演奏以前のそんな感動があった。日本のオーケストラでは、札響だけが、そうしたオーケストラと共通するものを持っていた。しかし、バブル以降、その美点は失われたと感じることが多かった。しかし、この日の札響には、部分的ながら、音楽の原点に戻りひたむきに音楽を作るという、かつての美点が甦ったと思える瞬間が多々あったのである。これはひとえにオッコ・カムの力によるものだと思う。いったい、どんなリハーサルをするとあんな響きをオーケストラから引き出すことができるのか。石を金に変える錬金術というより、石を木に変える錬木術のマジックを見ているようだった。アンコールの「悲しきワルツ」での、ワルツの後拍を演奏するセカンド・バイオリンの響きの何と美しかったこと。繊細というと病的な感じあるが、繊細さと健全さ、あえていえば健康な繊細さというものがこの世に存在するのだということをはじめて知った気がした。小澤征爾にもレナード・バーンスタインにもヘルベルト・フォン・カラヤンにも作ることのできない響きを、この指揮者は作り出すことができる。厚化粧しドレスアップした美しさではなく、一糸まとわぬすっぴんの女性の美しさというべきか。どっちもいいが（笑）、どうしてもどちらかを選べと言われたら後者であり、カラヤンではなくオッコ・カムをわたしは選ぶ。

October 30, 2005

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FM放送という窓

コレクションのCDを処分することにして、ポツポツとオークションに出している。なぜ処分しようと思ったかというと、このところ、あまり音楽を聴かなくなったことに気がついたから。かなり減らしたとはいえ２０００枚はあるだろうか。かつてはこの倍以上はあったのだからおそろしい。音楽に対する好奇心が薄くなってきたのは、仕事上での必要がなくなったせいもあるが、あまりに多くて棚を眺めるだけでゲップが出てしまうからではないかと思ったのだ。第一段階の目標は半減させること。その次にはさらに半減させたい。オークションはおもしろい。へえこれが、と思うようなものが高値をつけたりする。LPなど高嶺の花でめったに手が出なかった１０代のころ、あのころの音楽ファンがみなそうであったようにFMエアチェックに精を出した。FM放送が世界で行われている音楽への「窓」だった、そんな時代は長かった。今でもそういう部分は大きいのではないだろうか。ミュージックバードなどもできたが、マイナーなコンサートを放送するのはFMくらいではないだろうか。予想通り、CDを処分し始めたら急に好奇心が戻ってきた。FMをつけたら、この夏に聴いたネルロ・サンティ指揮PMFオーケストラをやっていた。ちょうどいま、あの絢爛豪華なレスピーギ「ローマの祭」が終わったところだ。好奇心がないと、こういう貴重な機会を逃がすことになる。

September 26, 2005

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こんなコンサートに行った～札響９月定期

スティーブン・イッサーリスが素晴らしいチェリストだということは、１５年ほど前から次々とリリースされたCDで気づいてはいた。しかし、ここまでの演奏家だとは。うまいチェリストはいくらでもいる。しかし、イッサーリスのように「音楽だけ」が聞こえてくるチェリストがほかにいるだろうか。エルガーの傑作、チェロ協奏曲のすべての音が「こうでなければならない」という音色と音量とテンポで奏でられていたと思う。それでいて表現に堅苦しさはなく、何としなやかなこと。この日の最高のききものがこの曲の演奏と、アンコールで演奏されたグルジアの作曲家ツィンツァーゼのショート・ピース「チョグリ」だったと思う。コンチェルトだとオーケストラの音がじゃまだ。イッサーリスを聴くなら、ぜひ１０メートル以内の至近距離で、ソロリサイタルで聴くべきだ。メーンのラフマニノフの交響曲第２番は期待はずれだった。演奏は決して悪くなかった。何せ尾高忠明はこの曲を指揮させたらまちがいなく世界ナンバーワン。その期待が大きかった分、失望もまた大きかった。その原因を考えていて、ふと思い当たったのはエキストラ奏者の多さ。どういう理由か知らないが、大量の、若手の女性奏者が出演していた。そして、とりわけエキストラの多いパートの音が、見た目の割に貧弱なのだ。クライマックスでも白熱した音が出てこない。全体として、オーケストラの側に手慣れた曲をやるようなルーティン・ワークの意識が生まれているようにも感じたし、指揮者との間に緊張感が乏しくなっているように思えた。このコンビは曲がり角に来ているのかもしれない。演奏は不満だったが、曲はやはり素晴らしい。とりわけ第３楽章の甘美さは比類がない。その音楽的エクスタシーの深さは、マーラーが妻アルマとのセックスを描写したと言われる交響曲第５番の「アダージェット」をさえしのぐと思う。この曲に感動したことのない人は、ほんとうのセックスの快感を知ることはないのではないだろうか。

September 24, 2005

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こんなコンサートに行った～アメリカの底力、イタリアの輝き（ＰＭＦ２００５）

ＰＭＦの室内で行われるコンサートの最終日。二つのコンサートに行った。サンフランシスコ・ガールズ・コーラス。これは思わぬ拾いものだった。１２歳から１８歳、日本で言うと中高生からなる４０名弱の少女合唱団。プログラムは宗教曲からミュージカルナンバーまでと多彩。すべて暗譜だし、演奏のレベルも「非営利の個人団体」つまりアマチュアとは思えないほど高い。パフォーマンスのセンスも抜群。指揮者や伴奏ピアノも無名の人たちだが、おそろしくレベルが高い。アメリカはすごい国だと、思わずうなってしまったことである。それにしても楽しいコンサートだった。自分がいちばんほしかったプレゼントを思わぬ機会にもらったような嬉しさが残った。ありがとうサンフランシスコの少女たち。夕方からはＰＭＦオーケストラ。指揮はＮＨＫ交響楽団への客演で一気に有名になったネルロ・サンティ。前半は指揮者を正面から見る席で聴く。ロッシーニの序曲３曲。「ロッシーニ・クレッシェンド」という言葉がある。「これがロッシーニ・クレッシェンドか」と感嘆したのは、１０年ほど前に、やはりＰＭＦでローマ・サンタチェチーリア音楽院管弦楽団を聴いたとき。羽毛のような軽さで、わずかに音量とテンポが増していくあのクレッシェンドの魅力と興奮は忘れられない。サンティが作り出すであろう「ロッシーニ・クレッシェンド」。それがどういう指揮から作り出されるものかを見ようと思ったのである。それは、予想していたように「抑制」から生まれるものであることがわかった。それと、「人生を楽しむことを知っている」人間だけが持っている「気」や「笑顔」から生まれるものだということも。後半はレスピーギのローマ三部作。泉、松、祭りの順。サンティは、細かなアンサンブルの精度にこだわるよりは、大らかで風格のある音楽を作るタイプの指揮者。その風格たるや完全に巨匠の域に達している。風格がある＝テンポが遅すぎという場合も決して少なくないが、サンティはそういうことはなく、むしろテンポは速めな方か。しかし、それにしてはどっしりとした落ち着きと風格を感じさせるからすごい。そしてオーケストラの音色の何と若々しく、明るく、きらきらと輝いていること。若者オーケストラのやる気とパワーもあるが、やはり「イタリア人」サンティの放つオーラが、まるでアマルフィ海岸に降りそそぐ陽光のように明るい響き、どぎつくない程度にぎりぎりまで華麗な音楽を生み出していたのだと思う。カルフォルニアとアドリア海の、二つの海の明るさが運ばれてきたようなコンサートが続いた一日。

July 30, 2005

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こんなコンサートに行った～準・メルクル指揮ＮＨＫ交響楽団

記憶にまちがいがなければ、もう３０年以上、Ｎ響は毎年夏に札幌公演を行っている。テレビの威力はすごいもので、いつも売り切れになる。だから、もぐって聴いたときを含めて３～４回しか聴いたことがない。もっと聴いたことがあるのかもしれないが、記憶に残っていない。その３～４回も印象が薄い。Ｎ響は、技術的にはかつてもいまも日本一だと思う。しかし、そうした名人集団のそつなく安全な演奏ではあっても、何かを語りかけるような演奏ではなかったことがほとんどだったような気がする。だから、記憶に残っていないのだと思う。基本的には、今回もまたそういう印象を免れない。失敗も少ないし破たんもないが、こぢんまりとまとまった演奏。特に管のセクションにそういう傾向が強い。一方、弦セクションは多彩な表現ができる柔軟さ、フランス音楽の繊細さをじゅうぶん表現できる力をつけたような気がする。これは前音楽監督デュトワの功績だろうか。ベルリオーズの歌曲集「夏の夜」と「幻想交響曲」というプログラム。前者では指揮者準・メルクルの、歌（リオバ・ブラウン）をじゃましない「雄弁な弱音」が印象的。優れたオペラ指揮者の片鱗がうかがえる。「幻想」を聴いていつも思うのは、特に後半２楽章が整然と演奏されることが多いこと。今回も、ダイナミックではあっても、テンポといい強弱といいバランスがよすぎた。破滅と崩壊へ暴走するべきおどろおどろしい音楽が、あくまで「音楽」の枠内に収まってしまっている。４０歳ごろの小澤征爾が指揮する札響でこの曲の演奏を聴いたことがあるが、オーケストラの弱体さにもかかわらず、音楽的な迫力はあのときの方が上だった。とはいえ、準・メルクルが指揮するとオーケストラがよく鳴る。それもいい音で鳴る。どちらかというと重心の低いドイツ的な響き。優等生的なところはなく、しっかりとした自分の音楽を持っているのもわかる。お役所仕事的なＮ響が「やる気十分」な演奏をしていたのは、この指揮者に楽員が共感しているからだろうが、あとは経験と人生の年輪が、この指揮者を大きく育てていくのを待つだけだ。

July 29, 2005

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今日聴いた音楽～準・メルクル指揮PMFオーケストラ

今年のＰＭＦオーケストラを初めて聴いた（札幌コンサートホール・キタラ）指揮者の感想。現在４６歳のこの指揮者はいずれ大物になるだろう。それだけの器がある。しかし、まだ指揮者としては子どもだ。ラヴェルの「ダフニスとクロエ」第２組曲もリヒャルト・シュトラウスの「英雄の生涯」も、とにかく元気が良すぎてテンポがはやすぎ。若手指揮者が若者ばかりのオーケストラを振る。元気と元気が相乗効果でプラスに作用する部分も多いが、細部の堅さ、小回りのきかなさなどとなってマイナスになる部分も少なくない。オーケストラを抑制しておとなの音楽を聴かせてほしいところでも、とにかく元気溌剌オロナミンＣな音楽になってしまう。全体として熱演であっても音楽に落ち着きがなく、流れも平板。おまけに管楽器が盛大に鳴りすぎてバランスも悪い。弦楽器が分厚い響きでよく鳴るので破たんはしていなかったが、特に金管楽器がうるさすぎ。優れた指揮者であり長所もたくさんあるのだが、きょうのところは酷評されてもしかたのない出来だったと思う。数年前のボストン交響楽団への客演は地元メディアに酷評されたらしいが、その評がおおよそ想像できる。そもそも指揮者の４０代なんて「若手」に勘定される。だから、あまり細かいことに目くじらを立ててはいけない。長い目で見なければいけないものだ。しかし、たとえば４０代の小澤征爾は、いまの準・メルクルよりずっと成熟した音楽をやっていたと思う。今年のPMFオーケストラはアジア、特に中国人が多い。アメリカ人が減っているのは戦争の影響か、それともアジア勢の進出におされたのか。弦楽器や木管楽器に占める女性の割合もだんだん増えている。バイオリンなどはほとんどが女性になってしまた。日本がずっとそうであるように、世界的に見ても、生活の見通しの立ちにくい音楽家志望の男性は減っているのかもしれない。「英雄の生涯」は、華やかだが、深い内容のない音楽だとずっと思っていた。しかし、「英雄の引退と完成」のなかほどの数分の、感動的な映画のラストのような美しさといったらどうだろう。この部分の準・メルクルの歌わせ方はすばらしかった。若者オーケストラの、若者ゆえの集中と準・メルクルの渾身の指揮が深く感動的な音楽を生んだ。この部分に感動したことのない人は、誰かに愛されなかった人生と同じくらい不幸だと思う。

July 23, 2005

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きょう聴いた音楽～東京カルテット

弦楽四重奏を積極的に聴いてきたわけではない。それでも、３０年くらいの間には、けっこうな数のカルテットを聴いてきた。先日も結成６０年（！）になるボロディン弦楽四重奏団を聴いて驚嘆したばかり。しかし、東京カルテットは別の次元に達している。コスモポリタンなスタイル。（たぶん）名器の揃った美音。美音に負けない求心力と遠心力の奇跡的な融合。完璧なアンサンブルと「うた」の共存。上品なのに質実。推進力があるのに優雅。年代物のウィスキーのような芳醇さにフレッシュなミントやハーブがアクセントになったような香り。そんな香りがステージから漂ってくるような錯覚さえ覚えた。音楽がこんなにも豊かな時間だったとは知らなかった。２曲目に演奏された林光「ラメント」は、大家というか巨匠の風格さえ感じられる圧倒的に密度の濃い作品。そういえばこのカルテットは林光作品を取り上げることが多いような気がする。「世界最高」のカルテットに日本人は二人になったが、選曲のこうした特徴がなければ「日本産」のルーツを感じることはないだろう。それにしても、メンバーの中では高齢になってきたこの二人の日本人の、年齢に似合わない（失礼！）品のよい音楽性がどこから来ているのかは不思議だ。メーンプログラムはブラームスの「弦楽四重奏曲第１番」。滋味豊かなで構築的な音楽の流麗な演奏。熱演になればなるほど、エネルギーが内側に凝縮するのではなく外側に拡散していくよう。一流と超一流の間には、銀河系とアンドロメダ星雲ほどの距離がある。その距離を知りたければ東京カルテットを聴くがいい。家に帰って祈る。神よこれからも何度となく彼らの演奏と出会う幸運をさずけたまえ。

July 21, 2005

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＜３０代＞の輝き～弥生奏幻舎R第６回演奏会

「グレックス・ヴォカーリス」のコンサートの賛助出演で注目した札幌のアマチュア合唱団を聴いてきた（札幌サンプラザホール）。親しみやすい曲とそこそこ芸術性の高い曲、エンタテイメント性の高い曲がバランスよく集められたプログラムの、アマチュアとは思えないくらい見事な演奏に時間を忘れた。いいコーラスには、声楽を専攻した人がパートの中心に何人かいて、その人が全体を引っ張り上げるものだが、このコーラスには声楽専攻者はその声質からしていないように思う。ということは、ひとりひとりの力量がめちゃくちゃ高いということで、よくこれだけ粒の揃ったメンバーを集めることができたものだと感心する。奇跡的なことだと思う。プロなら、おカネを払ってスカウトしてくればいくらでもスーパーな団体を作ることはできる。しかしアマチュアではそうはいかない。たぶん、指揮者の音楽的な見識とか力量、指導力に卓抜なものがあるにちがいない。だから、粒の揃ったメンバーが数十人も集まってくるのだと思う。プログラムによれば指揮は独学で、北海道大学の出身だそうである。その、指揮者の松岡直記という人はまだ３０代前半。彼が最も年長というわけではないだろうが、団員の平均年齢は彼よりも低いと思う。というわけで、この団体を特徴づけるのは、若者の合唱団であること。長所も短所もこの一点にある。リズム感のよさや機敏さ、ユーモアや柔軟性などは、若さだけではないが、若さによるところは大きいと思う。一方、暗い情念、シニカルな表現、魂を切り裂く鋭角的な響きを聴くことはない。現代曲といってもミニマル・ミュージック止まりで、前衛的な作品はない。上質のエンタテイメントで終わってしまうかもしれないが、それはそれでいいのかもしれない。ルネサンス音楽の第一部、タンゴやジャズ、坂本龍一のナンバーを集めた第二部、この合唱団を特徴づけるすばらしい女性パート陣による「プチR」の第三部。これは日本の現代作品を集めたものだったが、第四部にハンガリーや現代の無伴奏合唱曲をおき、最後は信長貴冨という人の「カウボーイ・ポップ」より。合唱の愛好家の間では有名なのかもしれないが、いわゆるクラシック・ファンになじみのない曲の数々にも佳曲がたくさんあるのに驚いた。学生のころ、あるジャンルの知られていない名曲ばかりをカセットテープにコピーしてくれるような、けっこうオタクだけど重宝なクラスメートが何人かいた。このコーラスは、そんな友人のようなところがある。ソプラノリーダーの難波恵理さんという人は天使のような声と音楽性の持ち主。良い席が空いてなくていちばん前で聴いたのだが、目の前で彼女のソロを聴けたのは宝物のような体験。アマチュアの入場料８００円のコンサートは、３万円のメトロポリタン・オペラ「アイーダ」よりも深く心に残るものだった。

July 16, 2005

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灼熱のブラームス～尾高忠明＆札響（ＰＭＦウェルカムコンサート）を聴いた

レナード･バーンスタインの置きみやげ、１６年目のＰＭＦ（パシフィック・ミュージック・フェスティバル）が始まった。札幌交響楽団のウェルカム・コンサートを聴く。尾高忠明指揮。ボーンウィリアムズ「タリスの主題による幻想曲」では札響の弦楽セクションの、やや暗めだが透明な響きを堪能。尾高の指揮はこの曲を完全に掌握していてどんな細部にも血が通った名演。尾高尚忠の「フルート小協奏曲」は原典版の小編成による演奏で、第２楽章は流布しているものとかなり異なる。独奏はウィーン・フィル首席のウォルフガング・シュルツ。原典版の演奏は珍しく、その点では興味を惹かれる。しかしシュルツの演奏及び音楽性はおよそこのフランス風にしゃれた日本の近代作品とはマッチしない。オーケストラ奏者が独奏すると、オーケストラのパートのように感じることがあるが、この演奏も少しそういう無機的な感じがした。後半、ブラームスの交響曲第１番は、早めのテンポの軽量級ではあるが圧倒的な名演。尾高の集中力、楽譜の読みの深さ、そしてそれに機敏に反応する札響。ブラームスの交響曲は毎日のように世界で何百回と演奏されていると思うが、この日の演奏ほど白熱した演奏は、そう多くはないのではないだろうか。少なくとも、かつてマイケル・ティルソン・トーマスがＰＭＦオーケストラを指揮した演奏をはるかに凌駕していたと思う。札響の向上はこのところ著しい。響きの薄さを除けば、世界の一流オーケストラとほぼ遜色ないレベルに到達したのではないかとさえ思った。灼熱のブラームスの圧倒的なラストに続いて、アンコールはドヴォルザークのスラブ舞曲。自在なテンポと絶妙なニュアンス。オーケストラを完全に掌握した尾高の作り出す音楽の豊かさに圧倒された。隣席の中年男性などつられて指揮し始めたほどだった（笑）尾高忠明がベルリン・フィルやウィーン・フィルを振る日は必ず来るにちがいない。

July 9, 2005

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１０年に１度の感動～グレックス・ヴォカーリス

１０年に一度出会うことがあるかどうか。夕べのコンサートは、そう思うくらいすばらしいものだった。カール・ホグセットという指揮者が率いるノルウェーの合唱団、グレックス・ボカーリスの初来日公演。日本とノルウェーの国交１００周年、ノルウェーの独立１００年を記念しての全国公演の初日。前半は栗山文昭の指揮で日本の合唱曲。武満徹、林光、三善晃、間宮芳生など。札幌のアマチュア合唱団、弥生奏幻舎Ｒの賛助出演をはさんで後半がノルウェーとノルウェーゆかりの作曲家の作品。林光の「水ヲ下サイ」は、古今東西の名曲の中でも、最も密度の濃い作品だと思う。ムダな音がひとつもなく、欠けている音もない。これほど密度の濃い音楽というと、バッハのシャコンヌ、バルトークの弦楽四重奏曲のほかに何があるだろうか。複数あるＣＤや作曲者の指揮による演奏よりゆっくりしたテンポ。栗山の指揮は作品の奥深くに隠された「静かな激情」を見えない放射線の光のように放っていく。名前だけは知っていたがすごい指揮者がいるものだと感嘆させられた。音楽的な美しさと表現を見事に両立させた演奏に圧倒的な感銘を受けた。それでも栗山が指揮すると、このコーラスもわずかに日本的に線の細い響きになるのはおもしろい。創設者のホグセットが指揮すると、響きはやや骨太になり豊かになる。と言っても、透明さや純度はまったく損なわれることがない。ノルウェーの合唱曲はどれもどこか気高い精神性、北の国の人のまっすぐな純情が感じられる音楽。ラウリッセンの「おお、大いなる神秘」の崇高さはちょっと比類がない。「この世にまだこんなすばらしい音楽があったのか」と圧倒された。４００席ほどの小ホールに集まったのはほぼ合唱関係者。音楽ファンとおぼしき人は皆無に近い。音楽ファンが決して行かないようなコンサートの中にこそ、「１０年に１度の感動」が得られるものがあるのだ。これは投資家にまったく人気のない株にすばらしい株があるのとよく似た現象だと思う。賛助出演の「弥生奏幻舎Ｒ」の見事な演奏にも驚いた。日本のアマチュア合唱団は十把一絡げにしてバカにしていたが、こういうすばらしい団体が出てくるならその偏見を改めなければならない。ホールを出てくる人たちがみな幸せそうな顔をしていた。よいコンサートは少なくないが、こんな風景を見られることはめったにない。よい音楽は人を幸せにする。いつか、すべての人間の心から邪悪さが取り除かれる日が来るとしたら、それは「グレックス・ヴォカーリス」のような音楽によってだ。

July 5, 2005

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ポクロフスキーの「ドン・ジョバンニ」

演出家ボリス・ポクロフスキーは１９１２年生まれだからショスタコーヴィチより６歳若く、バーンスタインより６歳年長ということになる。メイエルホリドやショスタコーヴィチと親交のあった９２歳の演出作品を、演目が何であれ見逃すわけにはいかない。オケピットもないワインヤード型の音楽専用ホールで、どうやってオペラを演出するのだろうという興味がひとつ。もうひとつの興味は、ショスタコーヴィチの「ラヨーク」や「賭博師」といった「反社会主義的オペラ」を痛快な演出で上演した彼が、モーツァルトのドン・ジョバンニに何か寓意を込めるのかどうか。結論から言うと、コミッシュオパーのような味つけなだけで、原典に忠実。簡素な舞台装置は小劇場演劇を思わせるものだった。緞帳がない音楽ホールは最初から「小屋」と化す。小編成のオーケストラは舞台後方で、その前にセットが置かれ、歌手たちはその前で演技をする。そのため歌がオーケストラにやや遅れがちになるという弊害はあったが、じゅうぶん楽しめる舞台になっていたと思う。それにしてもモーツァルトの音楽は素晴らしい。オペラ座オーケストラのフルーティストだったことのある金昌国は「モーツァルトのオペラだけは飽きなかった」と言っていたが、歌や芝居のじゃまをすることのないオーケストラの扱いやちょっとした楽器の使い方、和音進行に天才が閃いている。これは、やはりＣＤその他では聴きとることが難しい。モーツァルトの音楽を注意深く聴くと分かるが、ドン・ジョバンニでも魔笛でも他のオペラでも、素性のいい人の歌は単調で、悪人というか素性のよくない登場人物の歌は魅力的だ。ドン・ジョバンニに裏切られながらも思いを捨てきれないエルヴィーラの歌などは女性特有のエロティシズムに満ちているし、従者レポレロが歌うドン・ジョバンニの女性遍歴の歌「奥さまこれが恋人のカタログ」もすばらしい。最後は地獄に堕ちるドン・ジョバンニを描きながら、モーツァルトは実はこうしたアンチ・モラルを讃えているのではないかと思う。「コシ・ファン・トゥッテ」は恋人交換＝スワッピングの話だし、「魔笛」の「パパパの二重唱」はセックスの喜びをそのまま歌い上げたものにほかならない。「演出の神様」ポクロフスキーは、モーツァルトのこうしたアンチ・モラルな傾向を強調するのではないか。そうだとしたらおもしろいと思って出かけたのだが、全体にコミカルな雰囲気になっていて、悪い男とわかっていても惹かれてしまう女性の性、ドン・ジョバンニの悪魔的な魅力が彫り深く描かれていなかったのは残念だった。

June 28, 2005

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謎としての音楽～札幌交響楽団定期を聴いた

８０歳のチェリストを聴いた翌日、今年７３歳になる指揮者を聴く。札幌交響楽団第４８０回定期は岩城宏之の指揮でショスタコーヴィチのバイオリン協奏曲第１番（独奏・川久保賜紀）とストラヴィンスキーの「火の鳥」（１９１０年版）。「火の鳥」は、よく演奏される組曲版でじゅうぶんだと思う。全曲版だとバレエなしではやや単調で退屈に感じられる部分もあるからだ。しかし、コンサートで聴くと、そうした部分からもロシアの香りがふんぷんと漂い、エキゾティックな時間が流れる。そうした時間に浸れるのが全曲版の意義かもしれない。そしてその単調で退屈な部分があるからこそ、あのすばらしい大団円のフィナーレの感動がひときわ高まることになっていくのかもしれない。岩城の演奏は楽譜を尊重する、いわば原典主義とでもいうもの。他の部分ではその原典主義が自然な音楽を生むものの、ラスト部分は改変した方がいい。楽譜への岩城のこだわりは、ここだけは裏目に出ていると思う。録音で聴き慣れた曲でも、コンサートで集中してきくとはっと気付かされることがある。ショスタコーヴィチの協奏曲の、第４楽章の前に置かれたバイオリンの長大なソロはその長大さが何とも異様だ。１楽章と３楽章が長くで重く、２楽章と４楽章が短く軽妙という構成も異様。こういうところに作曲家の真意が隠されているにちがいない。それにしても、８０歳のベルリンスキーといい、大病から復活した７３歳の岩城といい、年齢からは考えられない活躍ぶりだ。今年７０歳になる小澤征爾は９月にシェーンベルクの大曲「グレの歌」を４日間連続で指揮するが、フルマラソンを４日続けて走るよりもすごいことだと思う。こうした「スーパー老人（といっては失礼だが）」に何を学ぶのかが、最も大事なことではないだろうか。

June 19, 2005

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１６本の弦～ボロディン弦楽四重奏団を聴いた

結成６０周年のボロディン弦楽四重奏団札幌公演を聴く。このカルテットの演奏は、「４つの楽器ではなく、１６本の弦がひとつになったような演奏」とよく評される。その評が大げさでなく、きわめて適切というか言い得て妙であることがわかった演奏会だった。アンサンブルが整っているとか、そういう次元ではない。４人の音楽的感性が完全に一致しているのでなければ不可能な演奏で、その意味では一種の奇跡と言っていいのではないかと思う。名人を４人集めても、同じメンバーで６０年続けても、こういう演奏が可能になるわけではないと思う。この４人は、たぶん、他の人たちが何を感じ何を考えているかをテレパシーで感じとることのできる超能力者、音楽的エスパーなのではないだろうか。クラシック音楽をたくさん聴いてきたのに「こういう世界もあるのか」と感嘆させられた。全く知らない国に行ってきたような新鮮な感動が残ったコンサートだった。アンコールを含めて曲がすべて母国のロシア音楽、ボロディン（２番）、チャイコフスキー（１番）、ショスタコーヴィチ（３番）だったことは、たしかにそういった印象を強めたかもしれない。彼らが得意としているベートーヴェンなどではどうなのか、次があるのならばぜひドイツ音楽のプログラムを聴いてみたいものだ。よく知らないが、創設メンバーはチェロ奏者ベルリンスキーだけらしい。このベルリンスキーは今年８０歳になるらしい。音楽家には長命な人が多いが、さすがに８０歳で現役の楽器奏者というのは珍しい。ベルリンスキーの長命も、このカルテットにとっての幸運であり、奇跡的な音楽が生まれる原因になっているのだろう。

June 18, 2005

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こんな曲を聴いた～武満徹「エア」４題

武満徹の遺作、フルートソロのための「エア」（１９９５）を４種類の録音で聴きくらべてみた。この曲はドイツの名フルーティスト、オーレル・ニコレの７０歳の誕生日を記念して作られたものだった。カナダのロバート・エイトケン。６分９秒。フランスのパトリック・ガロワ。５分３６秒。日本の小泉浩。９分３２秒。ドイツのオーレル・ニコレ。６分６秒。この４人は武満徹と直接の交流があった人たちで、故人のひととなりをよく知っているはずだが、演奏の性格は４者４様。いちばんしっくり来るのは小泉浩の演奏。演奏時間は、この人のだけがとびぬけて長い。ゆっくりとしたテンポで間をじゅうぶんにとり、ていねいに歌い込んでいる。静謐な美しさを感じさせるこの演奏に、ちょうど対極的にアグレッシブなのがガロワの演奏。あとの二人はこの中間だが、エイトケンの演奏がこれら「西洋人」の中では最も東洋的。それにしても、同じ楽譜からこれほど異なったイメージの音楽が生まれるのにはあらためて驚く。好みと言ってしまえばそれまでだろうが、高音の印象的な４つの音、Ｅ、♭Ｅ、ＣＩＳ、Ａの長調とも短調ともつかないフレーズを、どこか遠くからきこえてくるように他のフレーズから独立させ、区別して繊細な感じで演奏している小泉浩の演奏が「正しく」、他の演奏は「間違っている」と感じる。みのもんたふうに言えば、小泉「正解！」その他「残念！」といったところ。フルーティストやバイオリニストは加齢によるテクニックの衰えがはやい。６０代になるとかなりつらくなってくるものだが、それを思えば７０歳すぎてのニコレの演奏は立派といえるかもしれない。

June 16, 2005

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札響５月定期を聴いた

札響５月定期のメーン曲はマーラーの「大地の歌」。ヴォルフの歌曲（など）の歌唱ではまちがいなく世界ナンバーワンの白井光子が出演するとあっては、万難を排しても行かなくてはなるまい。しかし、何の用事もない一日だったので、万難を排すこともなく行ってきた（笑）はっきり言って、まだ４０代後半というヤングなわたしには、心臓病による「死」におびえる４０代後半ですでに「最晩年」の作曲家が、「生も死も暗い」という死生観を吐露したこの作品はよくわからない。指揮の高関健も、そうした死生観に共感するような歳でもない。したがって、音楽的な美しさに表現の主軸が置かれるのは当然のことで、それが流麗だった演奏の長所であると同時に短所になったと思う。交響曲というよりオーケストラ伴奏付き歌曲集のおもむきのこの曲は、オーケストラには室内楽のような精妙さ、「歌」をじゃませずに、しかし雄弁であるべきところでは雄弁でなくてはならないという奇跡的な離れ業を要求される。このところ優れた奏者が相次いで入団して水準がかなり向上した札響も、オペラ座のオーケストラのような柔軟性には欠ける。歌ではなく指揮者の棒についていく、つまり歌曲集ではなく交響曲のように聞こえてしまうところが散見された。このあたりは日本のオーケストラ全体に共通する問題かもしれない。前半はハイドンの交響曲第６０番。ハイドンらしいユーモアにあふれた作品で、こういう曲では高関健の音楽作りは冴える。見事なテンポ感とリズム感で、やや単調なところもあるこの曲が楽しく聴けた。音楽評論家風になってしまった（笑）が、とにかく白井光子の「大地の歌」は万難を排してでも、万難がなくても聴きに行くべきだったという判断の正しさを確認できたコンサートだったことだけは間違いがない。子音の立ったホンモノのドイツ語の歌唱を聴いた、ひょっとしたら初めての体験だったかもしれないが、それが日本人歌手だったいうのはおもしろい。

May 28, 2005

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こんなCDを聴いた～武満徹『そして、それが風であることを知った』

武満徹は「今日の音楽」という音楽祭のプロデューサーをやっていた。西武の堤清二がスポンサーだったのだろう。PARCOの西武劇場を会場に、一週間ほどの会期で外国からも一流の演奏家を招いて行われていた。２０年ほど続いたのではなかっただろうか。その音楽祭には数えるほどしか行かなかったが、武満さんの選んだ曲はフルート、ハープ、ギターのものが多かった。たぶん、彼はこれらの楽器をひときわ愛していたのだと思う。彼自身の作品も、これらの楽器のものに優れたものが多いし、また「タケミツ音楽」との相性がいいと感じる。このCDは、その「今日の音楽」にも参加したことのあるカナダのフルーティスト、ロバート・エイトケンを中心としたアルバム。打楽器のための「雨の樹」以外はすべてフルート曲もしくはフルートを含む曲が集められている。武満さんの最後の作品となったのもフルート曲だった。「エア」がそれで、無伴奏フルートが長調でも短調でもない独特の暗くて明るい澄んだ歌を歌う。無伴奏フルートのために書かれた最も優れた作品のひとつだと思う。このCDをかけると部屋の中の空気が澄んでくるような気がする。このCDには１９７１年の「ヴォイス」といった作品も収められている。１９７０年代後半からのロマンティックな傾向の強まった作品とはまた違う、ストイックな音楽にも惹かれるものがある。超一流の奏者を集めた演奏はケチのつけようがないほど完璧だし、欧米の演奏家の演奏に時折感じるカロリーの高さもない。しかし、もう少し「幽玄」とか「わび、さび」的世界が表現されていればとも思う。やはり「エア」などはテンポが速すぎるし間が短いように思うのだ。とはいえ、これほど選曲、演奏、録音の３拍子そろったCDが１０００円なのには驚く。ナクソスという香港のレーベルは注目する価値がありそうだ。

May 10, 2005

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こんなCDを聴いた～武満徹『Quotation　of Dream』

「タケミツ・トーン」という言葉がある。武満徹作品の演奏の成否は、この「タケミツ・トーン」、聴き手に襲いかかりアピールする響きではなく、聴き手の耳をひきつける響き、あえて抽象的な言い方をすれば聴き手の聴覚を開くような響きを実現できるかどうかにかかっている。その点では、２５年ほど前の、トランペットの首席に杉木峯夫、ホルンに窪田克巳、フルートに細川順三がいた時期の札響ほど理想の「タケミツ・トーン」を響かせることのできるオーケストラはなかったと思うが、このCDでナッセン指揮のロンドン・シンフォニエッタは室内オーケストラにもかかわらず最盛時の札響を上まわる見事な「タケミツ・トーン」を響かせている。収められているのは順にデイ・シグナル、夢の引用、ハウ・スロー・ザ・ウィンド、トゥイル・バイ・トワイライト、群島S.、夢窓、ナイト・シグナルの７曲。１９８５年の「夢窓」から１９９３年の「群島S．」まで、作曲者５５歳から６３歳にかけての「早すぎた晩年」の作品が集められているが、選曲といい配列といい非常に完成度が高い。演奏も見事の一言で、ただひたすら美しい。武満さんは、自作の演奏や録音には可能な限り立ち会っていたように思う。以前覗いたリハーサルでは、武満さんがほんの一言「現代の音楽ではなく、ロマン派の音楽だと思って演奏してください」とコメントしただけで、演奏がぐっとよくなったのを覚えているが、このCDが制作されたのは作曲者の没後。にも関わらず、ほぼ理想的な「タケミツ音楽」が具現されている。オーケストラに２台のピアノが加わるアルバム・タイトル曲「夢の引用」ではドビュッシーの交響詩「海」がほぼそのまま現れたりして驚くが、唐突な感じはしない。ドビュッシーはやはり武満さんの音楽的故郷のひとつなのだろう。たいていの武満作品の演奏は、テンポが速すぎるように感じられる。もっと立ち止まって、響きに耳を澄ませて、余韻が完全に消えてから次のフレーズに進んだ方がいいような気がする。このCDの演奏でもそういうことを感じる部分はある。しかし、実際に遅いテンポで演奏すると間延びしてしまうのかもしれないとも思う。これらの曲を聴いていると、早朝の湖のほとりにたたずんでいるような気がしてくる。夜明けとともに霧が晴れ、白黒の世界にしだいに色彩が増えてくる。風が吹き、鳥が鳴く。自然のひそやかな千変万化を写したような音楽は、しかしやはりこの世の隙間を通ってあの世から聴こえてくるような気もする。

May 9, 2005

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続・札響定期に行った

尾高忠明が指揮したいくつかのコンサートは、かけがえのない音楽体験として強く記憶に残っている。札響とではバーンスタインの「シンフォニック・ダンス」、ラフマニノフの「交響曲第２番」、シベリウスの「交響曲第１番」「第２番」などがあるし、ウェールズのオーケストラとやったマーラーの交響曲第５番は「超」が付く名演だった。今回の演奏も悪くなかった。いや、音楽の流れの自然さやオーケストラから「きれいな響き」を引き出す手腕、燃焼度の高い演奏は満足できるレベルのものだった。しかし、彼くらいの指揮者にはもう一歩、「魔術的な瞬間」を望みたい。「魔術的な瞬間」を創造できる音楽家かどうかが、一流と超一流をわける大きな分水嶺である。そして彼にはそれはまったく可能なはずと思う。しかし、今回の演奏では特にチャイコフスキーの交響曲第６番「悲愴」に、スケール感の不足として現れていた彼のある種の「限界」に、「超一流の指揮者」へと脱皮できるかどうかの危惧を感じてしまった。それは結局、作品との向き合い方が決める。音楽の内側に深く入り込みおりていく姿勢、演奏するたびにある種の精神的「対決」を経ていくことからしか、獲得しえない性質のもの。次から次へと依頼された仕事をスケジュール通りこなす中で、作品とのそうした対決の姿勢が失われていくのだとしたら、すごい才能の持ち主だけに損失は大きい。チャイコフスキーの「悲愴」といえば、カラヤンやバーンスタイン、チェリビダッケ、ヴァントといった大指揮者が晩年に好んで指揮をした。たぶん、超高齢になった人間に強い共感を誘うものがあるのだろう。その気持ちが何となくわかるような気がする。人生とは、どんなに実り豊かなすばらしいものであっても最期は死で閉じられる。本質的に悲劇的なものなのだ。この曲のフィナーレは交響曲の歴史で初めてといっていいゆっくりとしたテンポの短調で書かれている。ただセンチメンタルなだけではなく、まるで生き物すべてに「死」を強制する造物主に抗議するかのような激情の音楽だが、悲劇的なものである人生の本質をえぐり出した音楽というと、たしかに他に例は少ない。あと数年で還暦を迎える尾高忠明は、本質的に悲劇的なものであるこうした人生への洞察、その音楽表現への適用は可能なはずだ。なぜ音楽をやるのか。その根源的な問いに立ち戻ることが、世界でも屈指の名指揮者である彼の「いま」に必要だと思う。

April 30, 2005

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札響定期に行った

札響は今年度から定期公演の月２回化に踏み切った。２日連続でウィークデイの夜と休日の昼に設定されている。その、はじめて休日の昼に行われた「歴史的」な演奏会に行った。「ガラガラだろう」という大方の事前の予測に反してほぼ満席。目立つのは、やはりリタイアした人。数年ぶりに会った何人かから「退職しました」と言われて面食らった。そんな年齢だと思っていなかったからだ。「悠々自適ですね」と言ったら「いや、キュウキュウジテキです」と言われたが（笑）、「窮々自適」「汲々自適」のどちらが正しい漢字だろうか。また、意外と目についたのが小中学生。３５年前、定期公演に通い始めたころは、子どもなどほとんどいなかった。音楽家を志しているような人以外は見かけなかったように思う。「ゆとり教育」の成果なのか、それともスクールセミナーなどの地道な活動の成果なのか。３５年前、日本人の多くは音楽好きな子どもは不良になると信じていたが、周辺を含めると２００万都市で、二日間で４０００人の聴衆が多いか少ないかはわからない。しかし、１０年前には１０００人を切るほど聴衆の少ない公演があったことを思うと隔世の感がある。ボストン・シンフォニーはリタイアした人たち向けに週日の昼にドレス・リハーサルと称する公演を行っているが、日本社会がもっと成熟してくれば、リタイア層のための週日の昼、現役世代のための週日の夜、そしてファミリー向けの休日の昼公演という風に、定期公演の３回化が可能になってくるかもしれない。ふつう、一回の定期演奏会のための練習は３日。公演日を含めると１回の公演のためのコストは４日。これが２回となると、５日で２回だから、一回の公演のためのコストは２．５日。３回となるとコストは２日。料金を半額にしてもペイすることになる。定期公演が複数日行われるメリットはオーケストラの側にもある。１回きりの演奏だと演奏する側にその経験が蓄積しない。オーケストラのメンバー（ガクタイ）は音楽ファンより曲を知らない場合があきれるほど多い。リハーサルを聴くとわかるが、そのオーケストラにとってはじめての曲をやる場合、かろうじてバラバラにならずに演奏するのがやっとであり、表現にまでは至らない場合が多い。そこでリハーサルの手際のいい指揮者が尊ばれ、リハーサルはヘタだが音楽性の豊かな指揮者は現場から遠ざけられてしまうという弊害も起きる。公演が複数日になると、その曲を演奏した記憶がガクタイに残るし、リハーサルのヘタな指揮者でも、実際の公演を通じてオーケストラに表現を要求することができるようになる。札響にはこの４月、有力な首席奏者が二人入った。トランペットの福田善亮とチェロの石川祐支である。以前は最大の弱点だったビオラ以下の低弦セクションの充実ぶりはまるで別のオーケストラに生まれ変わったかのよう。かつて美音で知られたバイオリンセクションの弱体ぶりが、こうなると目立ってくる。豊かな響きでサウンドする低弦に対して、胴体がまな板でできているのではないかと思われるようなバイオリンの平板な響きがどうしても気になる。他の日本のオーケストラと同様、バイオリンには日本女性が多いが、できれば彼女たちには卒業してもらって、ロシアやチェコ、ポーランドなどから優秀な奏者を招くべきだ。終身雇用のおかげで何十年もレベルの低い演奏を聴かされ続けるのはコリゴリだし、だいいち、「待ちくたびれて」去ってしまった音楽ファンは多い。待っているうちに死んでしまった人も少なくない。能力のない人間はどんどん馘首されるべきなのだ。

April 29, 2005

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金木博幸チェロリサイタルに行った

金木博幸というチェリストがいる。札幌出身で、東京フィルの首席奏者をつとめている。今年４４歳、ドイツやウィーンでリヒャルト・シュトラウスやショスタコーヴィチと親交のあったチェリストに学び、国際コンクール入賞歴もある。評判は聞いていたが、今回はじめて聴いて、日本の中堅にこんなすごいチェリストがいるのかと驚いた。曲目は、その二人のソナタとラフマニノフのソナタ、プレコンサートにバッハの無伴奏チェロ組曲第１番。アンコール２曲も含めてすべて暗譜で、しかも全力投球の密度の濃い演奏で、久しぶりに「ホンモノの音楽」を聴いたという印象。壮年期のチェリストにこういうのは失礼かもしれないが、「大器」を持った演奏家だと思う。ロータリークラブの奨学金を得て留学したことがあるそうで、この日のコンサートもその縁で開かれたもの。札幌のキタラホールカルテットのメンバーでもあるそうで、しばしば来札しているというから、次からは招待券ではなくちゃんとチケットを買って聴くことにしよう。CDが聴きたいと思って調べてみたら出ていない。世の中は節穴でできている。

April 22, 2005

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気まぐれな散歩～高橋悠治の「ゴルトベルク変奏曲」

東京では追加公演も行われたコンサート、札幌では８割強の入り。プログラムはバッハ「イタリア協奏曲」と「ゴルトベルク変奏曲」２曲。数十年ぶりに行われた「ゴルトベルク変奏曲」の新録音が評判になっていて、各地でこの曲のコンサートが行われている。「無人島に持っていくＣＤを１枚選べ」と言われたら、１９７６年の高橋悠治のこの曲の録音を迷わず選ぶ。この３０年に何百回聴いたかわからないこの録音の演奏は、作為のない流れるような自然さに満ちていて、これ以上に新鮮なバッハ演奏というのは想像しにくいほどすばらしい。その録音から３０年近くたった演奏は、かなり変化している。３０年前の演奏は、中距離走を一気に駈けぬけるような爽快感があった。しかし、今回のは、猫の気まぐれな散歩のような「その場限りの、その時限りのインスピレーション」によって行われたような演奏。多くのピアニストが練習を繰り返して毎回「寸分違わぬ完璧な演奏」を目指しているのとは反対に、「はじめてバッハの楽譜を見て即興的に演奏している」かのようだ。たぶん、スクエアなクラシック音楽ファンの多くは好まないか、下手をすると否定する演奏だと思う。反時代的、あえて言えば「反ヨーロッパ音楽的」な高橋悠治のバッハは、グールドの２種類の有名な録音がそうであるように、むしろクラシック音楽を好まない聴き手に支持されていくような気がする。高橋悠治自身によるプログラム・ノートにはこうある。・・あとの半分は　きままな指についていく遍歴の冒険　ちがう世紀ちがう文化の死者の世界にいるバッハとの対話から織りなす現在の東アジア地域の物語・・・

March 24, 2005

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音楽とセックスのエクスタシー

この人は日本人なのだろうか。堂々として落ち着き払ったステージマナー。不遜ともいえる挑戦的な表情で難しいパッセージを２００％の余裕で弾きこなしてゆく。予備知識がなかったのでアメリカ生まれの中国人バイオリニストかと思った。しかし、演奏は割とあっさり目で大陸人の粘っこさはない。たおやかなところもある。折り目正しさ、きめのこまかさはどう考えても日本人と思えてくる。メンデルスゾーンの協奏曲の演奏が終わる。切れ味よく叙情性にも不足のない完璧な演奏に拍手が吹き上がる。演奏中はかなり勝ち気に見えた彼女の微笑む表情を見て、この人は日本人だと確信した。羞恥を含んだ控えめな笑顔は、日本人女性にのみ備わる美質のひとつだからである。０２年のチャイコフスキーコンクールで最高位入賞した川久保賜紀（たまき）は、アメリカで育った人のようだ。９７年に「初来日」とあるから、日本での生活経験はないのだろう。しかし、日本的なよさが彼女の中に脈打っているのを感じる。これは少し上の世代の日本の女性バイオリニストからはあまり感じられなくなっている類のものだ。席が前から７番目だったので、彼女を近距離の正面で見ることができた。近いので、音響的には不利。しかし、写真写りは決していいとはいえない彼女が、おとなびた表情と初々しさのほどよいバランスを保ったかなりの美人であることを確認できた。小さいホールのリサイタルで聴いて見てみたい演奏家だ。美人の音楽家というとピアニストの熊本マリを思い出すが、オバサン化しつつある熊本マリとは違って、彼女は歳をとるほどに魅力的な女性になっていくのではないだろうか。音楽にもいっそう艶がのってくるに違いない。おめあてはインバルのマーラー（交響曲第５番）だったのに、とんだ拾い物。来年７０歳になるイスラエルの指揮者、エリアフ・インバルはマーラー指揮者として知られる。たしか、デジタルで初めてのマーラー全集を録音したのは彼ではなかったろうか。そこでは、たしかにデジタル時代にふさわしい緻密で明晰なマーラーが提示されていた。Ｓ席では音響がよくないので、後半はあえて後方の席へ移動して聴く。インバルの解釈はＣＤと基本的に変わっていない。同じユダヤ人であるバーンスタインが没入し陶酔していたそのマーラーを、冷静に知的に再構成していく。マーラーのスコアは、盛り上がっていく部分でもパートによっては弱音のままだったりするのだが、たいていの指揮者はそういう指示は無視して盛り上げてしまう。しかし、インバルはあくまでスコアにこだわることで、非常に立体的で見通しのよいマーラーが生まれていく。そういうインバルのマーラーを久石譲さんは好きらしいが、わたしは好きではない。好きではないが、立派だし、機会があれば聴きたいと思う。そして聴くたびに発見があるのはこういう解釈であり演奏なのだろうなと思う。しかし、相手はマーラーなのだから、やはりエクスタシーの瞬間がほしい。ひとつの楽章に一箇所くらいは、大見得を切る「見せ場」があっていいと思うのだ。インバルももう決して若くはない。前回来札したときも、オーケストラは違ったがたしか同じ曲目だった。才気や情熱一本槍の指揮者とは一線を画す彼の知的かつ風格ある解釈で、他のマーラーやブルックナーなども聴いてみたいものだと思う。マーラーの交響曲の中でも、この５番と６番や９番は、音楽によってエクスタシーに到達しようとして最も成功したもののひとつだろうと思う。これらの音楽の愉悦に打ち震えたことのない人は、ほんとうのエクスタシーとはどういうものかまだ知らないとさえ言っていいと思う。音楽とセックスのエクスタシーは、紙一重のところで隣りあっているということがこれらの曲を聴くとわかる。他者を媒介とした小さな自己死をエクスタシーと定義するなら、インバルのマーラーは、エクスタシーの一歩手前でえんえんと高原状態を続ける、ソフトＳＭの「じらしプレイ」のようなマーラーである。この「じらしプレイ」が最も成功したのが、交響曲第１０番の録音だと思っている。旧東ベルリンのオーケストラ、ベルリン交響楽団は、ブラスの一部に弱さが見られるものの、超一流。弦の厚い音は暗めだが輝かしく、黒曜石のよう。だがむしろ印象的だったのは「やる気十分」だったこと。１００人以上の人間が「全力で、ベストを尽くす」姿というのは、それだけで打たれるものがある。

March 11, 2005

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シベリウスの極北、極北のシベリウス

フィンランドの作曲家シベリウスのいくつかの代表作をまだ知らない人がいたら、その人はこの上なく幸運な人といえる。それらを知り、心の中にもうひとつの世界ができる楽しみ、人間の創造力のすばらしさに圧倒される感動的な音楽に胸のうちを震わせるチャンスが残されているのだから。このチャンスを失って３６年になる。つまり、シベリウスを聴いて３６年になる。その３６年のシベリウス体験でも特筆されるのが、札幌交響楽団の演奏するシベリウス。フィンランドのオーケストラをもしのぐのではないか、と思える名演も１度や２度ではない。ヨーロッパではイギリスのオーケストラがシベリウスを得意にしているところが多い。しかし、ローカルなオーケストラならともかく、ロンドンのような都市のオーケストラにはシベリウスの木質の素朴な響きは出せない。機能性では優れたアメリカのオーケストラは響きがゴージャスにすぎる。厚化粧のマリリン・モンローは、フィンランドの森に囲まれた湖には似合わない。昨晩の尾高忠明の指揮による「交響曲第１番」は、１５年前に札幌で行われたバーンスタインとロンドン交響楽団の同じ曲の演奏を上回る名演だったと思う。考えてみれば、シベリウス・オーケストラとしては屈指の札響と、シベリウス指揮者として屈指の尾高忠明のシベリウスが、悪いものになるはずがないのだ。昨晩の演奏が名演になることは、あらかじめ決定されていたことであり、予測できたことであった。名演になることは予測できても、どのような名演になるかは予測できない。札響の場合、シベリウスを演奏するときには特別な共感が感じられる。まるで母国の音楽を演奏するかのような音楽との一体感、自在感、そして自然さがある。尾高忠明は、それをさらに磨き上げ、輝かしい音楽にすると同時に、情熱的でありながらスケール感のある音楽を歌い上げていく。このようなシベリウスは、たぶん地球の他の場所には存在しない。人気のある２番に比べて、１番は少し分が悪い。わたしも、あえて聴こうと思う機会は少ない。しかし、バーンスタインが死の直前の演奏曲目のひとつにこの曲を選んだ気持ちが、今回の演奏を聴いてわかった気がした。永遠なるもの、はるかなるものに憧れる少年だったころの気持ちを思い出させる第１楽章。２番のように壮大なクライマックスでおめでたく「完結」するのではなく、いつかは必ず死ななければならない生き物すべての宿命をあらためて感じさせるフィナーレ。いつも、あまり聴きたい気持ちにならないのは、このラストの持つ悲劇性を直視したくないという精神の弱さのゆえなのだということを悟らされたことだった。友人は３月６日の東京公演にも行くことにしたらしく、飛行機の手配をしていた。おカネはこういうことに使うためにある。これほど賢明な判断がほかにあるだろうか？

March 5, 2005

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ブルックナーの交響曲第８番～札響２月定期を聴いた

「ユング君」が、モーツァルトのあるオペラのある部分でいつも「神が現れると感じる」と書いている。同じように感じる人というのはいるものだ。「神が現れる」と感じる音楽はそう多くない。作曲者を感じたり、音楽に感動することはあっても、「そこに神がいる」と感じることは、ベートーヴェンでもブラームスでも、あれほど神々しいマーラーの音楽でも、まったくと言っていいほどない。バッハやヘンデルやハイドンも同様で、たとえ宗教曲であってもそれは「神をたたえる人間の音楽」なのだ。そこには神は現れない。しかし、ブルックナーの交響曲には、ウソではなく、神が現れる瞬間がある。７番までは１度現れるかどうかだが、最晩年の大作８番と未完に終わった９番には、しばしばと言っていいくらい現れる。ブルックナーの演奏は、彼の交響曲の細部に宿っている神を、どれだけ現前させうるかで決まる。札幌交響楽団２月定期はそのブルックナーの交響曲第８番（ハース版）。尾高忠明の指揮というか解釈は、ブルックナーの音楽を使ってカラヤンみたいに自分の美学を開陳するのではなく、控えめに一歩退き、できるだけブルックナーのスコアそのものに語らせるというもの。その結果、「流れる荘厳な建築」とでもいうべき格調高いブルックナーが生まれていた。惜しいのは、やはりオーケストラの力量不足。それにしても、場末の教会のオルガン弾き、それも強度のロリコンで名誉フリークの小心な俗物で、小言ばかりの老人だったブルックナーが作った音楽の崇高さはどうだろう。アダージョの第３楽章は、時間がとまり永遠が現出する奇跡の音楽。天国というものがあるとしたら、それはこういう世界ではないだろうか。フィナーレのラスト３分を聴くと、いつも臨死体験とはこういうものではないかと思う。人が死ぬとき、一瞬のうちに人生のすべてを回顧するという。尾高さん、それにしてはあなたのこの部分のテンポはほんの少しだけ速すぎた。ここだけは演出していいと思う。何せ９０分に及ぼうかという大曲の、聴衆に臨死体験をもたらすラストなのだから。無限に続くと思われる宇宙の断崖がこの曲の最後の１小節であり、その響きの余韻の中に現れるはずだった神は性急な聴衆の拍手にかき消されてしまった。

February 26, 2005

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投資の余白に。。。

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１６本の弦～ボロディン弦楽四重奏団を聴いた

こんな曲を聴いた～武満徹「エア」４題

札響５月定期を聴いた

こんなCDを聴いた～武満徹『そして、それが風であることを知った』

こんなCDを聴いた～武満徹『Quotation of Dream』

続・札響定期に行った

札響定期に行った

金木博幸チェロリサイタルに行った

気まぐれな散歩～高橋悠治の「ゴルトベルク変奏曲」

音楽とセックスのエクスタシー

シベリウスの極北、極北のシベリウス

ブルックナーの交響曲第８番～札響２月定期を聴いた

デームスとスコダ～ウィーンの奇跡　　　　

こんなCDを聴いた～武満徹『Quotation　of Dream』