駆け出し記者の一期一会

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• エミリー・ウングワレー展

  オーストラリア大使館で昨秋行われたエミリー・ウングワレー展の記者発表の日には、日記に「来年のことを言うと鬼が笑う」と書いていたが、あっという間に時は流れ、7月28日月曜日という最終日にぎりぎり駆け込んで、なんとか実物を見ることができた。美術館に行ったのは久しぶりだったが、無理してでも来てよかった。これを逃すと、もう当分は日本に来ないし、オーストラリアまではなかなか行けないから。国立新美術館は、行列ができるほどでは全然ないが適度に人が入っていた。ちょうどいい混み具合だと、他の来館者にも自分と同じような関心を感じて共感が湧く。日本の国宝満載とか、西洋絵画の巨匠とかではなくて、アボリジニ・アート？きっとあなたも何かを探してこれを観に来たんですよね？入ってすぐ、22枚のカンヴァスから成る「アルハルクラ」が目に飛び込んでくる。エミリーと、彼女のふるさと「アルハルクラ」との精神的なつながりを称えるというその巨大な作品は、めくるめく色彩に溢れる。青、ピンク、白、黄色、オレンジ、緑……またピンク！　なんだかわからないけれど、画面から強烈なエネルギーが放たれ、息をのむ。彼女は、その生涯をオーストラリア中央部のシンプソン砂漠の端にあるアルハルクラの土地の「ユートピア」というアボリジニのキャンプで過ごした。1988年ごろ、オーストラリア・アボリジニナル・メディア協会が、アボリジニの経済的自立と文化の発展のために企画した教育プログラムとして、「ユートピア」にキャンバス100枚と絵筆や絵の具を置いていったことが、エミリーが突然絵を描くきっかけとなる。1910年ごろに生まれたらしいので、もう80になろうかという歳だったが、それから1996年に亡くなるまでの8年間という短い期間に、3,000点を超える作品を残したのである。「すべてのもの。私のドリーミング、ペンシル・ヤム、トゲトカゲ、草の種、ドリーム・タイムの子犬、エミュー、エミューが好んで食べる草、緑豆、ヤムイモの種。すべてのもの、それが私が描くもの。」エミリーがインタビューで語った言葉を英訳したもの（の和訳）だという。彼女は、英語を話さず、字も書かない。「ドリーミング」というのは、アボリジニ独自の世界観で、万物の創造を終えた先祖が被造物に姿を変えて世界のあちこちに潜んだため、世界の万物に精霊が宿ると信じられている。さらに、そういう精霊を子孫である部族や自分個人と同一視する観念でもある。頭でわかろうとすると余計にわからないが、要するに、世界はそこらじゅう精霊に満ち、自分もそれと一体である、ということだろうか。エミリーが描くものは、対象の姿を再現する具象画では全くないが、対象を抽象化してみたということでもなく、彼女には実際そのように見える、または感じられる対象のイメージをそのままキャンバス上に吐き出した、という感じである。おびただしい点点点点で埋めつくされた作品群からは、ドリーミングとは、種とか細胞レベルまで一体化することなのかと思わせられる。また、「ビッグ・ヤム・ドリーミング」という3メートルx8メートルの巨大な黒い画面に無限に広がる白いうねうねした網目模様の途方もない作品。ヤムイモの根っこが、ランダムに、しかし、自然の法則にのっとって地下深く伸びていく様を、この人はリアルに感じることができるのだとしか思えない。何の下書きもせず、書き直しもせず、迷いなく、どんどん点を打ち、決然と線を入れていく、というのはどういう行為なのだろう。そして、色である。パレットなどなく、絵具は缶に入ったまま筆を浸し、絵筆がないときは拾ってきたゴムサンダルで代用したとか。そうやって、絵を描く前からずっとやってきた、大昔から伝わる砂絵やボディ・ペインティング、歌や踊りと同様に、ひたすら、ふるさとの大地「アルハルクラ」を称える絵を描く。それが彼女が人生の最後の8年間にした「生きること」だった。「西欧近代美術が展開した末にたどり着いた抽象表現主義に比するような芸術世界」という言い方が、リリースにもチラシにもあったが、西洋の側から見たとても傲慢な言い方だと思う。それは逆であって、西欧近代美術はさまざまな試行錯誤を経て、ようやく原初の純粋な表現を思い出したということなのではないか。数人の天才によって。なぜ、こんな絵が描けるのか、大いなる謎だが、西洋文明が入ってくる前の伝統文化を維持していたアボリジニの中でも稀有な部族の最後の世代の中に、天の声とか、宇宙の力とか、大地の精霊と直接交流できるつまり天才がいたということが絵を通して発見されたわけである。いずれにしても、天才はどこの部族にも種族にも国にも、ごく稀にしか現れないのだろう。その一人がオーストラリアの砂漠にはぐくまれたということである。「大地の創造」という作品の乱舞する緑色が本当に美しかった。

  2008年08月01日

• 絵を描く・絵を観る

  今月はじめ、従姉から便りがあった。彼女は画家である。封筒に展覧会の案内が入っている。「明日をひらく絵画　第26回上野の森美術館大賞展」チラシに掲載されている大賞受賞作は、地球が溶けかけたような、魔法の水晶のような絵。なかなか魅力的。また、従姉の作品も入選しているという。よし、これは観に行こう。4月28日までとなっているのでのんびりしていたが、よくよく見ると、「作家名の五十音で前期・後期に分けて展示します」と書いてあり、「た～わ」は22日（火）まで。これは月曜日に行くしかない！お昼過ぎの上野公園。上野の森美術館は久しぶりだ。実のところ、公募展のことはよく知らなかったのだが、会場に入ったら100号サイズの力作がずらりと並んでいて圧倒された。受賞作と入選作のほか、今回の審査員を務めた画家達の作品もある。前期と後期で半分ずつということだから、ざっと160点ぐらい。「絵画」もしく平面作品というくくりだけだから、具象画あり抽象画あり油絵あり日本画ありイラストっぽいのもあれば、レリーフみたいに立体が突き出しているのもある。まさに百人百様の表現が、隣の作品とは何の脈絡もなく並び、壁一面に思い思いの色彩と形が溢れかえっている。「あなたはどれが好きですか？」と聞かれているような、自分はどういうテーマやスタイルに反応するんだろうかと、自ら試すような鑑賞となる。受賞作品もよかったが、まずは従姉の作品を探す。2階に上がって見渡すと……あった！奥のスペースに。遠くからでもすぐにわかった。昨年の夏、銀座のとある画廊で久々に従姉と再会した。子育てや介護で長らく中断していた「絵」をまた描き始めたのだと聞いて、ようやく再就職した身の私はいたく感銘を受け、その個展に駆けつけたのである。墨を使った静かな緊張感のある作品だった。年上の従姉に、「展覧会のページの担当なんです」と嬉々として告げたのを思い出す。色とりどりの作品が並ぶ中で、墨のモノトーンはかえって異彩を放つ。薄い和紙をそっと握ってから虚空に放ち、ゆるゆると漂いながら落ちてくるまで、空を漂う一瞬の紙の姿をストップモーションで見つめている。それとも夜闇に脱ぎ捨てた打掛けか羽衣か？ふと見ると、従姉の姿があった！会期中いつ来るとも、今日の何時とも、何の約束もしていないのに、こうしてばったり出会えるとは。これは必然の縁というものだろうか。上野の森美術館大賞展は、VOCA展のような年齢制限ありの推薦制ではなく、会員制も採らないコンクールなので、気を遣わず応募できるとのこと。審査員には、美術館関係の学芸員や評論家は含まれず、現役の画家ばかりで、そのほとんどは毎年変わること。だから、入選作や受賞作の傾向も毎年変わる。・・・従姉の解説でわかった。つまり、今年の審査員の目を通した今年ならでは作品たちなのである。873人から寄せられた1,320点から選ばれた281点の入選作と6点の入賞作品だなんて、考えてみたらスゴイことだ。思いがけない邂逅に舞い上がっていた私は、あらためて「おめでとうございます」を言うのを忘れてしまった。絵を描く人々は、絵によって何かを表現し伝えようとする。私に伝わってきたものは・・・「かごめかごめ　妄想冷蔵庫」　　　冷蔵庫の周りをヤギとリャマが数頭、輪になってゆっくり回っている。　　　冷蔵庫の中には、なぜか水面に顔を出すカバがいて、　　　その上段にはシメジのようなキノコの株がある。　　　下段にあったなんだかプチプチしたものは、臓物だったのだろうか。。「明渡る」という日本画と「生命（イノチ）II」という油絵が偶然(?)並んでいた。日本画のほうは、淡い色調で楚々とした草花を描き、油絵のほうは、濃い緑で池の水面の波紋を描いているのだが、本当に水なのかなと思うほど、ねっとりギラギラしていて目を引く。なぜか気になる組み合わせの2枚だった。この池の水面と同じように濃い作品が「私的風景」　巨大なサボテンの花が火山のように咲き誇る。　生き生きとしたグリーンの茎から根元にかけて油滴のような水滴が浮かび、　同じように鮮やかなグリーンのカエルが張りついている。　花の中心にはオシベ(?)が密集し、その下に覗いているのは、これまたカエルの両目。　燃えるような真っ赤な花弁が飛び出して、カエルは奥に引っ込んでいるように、　どうしても立体に見えるのだが、近づいてみたら平らなキャンバスだった。お見事！　空は黄色！遠くにアマゾンみたいなジャングルや大河が見える。このあとすぐに見た「空中散歩(風のはやさで歩く）」　これもなんだか立体に見えるなあと思ったら、　今度は本当にキャンバスがうねうねとした曲面に形作られていた。　空中高く、はるか彼方の地上を見下ろすと、すべてが淡い色彩に抽象化され、　前方の雲の切れ目に昼間の月が白くぼんやり懸かっている。以上、印象に残った絵の風景だが、それが「何」なのか自分でも定かではない。でも、絵はそうやって心に働きかけ、絵を描く前と後とでは、また、絵を観る前と後とでは、人は少し違っているのかもしれない。第26回上野の森美術館大賞展東京では4月28日まで。★巡回展★福岡市美術館にて　　　　　5月3日～5月11日彫刻の森美術館にて　　　　5月14日～6月18日京都府京都文化博物館にて　6月24日～6月29日

  2008年04月21日

• 偉大なるアマチュア

  「写真」というより「絵画」だった。初期の作品には、静物画風あり肖像画風あり、ヌードのデッサンのような写真もある。後に撮られた大地の畑の畝や古木の年輪を「皺」と捉えた作品はまるで抽象画だし、修道院の若い司祭達が輪になって楽しげに踊る写真はグラフィカルな広告のようだ。そして、遺作の「この憶い出を君たちへ」には犬や鳥、奇怪なマスク、案山子や人形が混沌と配置されて、ダリの絵のようなシュールな世界が示される。これは何？心を捉えて離さないけれど言い表すことのできない想い。今浮かんだけれど次の瞬間には忘れてしまいそうな考え。いつか見たような気がする古い町並み。何度も繰り返し見る不思議な夢。・・・そういうものをどうにか視覚化しようとする試みのように見える。もちろん、写真であるから個々のパーツは確かに現実に存在するモノなのだが、それらを構成しなおして創造された画面は、この世そのものではなく、写真家がこの世でどのように感じたかを伝えるものとなっている。だから、現実を凝視してリアルに撮られた作品（そういうのもある）に対しても、「きっとこれにも何かあるんじゃないか」と思って、一枚一枚をじっと見つめてしまうのだ。たとえば、ホスピスで死を待つばかり老人達の姿。皺くちゃに潰れた顔、歯のない口、目の周りの巨大な隈が情け容赦なくクローズアップされ、思わず目をそむけたくなるグロテスクさである。この世に生まれた赤ん坊が辿りついた末期の姿が示す「生きること」の酷さは、見る者を立ちすくませ、その酷い現実に身を捧げた残骸のような存在に、頭を垂れるほかない。母子家庭を支えるために母が働いていたホスピスに、少年の頃から出入りしていた写真家は、そこで感じることが一体何なのか、わからないでいた。人に勧められて、フランスの巡礼地ルルドへ赴く。聖地ルルドで見たのは、世界中から奇蹟を待つためにやってきたおびただしい人の群れ。車椅子の行列。我が子を押しながら目が天を向いている母がいる。殉教者の聖女のようだ。無数の簡易ベッドに横たわる病人。みな老人かと思ったら、真ん中辺りの少年と目が合った。年端も行かないのに、不治の病なのであろうか・・・奇蹟はおそらく起こらない。それでも人は希望を捨てられない。写真家はこう述べている。「ホスピスでは誰もが死ぬことを願っていたのに、　ルルドでは誰もが生きることを願っている」「逆説だよね。真に苦しむ人たちが生を求め夢見るなんて。　彼らは何処にも行き場がなくて、何かを発明せざるを得ない。聖母とか」ルルド行は「生」と「死」が互いに依存しつつ共存していることを確信した旅となった。そして、「時間」＝「老い」と同伴せざるを得ない「生きること」の象徴として、彼は「皺」を撮り続けたのだった。このイタリア人写真家、マリオ・ジャコメッリは、生涯アマチュア写真家で通した。1925年、セネガリア生まれ。中部イタリアのアドリア海に面した古い小さな町である。9歳で父を亡くし、13歳から印刷屋で働き始めた彼は、1953年のクリスマス・イブに初めて自分のカメラを買い、土曜日の午後と日曜日にだけ写真を撮るようになった。やがて、ニューヨーク近代美術館のキュレーターの目に留まる。中世そのまま、石畳と家々の壁の漆喰の白を背景に、男も女も黒の伝統衣装を纏う村「スカンノ」を撮った作品によって世界的にその名を知られるようになっても、ジャコメッリは終生、故郷のセネガリアにとどまり、印刷屋という職業も職場も変えることはなかった。プロって何だろう？アマチュアって何だろう？彼は写真で生計を立てようとはせず、あくまでも自身の内面を表現する手段として作品を撮り続けた。売れる？売れない？世の中に受け容れられる？受け容れられない？そんなことに関係なく自身の真実を追求したものが、結局、彼の死後も、強いメッセージとなって残っているのである。これまで日本ではあまり知られることがなかったこの偉大なアマチュア写真家を初めてまとまった形で紹介する写真展が今日から始まります。「知られざる鬼才　マリオ・ジャコメッリ」東京都写真美術館にて　3月15日～5月6日

  2008年03月15日

• ヴィーナス来日

  駅の特大広告などで、早くから目を引いていたその艶姿。「女神、来日」という巧いキャッチにも感心していた。興味津々、今日の内覧会に出かける。愛と美の女神ヴィーナスは、古代ローマの神。ギリシア神話ではアフロディテと呼ばれた。古代の彫刻家たちが遺した彼女の姿は、完璧な美と芸術の規範として後代に伝わったのである。キリスト教にとっては異教の神となったヴィーナスら古代の神々。中世美術にはほとんど登場しない。とくにヌードはほとんど描かれなかった。人間の肉体は罪の根源とされていたから。ルネサンスの到来と共に、古代神話への関心が高まり、神々も復活。肉体が肯定的にとらえられ、人体の美しさも再認識される。古代彫刻の熱心な研究を踏まえて、様々なヴィーナス像が表現された。古代、ルネサンスからバロック初期まで、様々なヴィーナスのヴァリエーション。会場は、ヴィーナスまたヴィーナスのオンパレードである。面白いのはイタリア・ルネサンスの二大中心地フィレンツェとヴェネツィアの対比。愛の二つの様相 ―卑俗な愛と神聖な愛 ―といった哲学的な議論が盛んだったフィレンツェでは、ヴィーナス像も慎み深い表現が多かったが、一方のヴェネツィアでは、より官能的な女神としてなまめかしい発展を遂げるのだ。そのヴェネツィア・タイプのヴィーナスの代表とも言えるのが今回の目玉、ティツィアーノ作の「ウルビーノのヴィーナス」。所蔵するフィレンツェのウフィツィ美術館からほとんど出たことがなく、ヨーロッパ以外の国に貸し出されるのは初めてというイタリア美術のお宝である。神話の世界の田園風景ではなく、ルネサンスの家具調度に溢れた室内に横たわる女神。絵を見る人と視線を合わせるヌードの女性。かなりエロティック。そんな絵を描いた画家はそれまでひとりもいなかった。この後、室内のベッドで横たわる女神を生涯にわたって描き続けたティツィアーノは後代の画家たちにも多大な影響を与えることとなる。♪～白いシーツの上に、豊かな裸身を惜しげもなくさらす一人の女性。　　ここは誰か名のある貴族のヴィラなのでしょう。　　部屋の奥では二人の侍女が大きな長持ちから女神のまとう衣装を取り出しています。　　侍女たちが部屋を去れば、彼女は今目の前にいる人物とふたりきりになるでしょう…♪～音声ガイドから流れてくる語りもエロティック。リュートの調べに乗って、しばしルネサンスの貴族のヴィラにタイムトリップしましょう。。。ベッドの前に立つと、いやでも彼女と目が合ってしまう。彼女が見つめるのは、あくまでも注文主の公爵グイドバルド・デッラ・ローヴェレなのだが。あら、グイドバルドじゃないの？あなたはだれ？まあいいわ。誰に見られようが平気だわ。まだ侍女たちがいるんですって？　ほら、あなたたち、もう行きなさい。一糸まとわぬその豊かな裸身は自信に満ちて誇らしげ。触れれば溶けそうな白い肌は足先まで滑らかだ。さ、さわっていいですか？だめよ…私に触れていいのはあの人だけ。長いふわふわした髪をほどいて、傾げた頭から肩へと垂れるに任せ、斜めに見上げる物憂げなまなざし。見る者すべてを挑発する。どう？わたし美しいでしょ。いつまでそうやって見ているつもり？愛の悦びや永遠の愛のシンボルとして、ルネサンス期のヴィーナスはしばしば婚礼用長持ちの蓋の内側に描かれたり、夫婦の寝室に描かれたりした。しかし、この絵を受け取って数ヵ月後にウルビーノ公になるグイドバルドは結婚してから4年も経っていたと言う。このヴィーナスのモデルは誰なのか？　何のために描かれたのか？グイドバルドの妻の嫡子懐妊を祈願したとか、グイドバルドの母（！）に似ているとか、諸説あるがいまだ決定打はなく、謎に包まれたままである・・・凡百の女をあざわらうかのようなこの圧倒的な美しさ。女神でなければ絶対に許せない。男だって、こりゃアポロやジュピター級でないと無理でしょう。ウルビーノ公？　…そうね、毎日飽きずに私を眺めていたわ。奥さんだってちゃんといたのに・・・彼女のまなざしに遭うと、おのれの内なる「官能」が呼び醒まされる。やはり愛と美の女神であった。「ウルビーノのヴィーナス ― 古代からルネサンス、美の女神の系譜」国立西洋美術館にて　明日3月4日から始まります。（5月18日まで）

  2008年03月03日

• 藤田嗣治　幻の群像大作　日本初公開！

  「日本到着に伴う記者発表および特別内覧会のご案内」だって？なになに？ 今回は、作品到着直後の特別公開のため、輸送会社の倉庫で内覧会をやると書いてある。へーえ！　美術館以外で内覧会なんて珍しい。そりゃもう行くしかない！りんかい線東雲駅で降りたら、だだっ広いスペースに疎らな高層マンションが屹立する殺風景な埋立地で不安になるが、しばらく行くと、「レオナール・フジタ展内覧会はこちら」という案内の紙と係の人が誘導していた。合っているようだ。クロネコヤマト系の倉庫だった。トラックが丸ごと乗りそうな巨大なエレベーターが、参加者を順次運び上げる。倉庫の2階が会場にしつらえられ、目の前に巨大な作品が置かれていた。これだー！1992年、フランス・オルリー空港近くの倉庫で発見された大作4点。それは、1928年に描かれ、一部は1929年に日本の朝日新聞社でも公開されたものの、その後、長年行方不明になっていた藤田嗣治の「幻の作品」だった。「発見時は、キャンバス地がくるくると丸められ、広げることもできないほどで、雑巾のようにひどい状態でした」アン・ル・ディベルベル女史の流れるようなフランス語が逐次通訳される。女史は、藤田が最晩年を過ごしたフランスのエソンヌ県文化担当官。藤田作品の修復の責任者である。これら4点の藤田作品は、2002年にはフランスの国家財産としての認定を受け、国家プロジェクトとして、第一級の修復家の手で、実に6年の歳月をかけて修復された。そしてこの夏、フランスに先駆けて日本で公開されるのだ。この中の1点は、一昨年東京国立近代美術館で開催された藤田嗣治の回顧展に出品されたのだが、その時点では、ほかの3点の修復はまだ完了してなかったので、4点全部まとまった形では初公開である。うち2点は初来日。3メートル四方の大作である。「ライオンのいる構図」「犬のいる構図」の連作と「争闘 I」「争闘 II」の連作2点ずつひとまとまりだ。特に、「争闘」シリーズの人間の群れがすごい。モリモリした肉感の裸の男女があちこちで取っ組み合い、蹴りあい、殴り合い、絡み合う。まん中で棒を振り回す若い男性の姿がひときわ大きく描かれている。人間たちの傍らでは犬たちも争い転げ回る。人間たちの表情は、怒り、憎しみ、軽蔑、困惑、虚脱？画面は、「すばらしき乳白色」とヨーロッパで当時絶賛された藤田独特の透明感ある白さで、油絵に見えないほどだが、それにしてもこの煩悩地獄。なんという荒々しさだろう！白い肌の美女が頬杖ついて、どこかに猫がいる物憂げな絵という彼の典型的なイメージと全然違う。一昨年の回顧展は藤田嗣治の全体像をとらえようとするものだったが、今回は、「人物群像による大画面構成」という側面に絞り、これら群像大作を中心に晩年の宗教画なども展示する。週末だったが、会場は報道関係者でごったがえしていた。朝日や日経の記者が質問し、ＮＨＫのテレビカメラが作品をアップでとらえる。そのうち、記事や番組が出るんだろう。うちのアート担当のアメリカ人エディターにもこの内覧会のことを教えてあげたら、ちゃんと来ていた。ガールフレンドも連れてくるあたりがガイジンのノリだけどね。。「倉庫で内覧会なんて、なんか特別なクラブみたいでエキサイティングだね！」とか「フジタの絵はあまり好きじゃないけど、これはまた違うなー。　この宗教画のスケッチもいいね！」とか言って喜んでいたけれど、さて、うちの紙面ではどんなふうに紹介するおつもりでしょうか？藤田嗣治(1886～1968)は、東京美術学校を卒業してすぐ、1913年にパリに渡り、やがてパリ画壇の寵児となった。1931年、藤田は一旦フランスを離れ日本に帰る。スーツケース一つで帰国したので、フランスに置いてきた作品が戦時中どうなったかについてはいろいろと謎が多い。ディベルデル女史によると「小説のようにロマンティック」で、目下研究が進められているそうだ。戦後再びフランスに渡り、フランス人としてその生涯を終えた。帰化してレオナール・フジタと名乗り、キリスト教に改宗。最晩年には宗教画の傑作を多数残している。ランスの「平和と聖母の礼拝堂」は、フレスコ画、ステンドグラスから、細部の装飾にいたるまで、フジタが手がけたもの。その原寸大のデッサンや、再制作されたステンドグラスなども、今回初公開される。こんな日本人がいたのか・・・エソンヌ県の自宅アトリエでは、家具や食器や小物も手作りして、君代夫人と共に、近所の子ども達と心温まる交流を持ちつつ、幸せに暮らしたそうだ。まっすぐ切り揃えられた前髪のおかっぱ頭に丸い眼鏡。かなり変人に見えるんだが、このスタイルは終生変えなかったようで、晩年の自画像はこのままの形で白髪だ。この数奇な異邦人の生涯について、もっと知りたくなる。現在、エソンヌ県ではアトリエ・フジタに隣接して、「フジタ美術館」の建設を計画。完成後は「群像大作」を常設展示にする予定。その前に貸し出されたこれらの大作を日本で見られるのは今回の展覧会が最初で最後です。どうぞお見逃しなく…！「没後40年　レオナール・フジタ展」7月に札幌の北海道立近代美術館をスタートとして、全国5会場を巡回。東京では、上野の森美術館にて、2008年11月16日～2009年1月18日。

  2008年03月01日

• ルノワール＋ルノワール

  印象派を代表する画家ピエール＝オーギュスト・ルノワールの絵は誰もがどこかで見たことがあるだろう。美術館の本物ばかりでなく、複製が学校の壁に飾られていたり。画集やカレンダーにもしばしば現れるポピュラーな巨匠の一人。また、映画通の人なら、映画監督ジャン・ルノワールの作品を知っているのだろう。彼は画家ルノワールの次男。この父と息子の作品を並べて同時に紹介するというのがこの展覧会のコンセプトである。ルノワールは2000点に近い肖像画を制作し、ジャンをはじめ家族を好んで描いた。会場に入ってすぐ目に飛び込んできたのは、妻アリーナの肖像。パリの洋裁店でお針子として働いていた、シャンパーニュ地方出身のアリーナは、モンマルトルの食堂で画家と出会ってすぐに恋人になり、モデルをつとめるようになる。この絵は、長男ピエールを出産した直後に描かれたもの。麦藁帽をかぶった丸顔にふくよかな体つき。いかにも健康そうな女性の姿である。妻として母としての自信を感じさせる落ち着いた微笑みに真正面から目が合うと、見る者にも幸福のパワーが伝わってくる。若い頃のルノワールの自画像は細面てでかなりのイケメンだ。次男ジャンの丸顔はお母さん似ってことだな。。晩年のルノワール夫妻の写真があった。白髪で車椅子に座った画家の肩に手を置いて寄り添う妻。生涯添い遂げた夫婦の写真になぜかすごく感動した。二人は3人の息子に恵まれた。長男ピエールは俳優に、次男ジャンは映画監督に、三男クロードは陶芸家。彼らは生まれた時から父の絵のモデルとなり、父の絵に囲まれて育った。父という存在は息子達にかなりプレッシャーを与えるだろうと思うのだが、よくぞ息子達はちゃんと育ち、それぞれ才能を発揮したものだ。農家育ちのあったかいママンがしっかりしていたんだろうな。。画家のパパも優しくて、幼い息子達をモデルにするときに「動かないで」なんて決して言わず、夢中で遊んでいる姿をイキイキととらえた。息子達はモデルになるのだ全然イヤじゃなかったそうだ。幸せな家族だなあ。ジャンは自伝にこう記している。「私の一生は、父が私に与えた影響を確定しようとする試みに費やされたようなものだ。なにがなんでも父の影響から抜け出そうとやってみた時期から、自分勝手に父から学んだと思ったやり方を何かにつけて振り回してみた時期に移行したり、また元に戻ったりだった。」会場には、画家ルノワールの絵と、息子ジャンの映画の抜粋が並べられている。「陽光の中の裸婦」の横には、映画「草の上の昼食」の中のなまめかしい水浴シーンが映し出される。また、「ぶらんこ」の絵の傍らには、映画「ピクニック」の中でヒロインがブランコに乗っている。映画の方はあまり知らない。展示のミニスクリーンで上映されているシーンの前の話を知りたくなり、続きも見たくなる。ちょうど始まる「ジャン・ルノワール映画の世界」にも行ってみようかな。。父と子の表現の根底に流れる共通性を探り出そうとして興味深い。父と子の確かなつながりが感じられ、家族の絆が心に響く展示だった。「ルノワール＋ルノワール」Bunkamura ザ・ミュージアムにて　2月2日～5月6日「ジャン・ルノワール映画の世界」東京日仏学院にて　2月1日～2月29日Bunkamura ル・シネマにて　2月9日～2月22日東京国立近代美術館フィルムセンターにて　4月1日～4月23日

  2008年02月02日

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  大人の塗り絵

  関西に住む友人からひょっこりメールがきました。「作品が入選しました！」おおーっ、やったね！　東京でも展示されるの？　見に行くよ！そこで、銀座の松坂屋に行ってきました。「ぬりえ？」と侮るなかれ。シンプルだけど、奥深い塗り絵の世界。塗り方や塗る道具によって、同じ図案でもまったく異なった絵になります。丹念に色をつけていく作業は、さぞや根気がいることと想像しますが、そうした集中は心の安定をもたらす至福の時なのかも知れません。「疲れた心をリフレッシュ」ということでブームになり、河出書房新社の『大人の塗り絵』シリーズは160万部突破のベストセラーになっています。大人の塗り絵（ゴッホ編）第2回のコンテストとなる今年は応募総数3257点！塗り絵ファン人口もかなりのもののようです。その中で厳正な審査を経て選ばれた約240点の作品の展示はとても見応えがありました。見本に忠実で緻密な作品もあれば、自由な発想でアレンジしたものもあり、同じ図案とは思えないほど、バラエティに富んでいます。「ゴッホシリーズ」の中には、あの超有名な「星月夜」を真っ赤に表現したものがあって、すごいインパクトでした。そういう意味では塗り絵という形での「世界で一つだけの絵」になるのだと思いました。彼女の作品はどこかな？と目を凝らして行くと……ありました！葛飾北斎原画の『花鳥風月編』です。「桜に鷹」「菊に虻」などに並んで、彼女が彩色した「朝顔に蛙」があります。色鉛筆、水彩、クーピーといった作品が多い中で、「顔彩」とは、さすが渋いなあ～　 会場にあった題材のテキストと見比べてみると北斎のオリジナルに比較的忠実な渋い「和」の色遣いを基本に、ぼかしの技術を生かした花の立体的な表現や、金泥を使った背景など、より陰影のある重厚な仕上がりになっていて、あっさりした木版画とはまた違った味わいがあります。一心に色を塗っている彼女のうつむいた横顔を目に浮かぶようでした。京都の下宿で一緒にいた頃、彼女は友禅染めの仕事をしていました。一度、仕事場の工房を見学させてもらったことがあります。伝統工芸の厳しい世界に目を見張ったものです。その後、彼女も私も紆余曲折を経て、同じような年頃の子を持つ母となっていますが、彼女がいつも「美しいもの」への思いを持ち続けているのは、折にふれての便りからも感じていました。プレゼントのビーズの手作りアクセサリーは今も大切に使っています。子ども達の学校の活動でも、イラストを描いたと言ってたよね。本当に好きなことは、どんな形ででもずっと続けていけるんだね！「いつか本格的な日本画を描けるよう励むつもりです(^_^)v」そうだね！がんばろうね。私は…書き続けるよ！会場の作品のひとつひとつから、慌しい日常生活の中で、ひととき、心をこめて一色一色丁寧に色をつけていく筆致や、一人一人の息づかいまで感じられます。写真も撮ってみましたが、なかなかとらえきれません。ぜひ、会場へ足を運んでみてくださいね。「大人の塗り絵コンテスト　入賞作品展」銀座松坂屋本館7階催事場にて、11月13日の火曜日までやっています。関西では、高槻松坂屋4階サロンカトレアにて2008年1月10日（木）～15日（火）開催予定！ともに入場無料。

  2007年11月10日

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  水とデザイン

  「私達を取り巻く自然や社会に対して、デザインはどのような方向性を示すことができるでしょうか？」六本木の東京ミッドタウンと合わせて2007年3月にオープンしたデザイン専門施設21_21DESIGN SIGHT。日常生活に根ざしたテーマを取り上げて、デザインについて考える場所。それも、単に「デザインを見せる」展示ではなく、「デザインによってテーマを示す」という新しい視点の実験なのだ。オープン第2弾はのテーマは「水」。「おいしい牛乳」や「ロッテのガム」のデザインで知られるグラフィックデザイナーの佐藤卓をディレクターに、文化人類学者、写真家、照明デザイナー、デザインエンジニアなど、多分野で活躍する人々でチームを結成し、さまざまな角度から人と水との関係を考える。まず、建物の外観が独特なのだ。安藤忠雄設計の低くて横長で屋根が地面に向かって傾斜する基地のような建物が、ミッドタウンのメインの建物の脇に作った緑地帯に寝そべっている。え？これだけ？と一瞬思うが、中に入ると、下へずんずん降りていく階段があり、地下に不思議な空間が広がる。ほーお、迷宮探検のようだ。階段から続く通路の壁に並ぶちょっと太目の試験管に顔を近づけると、中に妖しい文字が浮かび上がった。「涙は水棲動物の証し」試験管1本1本に違うことが書いてあり、次は次は？と読みたくなる。「日本の上空には常に100億トンの水が浮かぶ」「誰もが誰かの川下であり、川上である」「近代は水に背を向けた文明である」「すべての人生は水の中で始まる」「スローな水のデザイン」ふーん。誰の言葉なんですか？と聞いたら、係のお姉さんは、「今回のコンセプト・スーパーバイザーの文化人類学者　竹村真一先生が中心になって出したムック『water [水：mizu]』の中に出てくる言葉なんです」と答えた。そうか。その本、買って帰ろう。その竹村先生の言葉が地下一階の真ん中の壁にあった。「この世で最もありふれた存在でありながら、最も“有り難い”物質である水――。」その先の薄暗い空間を探検していると、いろいろな仕掛けがあって、水と人間との関わりをいろいろ考えさせられるようになっている。食堂のメニュー見本が並び、券売機で、たとえば牛丼のボタンを押すとジャーッと水の流れる音がして食券が出てくる。「2000リットル」という印字。牛丼一杯を作るのに必要な水の量だ！牛の餌を育てる水、牛が飲む水、米を育てる水…などなど。牛肉を大量に輸入するということは、大量の水を他国に頼るということでもあったのだ。こんなふうに水で世界を眺めてみると、どんな世界が見えてくるのか？メインギャラリーには遊園地のコーヒーカップのような形の水盤が10個ほど並び、覗き込むと、昔話に出てくる魔法の泉のように「何かが見える」ようになっている。台風の目だったり、雪の結晶だったり、水没した村の映像だったり。「さらさら」とか「ぴちゃぴちゃ」という水の擬態語。乱舞する文字を思わず追ってしまう。水の分子構造の水素と酸素の動きは、社会における人と人の結びつきにとても似ていて、今こっちと手をつないだかと思えば、次の瞬間には違うヤツとつながっていったり。「水の問題はいまに始まったことではなく、むしろ人類史は、水の確保と共生のシステムを絶えずデザインしなおしてゆく歴史でもありました。」竹村先生のコメントが興味深い。「日本も、実は水が豊かな国ではありませんでした。急峻な地形ゆえに、降った雨はあっという間に海へと流れだし、洪水と渇水をくり返す…。このファストな水を日本人は何百年もかけて、川のつけ替えや水田という自然のダムを使った「もたせ」の技術によって、スローな水にデザインしなおしてきたのです。」ここで「デザイン」という言葉が使われていることにハッとした。そうか。「デザイン」というのは、何もモノの形をいうだけではなく、ある対象との関わり方を形作ること、というもっと広い意味があったのか…！「…現在の水道システムや水との疎遠な関係も、リデザインしうる対象として意識しなおせる。」今回のプロジェクトのシンボルマークは、佐藤卓のデザインによる「さかさかさ」。人が逆さに傘を持っている姿。白のバックにブルーのマークが映える。「雨水利用を呼びかけるマーク」として世界で共通に使用されることを願って制作された。「雨をよける傘は、逆さにすれば雨を集める道具にもなる」なんと！素晴しい発想の転換に拍手！！様々な国の人が傘を逆さに掲げて立っている写真が並んでいた。ドイツ、ブラジル、ネパール、ケニア、中国…老若男女が逆さの傘を手に、にっこり笑っている顔は力強いメッセージで心を温かくしてくれる。こんな簡単なことで、地球の水を守れるかもしれない。こんな簡単なことで、世界を少し変えられるかもしれない。こんな簡単なことなら自分にもできるかもしれない。こんな簡単なことなら呼びかけることができるかもしれない。賛成する人の輪ががいろいろな国に広がって行くかもしれない。会場入り口の天井から傘が吊り下げられている。自分がその下に立ち、写メで送れるようになっているのだ。傘を逆さにしてみる。こういう発想の柔軟さが大切なんだな・・・！私達を取り巻く自然や社会に対して、デザインはこのように発想の転換や方向性を目に見える形で示すことができる。冒頭の問いに対する回答とメッセージが伝わってきた。遊び心もいっぱいの不思議空間で、水のイメージと戯れ、母の子宮にいた頃の水の記憶を呼び覚ますような水音にしばし目を閉じる。この大切な地球の水をぜひとも守らねば。そのために私には何ができるか？考えてみようと思えるのだった。「water」21_21 DESIGN SIGHTにて、1月14日まで。

  2007年11月09日

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  ぶんぶくちゃがま

  　　　筑前国芦屋津で作られた茶の湯の釜「芦屋釜」。　　　釜肌を彩る華麗な文様表現は、　　　中世の鋳物師の情熱が生み出した　　　鉄の芸術である。…こういうチラシを見て、すぐ紙面で紹介しようと思うのは、よくよくキャッチフレーズに弱いお客というものだが、ニッポンの茶の湯Tea Ceremonyに関心のあるガイジンは多いし、普通の茶道具展と違って、茶釜だけ集めてくる展覧会は珍しいと思ったのだ。東急沿線、上野毛駅から歩いて5分ほどの五島美術館は、東急電鉄の創始者・五島慶太が半生をかけて収集した日本と東洋の古美術品をもとに、昭和35年に開館した美術館。国宝「源氏物語絵巻」を所蔵する美術館として知られる。土曜日の昼下がり。「文化の日」は例年晴れることが多いというジンクス通り、爽やかな好天である。いつも思うのだが、世の中、あらゆる分野にコアなファンがいるものだ。この前日にあった朗読とジャズピアノのコラボのコンサートが満席だったのも私にとっては意外なことだったが、今日、五島美術館で催された「芦屋釜について」という講演会が満席だったのも新鮮な驚きだった。「講演会は午後2時より、当日入館者聴講無料、椅子席100名先着順。午後1時より聴講整理券を発行します」と書いてあるものに、午前中、子どものサッカーの試合の応援に行った後、直行して12時40分に着いた。少し早かったかなと思ったが、もう20人ぐらい人が並んでいる。こういう講演会にも結構、人が入るんだー、へええ…私なんか、仕事でもなけりゃ、ぜったい来なかっただろうけどね。ちょうど「文化の日」だからか、美術館ではお茶会も催されており、渋かったり麗しかったりの着物姿が庭内をそぞろ歩く。お茶会と講演会の掛け持ちの人もいるようだ。ご熱心。。聴講者の大部分はシニアのおばさま方。「あら、おひさしぶり」なんて声を掛け合う。茶道業界のお師匠さんか、長年お稽古に励んできた奥様達といったところだろうか。いやあ、縁遠い世界だなあ…恥をさらすようだが、私には日本文化の素養がない。そのことに気づいたのも外国に行ってからだった。夫がドイツ大使館に出向中、館員の配偶者達は、いわば日本文化の広報の一翼を担う感じがあったのだが、いやあ向いてないのなんのって。私なんにもできません。すみません。みたいな。大使公邸の生け花を手伝いに行くのは楽しかったが、自宅ではテキトーに生けたいし、着物の着付けも教わったが、すっかり忘れてしまった。普段着ないからね。お茶にいたっては、正座がダメだし、あの細かい所作のルールが肌に合わなくて、全然やる気が起こらないまま終わったのだった。「日本女性はそういったことを身につけているのでしょう？」みたいな、ガイジン達の期待のまなざしに対しては、にっこり笑ってゴメンナサイと言うしかない。紹介文を書くからと思って参加した講演会だったが、情けないことに、5分と経たないうちに睡魔に襲われた。日頃の寝不足のせい？　でも、昨夜のコンサートではちっとも眠くならなかった。やっぱり興味の問題だろう。講師の東京国立博物館上席研究員の先生の声の波動にどうしてもチャンネルを合わせることができない。時折ふと目が覚めて、ほかの人もさぞや眠かろうと周囲を見回すと、さにあらず！和服姿のきりっとしたお師匠さん（きっとそうだ！）が熱心にメモをとっている。私の隣のオジサンは、茶道具を扱う骨董屋の主人だろうか？（勝手にそう思ったのだが）講師の話にいちいちうなずきながら、レジュメをめくっている。うわ～やっぱり興味のある人には眠くないんだ、この話が。よっぽど、途中退席しようかと思ったが、講堂にぎっしり並んだ100席の椅子の列の中ほどにいた私は抜けるに抜けられず、予想以上に長い2時間の講演を耐え忍ぶばかりだった。最後に講師が「今日お話したことはこの図録にもだいたい書いてありますので、よろしければお求め下さい」と言った。話をほとんど聞き逃してがっかりしていたので、ほっと安堵して図録を買い求めた。これがなかなか面白いではないか。「芦屋釜とは何か？」から順々に説き起こしている。なーんだ。最初からこれを買って帰ればよかったじゃん。先生すみません。茶釜が50点も並んでいるのは壮観である。かの利休が愛用していたという茶釜もあった。茶釜といえば「ぶんぶくちゃがま」を連想してしまう私にはそのうちタヌキのしっぽが伸びてきそうに思えてしまうのだが。。こんな不届き者が茶釜の展覧会について何か書くのは、まさにおこがましいことだが、英文情報の乏しいジャンルだから記事の希少性はあると言える。このよくできた図録でにわか勉強して、この日いちばん素敵だと思った鹿の文様が描いてある重要文化財の茶釜の写真つきで紹介することにしよう。今日、整理券をもらうために並んでいる間と、2時まで時間をつぶした喫茶店で、多和田葉子が93年に芥川賞を受賞した『犬婿入り』を読んだ。犬婿入り同じ文庫本に『ペルソナ』という作品も収録されている。ドイツに留学している日本女性が、「文化的差異の中における差別と、自国の文化・言葉からも拒絶される宙吊りにされた身体が描出される」という解説のなんと見事な要約。つまり、彼女は、ドイツ人からも理解されず、バイト先の日本人駐在員夫人達との会話でも違和感を感じるというシチュエーション。わかるなーー、こういう感じ。『犬婿入り』の方は、浮世離れした主人公の女性が、犬と化した？男と交わる不思議な物語で、犬男に逃げられたキツネのような女房も出てきてギョッとした。茶釜の講演会で感じた場違い感と、会場で見たタヌキのような茶釜たちとしくんだようにフィットする小説2作品。茶釜を見るたびに思い出しそう。。。「芦屋釜の名品　　～筑前 釜の里が生んだ鉄の芸術」五島美術館にて　10月27日から12月2日まで

  2007年11月04日

• 現代アートに迷い込む

  先週の金曜日、東京都現代美術館のプレスツアーに参加してみたら、今までになく盛況で、あちこちの局のテレビカメラも入っていた。実は初めて行く場所だった。雨の中、清澄白河の駅から結構遠くて、方向違いに歩き出してしまったらすっかり迷って、あわや遅刻。ようやく、木場公園にたどり着いて、だだっぴろいグランド脇の未来的な建物に入ることができた。これがもう、迷えるアート探検の序章だったのだ。美術館の巨大な吹き抜けの空間に浮かぶ銀色の四角い飛行船。なにこれ？！？！のまま、ただ見上げる。ゆらりゆらり、微妙に動いている。キュレーターの長谷川祐子女史が、次々とアート作品を紹介し、作品の傍らに立つ作者がひとこと挨拶する。13カ国34アーティストのうち20人ばかりが会場にいただろうか。若くて型破りでシャイでナイーブな彼らのピュアなオーラが印象的だった。そうでなければ、こんなものを作ろうと思ったりしないんだろうな…たとえば、アシューム・ヴィヴィッド・アストロ・フォーカスというユニットの2人組のアーティストは（バンドみたいにグループ名で名乗っているのかな）人前に顔を晒すことすらできないほどシャイとかで、ゲゲゲの鬼太郎のお父さんのような大きな眼球のお面をかぶったまま、作品の説明をした。廃材やプラスチックの並板など、ゴミのようなもので作ったラフなほったて小屋。だが、中に入ると、ポップなグラフィックや映像、ネオンなど楽しいライブな要素に満ちた素敵な空間が出現するのだ。山谷など東京の街をリサーチして提案した「未来の空間」なんだって。それにしても、最新アートの話は、言葉で説明してもらうとなるほどそういうことかとわかるし、作品だけ見ると、「ワー面白い！」ぐらいは思うのだが、その間には？！？！いう迷宮があって、凡人の私は困惑を隠しきれない。リリースにはもっともらしいことが書いてある。「SPACE FOR YOUR FUTRUE」というタイトルにおいて、「SPACE」は単なる物理的な空間でなく、自分の身体と外部を含んだ一つの環境を意味します。たとえば、服を着るという行為について環境と自身の内的スペースの関係の問題として考えたとき、服と家具、服と空間構成を一つとしてとらえていく考えが生まれます・・・うん、なんかわかるような気がするけれど。作品になるとまた？！？！ともあれ、そういうコンセプトで、アーティスト達は複数のジャンルや表現方法を自在に操りながら、表現を行なっている。それが、ますます複雑化していく21世紀を生き延びる切実な手段だというのだ？！？！いや、言葉では説明しきれないけれど、普段、漠然と感じている心もとなさをどうにかしようとして、ビジュアル化してみたら、このように様々な摩訶不思議な物体になったということかもしれない。あえてわかろうとするのはやめよう。感じよう。感じる？イタリアの女性アーティスト、エリザベート・ディマッジョは大きな瞳を見開いて展示空間に浮かぶ白いレースのような作品について訥訥と語った。薄い紙を手作業で丁寧に切り抜いたのです。微生物の細胞の形は道路地図のようにも見える。エルネスト・ネトの「ヒューマノイド」は、椅子のようなクッションのような作品。鑑賞者が自由に中に入って（着ると言ってもよいが）体感しつつ自らその一部となって完成させるソフトな「彫刻」なのだ。こういうものは入って触ってみるしかないね。それだけのためでも、もう一度行こうと思っている。コンピュータの３Ｄデータがそのまま立体として塑形される技術によって自己増殖する不定形な都市のイメージを視覚化したもの。フセイン・チャラヤンのドレスの表面はイルカが泳いでいる動画の映像が発光ダイオードで浮かび上がる超「光りモノ」だ。蜷川実花の金魚と花の部屋。あまりの赤さに酔う。タナカノリユキ撮影の百面相。よく見たら、ぜんぶ沢尻エリカだった。壁一面の百種類のコスプレは、まさに世間を騒がせるだけのことはある過剰さだ。面白かったのは、サッカーをテーマにしたBLESSのインスタレーション。部屋の中で、男女入り混じってサッカーボールを追う。両チームとも同じ一つのゴールを目指す。ゴールの近くに絵画や家具など高価な調度品が置いてある。ゴールが入るとその調度品は破壊されてしまう。キーパーは部屋の住人。ゴール前のソファに座って守っている。来る時迷ったせいで、不適切なルートをたどったため、帰りもまた迷った。もう暗くて、駅まで遠いし、一人だったから。どこにもたどり着かない道。何度角を曲がっても同じ建物。道行く人に尋ね、教えられた通りに行けども行けども、目指す駅はまだ見えない。こういう状況もまた、現代アートのモチーフになりそうではないか？！？！絵とか彫刻とか写真とか建築とかファッションとかデザインとかそういうジャンル分けを取っ払って、アーティスト達はとらがたい何物かを掴み取ろうとしている。それを私達に伝えようとしている。なんだろう？なんだろう？？「SPACE FOR YOUR FUTURE　―　アートとデザインの遺伝子を組み替える」東京都現代美術館にて先週末10月27日より来年の1月20日まで

  2007年10月30日

• 昭和は遠くなりにけり

  「昭和」という元号は、もはやノスタルジックな響きを持っている。大学を卒業して働き始めたばかりの頃に元号が変わった。上京して日が浅かった好奇心も手伝って、職場の同期とぞろぞろ皇居前まで記帳に行ったことを思い出す。「昭和」は、私にとって、そんな若気のいたりの日々を指すのである。何年か働いて仕事を辞め、子どもを産み育てながら引っ越して引っ越して……なんていう話はすでに平成になってからのことだ。最初の子はもう高校生になった。息子達にとっては、昭和時代の話は、かつて、私達が親から戦争の話（それだって昭和だ）を聞かされたときに感じたような、別世界の物語に聞こえるのだろう。東京都写真美術館で今年5月から開催されてきた昭和シリーズが最終パートを迎えた。最初の「第1部　オキュパイドジャパン（占領下の日本）昭和20年代」は敗戦の日の太陽の写真からスタートした。復員兵のはじけるような笑顔。とにかく生きて帰って来た栄養失調児のガリガリに痩せたお尻。施設に並んで立つ。廃墟の街角でタバコを吸う浮浪児。親はもういない。どうしようもなく心を揺さぶられ、涙が止まらなかった。両親や祖父母から聞いた遠い物語が目の前に突きつけられていた。事実の訴える力に圧倒される。残念ながら、その後の第2部と第3部には行きそびれた。戦後の復興から立ち直った日本の高度成長期の頃の写真だったはずだ。最終章である第4部は・・・オイルショック後、昭和50年代の低成長時代からバブル期まで。そして、昭和が終わる。今日見た写真には、第1部ほどの衝撃は受けなかった。戦争、廃墟、復興という極限の日々のような切迫感はないし、その後の希望に満ちた右肩上がりの時代とも違う。ただ、とっくに物心ついていた自分が、その時そこで生きていた、という鈍い痛みのような感覚があった。しかも、なんと古めかしく見えることだろう。たった20年しか経っていないのに。1985年の8月に、阿佐ヶ谷の歩道でラムネをラッパ飲みしている小学生。坊主頭にランニング姿のその少年は、まるで、大昔の子どものようにレトロな風情だけど、私よりずっと若いんだなあ。。。ショック。昭和62年、橋口譲二撮影の「十七歳の地図」というシリーズがあった。自分より少し若いけれど、かなり近い世代だ。高校生にして、もはや自分の将来に途方もない夢など持たない彼らの醒めたまなざしは、時代の気分を映している。バブルの狂騒の中で、刻々と変わって行く風景。元の姿を知らないものもある。私が東京に来てからもずいぶん変わったけれど、しばらく経つと忘れてしまうものだ。。ドームができる前の後楽園。ヒルズが立つ前の六本木。写真はいつまでも記憶にとどめる。展覧会のオオトリは、「昭和最後の太陽」　　昭和64年1月7日　川田喜久治撮影天体望遠鏡を使って、漆黒の闇の中に太陽を浮かび上がらせる。一つの時代の終焉。「昭和　写真の1945～1989　第4部　オイルショックからバブルへ」東京都写真美術館にて　10月20日～12月9日今日からはじまりました。

  2007年10月20日

• かごを編む

  このあいだ、オーストラリア大使館で隣の席に座っていた人と知り合いになった。60代だと言うその上品な女性は、シルバーのボブに眼鏡というスタイルが、ちょっと委員長っぽい女学生がそのまま年輪を重ねた風情、通訳の日本語を聞く前に、うなずいたり笑ったりされているので、「オーストラリアにいらしてたのですか？」と尋ねると、「いえ、主人の仕事でアメリカにいたことがあるんですよ。でも、英語はどんどん忘れます」とご謙遜。そうか、駐在員の奥様だったんだな・・・かごを作っているとおっしゃったので、てっきり、手芸が趣味なのかと思って、「そうなんですか～いいですねー。そう言えば、今、工芸館で30年展やってますよね」と軽く話題にしたら、「そうそう。私のかごも３つぐらい出てますよ」というお返事。　　　えええーーっ！！そんなすごい芸術家の方だとは知らずに大変失礼いたしました。とても感じのよい方で、大使館にもお知り合いがいるらしく、おかげさまで、一人で来ていた私も、今日は所在無い思いをしないで過ごすことができた。今日、仕事を昼過ぎに終えて、工芸館に足を運んでみた。竹橋の駅から、皇居の堀端の道を行く。国立近代美術館の前を通り過ぎて、さらに坂道を登って400メートルほど行くと、北の丸公園の中に、赤いレンガの建物が見えてくる。明治43年（1910）に建てられた旧近衛師団司令部庁舎である。戦後、取り壊しとなるところ、明治洋風レンガ造り建築の一典型として昭和47年(1972)に重要文化財に指定され、昭和52年(1977)に国立近代美術館の分館としてオープンした。「軍国主義の象徴が、美の殿堂として生まれ変わる」という見出しの当時の新聞も展示されている。明治以降、とくに戦後の工芸作品を収蔵、展示してきたその30年の歴史を振り返る展覧会を開催中である。陶磁、ガラス、漆工、木工、竹工、染織、人形、金工、工業デザイン、グラフィック・デザインなどなど、約2,600点の中から、セレクトされた優品が並ぶ。松田権六の鷺の図柄の蒔絵の箱。富本憲吉の色鮮やかな器。そのほか、寡聞にして、あまり作家名を知らないのだが、日本の伝統技術を踏まえた上で、新しい時代のデザインを模索する職人かつアーティスト達が、精魂込めて作り出した「世界に一つだけ」のモノ達である。かご、かご…と思いながら、順々に見ていったら、あった！！1994年の「素材の領分」展のコーナーに、「関島寿子」という名前を発見した。いただいた名刺の通りだ！素材と形の異なる三つのかごである。柳とヨーロッパのシナノキを用いた背の高いかごは大きな幾何学的な網目。風が吹き抜けて行くような軽やかさだ。手前左の桑の木で編んだかごは小ぶりで、四角っぽい中にぎゅっと目の詰んだ襞がたたみ込まれたユニークな形。その右隣には、榎、欅、柳でびっしりと編みこまれた丸いかごがある。鳥かごに入れる小鳥の巣のようなしっかりと整った丸い形。これらを一心不乱に編んでいる関島さんの姿を思い浮かべた。これまで、工芸品の展覧会では、つい、出来上がりの作品の美しさに見とれるだけだった。この前に行ったティファニー展のジュエリーにしてもそうだった。この全てのものが、生きた人の手によって作られたのだという、至極当然のことに今さら気づかされる。このかごを作ったのは、このあいだ実際にお会いしたあの素敵な女性なのだ。そう思うと、ほかの作品を見るときにも、どんな人が、どんな思いを込めて、これを作ったのであろうかと想像して、器一つにも親近感が増すのである。「開館30周年記念展 I　 工芸館30年のあゆみ」東京国立近代美術館 工芸館にて、12月2日まで

  2007年10月19日

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  ティファニーで週末を

  日曜の昼下がり。いつもしっとり落ち着いた庭園美術館だが、思ったより混んでいた。やっぱりティファニーって人気あるんだなあ。昨日あたりからの冷気を感じてか、人々も秋色のシックな装い。茶色のジャケット、深緑のカーディガン、パープルのタイツ、黒のブーツなどなど。ほかの展覧会に比べて若いカップルも多い。おしゃれして美術館でデート中のお二人、手をつないでガラスケース内のジュエリーをじっと見つめる。いいですね。。1837年創業以来、170年のティファニーの輝かしい歴史を、200点ものジュエリーや装身具によって紹介する充実した展覧会だった。ヨーロッパの伝統ある宝飾工芸を意識しながらも、ティファニーは、アメリカ独自の美意識を取り入れた新しい作品を生み出す。初期のティファニーが日本的な技法やモチーフを取り入れているのが面白い。トンボ、カエル、魚、鳥、など日本の金銀細工や蒔絵にありそうな図柄のジャパニーズ・スタイル・ジュエリーを発表して評判になった。1900年のパリ万博でのグランプリ受賞などを通じて、ティファニーは、高級宝飾ブランドとして世界的に認められるようになる。アメリカという若い国が誇るアメリカン・ジュエリーの誕生である。創業者、チャールズ・ルイス・ティファニーは企業家精神あふれるアイデアを次々と実現して、成功を収めた。エンゲージリングの立爪ダイヤ「ティファニー・セッティング」を考案したのも彼。リングの環の部分から石を離すことで、ダイヤモンドの輝きが一層増す。今でこそ、古臭いと思われそうなスタイルだけど、それまでヨーロッパでは誰も思いつかなかった。…実のところ私は、宝石なんて興味ないさ、と思っていました。そういうものにお金を使うぐらいなら、ほかに買いたいものがいっぱいあるし、そもそもそんなお金があるわけもなし。何なんだろうな・・・と思って先週『ティファニーで朝食を』のDVDを見てみました。こんな有名な映画なのに今まで見ずじまいだったので、ちょうどいい機会でした。冒頭から、ニューヨーク5番街のティファニー本店。開店前のショーウィンドーを眺めながら、オードリー・ヘップバーンが立ったまま、紙袋から取り出したパンをかじり、コーヒーをすする。ストーリーの中で、オードリー演じるホリーは「気が滅入る時にはティファニーに行くの。ダイヤモンドが欲しいわけじゃないのよ。でも、ティファニーには不幸なんて、ありはしないの」と言っていた。ふーむ。。また、ポールと一緒にティファニーに行って、10ドルの予算で買えるものがないかと尋ね、オモチャみたいな安リングに10ドルで名前を彫ってもらうことにするシーンがある。（ええーーありえなーい。ティファニーで10ドルだなんて、そんな！）と思ったが、それは間違いだった。ティファニーは大金持ちだけを相手にしていたわけではなく、この展覧会の音声ガイドでも、1890年代のパラソルは「10ドル～1,000ドル」という実に幅広い価格帯が設定されていた、と説明があった。あのシーンに出てきた本店店員の渋いおじさんの丁重な態度はティファニーの好感度アップに大いに貢献したことだろう。映画自体は、なんか？？？？みたいな話でした。だいたい相手役の新進作家のポールと、土砂降りの中、二人はひしと抱き合いキスーーーー　ENDはあ？これで終わりなの～？　さすがハリウッド！あの猫が見つからなかったらどうなってたんだよーまったく。・・・というわけで、私には残念ながらピンとこなかったんですが、少なくとも、オードリー・ヘップバーンが素敵で可愛くて、ティファニーが良い店だということだけは納得が行きました。そんなことを思い出しながら、お宝ジュエリー達をじっくり眺めて行くと、ひときわまばゆいコーナーにやってきます。ダイヤモンドでした。ダイヤってやっぱり違うんですねー、輝きが。キラキラ、キラキラ！光が当たるごとに、その反射光がホントに眩しくて目がやられます。中でも別格の大きさと燦然たる輝きを備えた「ティファニー・ダイヤモンド」が出展されています。128カラットの巨大なダイヤの上にジュエリーの鳥が止まっている「バード・オン・ア・ロック」なるブローチです。その隣にある大きな写真。「ジーン・シェランバーぜーがデザインした、ダイヤモンド・リボンネックレスにセットされたティファニー・ダイヤモンドを身につけるオードリー・ヘップバーン」ティファニー・ダイヤモンドが実際に女性の胸元を飾ったのはたったの2回。そのうちの1回がこのオードリー・ヘップバーンなのです。『ティファニーで朝食を』の広報用写真として撮られたものでした。にこやかに微笑む堂々たるオードリーの姿を見ると、なぜだか「ムーン・リバー」のテーマ曲が頭の中でワンワン鳴り響いてこんなところでふいに涙してしまいました。この展覧会って泣くような内容じゃなかったはず！なんですが、どうして？あまりにも美しくて、女神のようで、こういう人でないと、宝石なんて身につけちゃいけないんだと思って。でも、こういうふうになりたいとも思って。宝石を所有したいわけじゃない。ただ、こんな宝石が似合うような女性になりたい。大きなダイヤに負けないぐらい堂々とした女性に。宝石なんて興味ないと思ってちゃいけないんだね。私には関係ないと思ってしまってはいけないんだね。どんなに笑われそうでも、かけ離れたことであっても、こんな女性に憧れて、精いっぱい背伸びして一歩でも近づけるように生きて行くのはいいことじゃないか！ジュエリーを見に来てそんなふうに感じるなんて自分でもとても意外でした。ティファニーが追求してきた美のパワーかもしれません。「世界を魅了したティファニー　1837-2007」東京都庭園美術館にて　　10月6日より12月16日までロンドンを皮切りに世界巡回中ですが、日本ではこの庭園美術館のみです！

  2007年10月15日

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  上野公園で芸術の秋

  三連休の2日目。明日は天気が崩れるという予報もあり、上天気の今日のうちに繰り出した人々で上野公園はにぎわっていた。六本木アートトライアングルと謳った再開発地の新しい美術館も盛況だが、やはり、お馴染み上野公園の広い敷地だからこそ、小さい子どものいる家族連れの姿も多く、動物園へ美術館へ博物館へと、それぞれの目的地に向かう人の流れが交差する行楽ムード。国立西洋美術館では10月6日から「ムンク展」が始まっている。チケット売り場は少し行列していたが、思ったほど混んでいない。10月10日から、東京都美術館では「フィラデルフィア美術館展」が、東京国立博物館では「大徳川展」が始まる。私が向かったのは東京芸大美術館。今年は東京芸大の美術学部の前身である東京美術学校の創立から120周年。さまざまな記念事業が催されている。今日は「藝大茶会」なるイベントをやっており、家元筋など茶道業界の重鎮も来ていたようだ。そこかしこに、そぞろ歩く風流な着物姿を横目に見ながら、芸大美術館の「岡倉天心展」に入る。このところ、明治の偉人の展覧会をたて続けに見たので、正直言ってお腹いっぱいで消化不良を起こしている。夏目漱石（1867～1916）、南方熊楠（1867～1941）、岡倉天心（1863～1913）。ほぼ同世代である。3人とも幕末に生まれ、明治時代を駆け抜けた。それにしても明治の秀才っていうのはどうしてこうもすごいんだろう！3人に共通するのは、伝統的な漢文の教養を身につけ、さらに英語もべらぼうによくできたこと。スーパー超優秀なのだ。あの時代に実際に西洋の地へ赴き、世界を知り、島国を外から見る視点を得る。現代の凡才から見ると、あまりにも偉大すぎてとてもついていけない。岡倉天心は東京美術学校草創期の校長として美術振興に尽くした。両方の文化を理解した上で、当時の文明開化の軽いノリを憂えた天心は、西洋美術のモノマネがもてはやされ、日本の古美術が破壊や流出の危機にさらされる状況下、日本の伝統美術を守るための美術学校の創設に深く関わり、開校まもなく校長となった。弱冠27歳の若きリーダー！　理想主義。徹底した伝統主義。美術学校の学生は、なんと奈良時代の聖徳太子みたいな古風な制服だった！いくら日本の伝統を尊ぶったって、このデザインはちょっと…こりゃ敵も多かったろうなあと思ったら、案の定、西洋派の仕業かと思われる誹謗中傷の怪文書により失脚。校長辞職にいたる。まだ37歳のことだった。展覧会は、開校後9年間の在職中の天心の多岐にわたる活動を豊富な資料で紹介する。「美術教育と美術行政とを総合的にプロデュースしようとした近代美術史上最大の偉才」とカタログには書いてある。天心の美術史の講義のノートを清書して製本したもの。当時は参考書もなく、一字一句聞き落とすまいとする学生の熱意が伝わる。天心の審美眼で選び、美術学校で参考にするために買い集めた日本古美術の優品。美術学校で学んだ下村観山、横山大観、菱田春草らの日本画作品。彫刻やデザイン。文化財保護のためになされた数々の模写作品も。上野公園の西郷さんの銅像も、美術学校が委嘱を受けて制作したものだ。庭に出ると、天心の愛弟子の一人、平櫛田中作の「岡倉天心像」に会える。岡倉天心著『茶の本』（講談社学術文庫）を本棚から引っぱり出してくる。何年も前に買ったきり読まずじまいだった。100年も前に天心が英語で書いたものだ。日本語訳がついている！日本人が書いたものを翻訳で読むとは。こういうのを執筆したのは美術学校を辞めてからだったんだなあ。今日買った展覧会カタログには芸大の先生方が健筆をふるった論考も掲載されており、岡倉天心を通して明治の一側面が学べそうだ。明治の偉人たちの生涯と、これから始まる徳川のお宝の展覧会を併せて見ると、日本文化の姿が見えてくるのではあるまいか。日本人ってなんだろう？　世界の中で日本はこれからどうすればいい？「岡倉天心 ― 藝術教育の歩み」　東京藝術大学　大学美術館にて　　10月4日より11月18日まで茶の本

  2007年10月07日

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  クマグスの森

  この秋は、明治の巨人達を取り上げた企画が多いような気がする。江戸東京博物館では夏目漱石、東京藝大美術館では岡倉天心、そして、ワタリウム美術館で明日から南方熊楠の展覧会が始まる。南方熊楠（みなかたくまぐす）は、植物学、民俗学、博物学、そしてエコロジーの考え方の先駆者でもある。1867年、和歌山に生まれ、東京大学予備門で夏目漱石や正岡子規と同期だが、てんかん発作のため授業に出られなくなって退学。突然アメリカに旅立つ。以来33歳まで14年間、南米、ヨーロッパなど世界各地を放浪。ロンドンでは、大英博物館に出入りを許され、3年ほど日参して朝から晩まで筆写を続けた。その52冊のノートがその後の学問の基礎になっている。とにかく、何でも書いた人である。8歳で『和漢三才図会』（105巻）の筆写を始めた超神童。生涯つけていた日記は、一日平均、原稿用紙5枚ぐらいの字数でびっしり。愛用していたすずりがえぐれている！ワタリウム美術館はふだん現代アートを展示しており、こういう博物館的な企画は珍しい。また、南方熊楠展もこれまでに何度か開催されているが、これだけまとまった形で、しかも美術館で行なわれるのは初めてだと言う。森羅万象を自分の目で確かめて、生物、森、自然、人間について精密に記録する。決して1つの狭い分野にしばられることなく、総合的に物事をとらえていた熊楠の姿勢は、現代人への大きなメッセージとなるのではないか……ということで、ワタリウム美術館でやろう、という話がまとまったそうだ。ロンドンから帰国してからは、67歳で生涯を閉じるまで、故郷の和歌山で生物研究に打ち込み、膨大な数の標本を残した。中でも有名なのはキノコと粘菌の研究。3,500点もの手描きのキノコの彩色画のうち、今回400点が出品され、4回の展示替えで毎月100点ずつ展示される。山で採ってきた様々なキノコたちの姿が、正確に極彩色でイキイキと描かれている。美しい！松居竜五氏のオープニング・トークが行なわれた。龍谷大学准教授で熊楠の研究者だ。「南方熊楠って名前は聞いたことあるけど、どんな人なの？」という一般人の感覚に答えるわかりやすい解説だった。さほど広くないワタリウム美術館の4階展示スペースは100人ぐらいの参加者が立って話を聴く状況。熊楠への関心の高さがうかがえる。会期中も、「熊楠の森を知る」というシリーズ講演会があり、脳科学者の茂木健一郎、作家の池澤夏樹など、錚々たる面々の講師陣だ。時間がなくて、オープニング・パーティはパスしたが、豆腐アーティストによるキノコ料理が用意され、館内にいいにおいがたちこめていた。食べたかった…残念！美術館のショップでキノコの絵葉書と水木しげるの「猫楠NEKO-GUSU　南方熊楠の生涯」（角川ソフィア文庫）を買った。この博物学者がいかに自由奔放で偉大な人物であったかを「我輩は猫である」みたいな飼い猫の視点から語るマンガである。いやー奇人変人ぶりがハンパじゃない。ロンドンでの生活もムチャクチャだ。帰りの電車で夢中で読む。これはもう一度ワタリウムに行くしかない。「クマグスの森 ― 南方熊楠の見た夢」10月7日よりワタリウム美術館にて。猫楠

  2007年10月06日

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