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音楽日記　～ロックやジャズの名盤・名曲の紹介とその他の独り言～

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キャノンボール・アダレイ　『プレゼンティング・キャノンボール（Presenting Cannonball）』

半世紀以上前の、若きサックス奏者の颯爽たる登場のドキュメント　今から50年以上も前の1955年。この数字はジャズ好きの間ではチャーリー・パーカーの逝去した年号としてよく知られているが、同時に、"キャノンボール"の愛称で親しまれる一人の若者が登場した年としても記憶されている。その若者こそ、ジュリアン・アダレイというサックス奏者であった。当時26歳ということだから、決して早咲きのデビューというわけではない。手元のライナーによれば、クラブ「カフェ・ボヘミア」で演奏に飛び入り参加した際、ステージ上の弟ナット・アダレイはその男が何者かと訊かれ、正体を隠して"キャノンボールとかいうやつらしい"と言ったという。これがきっかけで、"ジュリアン"や"サージャント・ファット（太っちょ軍曹）"と呼ばれていた人物は、ジャズ界では"キャノンボール（大砲）"となった。　本盤『プレゼンティング・キャノンボール（Presenting Cannonball）』は、そんなジュリアン・キャノンボール・アダレイの処女作である。ただし、初録音としては、直前に別のセッションに参加している。ケニー・クラーク名義で発売された『ボヘミア・アフター・ダーク』がそのセッションであり、同アルバムには、この『プレゼンティング～』のためのセッションからのテイクも1曲収められている。つまり、名義は異なるものの、以前に紹介した『ボヘミア・アフター・ダーク』と本作『プレゼンティング・キャノンボール』は姉妹盤のような関係にある。　ジャケットはぱっとしない。暗いモノクロ写真に演奏者5人が集まっている姿が写っていて、当のキャノンボールは日本盤だと帯がかぶさって隠れてしまうような位置（ジャケ左端）に立っている。その巨漢ぶりというか貫禄のある姿に比して、演奏は若々しく繊細でありなおかつ伸び伸びと柔らかい。筆者はこのキャノンボールのサックスが好きである。後に彼は"ファンキー･ジャズ"の代表といったようなイメージも持つことになるが、"ファンキー"よりもなめらかに吹いている彼の方が私には好みである。以下に見るいずれの曲においても、キャノンボールのアルトは繊細でありながら、なめらかでかつ大らかであり、デビュー時点で既に確立された演奏をしていたことが窺い知れる。　収録された5曲のうち4曲（1.～4.）がキャノンボールのオリジナル。1.「スポンテイニアス・コンバスチョン」と2.「スティル・トーキン・トゥ・ヤ」はブルース調の曲で、1.はイントロからしてぞくぞくするような実にスリリングなフレーズでそのまま各メンバーのソロ回しに突入するのに対して、2.はいきなりアドリブから始まり少し薄暗い雰囲気を帯びている。3.「ア・リトル・テイスト」は一転して軽やかにスイングし、4.「カリビアン・キューティ」も肩の力を抜いて聴けるリラックス系の曲。アルバムの最後となる5.「フラミンゴ」は静かに始まるバラード曲である。　まず、全体を聴いて感じるのは、おとなしめに始まり、より明るくなって終わるという曲の配列のよさである。つまり、本盤はアルバム全体を通してのトーンというか、個々の曲調の並び具合もよく考えられて並べられている。もう一つは、メンバーのよさ。ナットとジュリアン兄弟の息の合ったプレイはもちろんのこと、ピアノのハンク・ジョーンズのサポートとドラムのケニー・クラークの全体のまとめ方がいい。顔を合わせてわずか1、2ヶ月だが、何年もずっと一緒に演奏をしてきているかのように呼吸が合っている。　何だか褒めるばかりのライナーか雑誌のレコード評のような口調になってしまったが、筆者は本当にこれが好きなのだ。聴いていて、音楽が快感に変わる瞬間を味わえているのだから、仕方ない。いや、次にキャノンボールのアルバムを紹介する時には、もう少しうまく思ったことを表現できるようにしなければ…。　[収録曲]1. Spontaneous Combustion2. Still Talkin' To Ya3. A Little Taste4. Caribbean Cutie5. FlamingoJulian "Cannon Ball" Adderley (as)Nat Adderley (cor)Kenny Clarke (ds)Hank Jones (p)Paul Chambers (b)録音：　1955年7月26日　【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[COCB-53934]プレゼンティング・キャノンボール [ キャノンボール・アダレイ ]　　　　　　　　　　　　　

2009年10月31日

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エルヴィス・コステロ　「アリソン」

"怒れる若者"コステロの名バラード曲　1977年のデビュー・アルバム『マイ・エイム・イズ・トゥルー（My Aim Is True）』。"KING ELVIS"という文字が細かに散りばめられたジャケットの中央に、頭でっかちに見えるギターを抱えた若者がポーズを決めて立っている。冷静に見れば、かっこ良さとかっこ悪さの微妙なバランスの上に成り立ったジャケットである。いや、サブリミナル効果のように"KING ELVIS"と記し、自ら"エルヴィス"と名乗っている（無論、彼の本名はエルヴィスではなく、デクラン・パトリック・マクマナスという）わけだから、もし売れなかったら、後々まで珍盤扱いされたかもしれない恥ずかしいジャケットといってもいいかもしれない。　実際、日本でも様子を見たのかこのデビュー盤はリアルタイムでは発売されず、セカンド・アルバム（『ディス・イヤーズ・モデル』）が日本デビュー盤となった。しかし、このアルバムは名盤して認知されるに至る。日本でも後から発売されていて、現在は2009年発売のリイシュー盤がある。当時のコステロは、80年代以降の落ち着いたロッカーのイメージではなく、"怒れる若者"の代表格として音楽シーンに姿を現した。そして、このアルバム中最大の名曲がこの「アリソン」である。同デビュー・アルバムのタイトル『マイ・エイム・イズ・トゥルー』、つまり、"わが狙いは真実"というのは、「アリソン」の中のフレーズから採られたものである。　「アリソン」というのは、詞中に登場する女性の名前で、歌詞自体はせつない片想いの内容だ。　「…君が誰に恋しているのかは知らない僕にわかるのはそれが自分じゃないと言うことだけさアリソン、僕にはわかっているこの世界が君をだめにしているってことをアリソン、僕の狙いは真実なんだ」　ダブル・ミーニングなどが含まれていて詞が難解だと言われるが、それに反して、この曲の音はいたってシンプルである。ヴォーカルとギターが絡み合うメロディーは、せつなくも美しい。筆者は"怒れる若者"と呼ばれた頃のコステロが結構好きで、初期のアルバムをたまに引っ張り出しては聴いている。けれど、もっと最近の、落ち着いた大人のコステロの方が好みだという人もいるだろう。そんな向きにも、この曲だけはきっと気に入ってもらえると思う。コンピレーション（ベスト）盤でも何でもいいから、コステロによるオリジナルの「アリソン」は一聴をお勧めする。[収録アルバム]Elvis Costello / My Aim Is True （1977年）Elvis Costello / The Very Best of Elvis Costello （1999年、1枚ものと2枚組の両方が存在）など　【メール便送料無料】エルヴィス・コステロElvis Costello / My Aim Is True (輸入盤CD)(エルヴィス・コステロ)　　　　　　　　　　　

2009年10月30日

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ポール・バターフィールズ・ベター・デイズ　『ベター・デイズ』

ブルース・ロックの創始者が辿りついた境地　1964年に結成されたポール・バターフィールド・ブルース・バンド（The Paul Butterfield Blues Band）は、翌年からアルバムをリリースし、第1作『ザ・ポール・バターフィールド・ブルース・バンド』、第2作『イースト・ウエスト』という秀逸アルバムを立て続けに発表。米国におけるブルース・ロックの発展の推進力となった。　ブルース・ロックというジャンルは定義が実に曖昧である（そもそもブルースに根を持つ「ロック」の形容として「ブルース」を冠すること自体が大矛盾を含んでいる）。けれども、仮に「白人によるブルース（の模倣）」という観点に立てば、ポール・バターフィールドのような米国出身のアーティストも、英国発の白人ブルース系ミュージシャンと並んで、ブルース・ロックを推し進めた重要な人物であったと認識できるだろう。　当初のポール・バターフィールド・ブルース・バンドからは、マイク・ブルームフィールドが去り、やがてエルヴィン・ビショップも去ることになって、1971年、結局はその活動に休止符を打つ。そんな中、バターフィールドがエイモス・ギャレットらを従えて結成したのが、ポール・バターフィールズ・ベター・デイズ（Paul Butterfield's Better Days）であり、その新バンドでの初作が1973年の本盤『ベター・デイズ（Better Days）』である。　以前のアルバム『イースト・ウエスト』を知る聴き手は、1曲目「ニュー・ウォーキン・ブルース」から盛り上がること間違いなし。というのも、この曲は、かつて『イースト・ウエスト』に収録されていた1曲目（「ウォーキン・ブルース」）のリメイクであるからだ。元のヴァージョンもよかったのだが、今回のものは数段輪をかけて"かっこよく"仕上がっている。　しかし、2曲目以降へ進むと、雰囲気が違うことに気づく。本作はどこか"まったり"しているのである。2.「愛する人が欲しくて」、4.「ダン・ア・ロット・オブ・ロング・シングズ」、7.「ルール・ザ・ロード」と進んでいき、何度か繰り返し聴いていると、その"まったり感"は"リラックス感"とも言い換えられることがわかってくる。このリラックスした雰囲気は、決してバターフィールドが60年代後半の勢いを失ったからではなく、白人ブルース系（あるいはブルース・ロック）を推し進め、成果を収めてきた結果としての"余裕"なのだと感じる。基本的にカバー曲ばかりで本アルバムの曲目が構成されているのも、その"余裕"がなせる業である。それでいて、オリジナル曲をやっているかのように聴こえ、なおかつブルース感覚が全体にわたって滲み出ているというのは、お見事と言うほかない。　そのようなわけで、60年代半ばから試行錯誤を行い、白人にブルースという新たな道を開拓する経歴を積み重ねてきたからこそ、本作での余裕のある演奏が可能になったのではないかと思うわけである。「エイモス・ギャレットの泣きのギター」、「バターフィールド最高作」などという評価がなされる本盤ではあるが、デビュー当時の諸作と聴き比べることで、その真価がじわじわと伝わってくる、そんなアルバムではないだろうか。追記：　余談ながら、このジャケは最高にカッコイイ。アルバムジャケットの表面と裏面（二つ折りの見開き）を使って、年季の入ったハープ（ハーモニカ）が横長に写されていて、文字部分は必要最小限に抑えられている。ロック界のアルバムで１、２を争う秀逸ジャケットだと思う。[収録曲]1. New Walkin' Blues2. Please Send Me Someone To Love3. Broke My Baby's Heart4. Done A Lot Of Wrong Things5. Baby Please Don't Go6. Buried Alive In The Blues7. Rule The Road8. Nobody's Fault But Mine9. Highway 28～以下、2007年CD収録のボーナス・トラック～10. New Walkin' Blues [single version]11. Louise12. Keep Lovin' Me Baby1973年リリース。　【楽天ブックスならいつでも送料無料】ポール・バターフィールズ・ベター・デイズ [ ポール・バターフィールズ・ベター・デイズ ]

2009年10月29日

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ケニー・バレル＆ジミー・レイニー　『2 ギターズ（2 Guitars）』

ギターから聴き始めるジャズ　本作『２ギターズ』は、ケニー・バレル（1931年生まれ）とジミー・レイニー（1927年生まれ）という、ほぼ同世代の2人のギター奏者名義のアルバムである。筆者が最初に聴いたジャズ・アルバムのうちの1枚であるため、個人的に思い入れのある盤なのだが、ジャズがよくわかっていない状態で聴くという意味で、いいアルバムに出会ったと今でも思う。　その理由は、まず、ギタリスト二人が大きくフィーチャされ、スタイルの違う二人（メロディックなレイニーとブルージーなバレル）が楽しめるという点。クラシックを聴いていた人ならともかく、少なくともポップやロックを聴く人には、ギターは比較的親近感のある楽器であり、それゆえ、ギター中心のアルバムは、ジャズを聴き始める最初の段階で聴きやすいと思う。逆に言えば、管楽器はジャズ入門者にとって、しばしば違和感を伴うものである。「まずはマイルス・デイヴィスを聴け！」とか、「チャーリー・パーカーは基本だ」とか、「（ソニー・ロリンズの）『サキ・コロ（サキソフォン・コロッサス）』は名盤だからまず聴いてみなよ」などと管楽器奏者の有名アルバムを勧められてジャズを聴こうと思い立った人が尻込みしてやめていくというパターンは結構あるように思う。ピアノ中心のジャズから聴き始めるというのも一つ（その典型がビル・エヴァンス）だが、ギターからスタートするというのも入りやすさという点ではいいように思う。　さて、本筋に戻ると、ギターだから何でもいいというわけではなく、本盤の二人はいずれも実力のある著名なジャズ・ギター奏者である。それでいて、ギターの音の合間を埋めているのは、マル・ウォルドロンという、これまた人気のピアノ奏者である。これだけなら単に"聴きやすい"（いや、下手をすると"退屈な"）だけの盤になったかもしれない。けれど、本盤には、さらに、ドナルド・バードのトランペット、ジャッキー・マクリーンのサックス（アルト・サキソフォン）という、これまた有名どころの管楽器奏者の演奏が7曲中5曲に含まれており、"管楽器に徐々に慣れる"のにも適している。バードやマクリーンだけを個別に取り上げるともっといいアルバムがあるという声が聞こえてきそうだが、しかし、あくまで本盤のメインはギター奏者の二人なわけで、そう考えれば、バードとマクリーンの出来が最高である必要はない（とはいえ、個人的には、1.「ブルー・デューク」、3.「ピヴォット」などの演奏は結構好きなのだけれど）。ちなみに、ドラム（アート・テイラー）とベース（ダグ・ワトキンス）もそれぞれ定評あるジャズメンだ。　そのようなわけで、『２ギターズ』は、他のジャズ楽器のよさも楽しめつつ、ギターをメインに聴くことのできるアルバムに仕上がっていると言える。実際、4.「クローズ・ユア・アイズ」はバレルの、7.「アウト・オブ・ノーホエア」はレイニーがそれぞれメインのギター中心の演奏である。熱心なジャズ・ファンやジャズ入門書の類がここぞとばかり"ジャズの真髄"的な（あるいは彼らがそう思う？）盤を勧めるのに対して、もっと気楽に小さなきっかけがジャズを聴く始まりになってもいいと思う。そうした意味で、本盤は一つのきっかけになり得る1枚だと感じるし、筆者にとっては今でも好きなギター盤であり続けている。［収録曲］1. Blue Duke2. Dead Heat3. Pivot4. Close Your Eyes5. Little Melonae6. This Way7. Out Of Nowhere録音：　1957年3月5日Kenny Burrell (g, 7.除く)Jimmy Raney (g, 4.除く)Donald Byrd (ts, 4.と7.除く)Jackie McLean (as, 4.と7.除く)Mal Waldron (p)Doug Watkins (b)Arthur Taylor (ds)Prestige 7119　Kenny Burrell/Jimmy Raney ケニーバレル/ジミーレーン / 2 Guitars 輸入盤【CD】　　　以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、　　　“ぽち”応援よろしくお願いします。　　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　　　

2009年10月28日

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2009年10月26日

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レッド・ツェッペリン　「アキレス最後の戦い（Achilles Last Stand）」

ハードロック・バンド、ツェッペリンの真骨頂　アキレス（アキレウス）はギリシア神話に登場する英雄。不死の体を手に入れたが、かかとの部分だけはそうではなく、最後はそこを射られて死んでしまい、"アキレス腱"の名の由来となった人物である。ところが、この曲では"アキレス"という単語すら登場しない（以前はそう聞き取れる部分があるという説もあったが、現在では違うとされる）。それもそのはず、この曲の出来具合を聴いてロバート・プラントが興奮し、そのはずみで転んで、交通事故で負ったかかとの傷口が再び開いてしまい、これにちなんで"アキレス"という題名が付けられたという、本当か嘘かわからないようなエピソードがある。　そのようなわけで、タイトルはいい加減なものだったかもしれないが、内容はまったくもってそうではない。この曲は、70年代のハードロックという音楽が辿りついた一つの大きな到達点であり、ハードロック・バンドという側面から見たレッド・ツェッペリンの真骨頂と言える。「アキレス最後の戦い」は10分半近い長尺である。そのせいか、あるいは、収録アルバム『プレゼンス』もツェッペリンのハード・ロック性が色濃く出ている（出すぎている？）せいだろうか、早い時期のツェッペリンの有名曲（例えば、「胸いっぱいの愛を」や「ロックン・ロール」）に比べ、この曲は、名前ばかりが知られ、実際に聴かれる率はあまり高くないように思われる。本曲所収のアルバム『プレゼンス』の売り上げも、『レッド・ツェッペリンI』や『同II』、『同IV』など、上記有名曲の収められた盤に比べると低い数字しか残されていない。　上で「ハードロックの到達点」と述べたが、レッド・ツェッペリンは単なるハードロック・バンドではなかった。ハードロック・バンドでありながら、いろいろな音楽を吸収した上で、自分たちのサウンドを示していった。だからこそ、アコースティック寄りの音を提示することもあれば、実験的な音を盛り込んだ曲を出してくることもあった。その意味では、レッド・ツェッペリンとは、ハードロックの本流と言えるグループではなかったのかもしれない。彼らはハードロックのサウンド自体をも変えていこうと進化を志向していたように思える。そうした経緯の中で出てきたのが1976年のアルバム『プレゼンス』であり、それを象徴する曲が「アキレス最後の戦い」だった。つまり、ハードロック的な側面を漫然と繰り返して新曲を提示していたわけではなく、新しいものを求めてハードロックをやっていた。その成果の一つがドラマチックな長編の本曲ということになる。　この曲でのジミー・ペイジのギターのフレーズは鋭く印象的である。ギター・ソロはさほど複雑なプレイをしていないにもかかわらず、幻想的で雄大に響く。そして、何よりも曲全体に重さと分厚さが感じられる。この重みと厚みはジョン・ボーナムのドラムに負う部分が非常に大きい。したがって、彼のドラムなしには成立しないサウンドで、つまりは、ツェッペリンというグループでしか為し得ないものであったと言えるだろう。この厚みとバンド全体の息の合い方が曲全体をびしっと締めていて、緊迫感と雄大さを演出することにつながっている。　これを聴かずしてツェッペリンのハードロック・バンドとしての偉大さは語れない、と言えば大袈裟であろうか。[収録アルバム]Led Zeppelin / Presence　（1976年）　【メール便送料無料】レッド・ツェッペリンLed Zeppelin / Presence (輸入盤CD)(レッド・ツェッペリン)

2009年10月25日

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デクスター・ゴードン　『ゴー！（GO!）』

ジャズ・サックス初体験者にもお勧めできる超名盤　デクスター・ゴードンは、1923年生まれのアメリカ合衆国のジャズ・サックス奏者。1940年代から活躍し、途中、麻薬中毒で活動が止まった時期もあったが、長くアーティストとしての活動を続け、1986年には映画『ラウンド・ミッドナイト』でも活躍した。1990年に67歳で亡くなっている。彼が1962年にブルーノートで録音した本作『ゴー！』は、どのジャズ名盤ガイドを見ても登場しそうな定評のある一枚であり、彼の代表作の一つである。　ジャズの真髄がアドリブにあり、楽器演奏を通して発せられる個性や独自性にその核心があると仮に定義するならば、デクスターの本盤は最高傑作ということになるだろう。上のようにジャズという音楽を定義するならば、重要なポイントは2つあると思う。一つは、演奏者個々の楽器の音色および演奏の仕方（音の出し方）による独自性であり、ここでは"音の独自性"と呼んでおく。もう一つのポイントとなるのは、演奏内容としての"アドリブ"、すなわち原曲のメロディをどう破壊し再構築して独自の演奏内容を繰り広げるか、という才能や閃きの部分ということになろう。　本作におけるデクスターはこの二点のオリジナリティが明確かつ抜群で、だからこそ名盤と呼ばれて久しいのではないだろうか。上で挙げた一点目から見ていこう。本盤の彼のテナーの音はふくよかであり、なおかつ芯がある。一般に、デクスターのサックス演奏は、大らかで伸び伸びとしたプレイが魅力と言われるが、本盤の演奏を聴いていると、単に大らかなだけではなくて、一音一音に切れがあるのもその魅力につながっているのだと思う。次に、二点目に関して、デクスターの演奏は"後ノリ"だと評される。つまり、もたついているかのようで、完全にもたついたタイミングになる前にフレーズが飛び出てくるわけである。本盤の演奏を聴いて筆者が感じるのは、もしこれが"後ノリ"でなかったら、メロディが美しく流れすぎて退屈になっていたのかもしれない、ということである。前述の柔らかくふくよかでなおかつ芯のある音が、"ため"を作ったうえで心地よいアドリブのメロディを奏でる（しかも他曲からの"引用"もうまく混ぜ込まれている）からこそ、聴き手を飽きさせないのだと思う。したがって、デクスターのサックスが奏でる音を追い続けながら聴くと、わくわくして楽しい時間があっという間に過ぎていく。　何だか抽象的で全体的な話になってしまい、収録曲の個別の話や他のパーソネルの話から外れてしまったので、最後に付け加えておきたい。収録曲はほとんどどれも好きなのだが、いくつかだけに絞ると、本作の代表曲1.「チーズ・ケイク（チーズケーキ）」、4.「ラヴ・フォー・セール」、6.「スリー・オクロック・イン・ザ・モーニング」。いずれの曲も上で述べたデクスターのサックス演奏の魅力に溢れている。あと、メンバーで注目はピアノのソニー・クラーク。彼の演奏がデクスターの"後ノリ"とうまく絡み合っている。さらに、デクスターのテナーのワン・ホーン（ベース＋ドラム＋ピアノに管楽器が一つだけ加わる）であることが、本項で述べた彼の演奏を楽しむのに適していると思う。また、ジャズを聴こうと思い立った人すべてに合うとは言わないが、入門者のうちでサックス演奏を聴いてみたいと思った向きには、「彼のサックスのメロディを追いながら聴いてみてください」という言葉を添えて、筆者ならお勧めする一枚である。　[収録曲]1. Cheese Cake2. I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry3. Second Balcony Jump4. Love For Sale5. Where Are You6. Three O'clock In The MorningDexter Gordon (ts)Sonny Clarke (p)Butch Warren (b)Billy Higgins (ds)録音：　1962年8月27日　【送料無料】ゴー! ［デクスター・ゴードン］

2009年10月24日

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イエス　『こわれもの（Fragile）』

緊迫感がありながらリラックスもできる技巧と美しさの盤　前回、イエスの『危機（Close to the Edge）』（1972年）に引き続いて、今回はイエスの名作として同じく名高い『こわれもの』（1971年）を紹介したい。先に、『危機』を紹介する際の形容として、"緊張感溢れる完成された音"といったような表現をした。『危機』が、一瞬たりとも気を抜けない緊張感を聴き手に強いるのに対して、本作『こわれもの』は、もう少し肩の力を抜いて聴ける部分がある。その意味では、『危機』よりも『こわれもの』の方が、イエスを初めて聴く人には向いているかもしれない。　冒頭の名曲、1.「ラウンドアバウト」は、まったくリラックスした曲ではない。それどころか、『危機』に収録の各曲と同様、緊迫感に満ちた名演である。さらにアナログ時代のA面を締めくくる4.「南の空」や、オリジナル・アルバムを締めくくる9.「燃える朝焼け」もスリリングな緊張感に溢れている。しかし、アルバム全体を聴き進めていくと、もう少しリラックスした雰囲気の小品が随所に散りばめられていることに気づく。例えば、2.「キャンズ・アンド・ブラームス」は、キーボードのリック・ウェイクマンがクラシック曲（ブラームスの交響曲第4番）の一部を多重録音したもの。あるいは、8.「ムード・フォア・ア・デイ」では、ギターのスティーヴ・ハウがフラメンコ・タッチでアコースティック・ギターのソロ演奏を繰り広げる。　これらの小品が、次作『危機』と異なる雰囲気を演出しているのだと感じる。上述の1.や4.や9.の緊張感、5.～7.（アナログ盤のB面冒頭に相当）の連続感という、『危機』と共通する（時系列でいえば、次作の『危機』に受け継がれていく）部分は、聴き手に一定の緊張感を強いるものである。けれども、本作『こわれもの』では、その緊張感は途切れることなくずっと持続するのではなく、ところどころの小休止をはさんで聴くことができる。　誤解を避けるために言えば、緊張感の度合いがより少ないからといって、『こわれもの』の方が価値が低いといっているわけではない。筆者が言いたいのは、この緊張感の持続がたまらない向きには『危機』の方が名盤であろうということである。逆に、初めてイエスを体験する人や、息のつけない緊張感が重すぎるという場合には、この『こわれもの』の方がよいということになるのだと思う。つまるところ、『こわれもの』と『危機』は、どちらがより勝れたアルバムかという問題ではなく、聴き手の興味によって順位が異なるものといえるだろう。筆者自身も、その時々の気分でどちらの盤を聴くかを変えている。　なお、『こわれもの』と『危機』に共通する点も最後に触れておきたい。それは有無を言わせぬ演奏の"完璧さ"である。その完璧さにともなう緊迫感がより強いのが『危機』であるのに対して、『こわれもの』では、その完璧さが、楽曲および演奏の"美しさ"として結実している。緊迫度がやや控えめであるがゆえに、この"美しさ"が際立っているのが、『こわれもの』の特色だと思う。無論、その"美しさ"の源はこのイエスというバンドの技巧、技術水準の高さにあることは言うまでもない。［収録曲］1. Roundabout2. Cans and Brahms (Extracts from Brahms' 4th Symphony in E minor, Third Movement)3. We have heaven4. Soueh side of the sky5. Five per cent for nothing6. Long distance runaround7. the fish (Schindleria Praematurus)8. Mood for a Day9. Heart of the sunrise～以下、2003年リマスター時のボーナス・トラック～10. America11. Roundabout [early rough mix]1971年（米国では1972年）リリース。　　【送料無料】Forever YOUNG::こわれもの EXPANDED & REMASTERED ［イエス］　　　　　　　　　　　　　　

2009年10月21日

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レッド・ガーランド・トリオ　『ブライト・アンド・ブリージー（Bright and Breezy）』

音の間を使いながら美しくまとまった好盤　レッド・ガーランドというピアニストは、聴き手を楽しませながら自分の理想を追求していく人だったのだろう。それだからこそ、理想を追求するのが難しいと思った時に、十数年も引退生活を送ることになった。本盤『ブライト・アンド・ブリージー（Bright and Breezy)』は、1962年に一時引退をする少し前に、ジャズランド・レーベル（プレスティッジの傍系）に吹き込んだトリオ・アルバムである。　ベースはサム・ジョーンズ、ドラムはチャーリー・パーシップという顔ぶれで、ガーランド特有のスインギーさ控えめで、どちらかと言えば、"渋め"の演奏を展開している。収録曲の中には、静かで美しい曲調のものが多い。とはいえ、なぜか筆者にとっては、夜に静かに聴くというようなイメージではない。確かに、くつろいだ気分でいたい夜に聴くこともあるのだが、不思議なことに、このアルバムは、時々、朝一番に無性にかけたくなる。　その理由は、ガーランドのメロディックな演奏にあるのだと思う。穏やかで、曲によってはリリカルな印象を保ちながらも、どこかしらメロディを口ずさみたくなるような楽しさがこのアルバムには潜在している。1.「オン・グリーン・ドルフィン・ストリート」や4.「ブルース・イン・ザ・クローゼット」などがその典型である。音と音の"間"をうまく使っているから、メロディが際立ち、かといってうるさくならず、穏やかさをキープしているのだと思う。実際、ドラムに注目すると結構派手に演っている曲も結構あるのだが、ガーランドの間の取り方とドラミングのコンビネーションが絶妙で、このバランスが聴きやすさを増幅させている。そこにサム・ジョーンズというシブいベーシストが絡む。　本盤を聴きながらこのようなことを筆者は考えるのだが、難しいことは抜きに、普段よく言及される名盤（例えば『グルーヴィー』）とは一味違うガーランドの演奏を楽しめばいいのだろう。静かでいながらにしてどこか楽しげな演奏。タイトル（Breezy）にあるように、そよ風を受けるような爽やかな感覚が伝わってくる好盤である。［収録曲］1. On Green Dolphin Street2. I Ain't Got Nobody3. You'll Never Know4. Blues In The Closet5. What's New6. Lil' Darlin'7. What Is There To Say?8. So Sorry Please録音：1961年7月19日Red Garland (p)Sam Jones (b)Charlie Persip (ds)　Red Garland レッドガーランド / Bright & Breezy 輸入盤【CD】　　　　　　　　　　　　　

2009年10月19日

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サウスサイド・ジョニー&ジ・アズベリー・ジュークス with B・スプリングスティーン&L・スティーヴン「イッツ・ビン・ア・ロング・タイム」

ニュージャージーのロッカーたちが再結集した"同窓会ソング"　サウスサイド・ジョニー（ジョン・ライオン）は、ニュージャージー出身のロック・アーティストで、70年代～80年代にかけて多くアルバムを残し、2000年代に入ってもコンスタントな活動を続けている。ジョン・ボン・ジョヴィがリスペクトするロッカーとしても知られており、ブルース・スプリングスティーンやリトル・スティーヴン（スティーヴ・ヴァン・ザント）の盟友である。この「イッツ・ビン・ア・ロング・タイム（It's Been A Long Time）」は、1991年のアルバム『ベター・デイズ』に収録されたている。同アルバムは、リトル・スティーヴンが大幅に楽曲を提供し、かつ全面的にプロデュースしたものである。　この曲では、サウスサイド・ジョニーのヴォーカルに加え、ブルース・スプリングスティーンとリトル・スティーヴンがゲスト参加し、3人でヴォーカルを回しながら、サビ部分ではサウスサイド・ジョニーに残る二人が絡んでいる。こうして、昔の盟友が3人集い、一緒に歌っている。それもゆったりとしたロック・ナンバーを演っていて、ギター・ソロもリトル・スティーヴンが短くてシンプルながら、いかにもアメリカンロック然としたソロを演奏している。　このように"同窓会ソング"のようなノリの曲な訳であるが、ただ過去を振り返っておしまいの駄曲ではない。この曲を録音した当時、彼ら3人は40歳代の前半であった。70年代以降、精一杯突っ走り、時には尖った行動もとり、そうして走り続けてきた結果としての"現在の立ち位置"が確固たるものであるからこそ、昔を振り返り、楽しく演奏を繰り広げられたのだと感じる。スプリングスティーン的に喩えれば、"明日なき暴走"をしてきた先の"明日"はしっかりと存在し、その地点から過去を少し振り返ってみたといったところだろうか。その意味で、"同窓会ソング"と言っても、誰にでもできる類のものではない。それだけのものを積み重ね、功を成してきた者たちが昔を懐かしみながら集ったからこそ、この幸せ感いっぱいの演奏になったのだと思う。　いま現在、この曲の録音から20年近くが経過した。サウスサイド・ジョニー、ブルース・スプリングスティーン、リトル・スティーヴンの3人は60歳前後の年齢になった。さらに年月を重ねた彼らは、今も独自の活動を精力的にこなしながら、時に集結し、この同窓会のような楽しげな演奏も繰り広げている。別にロック（あるいは音楽）というジャンルに限らないが、人生、このような歳の重ね方をしたいものだ、と切実に思う。こうして昔を懐かしみながらも、くだらないオヤジの愚痴や飲み会（？）みたいにならないのは、各人の日々の努力と苦労の積み重ねがあった上で過去を振り返るからこそである。60歳（あるいは70歳、80歳）となって人生を振り返ったとき、彼らのように過去を懐かしめるように、今から日々精進しておきたいものだ。［収録アルバム］Southside Johnny & the Asbury Jukes / Better Days 　（1991年）　　　　　　　　　　　　　

2009年10月17日

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ラッキーナンバー

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2009年10月15日

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マイルス・デイヴィス　『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』

深まる秋におすすめの1枚（その2）～マイルス編～　秋におすすめの1枚として、2つ前の項ではニール・ヤングの『ハーヴェスト』を挙げた。そこでも述べたように、ふつうは"秋盤"とでもいうべきものが、レコード会社によってア・プリオリに設定されているわけではない。聴き手が秋にあうと感じた瞬間に1枚のアルバムが"秋のアルバム"になるといったものである。　その意味で、本盤も別に秋に直接関係するテーマを扱っていると言うわけではないのだが、筆者にとっては、通常の名盤であると同時に秋に楽しめる1枚でもある。ちなみに、個人的なイメージとしては、先回のニール・ヤングのアルバムが深まる秋の午後に聴く感じであるのに対し、今回のマイルス・デイヴィス『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』は秋の夜長に聴く1枚といったイメージである。　　この『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』は、マイルス・デイヴィスの代表作としてよく挙げられるアルバムの1枚である。その中でも特に有名な曲は1.「ラウンド・アバウト・ミッドナイト」。"秋の夜長の1枚"として挙げた理由として、1曲目をイメージした方も多いのではないかと思う。実際、その通りであるけれど、別にこの1曲だけというわけでもなく、アルバム全体が秋の夜長にぴったりだと思う。　その一因は絶妙の楽曲の配置にあるように思う。1曲目の名演で静かに盛りたてておいて、続く2.「アー・リュー・チャ」ではフィリー・ジョー・ジョーンズ（ドラム）とジョン・コルトレーン（テナーサックス）を中心に本当に盛り上げる。かと思うと、3.「オール・オブ・ユー」は再び静かにマイルスがすすり啼く。4.「バイ・バイ・ブラックバード」を経て、5.「タッズ・デライト」では再びテンポが上がったかと思うと、6.「ディア・オールド・ストックホルム」の出だしは再度マイルスの哀愁を湛えたプレイからはじまり、ゆったりとした各メンバーのソロが堪能できる。　この楽曲配置こそ、聴き手を退屈させず、かつ緊張させ過ぎないという効果を生んでいるように感じられる。つまるところ、マイルスの繊細なミュート演奏だけが聴き所というよりも、それを非常にうまく出して（時に出し惜しんで）いるところに本盤の妙がある。前所属レーベル（プレスティッジ）との契約が残っているのにコロンビアで録音を始めたのが本作であった（残っていた契約の録音が1956年5月と10月のいわゆる"マラソン・セッション"で、本盤の録音日は下記を参照）。メンバーに変更はなくとも、新たな契約会社での第1弾として、入念に考えながら編まれたのだろうと想像する。　　ちなみに、CDに加えられたボーナス・トラックは、どちらかというと本編の雰囲気を大きく壊すことなく、続けて聴いても大丈夫だと感じる（いや、10.はちょっと余計かな…）。本編の中で、筆者が特に好むのは1.と6.だが、上で述べたように、アルバムを通して聴いていく方がその繊細さが際立つので、曲単位よりもアルバム全体を通しての鑑賞をおすすめしたい。［収録曲］1. 'Round About Midnight2. Ah-Leu-Cha3. All Of You4. Bye Bye Blackbird5. Tadd's Delight6. Dear Old Stockholm～以下、CD所収のボーナス・トラック～7. Two Bass Hit8. Little Melonae9. Budo10. Sweet Sue, Just YouMiles Davis (tp)John Coltrane (ts)Red Garland (p)Paul Chambers (b)Philly Joe Jones (ds)録音：　1955年10月26日（2.、7.～9.）；1956年6月5日（4.～6.）；1956年9月10日（1.、3.、10.）　【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[SICJ-11]ラウンド・アバウト・ミッドナイト(MONO) [ マイルス・デイヴィス ]

2009年10月15日

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イエス　『危機（Close to the Edge）』

隙を見せない完成された音の世界　イエスの最高傑作としてよく名前が挙げられるのは、1971年の『こわれもの（Fragile）』と1972年の『危機（Close to the Edge）』の二枚で、本盤はその一方である。イエス（Yes）という、何とも肯定的な名称のこのグループは、英国出身のプログレッシヴ・ロック・バンドで、上記2枚制作時のメンバーは、ジョン・アンダーソン（ヴォーカル）、ビル・ブラッフォード（パーカッション）、スティーヴ・ハウ（ギター）、クリス・スクワイア（ベース）、リック・ウェイクマン（キーボード）。ヘルマン・ヘッセ（ドイツの作家）の作品（『シッダールタ』）から着想を得たコンセプト・アルバムで、収録曲はたった3曲という大作主義の構成（LPでは、A面に1曲、B面に2曲）。1曲目と2曲目は、サブタイトル（それぞれI.～IV.）のついた組曲形式で、前者が約19分、後者は約10分の長尺である。　本盤の真骨頂は、緊張感に溢れた完璧な演奏にある。1.「危機」の出だしからして、息を呑む緊迫感が曲を支配する。けれども、その緊迫感はただ息苦しいというような類のものではない。緊迫感がずっと続くにもかかわらず、息が詰まってしまわないのは、パーフェクトに計算しつくされ、完成された音の世界が広がるからなのだと思う。2.「同志」は、若干、ゆったりした感じの曲調であるが、その完璧さはまったく損なわれない。さらに、3.「シベリアン・カートゥル」は、そのような"完成された音の世界"の極致である。緊張感は最後まで持続され、一つの狂いもない完璧な計算の上に成り立っているかのような音（そして間）が9分近く続く。付け加えておけば、この3.は、回数的には、筆者が本盤でもっとも繰り返し聴いた曲である。　以上のように、この『危機』というアルバムは、決してリラックスして聴けるものではない。そうではなくて、聴き手も一緒に緊張しながら、その緊張感をスリリングに味わい、それと同時に演奏の美しさと完璧さを楽しむような一枚だと思う。イエスというバンド自体は再結成などを経て長年続いてきたわけだが（2008年で40周年）、最初に名前を挙げた5人のラインアップは、後々には一度も再集合していない。言い換えれば、この時期のイエスでしか体験できないものである。なお、イエスの代表作のもう1枚とされる『こわれもの』（本盤の前年、1971年のリリース）も秀逸な一枚としておすすめで、そのうちに改めて紹介できればと思う。[収録曲]1. Close To The Edge (I. The Solid Time Of Change / II. Total Mass Of Change / III. I Get Up I Get Down / IV. Seasons Of Man)2. And You And I (I. Cord Of Life / II. Eclipse / III. The Preacher The Teacher / IV. Apocalypse)3. Siberian Khatru～以下、2003年リマスター時のボーナス・トラック～4. America (single version)5. Total Mass Retain (single version)6. And You And I (alternate version)7. Siberia (studio run-through of 'Siberian Khatru')1972年リリース。　　【送料無料】Forever YOUNG::危機 EXPANDED & REMASTERED ［イエス］　　　　　　　　　　　　　　

2009年10月13日

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ニール・ヤング　『ハーヴェスト（Harvest）』

深まる秋におすすめの1枚　（その 1）　～ニール・ヤング編～　　読書の秋、食欲の秋…。読書に秋という季節感は特段求められるものではないが、食欲の方は秋という季節に結びついた味覚を求める人もいるかもしれない。それでは、音楽鑑賞の秋の場合どうだろうか。時として、個別的に秋をテーマにした楽曲などがあるが、そうした場合はともかく、ふつうは"秋にあう音楽"が事前に用意されているということはない（そんなことをしたら秋にしか売れない商品になってしまうのでレコード会社は嫌がるだろう…）。したがって、クリスマスソング集のごとく、"秋用"に用意された曲やアルバムが聴き手個人の"秋物"になるというわけではなく、1編の楽曲や1枚のアルバムをたまたま秋に聴いて、それが聴き手の気分に何かの理由で合致した時、ある曲や特定のアルバムが"秋にあう音楽"になるのだと思う。その意味では、きわめて個人的な体験であり、万人に一致する"秋のアルバム"が存在するということではない。　そんなわけで、"秋におすすめの1枚"などと言っておきながら、あくまで筆者にとっての"秋の1枚"に過ぎない。けれど、この駄文を読んだことがきっかけで、筆者にとっての"秋の1枚"が、これを読んだ方にとっての"秋の1枚"になるかもしれない。そんなことを願いながら、ニール・ヤングの『ハーヴェスト（Harvest）』を紹介したい。前もって明言してしまえば、秋のドライブや紅葉を見ながらの一人散歩にぴったりで、静かに物思いにふけりたい時に最適というのが、筆者にとっての本盤のイメージである。　本作『ハーヴェスト』は1972年に発表されたもので、1969年にニール・ヤングがソロ活動を開始した第1作から数えて4枚目のアルバムにあたる。一般に、ニール・ヤングはアルバム毎に作風が大きく異なり、当たり外れも激しければ、聴き手による好みも分かれるとよく言われる。本作は"秋の1枚"に相応しく（？）、静かに落ち着いて聴ける作風である。　アルバムは、控えめなハーモニカのイントロを含む1.「週末に」、およびアルバム表題曲の2.「ハーヴェスト」という、ゆったりとした、いくぶんのどかなメロディから始まる。ニール・ヤングの頼りなげな声のヴォーカルが、いい意味で生かされている。続く各曲もどこか物悲しげな曲調のものが多い。思わず聴き入ってしまうのは、3.「男は女が必要」、4.「孤独の旅路」、6.「オールド・マン」、9.「ダメージ・ダン」といった、落ち着いた本盤の中でも特に孤独や寂しさを滲ませる曲である。　ずっとおとなしい曲が淡々と続くというのでは飽きが来そうなものであるが、途中、5.「国のために用意はいいか？」や8.「アラバマ」、あるいは10.「歌う言葉」のように盛り上がりを持たせた曲も配されていて、そのために退屈することがない。また、本盤の音作りの特徴として、オーケストラを組み入れた点が挙げられる（3.と7.でロンドン交響楽団が参加）。さらに、ゲストも多彩で、リンダ・ロンシュタット（4.、6.）、ジェームズ・テイラー（4.）、デヴィッド・クロスビー（5.、8.）、グレアム・ナッシュ（5.、10.）、スティヴン・スティルス（8.、10.）といった面々がバックのヴォーカルに参加している。[収録曲]1. Out on the Weekend2. Harvest3. A Man Needs a Maid4. Heart of Gold5. Are You Ready for the Country?6. Old Man7. There's a World8. Alabama9. The Needle and the Damage Done10. Words (Between the Lines of Age)1972年リリース。　【楽天ブックスならいつでも送料無料】【輸入盤】 HARVEST [ ニール・ヤング ]　　　　　　　　　　

2009年10月11日

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ジミー・ページ&ロバート・プラント　『ウォーキング・イントゥ・クラークスデイル』

過去の幻影の呪縛から逃れることができた、"ツェッペリンのようであり、ツェッペリンのようでない"アルバム　レッド・ツェッペリンの元メンバー、ジミー・ペイジ（ギター）とロバート・プラント（ヴォーカル）が再び手を組んで活動していた時期の一枚。今さら説明不要だろうが、レッド・ツェッペリンは1969年のファースト・アルバム以降、確固たる地位と名声を築き上げた伝説のハード・ロック・バンドである。1970年代を駆け抜け、1980年のメンバーの死（ドラムのジョン・ボーナム、32歳で窒息による事故死）で解散を迎えるまでに、偉大なバンドとしての立場を確立した。　"伝説的になってしまった"ことにより、残されたメンバーのその後の活動は、この"ツェッペリンの呪縛"にかなり強く縛られることになったように筆者には思われる。これまで時に"再結成"して演奏し（記憶に新しいところでは2007年の、チャリティー・ペアチケットに2000万円近い値がついた再結成ライブ）、その都度、ファンの熱狂の渦の中に晒される…。伝説的な過去がどこまでも付いて回るというのは、過去の華やかな栄光であると同時に、本人たちの"現在"にとってはある種の不幸なのかもしれない。　この時のペイジとプラントの合体もそうであった。1994年に二人が合流し、アルバム制作とMTVアンプラグドのツアーを行ったが、ツェッペリン時代の曲こそが、多くの聴衆の求めるものであった。その意味では、「ツェッペリンに戻るのは嫌だ」と述べていたロバート・プラントの発言を考えると、このまま消え去っても不思議のないプロジェクトだったと思う。ところが、1998年、本作『ウォーキング・イントゥ・クラークスデイル（Walking into Clarkesdale）』が届けられた。米インディーズ・シーンからプロデューサーにスティーヴ・アルビニを迎えて完成したこのアルバムは、"ツェッペリンのようであり、ツェッペリンのようでない"ものであった。　二人ともツェッペリンのようなものは作りたくなかったはずだ。というのも、そうしたものは70年代の偉大な伝説の焼き直しに過ぎず、あの伝説的な偉業を超えるのは不可能に近いからだ。しかし、無理に非ツェッペリン的なものを作ろうとしても、聴衆や評論家の評価に結びつかないし、何よりセールスも上がらないというジレンマが一方にはある。プロデューサーが当たりだったのか、それとも本アルバム制作に至る過程がたまたまそういう環境を整えることになったのかはわからない。けれども、二人がツェッペリン的なものを目指さず、かといって非ツェッペリン的なものも目指さなかった結果が、本盤のような気がする。両極端を意識しなかったがゆえに、結果として出てきたのは、"ツェッペリン的であり、なおかつツェッペリン的でない"音楽だったというわけだ。1曲目からスリリングでわくわくする興奮は、ツェッペリンのいくつかのアルバムと同様である。それでいて、音は明らかに90年代のサウンドなのである。　残念ながら、このアルバムの後、二人のプロジェクトはすっかり中断されてしまった。本盤が制作された時の緊張感と物事のバランスはそう永く続くような類のものではなかったということか。本作からおよそ10年後、北京五輪の閉会式の舞台に姿を現したジミー・ページはすっかり年をとったように筆者は感じた。ツェッペリン解散から19年後に起こった奇跡は、はたしてもう一度、繰り返されるであろうか。本盤のような奇跡の再現がもう一度くらい起こって欲しいというのは、多くのファンの願いだと思うのだが…。[収録曲]1. Shining in the Light2. When the World Was Young3. Upon a Golden Horse4. Blue Train5. Please Read the Letter6. Most High7. Heart in Your Hand8. Walking into Clarksdale9. Burning Up10. When I Was a Child11. House of Love12. Sons of Freedom13. Whiskey from the Glass（日本盤ボーナス・トラック）1998年リリース。　【楽天ブックスならいつでも送料無料】ウォーキング・イントゥ・クラークスデイル [ ジミー・ペイジ&ロバート・プラント ]

2009年10月10日

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2009年10月08日

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マル・ウォルドロン　『レフト・アローン（Left Alone）』

名曲「レフト・アローン」なのか、名盤『レフト・アローン』なのか　ビリー・ホリデイの追悼アルバムとして発売されたマル・ウォルドロン（Mal Waldron）の『レフト・アローン』およびその表題曲の1.「レフト・アローン」。少なくとも日本ではジャズ史に残る名盤（もしくは名曲）として知られる。優勢なのは、名曲としての1.「レフト・アローン」を評価する声のようである。つまり、表題曲が名曲であり、それゆえに、アルバム自体も名盤として評価するという傾向があるのは否めない。　では、1.「レフト・アローン」以外は名曲・名演ではないのだろうか。筆者は3.「ユー・ドント・ノウ・ホワット・ラヴ・イズ」や5.「エアジン」も結構いいと思うし、何よりも2.「キャット・ウォーク」は十分にそうした評価を受けるに値すると思う。けれども、1.「レフト・アローン」と並べられると、この曲ばかりに注目が集まるのももっともだと、同時に思う。　1曲の名曲・名演のせいで他の4曲が忘れられがちなだけ、と言ってしまえばそうなのかもしれない。何よりもマル・ウォルドロン（ピアノ）が主役の4曲に対して、表題曲ではジャッキー・マクリーン（アルトサックス）がゲスト参加していて、泣きのメロディを歌い上げている。けれど、その一方で、表題曲が名演に聴こえる（もしくは、名演度をより高めている）理由が、聴き手の感情にもあるのではないかという気もする。　ジャケットにも記されている通り、このアルバムはビリー・ホリデイに捧げられたものである。ビリー・ホリデイは1959年7月17日に死去したが、数年前からマル・ウォルドロンはビリー・ホリデイの伴奏者としてピアノを演奏していた。ビリー・ホリデイの作詞、マル・ウォルドロンの作曲によるこの曲は、ビリー・ホリデイが歌ったヴァージョンが録音されることなく、彼女の死という事態を迎えた。本盤では、歌のパートはマクリーンのサックスが担当している。つまり、思い入れたっぷりに聴ける（そして泣ける）1曲というわけだ。　しかし、本盤の録音日は1959年2月24日とあり、つまりは、ビリー・ホリデイがまだ生きていた日付である。換言すれば、「今は亡きビリー・ホリデイを偲んで感情込めて演奏した」という事実はなかったことになる。おそらくはレコード会社（本盤を制作したのはベツレヘム・レーベル）が、彼女の死後、あと付けのようにして、追悼盤としてのアルバムを企画し、売り込んだということではなかったのだろうか（なお、6.「ビリー・ホリデイを偲んで」は演奏ではなく、インタヴュー（しゃべっているだけ）で、しかも録音日は演奏よりも後日とのことである）。　といったわけで、筆者としての見解としては、上で述べたような"思い入れ度"が高くなればなるほど、名曲「レフト・アローン」ばかりが注目される結果となる。逆にそうした感情抜きに冷静に聴けば聴くほどアルバム全体が名盤という印象に近づいていくのだと思う。こんな書き方をすると、表題曲に愛着がないのかと思われてしまうかもしれないが、実際のところ、そんなことはまったくない。筆者が聴いた回数で言えば、1.だけが突出していて、この物悲しい雰囲気と美しい曲調は、最初に聴いた時から忘れ難い素晴らしさである。ピアノのイントロからマクリーンのサックスが始まる冒頭部分などは、何度聴いても鳥肌が立つ。ちなみに、収録トラックのうち、6.（曲ではない！）だけは、本当に蛇足だと感じ、ほとんど聴いていない（あるいは聴いていてもつい飽きてほかの事をしてしまう）。アルバム全体としての名盤度を下げているとすれば、この6.が犯人、というか、こういう収録・発売方法を思いついた人物がその戦犯と言えるかもしれない。　というわけで、筆者の結論は次のようになる。1曲目の「レフト・アローン」は間違いなく超名曲である。アルバム『レフト・アローン』は、感情移入を少なめに、なおかつ6.を無視して聴けば、名盤と言える。[収録曲]1. Left Alone2. Cat Walk3. You Don't Know What Love Is4. Minor Pulsation5. Airegin6. Mal Waldron: The Way He Remembers Billie Holiday（インタヴュー）Mal Waldron (p)Jackie McLean (as, 1.のみ)Julian Euell (b)Al Dreares (ds)録音：　1959年2月24日　【楽天ブックスならいつでも送料無料】レフト・アローン +6 [ マル・ウォルドロン ]　　　ブログランキングに参加しています。　　　応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。　　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　　　　

2009年10月08日

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シカゴ（シカゴ・トランジット・オーソリティ）　『シカゴの軌跡（Chicago Transit Authority）』

ブラス・ロックの雄としてのシカゴ、衝撃的デビュー作　シカゴと言えば、70年代後半～80年代のバラード・AOR系のイメージが強い人もいるかもしれないが、このデビュー作は、それ以前のシカゴの姿がよくわかる1枚。厳密に言えば、この時点においてはまだシカゴという名称ではなく、後にシカゴと呼ばれるこのこのグループは"シカゴ・トランジット・オーソリティ"の名称でこの1枚目を発表した。しかし、シカゴ市運輸局からクレームが付いたため、以後はグループ名を単に"シカゴ"と改めたという経緯だが、現在ではこのファースト・アルバムも"シカゴ"名義として扱われている。　1967年から活動したバンドが母体で、当時のメンバーは7人だった。その構成は、ギター（テリー・キャス）、ベース（ピーター・セテラ）、キーボード（ロバート・ラム）、ドラム（ダニエル・セラフィン）、トロンボーン（ジェイムス・パンコウ）、ウォルター・パラザイダー（サックス・木管）、リー・ローナン（トランペット）である。ボーカルは最初の3名が分け合っていた。ちなみに、7名うち4名は現在もシカゴのメンバーとして活動している。　このメンバー構成を見てもわかるように、ホーン・セクションを大胆にフィーチャーしたのが大きな特徴で、ブラッド・スウェット&ティアーズ（BS&T、1967年にアル・クーパーが結成したバンド）と並んで、ブラス・ロックの主要バンドとされる。本作を含めてデビューから3作連続でLP2枚組（現在はCD1枚に収録されている）という多作ぶりで、当時はラブ・バラードよりも政治的・実験的内容の楽曲が多かった。　1969年に発表された本作『シカゴの軌跡』は、1曲（9.）を除いてすべてメンバーのオリジナルの楽曲で占められている。しかも、録音は2週間足らずという短期間でありながら2枚組というヴォリュームで、この事実だけでも、その時の彼らの意欲と創造力の高さを示していると言えるだろう。そして、この"創造力の高さ"こそが、本盤の何よりの特徴である。単にブラス・セクションを取り入れたからいいという訳ではなくて、テリー・キャスのギターを大きくフィーチャーしたロック・サウンドの中でブラスが効果的に融合されていることが本盤の最大の功績だと思う。つまり、「ブラス・ロックだから良い」のではなく、「ロックとして良い」のであって、その良さを形成するのにホーン・セクションが大きな役割を担っている。　"創造力"という意味で、もう一点、注目しておきたい。それは、楽曲の長さと複数の曲による組曲的展開である。組曲的な構成は、LP2枚というボリューム（言い換えれば、A面・B面・C面・D面というセクションに分かれるフォーマット）だからこそ成しえたものであろう。A面の1.「イントロダクション」、2.「いったい現実を把握している者はいるのだろうか？」、3.「ビギニングス」という繋がり、D面の10.「1968年8月29日シカゴ、民主党大会」、11.「流血の日」、12.「解散」の流れは見事である。その中で曲の長さが効果的に機能していて、いきなり6分を超える長編の曲（1.）からアルバムが始まる（ちなみに本作で6分を超える曲は7曲もある）。逆にD面は1分足らずの導入的部分（10.）から始まるストーリー構成になっている。こうした箇所は、本作が楽曲単位だけでなく、アルバム単位（あるいは面単位）で聴かれるべきものと言うことを実感させる例だと思う。　セカンド・アルバム、サード・アルバムも質が高いので、本作を聴いてみて気に入ったならば、ラブ・バラード／AOR以前の初期シカゴの作品群もぜひ楽しんでもらいたいと思う。［収録曲］1. Introduction2. Does Anybody Really Know What Time It Is?3. Beginnings　　4. Questions 67 and 68 5. Listen6. Poem 58　　7. Free Form Guitar8. South California Purples9. I'm A Man　　10. Prologue (August 29, 1968)11. Someday (August 29, 1968)12. Liberation　　＊LPでは、A面（1.～3.）、B面（4.～6.）、C面（7.～9.）、D面（10.～12.）。1969年リリース。　【送料無料】シカゴI(シカゴの軌跡)/シカゴ[CD]【返品種別A】　　　　ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。　　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　　　

2009年10月07日

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ジョン・クーガー・メレンキャンプ　『スケアクロウ（Scarecrow）』

80年代アメリカン・ロックの快作　ヒューイ・ルイス＆ザ・ニュース、ブルース・スプリングスティーン、ブライアン・アダムス…、80年代の米ロックシーンを賑わしたロッカーたちの派手さとは異なり、ジョン・クーガー・メレンキャンプにはどこか陰があるように感じられる。80年代の彼の代表的ヒット作の一つがこの『スケアクロウ（Scarecrow）』である。1982年の『アメリカン・フール』（全米1位）でブレイクし、1985年に発表された本作は全米2位を記録した。　当初、ジョン・クーガーとして売り出されていた彼はレコード会社の意向に反発し（化粧をしたグラムロッカーだった）、正統派アメリカン・ロックに転向、まもなく芸名をジョン・クーガー・メレンキャンプに改めた（さらに後には、本名のジョン・メレンキャンプに改名）。こうした経緯と関係あるのかもしれないが、メレンキャンプのロックにはどこかしら陰がある。陰湿なわけではないが、からっとした明るさとは違う何かと言えると思う。　本作『スケアクロウ』は、80年代アメリカン・ロックの王道的サウンドと、上で述べたような"陰り"とのバランスが微妙に均衡を保ったところで成立している。キラキラとしたクリアなサウンドではなく、泥臭さを残した音である。1.「スケアクロウ」は、（畑の）"かかし"がテーマで、「かかしには雨／鋤には血／この土地が国を支えたんだ／この土地がオレに誇りをくれたんだ」と歌う。要は、"田舎の農民"がテーマの土臭い曲で、これが無骨なサウンドと見事に融合している。　本アルバムからは、5曲（1.、3.、5.、9.、11.）がシングルカットされ、うち3曲（3.、5.、11.）が全米トップ10入りのヒットとなった。収録曲中で筆者が特に気に入っているのは、1.「スケアクロウ」のほか、シングル曲の5.「ロンリー・オール・ナイト」と11.「ロック・イン・ザ・U.S.A.」、さらには、4.「ミニッツ・トゥ・メモリーズ」である。［収録曲］1. Rain on the Scarecrow2. Grandma's Theme3. Small Town4. Minutes to Memories5. Lonely Ol' Night6. The Face of the Nation 7. Justice and Independence '858. Between a Laugh and a Tear9. Rumbleseat10. You've Got to Stand for Somethin'11. R.O.C.K. in the U.S.A. (A Salute to '60s Rock) ～CDのボーナス・トラック（LP未収録）～12. The Kind of Fella I Am *さらに、現行リマスターには、13.Small Town (acoustic version)が収録された（筆者は未聴）。 1985年リリース。　スケアクロウ +1/ジョン・クーガー・メレンキャンプ[SHM-CD]【返品種別A】下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします！　　　　　　　↓　　　　　　　　　　↓　　　　　　　　

2009年10月06日

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ボストン　『サード・ステージ（Third Stage）』

8年毎にしかアルバムを出さないボストンの慣例の始まり　以前、『幻想飛行（Boston）』で紹介したボストンのサード・アルバムが、ここで紹介する『サード・ステージ』（1986年）。『幻想飛行』の項を書いた時に、どっちを先に紹介しようか迷ったアルバムである。　前にも書いたのだが、ボストンの最高作を一枚だけ選べといわれれば、筆者はとても悩む。1976年のファースト・アルバム『幻想飛行』も捨てがたいのだが、どうしても一枚だけとなれば、筆者はこの『サード・ステージ』を選ぶかもしれない。いや、その日の気分によるかもしれないので、とりあえず今日はこの『サード・ステージ』の気分ということにしておく。ちなみに、サウンド的には（シュワルツとしては、1枚ごとに進化しているのだろうけれども）、どのアルバムも似通っている。なので、あとはアルバム全体を通して見たときの盛り上げ方、抑揚のつけ方、さらには筆者の思い入れやその日の気分という観点での判断になる。　さて、本作『サード・ステージ』は"8年に1作"という慣例（？）が確立された最初のアルバムで、1978年のセカンド・アルバムから、8年間を費やした末に1986年にリリースされた。トム・ショルツは79年に既に3枚目の構想について語っていたと言うから、まるっきりサボっていたわけではない。けれども、旧所属のレーベル（EPIC）とは作業の遅さから訴訟問題に発展し、MCAに移籍しての本盤発表となった。第1作・第2作とも大きなヒットを記録していただけに、レコード会社の期待も、ファンの期待も大きかったという状況だ。だからこそ、完璧なものを求めて、ショルツは十分に納得がいくまで年月を重ねることを是としたのかもしれない（1980年に実際に作業を開始してから、ショルツは1万時間以上を制作に費やしたらしい）。実際、本盤収録の楽曲は1980年から86年のものまでが入り混じっている。　今回、本盤を挙げるのは、アルバムのトータリティ（全体性・総体性）という観点からの評価である。音作りという観点からすると、他の各アルバムも同様に優れており、この第3作だけが特段優れているわけではない。とりわけ、デビュー作から第4作まで（『幻想飛行』、『ドント・ルック・バック』、本盤『サード・ステージ』、『ウォーク・オン』）は変わらぬクオリティの高さを誇っていおり、その意味では、どれを聴いても、ボストンのサウンドの懐の深さを体感することができる。　本盤の特徴の一つは、ストーリー性である。1曲目はシングルヒットしたスロー曲「アマンダ」だが、これだけ聴くと、単なるラブバラードである。しかし、アルバム全体としてのストーリーは"宇宙の旅"というテーマに沿って展開する。2.「ウィー・アー・レディ」（準備はOK、の意）で出発準備を整え、続くインスト曲の3.「ザ・ローンチ」で宇宙船は飛び出す。4.「クール・ジ・エンジンズ」では、エンジンを弱めて制御を保ち、5.「マイ・デスティネイション」では、"僕のゴールは君だ"と宇宙船の目的地と愛の目的地をだぶらせて語る。再びインストの6.「ニュー・ワールド」からがアナログではB面で、愛になぞらえた宇宙飛行は、11.「ホリーアン」まで続く。　通して聴くと、他のアルバムに比べ、本盤にはスローナンバーやバラード系の曲が目立つ。これを売れ筋に走ったと取るか、はたまたデビューから2作までの傾向と違うと捉えるか否かは微妙なところだが、筆者は上で述べたようなコンセプト的な作りの結果と考えたい。本盤中の好きな曲もそうしたスロー・バラード系統の曲に落ち着いてしまうのだが、個人的には、1.「アマンダ」、5.「マイ・デスティネイション」、9.＆10.「キャンチャ・セイ／スティル・イン・ラヴ」、さらには、11.「ホリーアン」がおすすめ。　　[収録曲]1. Amanda2. We're Ready3. The Launch: a) Countdown b) Ignition c) Third Stage Separation4. Cool the Engines5. My Destination6. A New World7. To Be a Man8. I Think I Like It9. Can'tcha Say (You Believe In Me)10. Still in Love11. Hollyann1986年リリース。　サード・ステージ/ボストン[SHM-CD]【返品種別A】　　　　　　　　

2009年10月04日

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フレディ・レッド　『シェイズ・オブ・レッド』

時代に取り残された名曲群　フレディ・レッド、1928年生まれ。ハードバップのピアノ奏者で作曲家。何ともメジャーそうな響きの名前ではある。けれども、彼（厳密にはFreddie Redd Quintet）の名義の本作『シェイズ・オブ・レッド（Shades of Redd）』は、ブルーノート4000番台という位置にありながら、どちらかと言えばマイナーな扱いを受けてしまう不遇のアルバムだと感じる。リーダー作が多くないせいでメジャーとなり得なかったと言えばそれまでなのかもしれないが、少なくとも本盤を聴く限りでは、時代の流れによる不運というのも多分にあるような気がする。　1960年を迎えた頃、ビバップからハードバップへと進んできたジャズ界では次のステップへのうねりが胎動し始めていた。つまり、今から過去を遡って初めて言えることかもしれないが、隆盛を極めたハードバップの枠内でいくら名曲・名演を繰り広げても、間もなく忘れ去られていく運命にあった。新たなミュージシャンたちは新たな音楽を創造し、旧来のミュージシャンは時代の流れに対応したり新たなスタイルを築き上げたりしていった（無論、マイルスはその典型である）。そうでない者たちは、遅かれ早かれシーンから消えていく。とりわけブルーノート（もっと正確に言えば、アルフレッド・ライオン）は、この点において鋭敏だったのだと思う。それゆえ、フレディ・レッドも、そして、本盤に参加しているティナ・ブルックスも、そうした不遇の人たちではなかったか。　トランペット抜きのサックス二管（ジャッキー・マクリーンのアルトとティナ・ブルックスのテナー）というイレギュラーな五重奏団という編成。収録された7曲はいずれもリーダーのフレディ・レッドによる楽曲である。これらの楽曲いずれもが、サックス二管と実にうまく調和している。この点こそが、本盤のいちばんの長所だと感じる。J・マクリーンもT・ブルックスも"泣き"の入った音を奏でるサキソフォニストである。彼らの音色と演奏を想定してこれらのが曲が用意されたのかどうかは知らないが、もしそうであるならば、作曲者のレッドの才能は見事というほかない。もしそうではなくて、準備された曲に両サックス奏者がマッチしたのだとしても、個性の強いこれら両者を包み込んでしまう曲をいとも簡単に7曲も出してくる作曲能力は素晴らしいというしかない。　今から過去を遡って考えていいのなら、つまり、現在から遡って恣意的に過去の特定時点で時間を止めて考えていいのなら、本盤には秀逸な作品という評価を与えてしかるべきだろう。フレディ・レッドがあと数年早く登場していたら、ブルーノートを代表するような名盤を多く残す機会を与えられていたように思えてならない。どの曲も優れているが、フレディ・レッドの作曲と両サックス奏者の演奏の組み合わせという観点から筆者が好むのは、1.「セスピアン」、2.「ブルース・ブルース・ブルース」、4.「メラニー」、6.「ジャスト・ア・バラッド・フォー・マイ・ベイビー」。あと、中途半端にスペイン風の曲調ではあるが、7.「オレー」も実によく出来た曲だと思う。なお、同じフレディ・レッドには、本盤以外に『ザ・ミュージック・フロム・ザ・コネクション』という好盤もあり、いつか機会があれば紹介したい。[収録曲]1. Thespian2. Blues-Blues-Blues3. Shadows4. Melanie5. Swift6. Just A Ballad For My Baby7. OléJackie McLean (as)Tina Brooks (ts)Freddie Redd (p)Paul Chambers (b)Louis Hayes (ds)録音：　1960年8月13日　【楽天ブックスならいつでも送料無料】シェイズ・オブ・レッド +2 [ フレディ・レッド ]

2009年10月03日

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ティナ・ブルックス　『バック・トゥ・ザ・トラックス（Back to the Tracks）』

幻のブルーノート４０５２番　ティナ・ブルックス（Tina Brooks）は1932年生まれのテナー・サックス奏者。50年代にライオネル・ハンプトン楽団などでキャリアを積み、ブルーノートのオーナー、アルフレッド・ライオンに紹介されて1958年から61年にかけて録音を残すが、その後はシーンから姿を消し、1974年に亡くなった。生前、正式にリリースされたリーダー作は、『トゥルー・ブルー』（Blue Note 4041）ただ1枚であった。　ティナ・ブルックスには、別に"いわくつきの1枚"が存在した。それが、Blue Note 4052番として発売されるはずだった本作『バック・トゥ・ザ・トラックス（Back To The Tracks）』である。発売予定の番号を与えられ、ジャケット・デザインも決定し、カタログにも掲載されながら、実際には発売されなかった"幻の名盤"として知られる。アルフレッド・ライオンがなぜ本盤をボツにしたのかはよくわからないらしいが、とにかく、当時はこの演奏が人目に触れることはなかった。　しかし、1980年代に音源発掘が進み、1990年になって初めてもとの形で復刻・発売された（ただしこの時は限定盤LPで、CD化は1993年、さらにルディ・ヴァン・ゲルダーによるリマスター盤は1998年）。そんなわけで、これから初めて聴く人には普通に売られている1枚。要するに、普通に販売されている今となっては、別にマニアなレア盤でも何でもないわけで、"幻の名盤"だなどと言って大仰なものを期待する必要はない。いや、むしろそうやって本アルバムを相対化する時期にさしかかっているのかもしれない。　5曲が収録され、最初の3曲がティナ・ブルックスの自作曲。5曲のうち、2.「ストリート・シンガー」だけジャッキー・マクリーンが参加している別のセッション（『ジャッキーズ・バッグ』のセッション）からのもの。聴き所はやはりティナの演奏だと思う。この人の演奏は、派手さがあるわけでもなく、何か革新めいたプレイをするわけでもなければ、豪快さを兼ね備えているわけでもない。けれども、憂いのあるブルージーな音色と節回しが特徴である。ボクシングに喩えれば、豪快な1発のパンチではなく、何十発もの小さなボディブローが後から効いてくる感じである。1.「バック・トゥ・ザ・トラックス」や5.「ザ・ルビー・アンド・ザ・パール」あたりを聴いていると特にそう感じる。　あと本盤の特色としては、メンバーの豪華さも挙げられるだろう。ブルー・ミッチェルは全編を通じて快調というわけではなさそうだけれど、随所で快演を聴かせてくれる。そして、本作のメンバーの中で何よりも大きな役割を担っているのは、ケニー・ドリューのピアノだと感じる。上で述べたティナの演奏に聴き入るには、それを支えている彼のピアノ演奏、合間に入るピアノソロがあってのことだと思う。［収録曲］1. Back To The Tracks2. Street Singer3. The Blues And I4. For Heavens Sake5. The Ruby And The PearlBlue Mitchell (tp)Jackie McLean (as: 2のみ)Tina Brooks (ts)Kenny Drew (p)Paul Chambers (b)Art Taylor (ds)録音：　1960年9月1日（2.）、10月20日（1, 3, 4, 5）　【楽天ブックスならいつでも送料無料】バック・トゥ・ザ・トラックス [ ティナ・ブルックス ]

2009年10月03日

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クロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤング　『デジャ・ヴ（Déjà vu）』

時代をリードする西海岸発のサウンドの確立＆一体性の背後に潜む緊張感　バーズのデヴィッド・クロスビー、バッファロー・スプリングフィールドのスティーヴン・スティルス、ホリーズのグレアム・ナッシュの3人が集まって『クロスビー、スティルス＆ナッシュ』を制作・リリースしたのは1969年6月のことだった。同年8月にはウッドストックに参加し、翌70年にニール・ヤングを加えて発表されたアルバムが本作『デジャ・ヴ（Déjà vu）』である。　ジャケットにはセピア色の写真が配され、参加メンバーたちが納まっている。しかし、古さや格調を重んじるかのようなこの落ち着いたジャケットとは裏腹に、その内容は時代をリードするものとなった。具体的な名前を挙げると、イーグルスやレッド・ツェッペリンなど70年代を切り開いたロック・グループに影響を与え、いわゆる西海岸（ウェストコースト）サウンドの基礎を作ったのが本作だと言える。ニール・ヤングが加わる前の前作『クロスビー・スティルス＆ナッシュ』もアコースティックなハーモニーの美しい好盤だが、この『デジャ・ヴ』では、スティルスの希望でよりロック的な要素が強められた。この部分が本盤のドラマティックな音の響きにつながっている。　1969年から70年という時期は、ロック界の大きな変動期だった。ビートルズが解散を発表し、ジミ・ヘンドリックスやジャニス・ジョップリンといった若き才能が相次いで死去。先行き不透明な中で、クロスビー、スティルス、ナッシュ、ヤングの4人は同じ方向を見定めて進んで行こうとした。その結果が、本作のハーモニーであり、一体感につながったのだろう。　しかし、そうは言いながらも、この『デジャ・ヴ』を実際に聴くと、一体感や統一感だけではない何かがあることがわかる。それは"壊れそうな脆さ"である。そもそもグループ名（というのだろうか？）のクロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤングという名称からして、4人の名を並べただけで、寄り合い所帯そのものであることを示している。要するに、名称からして、4つの個が結集して1枚のアルバムを仕上げたという印象だ。確固たるグループとしてこのアルバムやコンサート活動がなされたというよりも、同時期に同じ方向を向いた4人が一緒に活動をしたという方が適切なのだろう。そして、この事実こそが"壊れそうな脆さ"につながっている。それは、例えば、1.「キャリー・オン」や9.「カントリー・ガール」に顕著なように、調和の中の緊張感となって聴き手の耳に飛び込んでくる。　その意味では、レギュラー・グループとしての活動を期待するような集団ではなかったのかもしれない。実際、彼らは個々のアーティストとして活動し、何かの折に再会（再結成）したり、4人のうちの一部（例えばスティルスとヤング）がつかず離れずの活動をするなどしている。そうしたことも考え合わせると、『デジャ・ヴ』はこのタイミングだからこそ奇跡的に成し得たアルバムだったのだろうと感じる。［収録曲］1. Carry On2. Teach Your Children3. Almost Cut My Hair4. Helpless5. Woodstock6. Déjà vu7. Our House8. 4 + 209. Country Girl: a. Whiskey Boot Hill / b. Down Down Down / c. "Country Girl (I Think You're Pretty)10. Everybody I Love You1970年リリース。　【楽天ブックスならいつでも送料無料】【輸入盤】Deja Vu [ Crosby, Stills, Nash & Young ]　　　　ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。　　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　↓　　　　　　　　

2009年10月02日

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ピンク・フロイド　『炎～あなたがここにいてほしい（Wish You Were Here）』

親しみを持って聴くピンク・フロイド　ピンク・フロイド（Pink Floyd）は、（初期に関して）サイケデリックであるとか、プログレッシヴ・ロックの一つの完成型であるとか、大仰な能書きがつきまとうので、今の初めての聴き手にとっては手が伸ばしにくいバンドかもしれない。ジャケットも神秘的だったり、場合によってはおどろおどろしい上、おまけにアルバム・タイトルが『狂気』や『神秘』や、挙句の果てに『鬱』とくれば、初めて聴こうという人にとっては"怖いもの見たさ"の世界になってしまう（笑）。　そこで、今回はそうではないということを強調したい。とりわけピンク・フロイドの全盛期（70年代）の諸作は、そのようにとっつきにくいものではないと思う。実際、当時は"1家に1枚"と言えるほどのセールスを記録したわけだし（『狂気』は人気絶頂のアイドル天地真理を抜いて日本国内のアルバム・チャート1位を獲得）、近づき難いものではなかったはずである。このような趣旨からすれば、代表作を選ぶのが筋であろう。一般に、ピンク・フロイドの代表作としてよく名が挙がるのは、『狂気』、『炎～あなたがここにいてほしい』、『ザ・ウォール』の3作であり、その中で筆者がいちばん聴いた回数が多いと思うのは『炎～あなたがここにいてほしい』なので、このアルバムをひとまずは紹介したい。　さて、ピンク・フロイドのどういった部分が親しみやすいのであろうか。少なくとも本盤に関して言えば、筆者は"幻想的な浮遊感"だと思う。激しい演奏でも、技巧をひけらかす演奏でもなく、内面的な世界を描き出す芸術性をシンプルに味わえばいい。芸術性という表現がまだとっつきにくいというのであれば、ロック・シンフォニー的なサウンド、と言い換えてもいいかもしれない。本作はインスト部分が多いので、"歌もの"はあまり期待しない方がいい。芸術性といっても、難しいものを理解しようという姿勢ではなく、ただその音に身をまかせ、頭を白紙にしてボーっと聴くことができるだろう。その中で浮かび上がってくるデヴィッド・ギルモアのギターは幻想的なだけでなく、一音一音がロックとして単純にカッコイイ。　アルバムの構成としては、本作『炎～あなたがここにいてほしい』は、アルバムの最初と最後にテーマ（1.「クレージー・ダイアモンド（第1部）」と5.「クレージー・ダイアモンド（第2部）」）が配され、その狭間に3曲が並べられている。1.と5.は、どちらも10分を超える長尺だが、これらがとりわけ聴き所であり、上述のように頭を真っ白にして聴けば、あっという間に時間が過ぎてしまう。余談になるが、このアルバム構成は、もともとLP（つまりA面とB面の区別あり）で作られていながら、現在のCDというフォーマット（つまりは全部続けて聴く方式）においても見事に作品として成立しているのも素晴らしいと思う（別に作った当時、意図したわけではないにせよ）。　そんなわけで、ピンク・フロイドを難しく聴くのではなく、もっと気軽に聴くことをおすすめしたい。そのうちに、いろんな細部が気になり出すかもしれないが、とにかく最初は気軽に親しみを持って聴き始めようというのが今回の趣旨である。最後に付け加えておくと、ギターを演奏したギルモア自身、本盤が最も気に入っているアルバムだそうだ。[収録曲]1. Shine On Your Crazy Diamond (Part One)2. Welcome To The Machine3. Have A Cigar4. Wish You Were Here5. Shine On Your Crazy Diamond (Part Two)1975年リリース。　【メール便送料無料】ピンク・フロイドPink Floyd / Wish You Were Here(リマスター盤) (輸入盤CD)(ピンク・フロイド)　　　　　　　　　　　　　

2009年10月01日

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