門外漢のねごとたわごとひとりごと

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  稀有な才能の持主、もう何をやっているの？…

  フィル・スペクターというアメリカの敏腕音楽プロデューサーがいる、というか居た。なぜ過去形かというと、彼は現在音楽プロデュースの活動をやっていないからです。彼は1960年代から70年代頃にポピュラーミュージックの世界で、絶大なる足跡を残している。かなり早い時期からビートルズと親しい関係にあり、晩年ビートルズのアルバム『LET　IT　BE』のプロデュースを手掛け、解散寸前だったビートルズの纏まりのないたくさんの録音を、短期間でアルバムにまで仕上げてしまった。そんな手腕をジョンとジョージは高く評価して、以後も彼にプロデュースを任せた作品がいくつもある。ところが、ポールだけはアルバム中の名曲の一つとされている「ロング・アンド・ワインディング・ロード」に、スペクターが施したオーケストラとバックコーラスのオーバーダビングを全く気に入っておらず、ひどく不満を持っていて怒っていたという。この曲は後にオーバーダビングした分を外して、オリジナルな形で発表されることになるのですが、わたし個人としてはポールの想いもよく分かりますが、コーラスとオーケストラが入っている方も好きですけど・・・。少なくとも初めてリリースした時の受け手側へのインパクトは大きかったと思います。フィル・スペクターがもっともっと以前にプロデュースした作品で、今も当時の代表的作品としてカバーされたりしているビッグヒットとなった曲がある。女性3人のボーカルグループ『ザ・ロネッツ』の「ビー・マイ・ベイビー」です。そうです50年以上前のヒット曲で、今も歌い継がれている楽曲です。この「ビー・マイ・ベイビー」を取り上げた映像を見ていて、フィル・スペクターのことを思いだしていました。冒頭に彼のことを過去形で表現しましたが、亡くなったわけではありません。なにがあったか知りませんが、かれフィル・スペクターは薬物中毒だったらしく、後に殺人容疑で逮捕されることになり、一旦は評決不能とかで保釈されるのですが、いろいろあって最終的には有罪判決が出されて、現在は禁固19年の判決で刑務所服役中ということのようです。稀有な才能の持主、何をやっているのかしら？　才能の無駄遣い、勿体無いことです。

  2016.09.17

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  耳についてしまうほど流れていたので…

  長かったようで終わってみればあっという間だった、2016リオ五輪。たくさんの競技の名勝負を見せてもらいました。もちろんテレビ観戦ですが、コマーシャルの入る民放では一切見ずに、全てNHK総合放送とNHK-BS１で通しました。どうも民放のスポーツ番組は、スポーツとは関係のなさそうなタレントが出てきて、ごちゃごちゃとうるさくて興ざめがすることがあるので避けていた。そんなことはどうでもいいのですが、今回の『リオ五輪・パラリンピック』の放送テーマソングが、安室奈美恵さんの「Ｈｅｒｏ」という曲で、もう耳について離れないようになっています。この楽曲、何十回何百回となく聴いているのですが、歳のせいかはっきりと歌詞が聴き取れず、特に冒頭の部分は何を歌っているのかよく分からずに聞き流していた。日本語なのか？　英語なのか？　なんなの？　さっぱりわからなかった。そんなことが気になったものですから、リオ五輪が終了した今頃になって、その歌詞を調べてみることにした。『I'll Be Your Hero（アイル　ビー　ユア　ヒ―ロ）』と謳っていたのです。安室奈美恵さん　そうだったんですね！　これでようやくやっと分かりました。それにしてもこれくらいのことが聴きとれないなんて…と、ちょっと落ち込みますが、近年の楽曲の歌詞に関しては、これと同様なことはしょっちゅうあります。日本語なのに！それはそれでいいのかもしれませんが、安室奈美恵さんは好きですよ。

  2016.08.25

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  　“二胡”　と　“胡弓”　似て非なるもの…

  私より年配者の知り合い（飲み仲間）の方々が　“二胡”　を習っていらっしゃる。その　“二胡”　のお仲間たちの発表会が京都下鴨で、今度の日曜日19日午後3時から開催される。そんな案内を貰っていたのですが、私はその前日の18日は恒例の山登りだし、下山後は飲み会になる。そして翌日は朝からスポーツクラブでスイミング＆サウナで、帰宅するのは1時半ごろになる。だから　“3時に下鴨へ”　というのは行けなくはないのですが、いささか厳しい気もするので、これは欠席させてもらうことにした。ただ、友人が観に行くといっているので、手土産だけは連名でお願いしておいた。ところで　“二胡”　というのは、中国の伝統的な擦弦楽器の一種。日本ではこの楽器を　“胡弓”　と呼ぶ向きもあるようですが、それは間違いでまったく別物ということになってます。　“胡弓”　は純然たる日本の伝統楽器で、弓で弦を擦る擦弦楽器という意味では　“二胡”　と同種のものということができる。　“二胡”　は2弦楽器ですが、　“胡弓”　は3弦ないしは4弦楽器で三味線を小さくしたような構造を持っている。演奏はどちらも膝に楽器を立てて、右手に持った弓で弦を擦って音を出す。でも近年、　“胡弓”　は影が薄いのかあまり見かけませんが、　“二胡”　の方は映像などで比較的見かけることが多いようです。日本の　“胡弓”　という呼び名は、明治時代初期の頃からヴァイオリンのことも胡弓と呼んだことがあったらしく、擦弦楽器の総称としても使われていたとありました。

  2016.06.15

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  クラシック音楽をコンサート・ホールで聴く…

  一昨日午後4時開演の神戸文化ホールで神戸フィルの定期演奏会に行ってきた。年に3回ある定期コンサートですが、私の座る席はいつも大体決まっている。2階席中央あたりの後ろの方です。席のランク『Ｓ席』『Ａ席』『Ｂ席』でいえば、『Ｂ席』に当たるところです。ボブ・ディランやエリック・クラプトンやローリング・ストーンズなどロック系のコンサートだと、少しでもステージに近いところに陣取りたいと思いますが、ことクラシック系のコンサートではステージ全体が俯瞰で見られる2階席の後ろの方が好みです。どうもそちらの席の方が音自体がクリアで、楽器のパーツごとに音の聞き分けもできやすいように感じられるのです。神戸フィルの場合は、席のランクは関係なく均一料金ですが、ほかのクラシックコンサートに行く場合、私たちは一番安い席を購入することになるのです。よってクラシックのコンサートを聴きに行くときは、極めて安上がりということになる。本題の『メンデルスゾーン　ヴァイオリン協奏曲ホ短調　作品64』13歳（中学2年生）のソリスト吉本梨乃さんの演奏、想像していた通り上手い人でした。この定期演奏会は毎回配られる、各種コンサートのパンフやチラシそんな中にアンケート用紙も入っているる。当日の演奏やプログラムなどの印象や評価などを書き込むのですが、そんな中に今後の定演の参考にするために、楽団に望むことなどをフリーライティングで書く欄がある。私はそこにいつも書くことが、“ピアノでもヴァイオリンでもクラリネットでもオーボエでもいいので、協奏曲をプログラムに入れてください”　ということを書いてきた。今回はそれが実現したということです。協奏曲となると、ソリストは客演ということになるので、楽団員だけで・・というわけにはいかず、ソロ演奏者を設定しなければならなくなってくる。そうなると練習やソリストとのリハーサルなどのスケジュール調整が複雑にからんでくるので、神戸フィルのような市民楽団にはいささか荷が重くなるのはよく分かる。今回の地元在住の中学2年生のソリストが設定されたのも、そんなところに比較的自由がきくということだったのかもしれない。　　　ともあれ、交響曲もいいけれど協奏曲も素晴らしいものです。コンサート終了後にロビーに降りて行くと、観客を見送りに出た楽団員の皆様の中に、13歳のソリスト吉本梨乃さんの姿がありました。　　　あどけない表情の13歳がそこに居ました。でもあの力量ですからたいしたものである！！

  2016.06.13

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  協奏曲のソリストは中学2年生…

  神戸フィルハーモニックの第72回定期演奏会が、11日に神戸文化ホール・大ホールであります。　　　娘がこのオーケストラの楽団員ですので、演奏会はほぼ毎回聴きに行っている。今回のプログラムは、メンデルスゾーン『ヴァイオリン協奏曲ホ短調　作品64』とブルックナーの『交響曲第4番変ホ長調　“ロマンティック”　』となっています。どちらの楽曲もすぐに「あ～あれだ！」と知っているわけではありませんが、音を聴いてみると思い出すかもしれません。今回の見せ場というか工夫というかトピックともいうべきことがある。それはメンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲で、ヴァイオリン・ソリストに選ばれたのが、神戸が生んだ若手ホープとの呼び声高い、まだ中学2年生の吉本梨乃さんということになっています。日本の若い音楽家、あるいは音楽家を目指している子供たちのレベルは、世界的にもかなり高いところにあると聞いている。吉本梨乃さんはもうプロになられているのかどうかは存じませんが、ちょっとその演奏を期待とともに楽しみにしている。果たして13～4歳の言わば子供が、メンデルスゾーンを如何に弾きこなしてくれるのか？　今回のテーマが　“甘き夢に浸って”　になっていますので、どのような夢をみさせてくれるのか。

  2016.06.05

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  お菓子とコーヒー付きのコンサート…

  京都文化博物館別館ホール（旧館）で開催される『京都フィル 室内楽コンサートシリーズ vol.56 ～室内楽アラカルト～』というコンサートが、昨日28日にありました。紙コップのコーヒーと焼き菓子付きの小ぢんまりしたコンサートです。この京都フィルには知り合いも居ますので、可能な限りは演奏を聴きに行っています。今回のテーマは　“室内楽アラカルト”　となっています。最初は金管五重奏の曲が4曲、そして木管（フルート・オーボエ・クラリネット・ファゴット）の四重奏や協奏曲が4曲と盛りだくさんでしたが、そこはアラカルトと銘打っているだけに、それぞれが各一楽章だけの演奏で、全楽章フル演奏ではありませんでした。モーツァルトのフルート四重奏曲もヴィヴァルディのファゴット協奏曲もともに有名な曲ですから、第1楽章だけの演奏では物足りないというかちょっと不満が残りました。そして真打メインの演奏プログラムはご存じ：『モーツァルト／アイネ・クライネ・ナハトムジーク』ということで、さすがにこの曲だけは4楽章全て通し演奏ということで、本当に素人にも分かりやすく、しっかりと盛り上げてくれました。曲目を減らしても良かったので、全曲通しで演奏が聴きたかった思いです。海外旅行で、1週間で10都市の上っ面を撫でて廻ってくるような気分です。　でも彼等は彼らなりにプログラム構成の意図はあったと思いますので、とやかくは申しません。この『京都フィルハーモニー室内合奏団』は少人数ながら、コンビネーションというかバランスが良くとれていて、チームワークの良さを感じました。

  2016.05.29

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  そんな楽曲があったんですね…

  比較的このネタで書くことが多くなっています。『You Tube』のこと。最近はYou Tubeで音楽を聴くことがよくあります。そんな中で映画『アマデウス』のサウンドトラックを聴くこともしょっちゅうで、その流れでアントニオ・サリエリの音楽も聴くことになった。サリエリの音楽も落ち着いて聴いてみると、なかなか耳触りの良い音楽で捨てがたいものがある。どうしても映画『アマデウス』のイメージが頭にこびりついている（それほど映画の印象が強烈だった）ために、サリエリを不当に低く評価してしまっていたのだとの思いもある。そんなYou Tubeでサリエリを検索してみると、その中に　“2016/02/16 に公開された”　という映像があったのです。ついひと月足らず前のことだったようです。それは　＜＜約200年ぶりに見つかったオーストリアの作曲家ウォルフガング・アマデウス・モーツ­ァルト（Wolfgang Amadeus Mozart）とイタリアの作曲家アントニオ・サリエリ（Antonio Salieri）が共作したカンタータが16日、チェコのプラハで初­めて公に演奏された＞＞　と説明付きの画像でした。男性奏者がハープシコードを演奏する5分弱の楽曲でした。何度か聴いていると、モーツァルトらしい部分もあるようなのですが、私の印象ではサリエリ色の方が強い気がいたしました。優しい楽曲ですけれどいささか凡庸な感じが拭えず、モーツァルトのもつ斬新さと切れ味のようなものがあまり感じられないので、つまるところ原曲はサリエリ作で、モーツァルトがそれに多少手を加えたのではないかという仕上がり感なのです。それは飽くまで私の印象ですから、実際にはどうだったのかは分かる筈もありません。でもその印象ですら映画『アマデウス』の影響を受けた結果なのかもしれませんね。因みに『カンタータ（交声曲）』とは、単声または多声のための器楽伴奏付の声楽作品をいう。＜＜元来は動詞「歌う（cantare）」の分詞形であり、「歌われるもの」を意味する。典型的なカンタータは、17世紀後半にイタリアで作曲された、レチタティーヴォとアリアからなる独唱と通奏低音のための歌曲であり、18世紀前半のドイツでは、コラールを取り入れた教会カンタータが、18世紀のフランスでは一人または数人の歌手と通奏低音のほか、しばしば小編成の器楽を伴う世俗カンタータが数多く作曲されている。一方、19世紀以降、カンタータは合唱と管弦楽のための多種多様な作品を表すものとなった＞＞　とありました。

  2016.03.11

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  独自の解釈がみられるものだった…

  クラシック音楽でピアノをはじめとする協奏曲には『カデンツァ』というものがある。『カデンツァ』というのはイタリア語で、ドイツ語では『カデンツ』といいます。これは協奏曲にあって、ピアノなどの独奏楽器がオーケストラの伴奏を伴わずに、独奏演奏者が自由に即興的な演奏をする部分のことです。　“自由に即興的な演奏をする”　と説明にはありましたが、それは元々の姿であって、今日では即興で演奏されることはほとんどないと思います。わたしは独奏演奏者がその当該協奏曲をどのように把握して解釈しているのかを、『カデンツァ』で表現し聴衆に知らしめる部分だと理解しているので、自由ではあっても決して即興的な演奏ではないと思っています。説明にはこうありました。　＜＜古典派の協奏曲には、通例第一楽章のソナタ形式の終わり、コーダの部分で一旦オーケストラによる合奏を中断する。その後、独奏楽器に自由な演奏をさせたあと、再び合奏となり楽章を終結する＞＞　とありました。協奏曲は3楽章で構成されていることが多く、その第1楽章の終盤に『カデンツァ』が入ることになるのです。今日では著名な（巨匠）演奏家などの『カデンツァ』を譜面に書き残し、その楽譜に従って演奏するということが行なわれるようになっている。このように一つの協奏曲に、複数の演奏家や作曲家が『カデンツァ』を作曲するようになり、現在では演奏家はその中から選んで演奏するのが一般的となっています。『カデンツァ』を自由に演奏させると、独奏者の力量によっては『カデンツァ』部分だけにレベル低下を招くことにもなりかねないということで、協奏曲全体の不出来につながるとの見方もあるようだ。そのような懸念もあって、協奏曲の作曲者本人が全体の統一を図るため、『カデンツァ』をも書き記すということも行われることになる。因みに古典派の巨匠たるモーツァルトやベートーヴェンなどは、自分の協奏曲に演奏者の独断を許さないという強い支配性があり､『カデンツァ』まで作り付けにして演奏者を拘束している。そんな一例として『ベートーヴェンのピアノ協奏曲第5番』や『メンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲』などがそれにあたるのだとありました。こうなると『カデンツァ』による演奏家の解釈もなにも無くなってしまうわけです。

  2016.02.23

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  それの記憶が全く真っ白…

  　　　取り置き録画をしておいたものを観た。この1月10日に亡くなったデイヴィッド・ボウイを追悼してテレビ放映された映画「戦場のメリークリスマス」です。この映画も過去に見たことはあったが、それこそ追悼の意味を兼ねてもう一度見たということ。今回はこの映画のことがネタではなく、デイヴィッド・ボウイの来日コンサートのことです。わたしにはまるっきり記憶がないのですが、女房殿が言うには、私たちは彼のコンサートを大阪フェスティバルホールだったかに観に行っているらしいのです、それもかなりステージに近い前の方の良い席で。ところが何故だかわからないけれど、わたしはそれを全く覚えていない。彼女はそのことを明解に覚えていて、わたしがそのコンサートで言った言葉までしっかりと覚えている。ステージ上でボウイや彼のバンドの連中が曲の合間に、みんなが煙草を吸っているのを見てのことだったそうで、それはこうだ。「ローリングストーンズのキース・リチャーズなんかは、カッコ付けで煙草を吸っている感じがするけれど、ボウイはじめこのバンドの連中は本気で煙草を吸いたくって吸っとるな～」と、このようなことを私が言ったそうである。女房殿がそこまで言うということは、やはり私はデイヴィッド・ボウイの大阪公演を観ていることに間違いはなさそうです。その事が記憶から抜け落ちているということは、はなはだ勿体無いことだと、いま懸命になってその時のことを思い出そうとしているのだが、思い出せないでいる。過去に観に行ったコンサートのことはすべて覚えているはずだったんだけど、不思議なことにこのデイヴィッド・ボウイの来日コンサートだけは、まったく真っ白な状態です。

  2016.01.31

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  久々だから行きたいのだが…

  ボブ・ディランが、2014年以来2年ぶりに大阪にも来て公演する。2016年4月11日・12日フェスティバルホールである。まだ新聞広告でチケット販売の広告が出ているので、完売しているわけではなさそうです。ボブ・ディランといえば私が好きなロック・アーティストの3本指に入るミュージシャンです。そんな彼が2年前にも大阪にやってきてライブハウス公演をやったのですが、その時は都合があって観に行けなかった。今回は15年ぶりのホール・コンサート　ツアーが開催される。今度の来日は通算で8度目となるボブ・ディランの来日。このボブ・ディランも御年75歳となられます。月日が経てばそれだけ年取って行くのは当然ですが、彼も75才か～と、彼の音楽を聴き続けてきた私といたしましては、ちょっと感慨深いものがあります。ディラン論を語るつもりはありませんが、彼が発表してきた楽曲はその都度変貌をしていて、常にオリジナリティが発揮されてきた。今回のステージがどのようなものになるのか、とても興味はあるのです。75歳の彼が昔のようなパワフルなステージを演じられるのか？　それとも全く違う姿を見せて驚かせてくれるのか？　そういう彼の今日の姿をリアルタイムに目撃したいのですが、今回もどうも行けそうにないのが残念ではあります。彼の日本公演は過去に4回ほど観ていますが、どの公演も同じものは一つもありませんでした。同じ楽曲を演奏しても、信じられないようなアレンジを施して全く違う楽曲にしてしまっているのです。それが面白くて観に行っているようなところがありましたが、今回も観ることは叶わない。大昔何十年も前、初来日のちょっと前には、ボブ・ディランの初来日は叶わないのではないかとの風聞が流れたことがありました。それはディラン本人は「英語が通じない国には私は演奏しに行くことはない」と公言していたことがあったからなのです。その初来日の公演、大阪ドームも大阪城ホールもできるのはまだまだ先のことだったころで、確か枚方市にある松下電器の大きな体育館だった。この公演はわたしの期待を裏切らない、素晴らしいものだったことを今もはっきり覚えている。

  2016.01.26

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  二年振りにシュトラウスを聴いてきた…

  　　　昨日は神戸フィルのニューイヤーコンサートが神戸の文化ホールでありました。例年1月の第3土曜日に開催されることが多く、山登りの会の新年会と同日で時間帯も同じころになることが多いのです。そんなことですから昨年は新年会の方に参加して、今年はコンサートの方に行ったということです。阪神淡路大震災から21年目を迎える前日でしたから、コンダクターの朝比奈千足さんの挨拶もそれに触れない訳には参りません。そして今回のプログラムは２部構成で、第1部は＜躍動の音楽＞の音楽ということです。今年は南半球南米で初めて開催されるオリンピックイヤー。それにちなんでアルゼンチンタンゴとブラジルサンバを中心に選曲されていました。○黛　敏郎　　　　スポーツ行進曲○ビゼー　　　　　ハバネラ　カルメン組曲より○アンダーソン　　ブルータンゴ○アルゼンチンタンゴ メドレー○ブラジル メドレー○平吉毅州　　　　ファンタジー「神戸の詩」よりゲスト参加として、『Escola　De　Samba　KOBECCO（指導：渡めぐり）』という神戸サンバのダンスチームの草分けが参加して、新年らしく一層華やかで明るいステージとなっていました。休憩を挟んで第2部は、ニューイヤーコンサートには世界中で付き物となっていると言ってもいい、＜とっておきのシュトラウス＞ということで、ヨハンとヨーゼフ二人のシュトラウス兄弟の、聴きなれた軽快なワルツとポルカの名曲を聴くことになりました。○ヨハン・シュトラウス　　　ワルツ「春の声」○ヨハン・シュトラウス　　　シャンペンポルカ○ヨーゼフ・シュトラウス　　ポルカ「風車」○ヨーゼフ・シュトラウス　　ポルカ「かじや」○ヨハン・シュトラウス　　　ポルカ「雷鳴と電光」○ヨハン・シュトラウス　　　ワルツ「美しく青きドナウ」ほか二年振りのニューイヤーコンサートでしたが、やはりウインナワルツのコンサートを聴いて始めて、今年もようやく動き始めたのだな～と自覚していた次第です。ニューイヤーということ、楽団員の衣装も通常定演時の白黒衣装ではなくて、特に女性はパステルカラーのとてもカラフルなドレスで華やかなステージで、これはこれでとってもいいものです。

  2016.01.17

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  合唱団は年配者ばかりが目立った…

  報告が一日遅れになってしまいました。　　　一昨日に神戸文化ホールで開催された、神戸フィルの『第九』演奏会のこと。娘夫婦がこの楽団員で娘がトロンボーン、その夫がホルンを吹いているということもあって、聴きに行ってきました。当初私は、ベートーヴェンの交響曲第9番『第九』にトロンボーンパートは入っていないのではないかと思っていたのですが、第2楽章にほんの少しと第4楽章に出番がありました。映像ではなくLIVE演奏で『第九』を視聴するのは初めてのことでした。やっぱり生演奏は独特の雰囲気と、ましてや大人数の合唱団もいるわけですから臨場感が通常の定期演奏会とは全く違います。私はいつもこのオーケストラを観る時に座る席は、二階席の真ん中あたりのステージ全体を俯瞰できる位置に陣取ります。そしてオペラグラスも持って行くことにしています。舞台壇上には、通常のオーケストラの配置とは別に合唱団のための雛段が設えてありました。楽団奏者と合唱団が登壇して並ぶと、流石にいつもの定期演奏会とは違った壮大さがありました。合唱団のための雛段が10段あって、横に25人くらいの配置でしたから、ざっと250人以上の合唱団だったわけです。その男女構成は、男性『1』に対して女性が『3』くらいの比率でした。舞台からは遠い位置にいたものですからオペラグラスで観察してみると、合唱団の皆さまの年齢がかなり高そうに見受けました。つまり若い人がほとんどというか全くいないといっても良いくらい。それくらい年齢が高かったのです。だからどうこうということはありませんが、やはり日本の12月恒例のベートーヴェン『第九』は特に熟年層に愛されているというのが、その合唱団の年齢の高さを見て改めて感じてしまった。　　　初めての『第九』でしたが、なかなか良い演奏だったと思います。最後に提出したアンケートには、この神戸フィルハーモニックの『第九』演奏を毎年恒例とすることを望む旨書いておいた。また今回の観客の入りが、通常の定期演奏会に比べてはるかに多かったことも特筆に値するし、定期演奏会にも観客動員をはかるべく努力を促しておいた。

  2015.12.25

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  23年振りのソロアルバムで気付いた事…

  先日のブログで「最近は音楽CDを買ったことはない」と書きましたが、じつは1枚だけ最近に買ったCDがあります。それはキース・リチャーズのソロアルバムです。彼のソロとしてはなんと23年振りにリリースした3枚目となるものです。わたしは何十年来彼のファンですから、これは買わないといけません。彼は決して歌が上手いわけではないし、名曲と評価されるようなものも無いように思います。今回のこのアルバムも大きな期待はしていませんでしたが、過去の2枚のアルバムよりは出来がいいと感じました。けれどやはりあの、寝言のような雰囲気のキース・リチャーズ節で全編網羅されていた。でもなんだかいいのです！　この人だからいいのかもしれない。CDのジャケット写真をしげしげと眺めて、この人もずいぶんと年を取ったものだと、その顔のしわに刻まれた年輪のようなものを感じ取った。　　　そして写真をみていて、もう一つ驚いたことがある。　　　それは彼の手の指がとても節くれだっていることです。とてもギタリストの指だとは思えない。ふつうギタリストの手の指といえば、細くすらりと長くて器用そうな指を想像しますが、それとは全く対極にあるような指をされているのです。以前から映像で見て、ごつごつした指をしているなぁとは思っていたのですが、ここまでとは…、とちょっと唖然としています。でもこの指からあのストーンズの名曲たちのギターリフが生み出され、独特の味が醸し出されているのかと思うと、なんだか感動すら覚えてしまいます。もう72歳ですが考えようでまだ72才ということで大いに健在ですから、これからもキース・リチャーズ節や独特のギターリフで魅了し続けて欲しいと願っている

  2015.12.16

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  とても渋い選曲、聴きごたえ十分…

  近年はCDを買うことは無くなりました。TSUTAYAで借りることも多く、YOU TUBE で探せば大抵のものは出てきますから、十分事足りるのです。けれどいまだに『SUPERFLY』のこのアルバム『Wildflower & Cover Songs;Complete Best』だけはTSUTAYAにはまだ出ていません。いや、あるのかもしれませんが、借りることがまだできていませんでした。そこで以前に、飲み会仲間の友人がこのアルバムを持っているということを思い出して、その旨メールでダビングをお願いしたのです。すると早速に宅配メール便で送っていただきました。こんなに早く応えてもらえるとは思っていなかったので、“打てば響く”　とはこのこと、感激してしまいました。全15曲収録で、そのアルバムタイトル通りすべての楽曲が洋楽のカバー曲で構成されている。そしてそのカバーされた楽曲15曲の選曲がなんともかんとも渋いのです。SUPERFLY越智志帆さんのお歳でこれらの曲をご存じだとは…。この人たちは相当いろいろな洋楽をたくさん聴いてこられているのがよ～く分かりました。わたしも原曲（オリジナル）を知らない楽曲も、この中には数曲ありました。曲名は送っていただいたので分かりましたが、アーティスト名は調べて入れています。収録楽曲トラックリストは以下―――01．「FOOLED AROUND AND FELL IN LOVE」エルヴィン・ビショップ02．「（YOU MAKE ME FEEL LIKE ） A NATURAL WOMAN」アレサ・フランクリン　03．「HOT'N'NASTY」ハンブル・パイ　04．「（PLEASE NOT）ONR MORE TIME」ロジャー・マッギン05．「RHIANNON」フリートウッド・マック　06．「HONKEY TONK WOMEN」ローリング・ストーンズ　07．「BAD,BAD LEROY BROWN」ジム・クロウチ　08．「HEART OF GOLD」二―ル・ヤング09．「DESPERADO」イーグルス　10．「MY BROTHER JAKE」フリー　11．「ROCK AND ROLL HOOCHIE KOO」リック・デリンジャー12．「LATE FOR THE SKY」ジャクソン・ブラウン13．「PIECE OF MY HEART」ジャニス・ジョプリン　14．「BITCH」ローリング・ストーンズ　15．「THE WATER IS WIDE」ピート・シーガー　さすが越智志帆さん！　どの楽曲もオリジナルの味を失わず、それでいてSUPERFLY流のサウンドになっていて、彼らの音楽ルーツを垣間見た気がします。このアルバム1曲目「FOOLED AROUND AND FELL IN LOVE」で始まり、ラストの曲「THE WATER IS WIDE」で締めくくるところが絶妙です。また、選曲の中に、ジャニス・ジョップリンやローリング・ストーンズが入っているのは驚きませんが、エルヴィン・ビショップやジム・クロウチやジャクソン・ブラウンの楽曲が選ばれている。これは渋い、こなれているとしか言いようがない。そしてローリング・ストーンズだけが2曲取り上げられている。これもビートルズやクラプトンやサイモン＆ガーファンクルではなくてストーンズだというところが、彼らの音楽指向を如実に表しているように思えます。余談ですが、今年の紅白歌合戦にSUPERFLYが選出されましたが、ちょっと肌合いが違っているのではないかと思っていて、彼女たちが　“浮かなきゃいいなぁ”　といささか懸念しています。久し振りのSUPERFLYネタでした。

  2015.12.09

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  師走といえばやはりこれ、予定に入れた…

  忙しないことに、今年も師走が間近に迫ってきています。そんな師走の話題です。わが国だけの現象のようです、毎年師走にベートーヴェンの第九交響曲が演奏されるのは。「第九」が年末に演奏されるようになった起源は、1943年東京音楽学校（現東京芸術大学音楽学部）の奏楽堂で行われた、学徒壮行音楽会に起因しているようです。太平洋戦争の状況悪化で文系の学生も徴兵されるようになり、卒業式を12月に繰り上げて、「第九」の第四楽章で卒業と出征を祝ったということがあったのです。終戦を迎えた後も、生き残った者達が帰らぬ友へのレクイエムとして、出征した12月と同じ月に「第九」を演奏することが慣例となり、“第九は12月”　という公式が出来上がったということらしいのです。それと12月16日はルードヴィッヒ・ヴァン・ベートーヴェンの誕生日、今年で245回目。日本では彼の誕生月12月がベートーヴェン月間とされていることもあって、ベートーヴェンの交響曲第九番の演奏会が、規模の大小はともかくも日本中のあちこちで開かれることになる。今年はそんな一つに、『神戸フィルハーモニック』も演奏会を開催することになっている。12月23日の天皇誕生日に設定されている。神戸フィルに関しては、11月14日に開催された秋の第71回定期演奏会には行けなかったので、この第九交響曲合唱付き演奏会はぜひとも聴きに行こうと、もう予定に入れました。繰り返しになるが、年末にこれだけ多くの「第九」演奏会が催されるのは日本だけの風潮。その事はヨーロッパでも良く知られていて、好感を持って評価されているようです。この「第九」が完成した当初はどうであったのだろうか？　調べてみた。1824年5月7日の初演は成功したけれど、その後の演奏会は全て失敗だったようで、その要因としてはやはり第四楽章の4人のソリストと合唱隊が登場するのが異質で違和感を持たれたからとされ、しばらくはボーカルを外して演奏されていたとのこと。なんとベートーヴェン自身も、第四楽章を器楽のみの編成に書き直すことも考えていたらしい。しかしこんな逸話もある。この全曲が持っている一貫された情愛とパワーに確信を持っていたワーグナーが、後に全楽章を復活演奏したことによって、傑作として世に知らしめることになったのだと・・・。なお、日本で一番最初にこの「第九」が演奏されたのは、1918年徳島県坂東市（現在の鳴門市）のドイツ兵捕虜収容所で、捕虜達によって演奏されたのが本邦初演という。収容所長 松江大佐という人は　“武士の情け”　を心情とする人で、敵国の捕虜に対しても「祖国のために堂々と精一杯戦った勇士」としての礼節を尽くし、人道的共感をもってこの演奏を許した。これこそが、シラーの人間愛を謳う詩に感銘を受けたベートーヴェンの世界平和への讃歌にふさわしい精神といえるのではないか。このエピソードは、かなり以前にこのブログに書いたことがある。

  2015.11.18

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  スコットランド民謡に確かあった…

  　　　スコットランド西南部にあるローモンド湖へも行った。　　　取り立てて特徴的なことは無い湖でしたが、スコットランドでは一番大きな淡水湖だということです。リゾート地にもなっているようで、湖畔や遠景も含めそれなりに美しい雰囲気のある湖でした。あちらの言葉で湖のことを　“ロッホ”　と言うのだそうで、ローモンド湖は　“ロッホ・ローモンド”　ということになる。　“ロッホ・ローモンド”　この言葉は随分昔に聞いた覚えがある。確かスコットランド民謡だ。そうか！　ロッホ・ローモンドとは湖の名前で、あの歌はローモンド湖を歌ったスコットランド民謡だったんだ！　と、この歳になって初めて知るところとなりました。ところで　“ロッホ・ローモンド”　ってどんな曲だったのか、歌った覚えは微かにあるのにメロディを全く思い出せない。確か音楽の授業でもこの歌は取り上げられていた。でも思い出せない。こんな状態のままでは気持ちが悪いので、できればそのメロディも聴いてみようとYOU TUBEで調べてみることにした。聴いた、そして思い出した。そんな曲歌ったことがある、もう半世紀以上も昔の事にはなるが。何度か繰り返しこの曲を聴いていて、なんだかメロディに聴き覚えがある。昔に自分が歌ったその覚えとは違うモノです。そう遠くない過去に聴いたことがあるような気がして、そちらの方も必死になって思い出した。この　“ロッホ・ローモンド”　の冒頭出だしの部分や全体の曲想が、なんと驚いたことにあの歌の上手い高橋真梨子さんが歌うところの『五番街のマリーへ』にそっくりなのです。　　　おそらくあの歌は　“ロッホ・ローモンド”　が元ネタになっていると確信しました。こんな発見をして、何となく嬉しくなってしまっています。

  2015.07.01

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  さすがうまい切り返しをしている…

  ストーンズの取り置き録画を見ていたら、キース・リチャーズのインタビューが収録されていた。そのインタビュアーがキースに「あなたとロン・ウッドと、どちらの方がギターが上手いと思う？」と、かなり意地の悪い質問をしている。というのはキース・リチャーズはロックギタリストの巨匠の一人ではある。数多いるギタリストの中でも彼独自のギタースタイルは際立っているが、ギターテクニックそのものを高く評価されたことはない人です。　“下手うま”　の代表選手のようにいわれて揶揄されてきている背景もあるのです。その質問に対してキースは「奴も俺もどちらも下手クソだが二人が組めば最強だ」と応えている。これはとても巧い切り返しをしていると思った。この発言は控えめな気持ちから出た言葉なのか、あるいは上手くない言い訳をしているのか…。おそらくそんなことではないのだろう。このような言動をすることが、キース・リチャーズという人間の有り様で魅力になっている。もしストーンズのキース・リチャーズというギタリストが、エリック・クラプトンやジェフ・ベックのように上手いギタリストだったら、それはもうキース・リチャーズではなくなりストーンズもまったく別の存在になっているはずである。キースはキースでいることがロックであり、ローリング・ストーンズのギタリストとしての役割は、必要不可欠の存在なのです。そんな彼の存在が醸し出すロック界最高のモンスターバンド『ローリング・ストーンズ』が、頂点に君臨し続ける原動力の大きな部分を担っていることは間違いない。ロックの形態もいろいろあるが、その価値観を語るとき、ギターテクニックが巧みであるかどうかは最も大切な事柄ではないことを、キース・リチャーズの存在が証明しているようです。キース・リチャーズはストーンズの中でも、いや、ロック界全体の中でもカリスマ性の高いアーティストで、この魅力こそがロックの本質と思わせる。そんな世界を創れる彼キースは、本当はギターが上手いのではないかとも錯覚させてしまうから不思議です。

  2015.06.04

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  注文していたことを忘れかけていた…

  まだ先のことですが、京都コンサートホールでのコンサートチケットが生協から届いた。　　　それは『ベルリンフィル　12人の金管奏者たち』というコンサートのもの。世界最高峰オーケストラと名高い『ベルリンフィルハーモニー管弦楽団』の金管奏者たち12人によるアンサンブルコンサートです。ベルリンフィルは団員それぞれが選び抜かれた名手で、ソリストとしても一流だとされている。その編成は　“トランペット５本・ホルン１本・チューバ１本・トロンボーン５本”　というもの。12人の金管奏者たちは、多くの室内楽グループのなかでも最も古くから活動し国際舞台で名声を博してきたのだそうである。我が家は生活協同組合に入会していますので通常は食品を注文していますが、時にはコンサートや美術展のチケットなどもここで買うことがあります。今回もそんなカタログ案内（かなり前に紹介されていた）を見て注文したわけです。このコンサートの料金は、S席＝8000円　A席＝5000円　B席＝3000円　ということでしたので、ここは迷わずB席のチケットを2枚注文したのです。と言いますのは、安価であるということも勿論あるのですが、演奏者を近くで観たいと思うロックコンサートの場合とは違って、クラシックのコンサートに関しては私はできるだけ後ろの席というか、２階席か３階席に行きたいのです。その方がステージ全体が見渡せるし、音もそちらの方が良く聴こえるように思っているのです。したがって２階席・３階席の価格が安いということは、なんとも願ったり叶ったりということなのです、私には。おまけに生協の会員には、3000円のチケットが2700円になるという特典までついているのです。世界の頂点のようなオーケストラの金管奏者の達人たちのコンサートがこの価格で聴くことができる、ちょっと嬉しいことである。

  2015.05.11

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  この曲には原曲となるものがあったという…

  今この歳になっても、1年に1～2回くらいカラオケをやることがある。基本的に　“カラオケ”　といえばイコール演歌というイメージがついてまわります。当然私も演歌は歌いましたし、むしろむかしにはカラオケは演歌か和製フォーク、せいぜい和声ポップスくらいまででないとウケなかったということもありました。そんな席で洋楽なんぞを横文字で歌ってみようものなら、場の雰囲気と違うと白けられてしまいがちですから、とてもとても・・・。でもそんな中で私が演歌以外の曲（洋楽）を披露することもありました。というかその日歌う曲の何曲目かには必ず歌っていた曲が、『Can´t Help Falling In Love（好きにならずにいられない）』プレスリーが映画『ブルーハワイ』の中で歌って大ヒットしたラブソングです。この曲はスローバラード、英語ができないわたしでも歌詞を追いかけることができるのです。この曲は半世紀以上前の曲ですが、今も全く古くさくない美しいメロディで、歌詞もいいし愛すべき楽曲だと思っている。いろいろなミュージシャンにカバーされていますから（あのボブ・ディランでさえもカバーしてアルバムに入れている）、プレスリーの曲ではなくても聴いている人はたくさんいると思います。おそらくこの曲を好きじゃないという人は少ないのではないか。この曲を初めて聴いた時から「なんだか聴いたことがあるようなー」気がしていた。ある音楽番組でこの曲を取り上げていたのを見ると、やはりそのことに触れていました。　＜＜18世紀のフランス・パリで、フランスの詩人ジャン・ピエール・クラリスの詩に、ジャン・ポール・マルティーニという人が曲をつけた『愛の喜びは（Plaisir ｄ’Amour）』という歌曲作品＞＞　で、私も聴いた事のある曲でした。わたしはそれを何処で聴いたのか？　しかとは思いだせないのですが、小学生の給食の時にBGMとして流れたいたのかもしれない。『Plaisir ｄ’Amour』は、「愛の喜びは一瞬しか続かない　でも愛の悲しみは生涯続く」と、 愛を失った男の消えない心の傷を歌った失恋の歌だそうですが、『Can´t Help Falling In Love』の方は、若者の片思いの心のときめきを歌っていて、歌詞の内容には違いがある。　“『Can´t Help Falling In Love』”　原曲があって作り直した作品ということですが、これはもうオリジナル作品としてバラードの名曲といえます。それにしてもプレスリーは歌が上手いですね！

  2015.04.24

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  　“あ～”　だけなのに…

  　　　『Ah』というタイトルの曲がある。　　　『Superfly』の楽曲です。そのタイトルの通り歌詞は無く、ボーカルの越智志帆さんの『Ah』というスキャットのみで歌われる3分40秒の美しいメロディの曲です。終始　“あ～　ああああ～　あ～ああ～・・・・”　しか言っていないのですけれど、歌詞が無くてもなぜか不思議に感動するのです。（この曲の歌詞ありバージョンもある）これもやはり歌の上手さ抜群の歌唱力の賜物なのでしょうか？　メロディの美しさがそうさせるのでしょうか？　いずれにせよスキャットだけで一曲を聴かせきってしまうというのは凄いことです。パソコンを触っている時のBGMには、必ずと言って良いくらい『Superfly』を流しています。　　　なんでもっと早くにこのグループを知らなかったのか、その不覚を反省しています。　　　なんだかここのところ私は『Superfly』に嵌りっぱなしです。話変わりますが、その昔マリア・カラスという天才オペラ歌手のことを　“ディーバ”　と表現されたことがありました。その『ディーバ』とは、卓越した歌唱をする女性歌手への賛辞の言葉です。語源はラテン語で「神々しい」とか「神がかり的」というような意味ということでした。日本語では「歌姫」と訳されることが多いということですが、彼女　越智志帆さんこそその言葉が当てはまるのではないかと思っているのですが・・・。因みに男性歌手の場合は　“ディーヴォ”　といいます。『イル・ディーヴォ』というアカペラで歌う男性ボーカルグループがありますね。そういえばもう何十年も前に、今も頑張って居られる由紀さおりさんの『夜明けのスキャット』という曲が大ヒットしたことを思い出しました。ただしこちらは2コーラス目からは歌詞が入りましたけれど。今から思えばこれも印象的な楽曲でした。またまた『SUPERFLY』ネタでした、自分でもかなり入れ込んでいるという自覚があります。今後もまだまだ登場してくるかもしれません。

  2015.04.13

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  この作曲家の作品はこれしか知りません…

  『ラフマニノフ』といえば『ピアノ協奏曲第2番』と条件反射的にこの作品名が出てきます。わたしも同様で、ラフマニノフのこの作品以外の楽曲を知りません。この協奏曲第2番は映画音楽に使われて一気に有名になりました。そのもっとも有名なのが70年も前のイギリスの恋愛映画「逢びき」で、全編で印象的に使われています。ということはこの映画、終戦の年に作られたということになります。ほかにもドラマや映画のBGMにも使われることがあって、印象的なシーンを演出しています。また近年では、女子フィギュアスケートの楽曲としてもよく使われているようで、とても一般的になっています。ところでピアノ協奏曲第2番ということは当然第1番もあるということでしょうけれど、その1番が演奏されたり放送されたことを観たことも聴いたこともありません。でもレコード（CD）にはなっているようです。　　　その第1番とはいかなるものか？　そんな疑問が脳裏を過ぎりました。当然調べてみることになりました。ラフマニノフのピアノ協奏曲は全部で第4番まであって、第2番と第3番ばかりが注目されているとのことでした。あまり注目されていないその『ピアノ協奏曲第1番嬰ヘ短調』はというと、彼がモスクワ音楽院在学中であった1890年から1891年にかけて作曲した作品で、同音楽院の卒業試験のために書かれたものだとのことでした。作曲した当初は本人自身もこの作品には満足していたようですが、後年に友人モロゾフに宛てた手紙の中で　“わたしをぞっとさせる3つの作品”　の内の一つとしてこの作品を選んでいる。そして1917年にピアノ協奏曲第2番と第3番を発表した後に、自身の手で徹底的にリメイクが施され、現在のものとなっている。ということでした。ただ私としては、改訂後の第1番も聴いたことがないし、ましてやリメイク前のオリジナルを聴くよしもないわけです。これを聴き比べることができれば面白いかもしれないと……。取り敢えず、まず改訂後の第1番を聴くことにしようと思っている。1873年4月1日つまり142年前の昨日、ラフマニノフはロシアに生まれました。

  2015.04.02

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  やっぱりいい、なかなかいいじゃないですか…

  　　　TSUTAYAで借りていま聴き始めています『Superfly』のアルバム。まだ2枚だけですけれど、ファーストアルバムの『Superfly』と4番目のアルバム、それも初回限定盤の『Force』です。この限定版の『Force』の方は2枚組で、その2枚とも同じ曲が同じ順番で入っているのですが、2枚目の方がLIVE録音になっているという珍しい作りになっているのです。この2枚を聴いたところでの感想ですが、YOU-TUBEに流されている曲以外のものもあって、結構楽しめています。　“やっぱりなかなかいいじゃないですか”　というのが本当のところです。『Force』収録曲は全11曲ですが、そのうち7曲もがテレビドラマの主題歌、映画の主題歌やイメージソングとして、またテレビ番組テーマソングとなっていたり、加えて商品CMのキャンペーンソングにも使われていたりするのです。そんなに売れっ子だったのです。確かに彼らの楽曲はパワフルで元気が出てきますから当然といえるのかもしれません。このグループのアルバムはBEST盤を除けば5枚出されているのですけれど、5枚目の最新版『White』はまだTSUTAYAのラインナップには入っていません。現段階では2枚のアルバムしか聴いていませんが、残りの2枚もできるだけ早いうちに聴くつもり。この越智志帆さんのパワフルなハイトーン・ヴォイスは絶品です。この人の高音はファルセット（裏声）にひっくり返らないのが絶対的魅力です。

  2015.03.20

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  完全に自分のものになっていました…

  「スローバラード」という曲がある。この曲はRCサクセションの楽曲で6枚目のシングルにあたり、今から40年くらい前の1970年台半ばに作られたものです。もちろんオリジナルは忌野清志郎さんのボーカルで、まさに清志郎節そのものといったものです。なぜこの曲の事を今頃書いているのかというと、先日書きました『SUPERFLY』の越智志帆さんの曲をあれこれYOU TUBEで見つけて聴いていると、彼女がこの清志郎さんの『スローバラード』をカバーしているのです。清志郎さんの楽曲は大体どれも難しいのですが、中でもこの曲はかなり難しいはずなのですけれど、越智志帆さん見事にカバーしていて、完全に自分のものにしていました。他にも彼女はいろいろとカバー曲がある。例えばニール・ヤングの『Heart of Gold』、ジャニス・ジョップリンの『Piece of My Heart』や『Summertime』それに『Down On Me』、またローリング・ストーンズの『Honkey Tonk Women』などを聴きました。特にジャニス・ジョップリンの曲はどれも難しいものですが、それすらも完璧にカバー、やはり歌が上手いという最大の強みと、説得力のある彼女の歌唱力とが相俟ってはじめてできるのだと納得しています。あッ忘れてた、それからこんなのもありました、中森明菜の『飾りじゃないのよ涙は』！　オリジナルとは全く別の味がありました。この曲がヒットした年に志帆さんは生まれた。やはり『SUPERFLY』の越智志帆さんの楽曲はすべて聴いてみたいと、改めて思い直しています。

  2015.03.10

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  彼らの楽曲では最も好きな曲…

  　　　ある音楽番組を見た。その日のテーマになっていた楽曲が『Teach Your children』、半世紀近くも前の曲だった。この曲は『Crosby Stills Nash & Young』というグループの『DEJA-VU（デジャ‐ヴュ）』というアルバムで発表された曲である。彼らの楽曲すべての中で私が一番好きな曲です。この曲は、1971年マーク・レスター主演のイギリス映画『小さな恋のメロディ』に使われて、メインテーマ曲のビージーズの『メロディ・フェア』と同じく世に知らしめた曲です。この曲の作者は同グループのグラハム・ナッシュ（元ホリーズというグループのメンバーだった）で、曲そのモノは大作というのではありません。むしろそうではない珠玉の小品といった趣があって、メロディもシンプルで分かりやすく、ハートウォーミングな感じのとても優しい名曲だと思います。この曲で特に印象的なのが、イントロに始まって終始バックで的確にスライド演奏されるペダル・スティール・ギターの演奏です。（ペダル・スティールというのはハワイアンでよく使われるスライド音が出せる楽器のこと）この番組を見て初めて知ったのですが、このペダル・スティールは『グレートフル・デッド』のジュリー・ガルシアが演奏しているのだということだった。極端な言い方をすると、この曲の成功の半分くらいはこの　“ペダル・スティール・ギターを使ったことによる”　ものだと私はかたく信じているのだけれど…。『Crosby Stills & Nash』の20年ぶりの来日公演が、東京でもう始まっているようです。大阪ではフェスティバル・ホールで9日に開催されますが、観に行く予定は有りません。ニ―ル・ヤングも一緒に来るというのであれば行ったかもしれませんが…。

  2015.03.07

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  正真正銘のノリノリ状態…

  『HATSUNE MIKU EXPO 2014』ニューヨーク公演の録画映像を観た。昨年10月にニューヨークで初めて人気ボーカロイド『初音ミク』の単独スペシャルライブ公演が開催された、そのフル映像です。　　　ご存じない方もいらっしゃっるかと思いますので、ちょっと説明を…。まず『ボーカロイド（VOCALOID）』とは何ぞや？　ということですが、これはヤマハ（YAMAHA）が開発した音声合成技術及びその応用製品の総称だということです。メロディーと歌詞を入力することで、サンプリングされた人の声を元にした歌声を合成することができるのです。略称として　“ボカロ”　という呼び方も用いられるという。そして『初音ミク』というのはこうです、　＜＜クリプトン・フューチャー・メディアというところから発売されている音声合成・デスクトップミュージック（DTM）用のボーカル音源、およびそのキャラクターのこと。ボーカロイドに対応したボーカル音源で、その声に身体（ヴィジュアル）を与えることによって、より声にリアリティを増すという観点から女性のバーチャルアイドルのキャラクターとして『初音ミク』が設定された＞＞　との説明がありました。つまり架空のヴァーチャル映像とバックグループの生演奏とで、リアル感抜群のステージになっている。映像を観ると、開場前の会場周辺は少しでもステージの近くで初音ミクを見ようと並ぶ人の列が取り囲んでいました。そして暗くなった会場内の１階アリーナ席は超満員で、パフォーマンスが始まる前から全員スタンディング状態だったのにはちょっと驚いた。言ってみればこの主人公キャラクターはアニメーションということになるのかもしれませんが、それに観客があれだけのノリノリ状態になれるのは何故なんだろうか？　人が創った　“物”　に、“人”　という対象としての感情移入ができるものなのか？　熱狂できるものなのか？　一瞬考えてしまった。因みにニューヨーク・タイムズ紙が報道するには、＜＜新しいスタイルの音楽として、初音ミクはその代表として挙げないわけにはいかない。機械で作られた音楽ではあるが、彼女は人の心を掴んでいる＞＞また同紙は、ボーカロイド初音ミク自身のヒット曲『pachaged』の歌詞を引用して記事を締めくくっている。　“It’s reaching you, right?　 It’s echoing, isn’t it?”　「届いているかな？　響いているかな？」と。　　　日本はこんなものまで創ってしまえるのですね。

  2015.02.28

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  パンチのある素晴らしいボーカリスト…

  プロとしてのキャリアはもう10年位になるようだけど、私が知ったのはごく最近の事である。グループ名は『Superfly（スーパーフライ）』、そしてボーカルの『越智志帆さん』のこと。このシンガーソングライターの越智志帆さんは愛媛県出身の30歳。＜＜大学に在学中の2004年に『Superfly』を結成して、このユニットのボーカリストとなる。2006年末ごろから作詞活動も開始する。現在はSuperflyの楽曲の作詞を多く手掛けているほか、曲によっては作曲も担当している。演奏楽器は主にピアノとギター＞＞　とあった。歌唱力からは想像できない身長153cmと小柄な体躯で、パワフルで説得力のある歌声は高く評価されているのだそうです。Superflyの楽曲『タマシイレボリューション』が、何年か前のNHKサッカーのテーマソングに採用されたのを聴いたのが出合いの最初。そしてしばらくの間をおいて、昨年のテレビドラマ『ドクターＸ３』のエンディングテーマに使われた『愛をからだに吹き込んで』が2度目の出合いです。「日本人離れをした抜群の歌唱力、なんてパンチのある女の子なんだ！」と、伸びのある心地良いボーカルに驚きがありました。YOU TUBE　でいろいろ他の楽曲も聴いてみましたが、ますます虜になってしまいそうです。　　　アルバムが何枚出ているかは知りませんが、一渡り聴いてみようかと思っている。

  2015.02.23

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  なんとも上手い人がいるものだ…

  　　　京都四条木屋町の橋の上、午後6時過ぎ。　　　一人のストリートミュージシャンがMARTINギター1本でライブ演奏をやっていた。しばらく立ち止まって聴いていた。3曲聴いたが全てインストルメンタルのオリジナル曲だった。上手い！　とにかく上手い。そのテクニックたるや私なんぞの遠く遠～く及ぶところではない。前に開いて置かれたギターケースの中には、チップと彼自作のコンパクトディスクが入っている。思わず彼の最新作である5作目『COLORFUL』というタイトルのCDを買ってしまった。　　　『ゆあさまさや』さんという北海道出身の好青年である。近々、祇園でライブコンサートをやるようです。現在売出し中のれっきとしたプロなのです。近い将来、きっとメジャーなミュージシャンになることでしょう。名前は覚えておこうと思う。演奏が終わってから、どうも彼の左手の運指が普通ではないので、連れの友人が本人に聞いてみると、“オープンD”　のチューニングにしているということでした。この彼に限らずストリートミュージシャンの中には、もう信じられないくらい上手い人がいるのも確かです。ずいぶん以前に大阪梅田の地下、阪神百貨店食品売り場の前あたりで夜の9時頃、レスポール1本とリズムボックスだけで　“レッド・ツェッペリン”　を立て続けに何曲も、ボーカルとともに演奏していた若者がいたことを思い出した。この人も上手かった。ひょっとしたらこれくらいのテクニックを持っている無名のミュージシャンは世の中にはごまんといるのかもしれない。これはこれで凄いことである！

  2015.02.01

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  こういうもの生み出せるって素敵です…

  17歳と15歳と15歳3人の日本の女の子というより少女のユニットです。この3人のユニット『BABYMETAL』が海外のライブシーンを熱狂させているという。一部日本国内でも同様ですが、昨年NHKのドキュメンタリーが放映されたくらいで、テレビなどに出てくることがほとんどないため、一般の人は知らない人も結構多いことだと思う。　　　そんな彼女たち、写真を見てもまだあどけない。なぜ　この子たちが？YOU-TUBE　でいくつかライブパフォーマンス映像を観たが、観客は本気で熱狂しているようだ　このTEENの少女たちに！私の見た限りではこのグループ、ボーカルユニットというよりはダンスユニットと思えるくらいよくステージを動きまわっている。これもやはり若さゆえできる事かもしれない？そしてバックバンドが紡ぎだす音は、当然のごとくギンギンのヘビーメタル。あどけない彼女たちとこのギンギンのヘビメタとの落差、あるいはそのミスマッチとも思えるカップリング、そしてこのグループ名の『ベビーメタルBABYMETAL』が相まって不思議な魅力を醸し出しているし、海外で受けているのもとてもよく分かった。ちょっと意地悪な見方をすると、　“きわもの”　っぽい感じもするのだが…。とは言っても彼女たちの活動歴は意外にも古く、ユニット名は違うけれど2010年からということでした。ということは活動を始めた時は、なんとまだ10歳そこそこということになるではないか。ニュースを探ってみると現在は、＜＜最新ライヴ盤『LIVE AT BUDOKAN〜RED NIGHT〜』が世界中の配信サイトでも発売されアメリカ、カナダ、フィリピン、オーストラリア、ドイツ、イギリスなど各国のiTunesメタル・アルバムチャート1位を始め上位を占めるなど快進撃が止まらない＞＞　ということですから、この人気は正真正銘ほんものだと言えるでしょう。　　　日本という国は不思議な国である。少女メタルユニット『BABYMETAL』こういうものを生み出せる文化がある。漫画文化やコスプレ文化やギャルズファッション文化などがしっかり根付いていて、とっても面白いと思うし素敵だとも思う。おそらくそういう大きな流れの中の一つに『BABYMETAL』もあるのだろうから。そして何よりもこのパフォーマンスユニットを成功に導いたのは、『BABYMETAL（ベビーメタル）』と名付けたことによる功績だと思っている。このネーミングを聞くだけで、何もかも全てが理解できてしまうのですから。

  2015.01.13

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  今年も締めはウインナ・ワルツ…

  このオーケストラのニュー イヤー コンサートを聴くのは、もう何回目になるのだろう。『神戸フィルハーモニック』今回のテーマは、＜＜元気なオーケストラ＞＞、全体で2部構成になっている。第1部は　“オーケストラの中の最も身近な楽器は打楽器”　ということで、打楽器中心の構成。地元の中学生と高校生の打楽器奏者とのコラボレーション、華やかで楽しいものでした。演奏曲目は、ベルリオーズのラコッツィー行進曲、モーツアルトの序曲「後宮よりの逃走」、ビゼーの「カルメン」組曲よりアラゴネーズ、スメタナの「売られた花嫁」より道化師の踊り、ロッシーニの序曲「泥棒かささぎ」と聴いた事のある曲がほとんどで、楽に聴くことができました。そして休憩をはさんで第2部は、クラシック音楽のニューイヤーコンサートといえば定番のウインナワルツのオンパレードということになる。　“ワルツ王　シュトラウスの名作を集めて”　と題して、次々とワルツとポルカが演奏される。曲目は、ワルツ王ヨハンシュトラウス２世のポルカ「爆発ポルカ」、ポルカ「アンネンポルカ」、ワルツ「千夜一夜物語」、ポルカ「帝都は一つ、ウィーンは一つ」、ポルカ「ハンガリー万歳」、ポルカ・マズルカ「心と魂」、ポルカ「百発百中」、ワルツ「美しき青きドナウ」など。このようなラインナップで演奏されました。中には初めて聞く曲もありましたが、そこは明るく陽気なワルツやポルカの事ですから気分も高揚して、とても楽しいコンサートになりました。いつも定演の時には、観客の入りが気になる神戸フィルですが、ニューイヤーコンサートの時はいつもそこそこの観客動員ができています。でもまだ空き席が目立つような状態ですから、もっと観客が入るようにしなければいけません。ところで　“ワルツ”　と　“ポルカ”　の違いはなんなのでしょうか？　ワルツとは、テンポの良い淡々とした舞曲のこと、またその曲に合わせて踊るダンスのことを指す。そして舞曲は3拍子が一般的であるとされている。日本語訳では円舞曲（えんぶきょく）と呼ばれている。ポルカの方は、1830年頃おこったチェコの民俗舞曲であるとのこと。リズムはワルツの3拍子に対して速い2拍子が基本的な特徴的であるとされるが、中には3拍子のポルカもあるようだ。このようなことも分かったのですが、ニューイヤーコンサートの特徴としては、女性の楽団員のロングドレスの衣装がカラフルで、通常の定期演奏会とは違った華やかな魅力があります。

  2015.01.11

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  演奏者と観客が一体となれる…

  いよいよ今年も、本日を入れて残すところあと5日と押し詰って参りました。まだ年の瀬という感覚が感じられませんが、否応なくあと100時間少々で2015年を迎えることになります。そんな昨日の夜、『室内楽コンサート　シリーズVol.49　魅惑の室内楽』という京都フィルの団員による室内合奏団による演奏会が京都文化博物館のホールで開催されました。演奏曲目も知らずにチケットを買っていましたので、出掛けてきました。この年末の何かと忙しい時にのんびりとコンサートを聴く、それも室内楽をというのも一興ではありませんか。プログラムを見ると演奏曲目は『ガベーユのレクリエーション』『テレマンのソナタTWV40:120（6つのヂュオ・ソナタ第2番）』『ハイドンのヴァイオリンとチェロのための二重奏曲』それと『ラインベルガ―の九重奏曲 変ホ短調』と知っている楽曲は一つもありませんでした。観客もホール一杯になるほどの入り加減で、それなりの盛り上がりを見せていました。休憩時間にはお茶（コーヒーか紅茶）とお茶菓子が出るという、アットホームでフレンドリーな演奏会でした。このホールでコンサートを聴くのは2度目の事ですが、こういった小さなホールならではの小コンサートの良さ、つまり演奏者と観客が一体となれるのがよく分かる演奏会でした。どの演奏曲目も知らないものでしたが、であるが故に本気で聴くことができたのかもしれません。そういう意味で良い演奏会だったと思えるのです。そういう雰囲気が演奏者の気持ちを盛り上げ、いい演奏につながるものなのだと分かるのです。ポピュラーミュージックや大きなホール、スタジアムでのロックコンサートも良いのですが、クラシック音楽のコンサートも落ち着いた雰囲気で良いものです。特に室内楽はオーケストラと違って、こぢんまりしていますから観客と演奏者との距離がすごく近くなって、一体となれる間隔があるのです。昨日聴いた楽曲は、恥ずかしながら一つも知りませんでしたけれど、故に本気になって聴くことができました。とっても良いコンサートでした。ジャンルは何であれ、音楽は良いものです。特にライブで聴く音楽は格別ですね。

  2014.12.27

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  稀代の天才と比較すると、やはり…

  　　　ここのところ何本かモーツアルト関連のネタを書いています。そして今回も…このモーツアルトという音楽家のことに触れると、どうしてもこの人の事が思い出されることになる。これはおそらく映画『アマデウス』の影響だということになるのだろう。そうです『アントニオ・サリエリ』のことです。アントニオ・サリエリはイタリア生まれで、後にウィーンの宮廷楽長にまで上りつめた人です。映画の中では、モーツアルトの天才に嫉妬心を抱く凡庸な音楽家として描かれていた。本当にそうなのかしら？　と、そんなアントニオ・サリエリの楽曲を聴いてみたくなって『YOU TUBE』で探すと、思っていたよりも多く何曲も出てくる。それを一渡り聴いていたのですが、どの楽曲も立派なクラシック音楽に思えましたし、それなりの実力も感じました。映画『アマデウス』で描かれたように、サリエリの楽曲が圧倒的に劣るとは思えないのです。当時音楽の中心地ウィーンでの宮廷楽長として、その腕前を発揮していたのだろう。ただサリエリにとって不幸だったのは、相手が稀代の天才モーツアルトであったということ。6歳年長で同時代に同じ場所に居合わせた、それが大きな不幸だったと言えるのかもしれません。サリエリの楽曲を聴いたあとにモーツアルトを聴くと、その切れ味の違いというものがひしひしと感じとれるのです。やはりモーツアルトの作品は当時のみならず永遠の輝きを放っているように思えるのです。モーツアルト個人は上昇志向の強い人のようなので、ひょっとしたらウィーンの宮廷楽長に君臨して、裕福かつ存分に音楽活動をしているアントニオ・サリエリに対して嫉妬心を持っていたのは、天賦の才能に恵まれていた彼の方だったのかもしれませんね。なお、モーツアルト毒殺説というのは本当にあるようなのですけれど、実際のところは何もよく分かっていないそうです。ただ、サリエリがその犯人ではないということだけははっきりしていると、ものの本には書かれておりました。

  2014.12.26

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  創作力の旺盛さには驚嘆してしまう…

  モーツアルトの楽曲は、ケッヘル番号で『K.1』の5歳の時に作った　“クラヴィーアのためのメヌエット”　から『K.626』の　“レクイエム”　まであるのですが、現実にはその後発見されたものや断片まで含めて900曲くらいあるのだそうです。とにかくわずか35歳で亡くなったモーツアルトの創作力の旺盛さには驚嘆に値します。交響曲だけでも41番（37番は除く）まであるし、協奏曲だってピアノ協奏曲やヴァイオリン協奏曲はもちろんの事、フルート協奏曲・バスーン協奏曲・オーボエ協奏曲・ホルン協奏曲・トランペット協奏曲・フルートとハープのための協奏曲・クラリネット協奏曲などなど、もう何でもかんでも作っている。あと教会音楽・室内楽曲・ピアノソナタ・ヴァイオリンソナタなども数多く作っている。歌劇（オペラ）に関しても20作を超えるほど作っているし、ミサ曲や歌曲やアリアなどももういっぱい残している。たった30年間でのこの制作量には圧倒されてしまうし、何よりもそのクォリティーの高さをどの作品もが維持しているというのが信じられません。ここらあたりが天才の天才たる所以なのでしょう。現代にまで残っている偉大な作曲家たちは、その誰もがモーツアルトと同じく天才だったのだと思えます。いま私たちが聴いているクラシック音楽は、そんな天才達が紡ぎだした音、つまり選りすぐりの傑作ばかりを聴いているのですから、考えようによっては贅沢な環境なのかもしれません。ネットから『モーツアルトの楽曲一覧』というものを探し出して、プリントアウトしてみた。するとプリンターがいつまでたっても働き続けている。それほど作品の数が多いのだ。プリントされた紙の枚数を勘定すると22ページにも亘っている。それでもケッヘル番号を見るとすべてが揃っているわけではなく、端折られている番号もたくさんあるようでした。それほど作品の数が多いのです。改めて感心してしまって、ふーっと溜め息をついているところです。

  2014.12.13

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  先入観を持って聴いたからかもしれないが…

  　　　『モーツァルト交響曲第37番 ト長調 K.444 』を聴いた。　　　YOU YUBE というのはもう何でも目指すものが出てくるのですね、凄いことです。『モーツァルト交響曲第37番 ト長調 K.444 』という楽曲は、モーツアルトが書いたのは冒頭のほんの一部分だけとのことで、モーツアルト作品とは認められていないようで、削除されているということを読んだ。そうなると俄然その　“37番”　を聴いてみたくなるという性格ですから、探してみたわけです。そしてそれを聴いてみたのです。感想は立派な交響曲だとの印象で、なかなかどうして悪くない。でも何かメリハリに欠けるところもあるような気がする。でもほかのモーツアルトの交響曲、それもナンバーの大きい方の作品と比べると、やはり冗長で見劣りがするようでもある。全体的にモーツアルトっぽくないなー。というようなことになってしまう。しかしこれは　“モーツアルト作ではない”　ということを知った上での感想ですから、その先入観が大きく評価・判断に影響していることだと思います。では　“モーツアルト作ではない”　ということを知らずにこの楽曲をモーツアルト作だと思い込んで聴いたらどうだったでしょうか？今となっては私がどういう評価を下したかは分かりませんが、そのあたりを平たい目と耳での判断ができて聴き分けられるようにはなっていたいものだと思いました。なにもモーツアルトをそんなに神格化する必要もないし、モーツアルトの作品でも中には駄作もあることでしょう。でも最終的には音楽というものは、何かと比べて優劣をつけるというようなものではなく、その場その場でその音楽を楽しめばいいのだということです。だって『音』を『楽しむ』と書いて『音楽』なのですから。

  2014.12.02

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  37番は欠番でありません…

  先日書いたモーツァルトの全作品目録を出版して、そのそれぞれの作品に　“ケッヘル番号”　が振られて現在も使われていることに付随してです。ケッヘルが付けた番号は626番のレクイエムまでということです。ということはモーツアルトの全作品は626作品ということになる。ところが後に新たに発見された作品などもありますから、本当のところは何作品かということは定かではないとも言われています。新たに発見された作品もあれば、一方削除された作品もあるのです。モーツアルトの交響曲で著名なものをあげると、交響曲第25番（映画『アマデウス』の冒頭シーンで印象的かつドラマチックに流れるあの曲です）、それから第35番『ハフナー』・第36番『リンツ』・第38番『プラハ』・第39番・第40番そして最後の第41番『ジュピター』です。モーツアルトの交響曲は晩年に作られた番号の大きい方に名作が揃っているといわれています。それで一番大きい番号が41番『ジュピター』ですから41作品があるものと思っていましたが、この中で削除された作品があるのです。これら名作の番号で抜けている番号があります。　　　そうです交響曲37番が削除されて欠番になっているのです。20世紀はじめまで『交響曲第37番ト長調K.444』として知られていた1784年頃の楽譜が存在するのですが、冒頭部はモーツァルトの自筆ではあるものの、途中からは他人の手で書かれているという不可解なものだったそうである。20世紀に入ってから専門家の調査研究によって、これはフランツ・ヨーゼフ・ハイドンの弟ヨハン・ミヒャエル・ハイドンの手になる交響曲であり、モーツァルトは一部加筆したにすぎないことが判明したという。そんなことがあって削除されてしまったらしいが、その『交響曲第37番ト長調K.444』は20世紀初頭までモーツアルト作とされていた楽曲、いま聴くことはできるのでしょうか？　音楽ＣＤは売り出されているのでしょうか？　ちょっと聴いてみたい気がするのは私だけではないと思うのだが…。

  2014.11.26

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  後に何度も改訂されたようですが…

  ルートヴィヒ・アロイス・フェルディナント・リッター・フォン・ケッヘル（ケッヒェル）という人がいた。1800年生まれで1877年に亡くなった19世紀ドイツのひと。音楽学者で作曲家、植物学者であって鉱物学者でもあり、教育者としての一面も併せ持った多才な人ということになっている。しかしこの人を一番有名にしているのは、1862年にヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトの全作品目録を出版したことで、その中でそれぞれの作品に振られた番号が　“ケッヘル番号”　として現在も使われている。このケッヘル番号は『K.1』から『K.626』まで、概ね時系列で割り振られていて、最後の『K.626』はモーツァルトの死によって未完に終わった　“レクイエム”　である。余談ですが、この有名なレクイエムは現在も演奏されたりCDになったりしていますが、モーツアルトが作曲した分は、もっぱら冒頭の一部分だけだといわれています。例えばモーツアルト最後の交響曲は41番通称　“ジュピター”　です。これを『交響曲第41番ハ長調 K.551』と表記するのです。ケッヘルは時系列に作品を並べようとしたのですが、のちの研究によって作品の成立時期が見直されたり、作品が新しく発見されたりすることもあって、ケッヘル番号は何度か改訂されたのだそうです。最新のものは第8版となっているのだそうで、なんと7回も書き直しがされているのだとか。特に第3版（1937年）と第6版（1964年）では大幅な訂正が行われたという。しかしながら、ケッヘルによる初版の番号が長年親しまれてきたことと、第3版以降の番号の付け方が覚えにくいことから、現在でも初版の番号が広く使われている。作品解説や音楽CDなどでは「交響曲第25番ト短調 K.183（K.173dB）」のように「初版の番号（第6版の番号）」の形で併記されることが多い。なお不思議なことですが、ケッヘル番号を25で割って10を足すと、モーツァルトがその曲を作曲したときの年齢がわかることが多いのですって！？。

  2014.11.19

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  もう35年にもなるのか…

  昨日は、神戸フィルハーモニック（Kobe Philharmonic）の第69回定期演奏会が神戸文化ホールで開催されました。今回のテーマは『恋人たちの歌～熱い嘆息（ためいき）も聞こえます～』、以下の曲目が演奏されました。まず、『ウェーバー：歌劇「オベロン」序曲』に始まり、次に『フォーレ：組曲「ペレアスとメリザンド」』、そして『スメタナ：歌劇「売られた花嫁」より　“道化師の踊り”　』で前半が終了。休憩が入って後半は、『プロコフィエフ：組曲「３つのオレンジへの恋」』そして『チャイコフスキー：幻想序曲「ロメオとジュリエット」』で締めくくりという構成。今回の定演の選曲は、私には全然馴染みのない曲ばかりでちょっと気落ちしていたのですが、馴染みがなかった分だけ余計に一生懸命に聴くことができたとも言えるのです。毎度のことながらこのオーケストラ、演奏技量はそこそこあるものの観客の入りが少ないのが気になって仕方ありません。何とか観客の入りを増やす工夫というか、戦略のようなものを講じる必要があるのではないか？　といつも感じてしまいます。年に2回の定期演奏会も69回を迎えたわけですし、もう設立から35年も経過しているわけです。この楽団の歴史を見ると、1979年4月、芥川也寸志、朝比奈隆、井植貞雄、砂野仁の各氏を中心として多くの文化人や実業家によって、その支援母体となる「神戸市交響楽協会」が設立された。その結団当初からオーディション方式による団員募集を行い、『神戸フィルハーモニック』が発足したのが同年6月のこととのことですから、長い歴史を持ち実績も積んできているのです。もっと大きく羽ばたいても良いと思うのですが、どう見てもそうはなっていないと残念でならないのです。そんなアイデア募集のようなことを公募でもしてみてはいかがでしょうか？　きっと何か突破口のようなものが見えてくるのではないかと思います。

  2014.11.09

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  42年前の曲、いまだによく聴いている…

  『You're so vain（うつろな愛）』という曲があった、というか私は今もよく聴いている。この曲は　“Carly Simon”　がソロデビューした翌年1972年に発表した楽曲です。彼女の最もヒットした楽曲で、私も最高傑作だと思います。この曲が当時の全米第1位大ヒットとなったのは、この曲のレコーディングにミック・ジャガーとポール・マッカートニーがバックボーカルで参加しているということも大きく貢献しているとは思います。しかしながら私は、この曲のイメージを大きく決定付けて成功にに導いたのは、冒頭イントロの印象的なベースソロのフレーズだと思っています。それまで聴いた事のないようなベースギターのイントロを、編み出して演奏しているのは　“クラウス・ヴーアマン”　というドイツ・ハンブルグ出身のベーシストです。この人はあの頃のロックシーンにはよく登場する人物ですが、いわゆるフロントマンではないので、一般的にはそれほど有名人ということでもないのです。けれど彼はスタジオミュージシャンという範疇ではなく、当時はビートルズの各メンバーたちやローリング・ストーンズ、エリック・クラプトン等から声がかかればレコーディングやライブに参加するという、わきを固める実力派バイプレーヤーというのが一番近いかもしれない。この　“クラウス・ヴーアマン”　はミュージシャンとしてのみならず画才の方もあるようで、かのビートルズの何枚目かのアルバム『リボルバー』のジャケットが有名な作品といえる。あのモノクロのイラストと写真コラージュを取り混ぜた複合手法の傑作ジャケットを手掛けた人でもあるのです。ロックシーンを見渡せばクラウス・ブーアマンのみならず、画才を併せ持っている有名ミュージシャンは意外とたくさんいる。最近の新しいミュージシャンは知りませんので名前は挙げられませんが、むかしの人ではジョン・レノンやボブ・ディランは個性的で　“ヘタウマ”　的な絵を描くし、ディビット・ボウイも上手い、ストーンズのロン・ウッドなんかは自作絵画の個展まで開催するほどである。　　　話が大きく横道に逸れてしまいましたが、カーリー・サイモンのアルバムのほとんどはi-PODに入れていつも持ち歩いているのです。

  2014.09.03

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  単なる　”偶然”　か？　それとも　”既視感”　？…

  何の脈絡もなく昔懐かしい人の事を思い出し、「今あの人はどうしているのかしら」なんてことがたまにある。そしてその思い出した昔懐かしい人が、その直後ではないのだけれどあまり時間を置かず、新聞の記事になっていたりテレビの番組で出てきたりすることが稀にある。こんな事はやはり　“偶然とかたまたま”　でしかないのだろうか？　それともある種の　“既視感”　のようなものなんだろうか？　　　そんなことがつい最近にもあった。　　　その　“昔懐かしく思い出した人”　は『シルヴィー・バルタン』。そうです、あの『アイドルを探せ』のシルヴィ―・バルタンです。半世紀以上前の1960年代半ばに、一世を風靡したフレンチポップスの象徴的アイドルの事。ある音楽番組でその回はシルヴィー・バルタンの『アイドルを探せ』が取り上げられていた。その楽曲が生み出された背景であるとか、世に与えた影響なんかをシルヴィー本人や、当時の関係者の言葉などで解き明かしてゆく、というような番組だ。その曲は日本でも当然大ヒットすることになり、後にシルヴィーは日本のファッションメーカー『レナウン』のコマーシャルソングにも起用され、同社のキャンペーンだった『イエ・イエ・ガール』を定着させることにもなる。その番組を見て知ったことですけれど、この『アイドルを探せ』という楽曲を作った作者は、あのシャンソンの大御所シャルル・アズナブールだったんですね。全く知りませんでした。ところで話は変わりますが、つい先日のことアイドルとの握手会で物騒な傷害事件があったようで大変驚いております。今やこの偶像という意味の『アイドル』という言葉は、当たり前に日常的に使われていますが、私の知る限りこの言葉が一般的にメディアに載って紹介されたのは、この『アイドルを探せ』という楽曲と同名の映画がもたらしたものでなかったかと思います。つまり我が国で『アイドル』という言葉が、広く使われるようになって半世紀になるということです。

  2014.06.09

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  惜しい！　超絶技巧の人でした…

  平均年齢70歳にもなろうかというモンスターロックバンド『ローリングストーンズ』の、ひょっとしたら日本最後となるかもしれない公演が東京で始まっている。今回の公演を私は見ることはできないのですが、ニュースによるといまだ歳を感じさせないミック・ジャガーは80メートルほどもあるステージを歌いながら走り回っていたらしい。この姿はスタジアム公演が中心になって以後、鍛え上げた身体を持つ彼ならではの事で、変わることはなくいまだに健在ということです。そんなニュースを目にすると、彼らはまだまだ現役でやってくれるかもしれないという思いも膨らむのです。今後また日本にやってきてくれることもあるかもしれない、という希望的観測も芽生えようというものです。その一方で新聞の訃報欄に、スペインのギター奏者でフラメンコ音楽を世界の若い人たちにも広めたことで知られるパコ・デ・ルシアが、25日に滞在先のメキシコで心臓発作のために亡くなったという記事があった。こちらはストーンズのメンバーよりもまだまだ若い66歳だったという。このパコ・デ・ルシアの事を最初に知ったのは、フュージョングループの旗手で『リターン・トゥ・フォーエヴァー』のギタリストであったアル・ディ・メオラのソロアルバム『エレガント・ジプシー』に、彼が参加していたことだった。今思えばこのアルバムの成功の大きな部分を、彼パコ・デ・ルシアが荷っていたのかもしれないとも思える。後に、ジョン・マクラフリンとアル・ディメオラと彼との3人が活動を共にし、フラメンコとジャズフュージョンを融合させたライブも行ない、スーパー・ギター・トリオという愛称で親しまれることになった。　　　　　超絶技巧のギタリストを失ったことは残念です。

  2014.02.28

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  PPMのカバーバージョンが最初だった…

  How many roads must a man walk downBefore you call him a man ?How many seas must a white dove sailBefore she sleeps in the sand ?Yes, how many times must the cannon balls flyBefore they're forever banned ?The answer my friend is blowin' in the windThe answer is blowin' in the wind.そのギターを弾き語りをやっている人は、髪の毛はもうかなり薄くなっていたが、その風貌と歌声はまぎれもなくピーター・ヤーロウだった。最近見た音楽番組だった。その番組のその日のテーマとなっていたのがこの曲、「Blowin' in the Wind（風に吹かれて）」だった。ボブ・ディランの1963年の発表されたセカンド・アルバム『フリーホィーリン』の1曲目に収録されていて、後にシングル・カットされた楽曲です。でも私が最初にこの曲に出合ったのは『ボブ・ディラン』ではなくて『ピーター・ポール＆マリー（PPM）』によるものだった。前出のピーター・ヤーロウは、『ピーター・ポール＆マリー』のピーターであることは言うまでもない。この曲が最初に注目され、その後世界的にヒットしたのは、オリジナルのボブ・ディランの楽曲ではなくて『ピーター・ポール＆マリー』のカバー曲の方だった。その結果、この曲を作った作者のボブ・ディランが脚光を浴びることとなり一躍有名になったわけである。これは私の経験した順序と同じオリジナルの方が後だった。これも有名な話ですが、この曲は1960年代のアメリカ公民権運動の賛歌とも呼ばれ、1963年のワシントン大行進でPPMによって歌われることになる。マーティン・ルーサー・キングが、かの歴史的にも有名な「私には夢がある（I Have a Dream）」で語りだされる演説はこの大行進の際での事である。PPMによってもたらされた世界的大ヒット曲ボブ・ディラン作の「風に吹かれて」によって、彼らPPMはアメリカの公民権運動やその他の社会正義、つまり反戦主義を主導する運動の第一線に立ち続けることになった。……というような歴史がこの曲にはある。考えてみればこの楽曲が作られてから、もう半世紀以上が過ぎている。なのにこの曲が多数のアーティストによってカバーされ、今日まで歌い続けられてきているのも事実。この歌が幾多の年月を経て、今日でもディラン自身も歌い続けて輝きを失わないのは、世界の現状・現実をも鋭くえぐっているゆえなのか？　　　だとすると、名曲だといって手放しで喜んでばかりはいられないのではないだろうか…。

  2014.02.22

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  この人の一番はやっぱりこの曲？…

  珍しくテレビのあるトーク番組にこの人『中村あゆみ』がゲストだった。少し前の事である。めったにテレビには出てこない人ですけれど、この人はむかしから大好きである。つまり私はハスキーボイスの女性ヴォーカリストのファンなのです。当然この人の楽曲も然りで、中でも代表曲の最右翼になるであろう曲がある。これがたまらなく好きです。その曲はご存じ『翼の折れたエンジェル』、彼女自身も思い入れがきっとあるのでしょう。彼女はこの曲を何度もレコーディングしています。とにかくいい曲だと思います。「きっとそうなのだろうなー」とか「そんな事ってあるよなー」っていう感覚で聴けるのです。つまり臨場感を持って聴けてしまうのです。それはやはり歌詞の内容によるのです。その歌詞を引用いたしますと、＜＜……Thirteen　ふたりは出会い　　Fourteen　幼い心かたむけて　 あいつにあずけた　Fifteen　 Sixteen　初めてのKiss　 　Seventeen　初めての朝　　少しずつため息覚えた　Eighteen……＞＞とにかく私にはこのフレーズがとても印象的です。ここに少女が大人の入り口に入って行く過程が、シンプルかつ如実に描かれています。この歌詞はどなたが書かれたのかは存じませんが、少女が大人になって行く機微がよく分かっていらっしゃるという思いがします。（無垢の天使が翼折れて飛べなくなって大人になって行く）その後中村あゆみさんは数々の名曲を発表されていますが、残念ながらこの曲を超える楽曲はまだないと思います。私にこんなことを書かれて中村あゆみさん、大いにご不満だとは思いますが、なにとぞご勘弁を頂きたいと思います。私もそのむかし、この曲はカラオケでよく歌わせていただきまた。懐かしい思い出ではあります。この番組で彼女が言っていた言葉　「ハスキーボイスがコンプレックスだった。でもそのマイナス点の部分で仕事をしているのが不思議です」　印象的でした。

  2014.02.08

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  いつもこれくらいの入りならいいのだが…

  このオーケストラの定期公演は年に３回で、年初１月にはニューイヤーコンサートが開かれる。ニューイヤーコンサートと言えばウィーンフィルが有名で、ウィンナワルツが演奏されるのが定番となっている。それと比ぶべくもないが市民オーケストラのこの神戸フィルも、ニューイヤーコンサートは過去ウィンナワルツを定番にしてきた。今回のプログラムはバラエティに富んでいて、懐かしの映画音楽、アニメミュージック、ミュージカル「サウンドオブミュージック」メドレー、そして休憩を挟んで最後にはやっぱりウィンナワルツという構成で、しっかり楽しむことができました。やはり年初に聴く音楽は、華やかで明るい気持ちになれるこのシュトラウス一家の音楽が相応しいのだろうか。加えてニューイヤーコンサートだけは、女性団員の衣装が通常の定期演奏会の時のモノトーンとは違って色とりどり華やかで、ステージが取り分け明るくなったようでした。ひとつ言わせていただくと、神戸フィルの定期演奏会にはほとんど行っているが、いつもいまいち観客の入りが芳しくない。定演は大体5～6割方の入り状況でちょっと寂しい気がするのですが、このニューイヤーコンサートだけはかなり入っていて安心したりもするのです。通常の定演もこれくらい入ると良いのになーと思っている。楽団にお金がないのは分かっているので、お金をかけずに宣伝をする術を持つべき（考えるべき）ではないかと思うのだが…。それはそうと昨日は山登りの会の新年会だったのですが、同じ時間帯だったものですからそちらの方は欠席することになってしまった。

  2014.01.19

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  めでたい話、でもイメージできませんなー…

  物理的年齢ばかりはどうしようもないということを思い知らされるニュースでした。　　＜＜Ｍ・ジャガーさん、ひ孫誕生へ＞＞　というネットニュースがあった。 「ローリング・ストーンズ」の齢70歳になるミック・ジャガー氏、来年2014年初のひ孫が誕生する見通しとなったのだそうである。人間1年経てば1歳年をとる、70年経てば70歳になるのです。だから70歳の人にひ孫ができても、なにも不思議なことはない道理なのだ。でもそのニュースの主が主だけに、「えーっ！　そんなこと…」と後は絶句してしまった。イメージが違い過ぎるというか、本人とニュースとのギャップが大きくてミスマッチしたような妙な気分です。仮にB.Bキングにひ孫ができたというなら頷くことはできるけど、あのジャンピン・ジャック・フラッシュをシャウトしながらステージを走り回っている彼からは、なかなか想像し難い話ではある。ともあれめでたい話ですので、謹んで祝辞を申し上げる次第です。

  2013.11.26

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  事前に聴きこんで行ったので…

  前回は聴くことができませんでしたので、今年はニューイヤーコンサート以来ということになります神戸フィルの定期演奏会。いつも通り、今年開館40周年を迎える神戸大倉山の文化ホールでの開催です。このオーケストラは神戸市民のための神戸市民による、基本的にはアマチュアの楽団です。でも技術的には極めてプロに近いものを持っていると思っています。今回のメイン・プログラムは、先日もブログに書きましたが『ベートーヴェン　交響曲第7番』でした。事前にCDで聴きこんでこのコンサートに臨みましたので、曲の全体像はつかんでじっくりと聴くことができました。じっくり聞いてみると「この交響曲7番もいい曲やんかー」と…。ただ私の娘が担当しているトロンボーンのパートがこの曲には無いのです。したがって娘の出番はこの7番には無いというのが、いささか残念でした。そしてアンコール曲は、シューベルトの交響曲第6番の第3楽章が選ばれていました。この曲が選ばれたのは理由があって、ベートーヴェン心酔者であったシューベルトが、この第7番を聴いて大いに気に入り、感動し共感もしてこんな曲を作りたいとの思いを強く持ったらしい。そこでベートーヴェンの第7番に対するオマージュとして、曲想というか曲のイメージを似せて作った曲だということです。両曲は全然別の曲なのですけれど、言われてみると漂う雰囲気が良く似ていると思える。開演前にロビーで行われたロビーコンサートのプログラム『ラヴェルのボレロ』から、本番前半の生誕100年を迎えた『ベンジャミン・ブリテンのシンプル・シンフォニー』から始まって、次の『ワーグナーのタンホイザー』序曲、そして休憩をはさんでメインの『ベートーヴェン交響曲第7番』、アンコール曲の『シューベルト交響曲第6番第3楽章』まで、どれも気持ちのいい曲ばかりで、2時間半ほどの時間があっという間に過ぎてゆきました。

  2013.11.24

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  第7番はあまり聴いたことがない…

  ベートーヴェンの交響曲中でも、第5番や第6番や第9番のように強烈で重厚な印象はない。また万人に知られているポピュラーな曲でもないと思う。今回の神戸フィル・ハーモニック第67回定期演奏会のメインプログラム曲『ベートーヴェン交響曲第7番』です。私もCDは持っているのですが、この曲を聴くことはほとんどなかったといっていい。今月の23日の祝日にその定期演奏会があるので、改めて第7番を聴いておこうと思ってそれを聴き直しながらこの日記を書いた。ベートーヴェンは交響曲でいろいろ実験的な試みをやってきた。それは5番・6番・9番などでドラマチックなつくりになっていることをみても分かります。しかしこの7番は劇的な感じにはなっていませんが、9つの交響曲の中で軽快さと明るさを一番感じる作品といえます。むかしながらの正統な古典手法による、むしろ大人しい曲つくりになっていて、ぼんやり聴くには気持ちのいい交響曲作品だといえるのではないか。ただ印象がちょっと薄い。こんな話が有りました　＜＜ワーグナーは各楽章におけるリズム動機の活用を指して、この曲を舞踏の聖化と絶賛している＞＞　そう言われて聴いてみるとそんな気になってくる。私は漫画も読んだし、この曲が使われた映画も観たのですが、残念なことにその印象が全くありませんでした。『のだめカンタービレ』がその映画です。今回の定演では、しっかりと気合を入れて第7番を聴いてこようと楽しみに思って居るところです。ただこのベートーヴェンの交響曲第7番には、トロンボーンパートが入っていないのです。それが私にはちょっと残念なことではあります。因みにこの7番の初演は、ベートーヴェン自身の指揮によって1813年12月8日にウィーンで行われたということですから、ちょうど200年前ということになります。

  2013.11.18

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  また一人好きなミュージシャンが…

  アンディ・ウォーホルとも親交があり、そのウォーホルが手掛けた作品がデビューアルバムのジャケット・ヴィジュアルとなった。1967年の事でした。そのロックバンド『ベルベット・アンダーグラウンド』を率いたのが、ルー・リードであった。そのルー・リードが71歳で亡くなったとの訃報である。どうも肝臓を患っていたようで、移植手術も受けていて、その経過が良くなかったらしい。後に出てくるグラムロックやパンクやニューウエーブ系など、ロック界に大きな影響を与えたとされる。70年代以降はソロ活動に移るが、その前衛的で社会的な作品の数々はルー・リードのミステリアスな雰囲気とそのカリスマ性をいかんなく発揮していた。ビートルズやストーンズやクラプトンのような超ビッグなアーティストではなかったが、そのアンチな存在感は歴然といつもキラリとそこにあった。『ベルベット・アンダーグラウンド』というバンド名が、その位置づけを物語っているかのようだ。彼の作品は発表されるごとに注目してきたのだが、もう…。そうそう一度彼のコンサートを聴きに行ったことを思い出した。たしかフェスティバル・ホール、ロックのコンサートの割に地味なステージだったことを覚えている。あの時は彼、SCHECTERのストラトタイプのギターを使っていた。

  2013.10.29

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  今後の来日はもうないかもしれない…

  観に行くつもりはないけれど、相次いで大物ミュージシャンの来日があるようです。一人はポール・マッカートニー、そしてもう一人がエリック・クラプトンです。ポールのお歳はもう70歳は越えていらっしゃるはずだし、クラプトンも70に近いはずです。おそらく両氏とも今後の来日はもうないかもしれません。エリック・クラプトンは、世界ツアーを70歳を目処に引退すると自ら表明したことで、近いうちに引退するとか、何かの記事で言っていたような気がしますので…。そういうことであるなら、観に行ってもいいかなーとも思うのですが、ここではやはりもういいや！　とチケットのオーダーはしませんでした。今回のポール・マッカートニーのコンサートは、ビートルズ時代を彷彿とさせる内容だそうです。ジョン・レノンとジョージ・ハリスンというメンバーが二人も亡くなってしまってもう随分な時間が経過しましたが、ポール一人ではちょっと見るに忍びないとでもいうような感覚になります。ただ今後ローリング・ストーンズが来日するというのなら、何をさておいても行くのですけれど。何と言っても私にとってストーンズだけは別格で、特別な存在ですから…！

  2013.10.19

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  これをきっかけに復活してみても…

  2～3年に1度ほどのペースです。ピアノの調律です。我が家ではこのピアノが音を出す事はめっきり少なくなっている。昔は娘たちが習っていたのでいつも弾かれていたが、その後ピアノ以外の楽器を専門にしてしまってからはあまり弾かれることもなく、私が我流で弾きだして一時ピアノにすっかりはまってしまったこともありました。弾かなかったからといって調律の必要がないかといえばそうではないらしく、弾かれなかったピアノでも調律の必要があるという。常に弾かれていたピアノと同じように弦が緩んできて、調律しないといけないらしいのです。我が家はいつでもすぐにピアノに触れる環境にはなっているのですが、近年その鍵盤はあまり触れられないまま、ピアノの上は物置き状態となってしまっていた。そんな姿はちょっとピアノに失礼だし、可哀そうかなーとも思うので、下手くそながら、今回の調律師に調整してもらったことをきっかけに、また復活してみようかなと思っているところです。

  2013.10.04

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  もう今や立派な古典ですね…

  『ライラとマジュヌーン』は、イスラム文化圏で広く親しまれている古典的悲恋の物語。ライラという美女に恋い焦がれてマジュヌーン（＝ジンに取り憑かれた人のこと、＝狂人）となった青年カイスの悲劇の物語です。物語を引用で紹介すると、＜＜家柄も教養も良く育った2人であったが、詩才豊かな主人公カイスは恋人ライラの名前を、ある詩の中に叙してしまったために、恋人の家柄を著しく傷つけ、そのため求婚も拒絶されてしまう。恋人が他人に嫁ぎ、癒されぬ恋の病いはカイスを発狂させ、マジュヌーン（狂人）と呼ばれながら砂漠をさまよい、恋人の幻影を追い求める。ライラは恋人への愛と夫への忠節とのはざまに苦しみ、果ては衰弱して死ぬ＞＞　とこのような壮絶なものだそうです。アメリカの作曲家アラン・ホヴァネスという人の交響曲第24番「マジュヌーン」は、この物語を題材としているということです。 そして何よりも私たちにはもっと身近な　“E.C”　こと、「デレク・アンド・ザ・ドミノス」時代のエリック・クラプトンが発表した名曲で、今やロック音楽の世界では古典にもなってしまっている『いとしのレイラ（Layla）』は、この物語から着想したものと断言してもいいでしょう。　　　　　親友の奥さんに恋をしてしまった自身の境遇と重ね合わせてのことでしょう。この曲は前半と後半とで曲想が変わる。つまり2つの曲をつなぎ合わせて作られています。作詞および前半の作曲をクラプトン、後半をゴードンが作曲したといわれているけれど、これについてもエピソードはいろいろあるようです。またいつかの機会に…。

  2013.09.10

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  交響曲は4楽章のものと思っていた…

  クラシック音楽が聴きたくなって、選んだ曲がベートーヴェンの交響曲第6番 ヘ長調『田園』。もっとも気持ちが穏やかになる音楽の一つです。1808年にベートーヴェンが完成させた6番目の交響曲。この作品は珍しく作曲者本人によって『田園』との標題が付けられたのだそうです。演奏時間は40分そこそこの比較的短いシンフォニーです。今まではぼんやりと聴いていただけでしたから気にもしませんでしたが、この交響曲は古典派交響曲としては異例の5楽章で構成されていたのです。「今ごろ何を言っているの」と思われるかもしれませんが、迂闊にも私はシンフォニーはすべて　“起承転結”　で構成され、4楽章で成り立っているものと勝手に思っていたのです。全曲には『田園』。各楽章にはそれぞれ、第1楽章「田舎に到着したときの愉快な感情の目覚め」、第2楽章「小川のほとりの情景」、第3楽章「田舎の人々の楽しい集い」、第4楽章「雷雨、嵐」、第5楽章「牧歌　嵐の後の喜ばしい感謝の気持ち」と描写的な標題が付けられている。ベートーヴェンが書いた9つの交響曲の中では、合唱を導入した交響曲第9番と並んで独特な特徴を持っているとされている。前作の交響曲第5番とともにベートーヴェン作品の究極との評価が高い。説明によると、この第6番　新しい交響曲形式として5楽章構成が試みられたのだそうです。今でこそクラシック音楽とされていますが、やはり生み出された当初は先駆的、アヴァンギャルドとされた創造をしていたのですね。

  2013.09.07

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