加藤浩子の　La bella vita（美しき人生）

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• シェイクスピア・オペラから、歴史とオペラ、名歌手、そして名作の見くらべ聴き比べまで〜春の講座のお知らせです

  ​　今年も、あっという間に３月。日差しが明るい季節になりました。　４月から開講される講座の御紹介です。　　レギュラー講座を持っている朝日カルチャーセンター新宿では、「イタリア統一とヴェルディのオペラ」、そして１回講座として、「チェチーリア・バルトリ」についてお話しします。　「イタリア統一」と「ヴェルディ」は、歴史的トピックとしてよく語られますが、ヴェルディ以前にも「統一運動〜リソルジメント」の影響を受けたオペラはたくさん書かれています。なぜその作曲家たちが「統一」と結びつけられず、ヴェルディばかりが有名になったのか。ヴェルディは実際のところ、どれほど「統一運動」に入れ込んでいたのか。。。。そのあたりを、作品を御紹介しつつお話ししていきたいと思います。　チェチーリア・バルトリは、２０代での本格デビュー当時からオペラ界の第一線を走り続けている類稀な歌手。カストラートのレパートリーなど未開拓の世界を自ら開拓し、その魅力をきわめて高い水準で紹介するという知的な活動も、彼女ならではです。この９月にはルツェルン音楽祭でクルレンツィスと共演。常に話題を振りまき続ける不世出の歌手の軌跡を、映像と音を交えながらご紹介します。朝日カルチャーセンター新宿​　朝日カルチャーセンターの横浜校では、「名画とオペラ」シリーズがスタートします。第１回目は「椿姫」と、マネの「オランピア」。娼婦を描いて衝撃をもたらした２大名作とその時代をさぐります。　​朝日カルチャーセンター横浜​　もう２０年ほど講座をもたせていただいている学習院さくらアカデミー（旧生涯学習センター）では、「ドン・ジョヴァンニ」「椿姫」の２大傑作を集中的にとりあげます。作品成立の背景から始め、講座のキモは「見くらべ、聴き比べ」。さまざまな解釈が可能な懐の深い２作なので、その変遷はほんとうに面白いです。「オペラ」という芸術の深さを感じていただけるかと思います。　​学習院さくらアカデミー​　そしてこの春の新機軸は、イギリス文学者の石井美樹子先生との共同講座で、「オペラになったシェイクスピア悲劇」。オペラの題材として好まれたシェイクスピアの名作群から、悲劇を集中して取り上げ、原作とオペラの接点をさぐります。石井先生の豊富な知識も加わり、オペラに新しい視点が加わることは請け合いです。　　​神奈川大学エクステンションセンター​

  March 8, 2019

• 充実の歌手と豪華な舞台、ケミストリーの魔法〜METライブビューイング「アドリアーナ・ルクヴルール」

  METライブビューイングも後半。６作目のチレア「アドリアーナ・ルクヴルール」を見てきました。ネトレプコ主演のプリマドンナ・オペラです。　「アドリアーナ・ルクヴルール」はあまり上演されないオペラですが、とても「楽しめる」イタリア・オペラです。作曲したチレアは１９世紀末から２０世紀はじめに活躍した、いわゆる「ヴェリズモ」に分類される作曲家ですが、レパートリーになっているのは１９０２年に初演されたこの「アドリアーナ」くらい。とはいえこのオペラ、メロディは美しいし、ストーリーは劇的だし、感情表現はリアルだし、舞台設定は１８世紀のフランス、実在の大女優が主役と華やか。パーティのシーンもバレエもあって、見応え、聴きごたえ満点なのです。音楽も、もろイタリア・オペラ！というばかりではなく、フランス・グランド・オペラ風の優美さもあります（これは後述するロイヤルオペラの映像のなかで、マウリツィオを演じているカウフマンも語っていました）。　なぜあまり上演されないのか不思議なのですが、歌手の問題なのでしょうか。　でも、何しろ実在の大女優が主役で、見せ場もアリアも目白押しなので、主役を演じたいソプラノはあとを絶たないよう。今回の幕間のインタビューで、ラジオで解説を担当しているバーガー氏が、歴代の「アドリアーナ歌い」を紹介していました。テバルディ、スコット、カバリエ、フレーニ。。。。なるほど、一世を風靡したプリマドンナばかりです。　個人的には「アドリアーナ」というオペラは、１９７６年の第８次「NHKイタリア歌劇団」における日本初演が鮮烈に記憶に残っています。今名前が出てきたカバリエがタイトルロール、相手役はデビューして間もないホセ・カレーラス（カレーラスはキャリアの初期の頃、カバリエにかなり引き立てられたらしい。同じスペイン、それもカタロニア人ですし）、そして恋のライバル、ブイヨン公妃は、メゾの女王、コッソットという超豪華キャストで、語り草になりました。そのときの映像は、断片的ですがyoutubeでもみられます。とにかく２人の女性のバトルがすごかった。澄んだ、美しい、そして劇的な美声の激突。若くてきゃしゃなカレーラスは、母親のような女性２人にはさまれておろおろする息子のようでした。カバリエの胸に顔が埋まっていましたっけ。。。。なにより「声」の、イタリア・オペラ黄金時代の舞台でした。でもカバリエのピアニッシモの驚異的な美しさや、第２幕冒頭でのアリアのコッソットの毅然と輝かしい声はほんとうに忘れられません。FMで放送されたのをカセットテープ（！の時代でした）に録音し、それこそ擦り切れるまで聴いていました。youtubeで検索すると、いくつか映像の断片がみられます。　これは第２幕の幕切れ、お互いが恋敵だとわかって激昂する劇的なシーンです。　​カバリエ＆コッソット​　その後、ボローニャ歌劇場の引っ越し公演で、フレーニ、ドヴォルスキー、コッソットというトリオで再演。これは残念ながら見逃してしまいましたが、これまた伝説的な舞台です。フレーニのアドリアーナはスカラ座の映像と録音でしか知りませんが、リリカルで柔軟な声がつくる品のよさは絶品でした。　さて、今回のMETの「アドリアーナ」、まずはネトレプコが主役を歌うことが大前提のプロダクションなのだと思うのですが、マクヴィカー演出のこの舞台は、実は２０１０年にロイヤルオペラで、ゲオルギューのために制作されたものです。相手役はなんとカウフマン。恋敵の公妃役はボロディナ。映像も発売されています。こちらです。　https://shop.roh.org.uk/products/cilea-adriana-lecouvreur-dvd-the-royal-opera　　この映像のボーナストラックに、出演者たちのインタビューがあるのですが、ゲオルギュー本人の言葉で、マクヴィカーに「アドリアーナ」を制作して欲しいと頼んだ、とありました。彼女がやりたくて実現したプロダクションのよう。ゲオルギュー、この役は「エモーショナルな役」「やる時期がきた」と語っていましたので、念願の役だったのでしょうね。　今回、ライブビューイングで見る前に、この映像で予習しました。１８世紀のバロックの劇場の舞台を舞台裏まで再現した装置はほんとうに見応え満点。第１幕ではアドリアーナの活躍していたコメディ・フランセーズの劇場を楽屋裏まで見せ、第３幕ではそれが公爵の邸宅内の劇場に変わります。　このバロックの劇場、ボーナストラックのインタビューに登場している、装置デザイナーのエドワード氏によると、モデルはなんと、バイロイトの辺境伯劇場（バロック劇場の代表的な建築です）なのだそう。彼はこの装置をつくるために、バイロイトの劇場の機械仕掛けや舞台裏を研究したという。あとこのエドワード氏、子供の頃おもちゃの劇場に魅せられたそう。その延長線上に今の仕事があるのですね。　このロイヤルの映像、ライブビューイングと見比べると面白いです。演技は大筋は変わらないですが、もちろんそれぞれの歌手に任せられている部分もあるので、細かい表情付けは異なります。カメラワークも違うし、あとアドリアーナとブイヨン公妃の衣装がいくつか違いました。デザインはそう変わらないのですが、色やフリルの具合とか、ね。気になる方は見比べてみてくださいね。本作、衣装もすごく楽しめます。　　さて、９年前にプレミエを迎えたこのマクヴィカー演出、好評で、パリやウィーンでも再演。主演はやはりゲオルギューでしたが、ウィーンでは１年前にネトレプコ、そして今回も相手役をつとめていたベチャワが登場し、話題沸騰。そして今回、METの舞台にやってきたというわけです。　一言で言って、すばらしい舞台でした。主役たちがみな適材適所で、自分のよいところを十二分に発揮し、そしてこれはとても貴重なことだと思うのですが、お互いのケミストリーがすごくて、刺激しあい高め合って、舞台全体の水準を引き上げていた。こういうステージは、めったにお目にかかれないのではないでしょうか。　まずネトレプコ。今の彼女にぴったりの役です。私は個人的に、（演技云々は別にして）声楽的な面からいえば、彼女は（イタリアオペラなら）ヴェリズモに向いている、とずっと思っていました。やや暗いメッゾのような音色と、声に厚みがあること、そしてベルカントの場合とくに重要な様式感より、声の「色」で勝負するタイプだと思うからです。一時ベルカントを熱心に歌っていましたが、個人的にはあまり好きになれませんでした。技術的にも相当高いものを持っている歌手ではありますが、超絶技巧という点からいえば、今第一線で活躍しているベルカント歌手、たとえばディドナートやダムラウほどではないし、イタリア語の発声がこもっていて、それもあって様式美という点で物足りなかったからです。それより舞台上の存在感とか演技力（声も含めて）で惹きつけるタイプだと思うので、より演劇的な、そして彼女の声の厚みが生きるヴェリズモ作品のほうがいいのではないかと感じていました。ですので、「アドリアーナ」はいずれ歌うときがくればぴったりだろうな、と想像はしていました。何しろ実在の大歌手、スターの役ですから、スターオーラ絶大なネトレプコはその点でもぴったりです。　さすが、出色の出来栄えでした。今まで彼女を、映像、生、含めて観たなかで、アドリアーナ役が一番しっくりきました。声は湧き出すようで、豊かな音色がすみずみまでコントロールされ、強弱も自由自在。フレージングも美しい。第１幕の登場のアリアでは、驚異的に広い声域と、強弱のダイナミズムを駆使して鮮烈な登場ぶり。以前ちょっと気になったブレス音もぐっと少なくなって、技術的にも進歩したのではないかと思いました。終幕の嘆きの歌も圧巻で、心を揺さぶられました。このような演劇的な役柄だと、彼女のイタリア語のちょっとモニョモニョした感じも、ベルカントものほどは気にならないのです。　これも予想していたことですが、（私の好みはともかく）「ルチア」のようなベルカントの難曲を歌い込んだおかげで、今この手のオペラを歌うようになっても技術的に余裕があります。一般的には、ヴェリズモを歌う歌手はベルカントをさほどこなしていないことが多く、技術的にいっぱいいっぱいというケースが少なくない（ゲオルギューは正直そういう部分もありました。想像したよりはずっとよかったですが。。）。ネトレプコはモーツァルト、ベルカント、ヴェルディと、レパートリーを時代に沿って順繰りに変えてきているので（第一線の歌手ってたいていそうです。ベチャワもダムラウも）、うまく成熟してきているんですね。そう、「円熟のとき」を迎えた、そんな実感がしました。　そして何より、彼女の大きな魅力は演技です。冒頭のインタビューで「なりきる」（だから途中でのインタビューは避けたそうです。。。まあ幕間インタビューを拒めるのも、大スターの彼女だからでしょう）と宣言。その言葉通り、コケットリーから絶望まで、「ネトレプコのアドリアーナ」を生ききっていました。　なかでも印象に残ったシーンを二つ挙げると、第１幕のミショネとのやりとりで、彼女にプロポーズしようか迷うミショネに微笑みかけるシーン。無邪気なのかミショネの本心を見透かしているのか、男性なら誰でもどきっとしてしまうのではないでしょうか。（爪の垢を煎じたい。。）これはたぶんネトレプコ本人にもそういうチャームがあるのでしょう。そして第３幕、これは本作のポートレートでも出ていましたが、舞台上で朗読をし、最後にブイヨン公妃を罵る場面で、一瞬彼女を指差すところ。ここ、ほんの一瞬なのですが、すごい迫力、まさに何かが乗り移ったような演技でした。　今回の舞台の僥倖は、相方達も息があい、相乗効果で素晴らしかったことです。　まずはライバル役、ブイヨン公妃のラチヴェリシュヴィリ。黒曜石のようなすばらしい声、厚みも艶も深みもあり、支えも完璧。「声」の魅力だけとったら個人的には彼女の方に惹かれるかもしれません。愛憎の表情豊かな演技もすばらしい。ドスの効いたわがままな悪女役。そして目力が強烈です。彼女の才能がネトレプコと互いに触発しあって、ケミストリーが良い方に働いたと感じました。　そのことを実感して感嘆したのは、第２幕のラスト、暗闇のなかで、２人がお互いに恋仇とわかる場面です。　　この場面は、全曲のハイライトのひとつで、音楽が流麗ながら激しく、２人の関係性がわかる場面ながら展開が早いので、え？と思っているうちに過ぎてしまう。下手をすると、２人が唐突に、互いが恋のライバルだと認識する印象を受けます。ところが今回は、刻々と変わる２人の表情と感情が、正直なところ舌足らずなセリフを補っていたので、どんな状況か克明についていけたのです。これは２人の歌手の表現力の勝利ではないでしょうか。　ラチヴェリシュヴィリ、大歌手になる可能性大ですが、ベルカントよりやはり演劇的な役が向いていそう（ベルカントものは歌ったことがあるのでしょうか？）そうすると、メッゾというのは役が限られてしまいます。今回みたいな恋敵とか、メジャーなところでは「カヴァレリア・ルスティカーナ」のサントウッツァとか。メッゾの場合、ベルカントやバロックのほうが主役、面白い役が豊富なような気がします。ちょっと残念。　　２人の女性に挟まれるザクセン伯爵役のベチャワ。いいですね。ほんとに。真面目で真摯ででもちょっと優柔不断。そのキャラクターを存分に表現してくれたおかげで、彼が、ブイヨン公妃とも「しっかり恋仲」だったってよくわかりました。そういう風に思わせてくれない歌手もいますので（ロイヤルでゲオルギューと共演していたカウフマンは、素敵なんですがどことなく「あさって」の方を向いた演技と歌で、ゲオルギューとのケミストリーがなかったと感じました）。　幕間のインタビューもベチャワが最高。「ネトレプコと共演するときはふだんより２５%よくなるんだって？』との案内役ポレンザーニの問いに、「たくさん共演して気心が知れているから、やりやすくて冒険できる」とか。今回の役について、「３、４箇所、新しいことを試せる場面がある。今「トスカ」のカヴァラドッシ役を準備しているけれど、この役の方が難しい」。そういう話が聞きたいんですよね。よく、「役になりきるだけ」とみんな言うけど、そしてそれはそうかもしれないけれど、ほんとうのプロなら、どこか冷静で計算しているはず。だから「３、４箇所新しいことを試せる」と教えてくれるのはすごく興味を惹かれるし、うなずけます。　脇役たちも魅力たっぷり。アドリアーナを愛しながら見守る劇場監督のミショネ役は、イタリア人巨漢バリトンのマエストリ。イタリア語の明瞭さは随一。彼が出てくるとそういう点で「耳」がほっとします。美しい発声というのはそれだけで「歌」になっていることを思い知らせてくれました（いつまでも英語ができなくて、インタビューでもイタリア語で話そうとするのも微笑ましいような）。初老の、人間的で、ちょっと哀しいミショネを好演。ロイヤルではコルベッリが歌っていて、こちらはもうすこしインテリ風。それぞれ味わいがあっていいです。そう、このミショネっていう役、いい役なんです。激しいひとたちばかりなので、笑、こういう存在がいるとほっとします。　ブイヨン公爵役マウリツィオ・ムラーロはロイヤルと同じ配役でした。小さな役で普通は目立たないのですが、存在感がありました。　指揮はノセダ。すごくノリノリでオケを煽り、情熱的に劇的に作り上げていましたが、ところどころ煽りすぎたのか、オーケストラがばらけるのが気になりました。とはいえ、現場で見ていたら迫力満点の音楽だったと思います。　豪華な舞台と演劇性と声の競演。「これぞオペラ！」と実感できる「アドリアーナ・ルクヴルール」。木曜日までですが東劇ではあと１週間。詳細は以下で。　　​アドリアーナ・ルクヴルール​

  February 26, 2019

• クルレンツィスのスピリチュアリズム

  　クルレンツィス＆コパチンスカヤ＆ムジカエテルナ事務局長のトークセッションに行ってきました。　私はこれまで、彼は「アーノンクール以来」、つまり古楽演奏の革命児として、深い研究をもとに作品を新鮮によみがえらせる演奏家としてとらえていたのですが、今回の来日でその印象は変わり、今では「クライバー以来」と思うようになりました。聴衆を巻き込むカリスマ性がある、ということです。それはアーノンクールをはじめ古楽の革命児にはなかったもの。トークイベントは、私にとってそれを裏付けるものになりました。「考えていること」が違う。そして、人間にとって「考えていること」って本当に大事です。最終的に行動を決めるのも「考えている」ことだから。　　たとえばの話ですが、古楽の演奏家のインタビューなどみていると、楽譜や作品の解釈や、細かい、マニアックな話になることが多い。それはそれで面白いですが、そういうことばかり考えていても「カリスマ性」っていうのは生まれないのかもしれない、と、今回思いました。　クルレンツィス（やコパチンスカヤ）の考えていることというのは、当然かもしれませんが「音楽」そのものについて、音楽の役割について、音楽と自分たちの使命について、というようなことで、質問もそこをついたものが多かった。（はりきって最初に質問してしまったのですが、練りきれていない未熟な質問で、猛省しています。ライブストリーミングされたそうで〜知らなかった〜、お耳汚しと時間つぶしをお詫びいたします）　たとえば、作品の解釈、作品との向かい合い方について、ですが、「解釈は日々変わる」というのは当然として、「取り上げる作品と波長が合わないとダメ」というのはいかにも彼らしい発言だし、「深いところまで研究しているが、それを表面にどうもってくるか」などという発言（実な事務局長がしていた。彼もすごく見識がある方のよう）は興味深くききました。　「他にテクノとか面白い音楽があるのになぜクラシック音楽なのか」という質問には、「クラシック音楽ほど素晴らしいものはないから。私は麻薬患者のようにクラシック音楽の中毒」。　「なぜロシアに行ったのか」という質問には、「私が若いころの８０年代は、東欧が崩壊してアヴァンギャルドな時代で、ロシアが一番面白かった。ペテルブルクは１９世紀のパリみたいな存在だった」。　「なぜSWRを引き受けたか」については「ムジカエテルナみたいな音楽をやってくれといわれた。SWRには別のメンタリティがあるが、メンタルが変わる。自由になる。自由は経験しないとわからない」　　彼のオケ（バンド）であるムジカエテルナについて「自由なオーケストラ」だと繰り返していたのも納得でした。彼の統率力はあるけど、メンバーが服従するという感じではないんですね。「メンバーが変われば音楽も変わる」と言っていましたが、当然ですね。　以下語録。クルレンツィス、一見寡黙に見えるけどよく喋ります。けっこうとめどない。昨夏ザルツブルクであるトークショーに潜り込んだ時もそう思いました。　　音楽を演奏する目的は「音楽のなかにある精神、エネルギーを実現すること」　　「コンサートホールでは、さまざまな壁を打ち砕く。自分の魂の壁を打ち砕く」　「音楽とのコネクションが完成した時、ごくまれにですが天使が笑う瞬間がある」　「街で聞かれているものと、伝統的なものの両方を聴かないと、音楽はできない。自分は両方を聴いてきた。自由な音楽は学校では学べない。即興ができないとバロックはできない」　「シューベルトは心が割れないと理解できない。１９世紀の作曲家はそれを理解していた」　「スピリチュアル」という言葉も頻繁に出てきます。なるほどと思ったのは、（売れっ子になったからだと思うけど）「メジャーな路線に乗るのではなく、修道院にオケのみんなとこもって、日が昇る時に瞑想をして、そして音楽をして、時々街に出てくるようなそんなやり方をやりたい」と言ったこと。まあこれって、基本ペルミにこもっている彼らと近いといえば近いスタイルですが、「修道院」という言葉が出てくるところが彼らしい。あるインタビューで、自分は「音楽の聖職者」だと言っていたのを思い出しました。　クルレンツィスの演奏については、否定的な意見もみかけます。そのひとつに、「オケの精度が（超一流オケに比べて）まだまだ」と言った表現が見られたりします。それは、そうかもしれません。そのようにいう場合、たとえば、ベルリンフィルが最高の指揮者（今ならペトレンコ？）で最高の演奏をした時が基準なのでしょう。でも、そういう比較はちょっとちがう。ベルリンフィルはプロ中のプロ。一人の指揮者のものではない。でもムジカエテルナはクルレンツィスの分身であり、彼らは同じものを夢見ている。同じ方向を向いて、それを全力で達成しようとする。それこそ「夢」とか（この言葉も頻出）「スピリット」とか「コミニュケーション」とか。そこが従来のオケになかったところであり、多くの人はそれを感じてそこに惹かれるんだと思います。人間の可能性を見せてくれるから。たとえば私だってこの短い時間で「考えていることは大事。もっと大切にしなければ」とつくづく思うようになりましたから。そんなことわかっているといえばそうなのですが、それを心から思わせてくれる。人を変えてしまう、人生を変えてしまうエネルギーがあるんです。　クル様、近くで見ると（だけじゃないですが）、とても美しいひとでした。４７歳！ってけっこういい歳ですが、若い。　　通訳の井上さん、いつもながらexcellentでした。　あ、主催者の方、事前に段取りの打ち合わせくらいはしておいて欲しかったですね。

  February 13, 2019

• 全人類とのコミュニケーション

  　クルレンツィス＆コパチンスカヤ＆ムジカエテルナ、初来日公演の初日に行きました。　すごかった。前半のチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲。究極の弱音と強音（とくに沈黙のぎりぎり手前で聞こえてくる弱音のすごさ）、あきらかなビート感。自然の秩序に近づこうとするような音響世界。なにより向かい合って踊っているように演奏するクルレンツィスとコパチンスカヤのコミニュケーションがすごくて、さらに彼らの音楽に空気を流れる電流のように瞬時にでも自然に反応する、オーケストラとのコミュニケーションがすごくて、その先に見えたのは「彼らは音楽を介して全人類とコミュニケーションしているのだ」ということでした。オケは名手ぞろいですが、コパチンスカヤの、ピリオド奏法とちょっと似た独特な奏法はやはりきわだつ。アンコール３曲では、クラリネットとデュオして(ミヨー）、コンサートマスターとデュオして（リゲティ）、自分の「声」とデュオして（ホルヘ・サンチェス・チョン）いたコパチンスカヤ。なんという破格。なんというチャーム。　終演後のアフターパーティで、クル様の言葉で「人間同士のコミュニケーションはとても難しい。言葉でコミュニケーションするなんて無理。音楽はそれを可能にする」と出てきたので、演奏とつながってすごく納得しました。　後半「悲愴」。協奏曲では（たぶんコパチンスカヤとのバランスで？）座っていたオーケストラは、彼らの売り物でもある立奏。クルレンツィスとのコミュニケーションはよりストレートになり、彼の手足と化してひとつの生き物になる。下から風が吹き上げてくる崖っぷちを歩いているみたいなよるべなさにさらされる聴き手。音楽の前に自分が丸裸になる感覚。チャイコフスキーの孤独。全人類の孤独。クルレンツィスが、音楽は自分の「ミッション」だと言っていることがよくわかりました。「全身全霊」の捧げ方が違う。次元が違う。　パーティで、「この曲を連日演奏してくれと頼まれることがあるけれど、とても無理。毎日生きたり死んだりしていられない」と言っていたのも納得でした。　総じて、昨夏ザルツブルクで聴いたベートーヴェンより今日の方が数段よかった。チャイコフスキーは彼にとって、モーツァルト、マーラーとならぶ３人の神様の一人だそうですが、ベートーヴェンは（少なくとも今のところ）違うんだろうな。　　「音楽がないと生きていけない」。今日のコンサートを聴いてそう思った。　こういう感覚って、はるか昔にベームとウィーンフィルを聴いて、アンコールの「マイスタージンガー」前奏曲で、「この世に生まれてきてよかった」と思って以来かも。　こういうのを聴いてしまうと、「つまらない演奏は聴けない。時間の無駄」と思ってしまうのが辛いところです。　　考えてみれば、最近あちこちで、「モーツアルト（のオペラ）とフランス革命」というテーマで話したり書いたりしているのですが、そのテーマに気づいたきっかけは、クルレンツィスの「フィガロ」のCD（最初に出会った彼の音楽）を聴いて、これは「革命」の時代の音楽だ、と思ったこと。それ以来、そういう見方を意識するようになった。作品に対する接し方が変わった。だから彼の演奏には、すごく「恩」を感じているのです。　聴衆の集中度も最高で、「悲愴」が終わった後、指揮者が落ち着くまでずっと拍手を控えていたのも最高でした。　男性率高し。年齢層通常のクラシックコンサートよりちょっと低め。

  February 11, 2019

• 調布国際音楽祭２０１９、記者発表

  「調布音楽祭」の記者会見に行きました。　調布に暮らす鈴木ファミリー、とくに優人さん（エクゼクティヴ・プロデューサー）を中心に、BCJのメンバーや地元の桐朋学園大学も巻き込んでの音楽祭。今年で７回目だそうです。今回は「フェスティバル・オーケストラ」に、現在雅明先生と関係が深いシンガポールから若手演奏家も参加するそう。地元に密着しつつ、世界との絆も生まれつつあるようです。　プログラムは大変魅力的。個人的な目玉は、最終日のBCJ「華麗なる協奏曲の夕べ」（こういう器楽系はとても聴きたいけど、BCJの定期などでは実はあまり聴けない）、そして演奏会形式とはいえかぎりなくセミステージに近いモーツアルト「後宮からの誘拐」。これは２回公演だそうで、森谷真理、櫻田亮、ドミニク・ヴェルナーら豪華キャスト。指揮の優人さんはセリム役も担当するそうです。これは面白そうです。　他にも、森麻季さんのソプラノリサイタルあり、山下洋輔さんが出演する、ジャズとのコラボを生かしたオープニングコンサートあり、日本古楽界の美男美女カップル、三宮正満さんと水永牧子さんの深大寺でのコンサートあり、オープンステージなどカジュアルなコンサートありと盛りだくさん。これだけの催しを７年間続け、発展させていく、そこには鈴木優人さんの、音楽家としての才能に加えて「人間力」がある、という発言あり、とても納得。帰り道、知り合いの新聞記者さんと、「やっぱり「人」ですよね〜」とうなずき合ってしまいました。　　記者会見の資料はこちらです。調布国際音楽祭２０１９

  February 2, 2019

• 創作者の醍醐味、日本オペラの枠を破る「オペラティック」なアンサンブル〜新国立劇場「紫苑物語」スペシャルイベント

  ３１日の午後、新国立劇場「紫苑物語」関連イベントに行きました。　作曲の西村朗さんと指揮の大野和士さんが、監修の長木誠司さんの司会進行で作品の魅力を語り、出演歌手の臼木あいさんと高田智宏さんが歌を披露するという贅沢なイベント（なんと無料）。　面白いですね〜。こういうの大好きです。　まず、大野さんが抱えてきたスコアの大きさ重さにびっくり（ひとりで抱えて譜面台に立てるのが大変！）。大野さん、得意のピアノでいくつかあるライトモティフも披露してくださいました。　創作過程について。西村さん、大変厳しい道程だったようで、「こんな体験は初めて」。その理由は、「出来上がった音楽に対して、大野さんや長木さんからのツッコミ、横槍がすごくて、散々書き直した。けれど結果的には素晴らしい経験で、自分のなかからそれまで思ってもいなかったものが出てきた」。うーん、この最後のくだり、創作者の醍醐味なんだと思います。羨ましい限りです。そういう局面に出会えるのは、すごい努力と積み重ねがあってこそなのだと思うのです。　大野さん、「新作オペラの指揮はずいぶんしましたが、ここまで創作陣のあいだでやりとりがあって練り上げた作品は初めて。とくに台本についても、ヴェルディとピアーヴェとかリヒャルト・シュトラウスとホフマンスタールとか、そういうオペラ史上有名な作曲家と台本作家やりとりのようなことを新作オペラでやってみたかった）　キャスティングについて。担当の大野さん、「オペラは石川淳の原作よりキャラクターが強くなっている。たとえばうつろ姫は原作では醜女だが、醜女という設定だとオペラにきてもらえないから、大人の美しい女性で、ドラマティックな表現ができて、コロラトゥーラも使える大人の女性にしました」(キャスティングは清水華澄さん）。主人公の宗頼は、「弓の使い手で父親に反発している。強いキャラなので雄々しいバリトンにしました」（キャスティングは高田智宏さん）。ふーん、そういうふうにキャラクターが決まってキャスティングがされるのですね。　　音楽について。オペラならではの魅力、「重唱」や「アンサンブル」をたくさん盛り込んだ、というのは、大野さんが以前からしきりとおっしゃっていたことですが、「日本の音楽には難しいと言われる「アレグロ」がたくさんある音楽」というのも面白かった。（その「アレグロ」を取り込んだ二重唱も披露されました）　アンサンブルの魅力こそオペラ、というくだりでは、「椿姫」第２幕フィナーレのコンチェルタートが例として引用され、大野さんがずっと歌いながら紹介。そう、あの「アルフレード、アルフレード」というところですね。あの部分は私も、これぞオペラ（みんながてんでにしゃべっているのに作曲されているからこそハモる）の醍醐味、と思っている箇所なので、我が意を得たりでした。　臼木さん、高田さんの「声」もパワフルで素晴らしかった。公演が楽しみです。　　公演情報はこちら　紫苑物語

  February 1, 2019

• ダムラウのヴィオレッタに感じた、役柄への深い共感〜METLV「椿姫」先行上映、「NYオペラナイト」

  METLVの「NYオペラナイト」＠新宿ピカデリーに行ってきました。　　６日から公開になる「椿姫」の先行上映でしたが、METにいる雰囲気を味わってもらおうとMETの写真を出したり、「椿姫」にちなんで椿の花をかたどった「カップケーキ」がおまけについたり、積極的に「ブラボー」を叫んでもらおうと、冒頭でオペラ通のアナウンサー、朝岡聡さんの登壇があったり、いろんな工夫がありました。聞き手を巻き込み「ブラボー」の練習をさせてしまう朝岡さんの話術はさすがです。　「椿姫」、マイケル・メイヤーの演出による新制作で、今シーズンのハイライト演目。ダムラウ、フローレス、ケルシーという豪華主役陣に、METの新音楽監督ネセ＝ゼガンの指揮。力入ってます。とくにダムラウの演唱は最高でした。詳しいレビューはライブビューイングのメルマガに書いたので、ひとつだけ気づいたことを書きます。　ダムラウ、ヴィオレッタは今や彼女のシグネチャーロールだし、世界最高峰のヴィオレッタだと思うのですが、その理由のひとつは、ヴィオレッタへの深い共感です。どの幕も心揺さぶられますが、昨日の発見は、第２幕のジェルモンとの二重唱で、「家族も友達もいない」と歌うところの孤独、絶望感の凄まじさでした。これは、ヴェルディの当時の恋人で、彼と同棲していて、過去の男性遍歴ゆえに周囲の非難にさらされていたストレッポーニも感じていた孤独と同じではないだろうか、と思ったのです。ストレッポーニもまさに村八分になっていて、厳しい境遇にありましたからね。彼女は母や妹もいたし、私生児の子供（ヴェルディの子ではない）もいたけれど、離れて住んでいたし、ふだんはヴェルディ以外はまったく付き合いがなかったと思う。もともと社交的なひとだったと思うので、すごく孤独感を感じていたのではないでしょうか。　ダムラウはストレッポーニのことを思っている、それを確信したのは、その後ダムラウがインタビューで語っていた言葉。「この作品はヴェルディの境遇と共通している部分があって、彼自身共感して書いていた」みたいなことを言ったのですね（はっきり発言を覚えていなくてすみません）。それをきいて、あ、ダムラウはちゃんと当時のヴェルディのことを調べて、理解した上で歌っているのだな、と思ったのです。もともと技術も表現力も素晴らしい歌手が、背景もきちんと理解して自分のなかで消化して歌うと、また何段もステップアップするのだ、そう思えたのでした。　「椿姫」公開は６日からです。詳細は以下から。　　「椿姫」

  February 1, 2019

• フレッシュでベルカントな声が「若者たちの恋」を表現した最終日の充実〜藤原歌劇団「ラ・トラヴィアータ」

  藤原歌劇団「ラ・トラヴィアータ（椿姫）」。ずっと新年恒例だった演目が復活。ちなみに藤原では原語の「ラ・トラヴィアータ」を随分前から使用しています。　以前は、デヴィーア、メイ、ボンファデッリ、ゲオルギューなど世界のプリマを呼んできていましたが、今回は３回公演すべて藤原歌劇団の歌手が主演。藤原の顔見世興行的な舞台となりました。初日と３日目を鑑賞。初日はスター、ベテランが揃い、３日目はやや若手〜中堅どころの歌い手。といっても３日目の歌手も、ファンのあいだではよく知られている顔ぶれです。　総合的には、３日目のほうが全体のバランスがよく、いい公演になりました。何より歌手が３人、スタイルの上で揃っていた。　　ヴィオレッタ役光岡暁恵さん。ベルカントの名手として知られます。高い技術、美しく澄んだ、しなやかで可憐な声。「ルチア」「カプレーティとモンテッキ」などの名唱が印象に残っています。今日も、ベルカントの流れを汲んだ、ドニゼッティの延長線上にあるヴィオレッタ、と、第一幕では思ったのですが（それはそれでもちろんいいのです）、そして第１幕も上々でしたが（とくに最後のアリアで高音Esにあげてくれたのは嬉しかった。やっぱりあれが聴きたいんですよ、客席にいる身としては。めったに聴けないですからね。ゲオルギューもネトレプコも出していない。メイとかデセイは出しますが）、圧巻は第２幕以降。ベルカントらしい様式美を保ちつつ、そのなかでの細やかな情感の表現が素晴らしかった。デヴィーアのヴィオレッタを思い出しました。（光岡さんのほうが、よりピュアで美しい声ですが）。第２幕のジェルモン（上江隼人さん）との二重唱は、ソプラノの明度の高いながら細やかな感情をちりばめた声と、巧妙に説得を繰り広げるバリトンの、緩急に富んだ声の対比が実に見事で、「声」に集中したくて舞台から目をそらし、天井を見ていました。（失礼！）舞台を見ないなんて歌手の方に失礼、なのはよくわかるのですが、「声」に集中したい、「声」の美しさそして演技に集中したい時は、目をつぶったり視線をそらしたりしてしまうのです。。。。ごめんなさい。でもそれをしたくなる、ということは、それだけ、演技力も含めて「声」が見事だったということで、お許しいただければと思います。光岡さん、レガートも実に美しく、この点も第二幕の二重唱での絶望の歌は圧巻でした。よく通るピアニッシモの見事さも特筆すべきでしょう。　アルフレードの中井亮一さんも、ロッシーニをはじめベルカントオペラが得意な歌手。甘く、柔らかく、テノールらしい若々しい美声、高い技術、そしてイタリア語の明瞭さ〜これは強い〜は随一です。光岡さんとスタイルが揃っていて、第１幕は「ルチア」を聴いているような気分になったりしましたが、それも「ドニゼッティの延長線上にあるヴェルディ」と捉えれば違和感はありません。第３幕のヴィオレッタとの二重唱は、「若者たちの絶望的な恋」の、最後の甘い輝きとして大変印象に残りました。今回の主役の２人のような軽めの声で歌われる「トラヴィアータ」は、若々しさが伝わり、若者たちの恋、という面が際立ちます。実際、モデルになった娼婦や作家は２０代だったのですから、そういう意味ではこういう声のほうがいいのではないかと思うのです。　バリトンの上江さん、イタリアでも活躍しているスタイリッシュな声は健在。中声域が充実してきたのは、最近ヴェリズモにも取り組んでいるせいでしょうか。嫌味のない頑固オヤジ、つまらないケレン味がないところが好感が持てますし、他の２人とのスタイルとの共通点も多く、よいバランスでした。そう、主役たちのバランスがいいと安心して聴ける、それがわかったのも収穫でした。　　対して初日組は、ヴィオレッタ役砂川さんがほぼひとりで支えていた舞台。日本を代表するスター・ソプラノ、声にも容姿にも華のある歌い手で、表現力もあり、客席を引き込む力がすごい。ヴィオレッタ役は何年か前にびわ湖ホールで聴かせていただきましたが、その頃とはちょっと声が変わってきていて（プッチーニなどが増えてきたからでしょうか）、より劇的な表現に比重が置かれていました。それはそれでいいのですが、高度なベルカントのテクニックもある方なので、もうしばらくベルカントの分野でも歌い続けていただきたいなと。「ドン・パスクワーレ」や「カプレーティとモンテッキ」なども素晴らしかったので。今回、第１幕のアリアがやや力で押した感があってちょっとひやりとしました。実はこの幕で、演出家からの要請で、身体的に無理を強いられた面があったらしいので、それがなければまた違ったかもしれません。　問題は男声陣です。アルフレードの西村悟さんは、声自体は魅力があり、上背もあってヴィジュアルもよく、スター性はあるのですが技術的に「歌えていない」場面が散見され、ジェルモンの牧野正人さんは、堂々とした「声」で圧倒はしましたが、安定度という点ではちょっと。というわけで、すべての負担が砂川さんにかかってきた感あり。そのなかで大役を高いレベルで歌い切る、というのは、まさに「プリマドンナ」とはこういうもの、と見せつけられた思いでした。　　佐藤正浩マエストロ指揮の東フィルは、歌手に寄り添う、職人的といいたくなる音楽作り。弦の歌がたっぷりと美しいのは、この作品をはじめイタリア・オペラを数多く演奏してきた東フィルの力でもあるでしょう。　粟國淳さんの演出は、絵画と鏡を大道具に退廃的な雰囲気を出し、衣装（アレッサンドロ・チャンマルーギ）は１８４０年代の再現。限られた予算で、観客がこの作品に求める豪華さを出していました。第２幕第２場のフローラの館のシーンは、絵画がすべてヌードになり、娼婦の館らしさを演出。一方で細かい演技は歌手に任せられていたようで、ヴィオレッタの絶命シーンの演技も、砂川さんと光岡さんでは全然違っていました。　ベルカントは世界的に人材豊富ですが、日本でもそうなるかどうか、希望とともに考えさせられた舞台でもありました。

  January 28, 2019

• 日本ヴェルディ協会では、新春講演会として指揮者の園田隆一郎さんをお招きします！

  今日は、指揮者の園田隆一郎さんの講演会のお知らせです。　　私が所属している「日本ヴェルディ協会」では、は昨年より、新春講演会として、ヴェルディの名曲を専門家に語っていただくシリーズを始めました（第１回は河野典子さんの《ラ・トラヴィアータ》でした）。　今年は指揮者の園田隆一郎さんをお迎えし、《ナブッコ》を中心にヴェルディ・オペラの魅力を語っていただくことになりました。　園田さんはイタリア・オペラを中心に、日本のオペラ界のこれからを担う指揮者として大変注目されているマエストロです。2006年に、シエナのキジアーナ音楽祭で《トスカ》を指揮してオペラデビュー、同年、ペーザロのロッシーニ音楽祭で《ランスへの旅》を指揮。また同じ年に、藤原歌劇団の《ラ・ボエーム》を指揮して日本デビューを果たしました。以後のご活躍はめざましく、トリエステ歌劇場、ベッリーニ大劇場、フランダース・オペラなどに出演。国内では、昨年のロッシーニ・イヤーの話題公演《ラ・チェネレントラ》（東京、大阪）、《ラ・トラヴィアータ》（藤沢市民オペラ）などのオペラ公演をはじめ、東京フィル、読売日本交響楽団などオーケストラの演奏会にも定期的に出演しています。現在は藤原市民オペラの芸術監督でもあり、ロッシーニ《セミラーミデ》の日本初演は大きな話題を呼びました。また２０１７年に三河市民オペラで指揮した《イル・トロヴァトーレ》は絶賛され、三菱UFJ信託音楽賞を受賞しています。この公演には私もかけつけましたが、それは素晴らしいものでした。　今回の講演では、園田氏お得意（プロフェッショナルなんです！）のピアノ演奏を交えながら、氏がこれから指揮する予定の《ナブッコ》を中心に、ヴェルディ・オペラの魅力を語っていただきます。氏が指揮した公演の映像もご紹介いただけるとのこと、三河の《イル・トロヴァトーレ》もご紹介いただけるかもしれません！お楽しみに！　新春にふさわしい豪華講演会です。ぜひお運びください。　　詳細、お申し込みはこちらから。　日本ヴェルディ協会

  January 25, 2019

• 世界初演１ヶ月前！新国立劇場「紫苑物語」キックオフ会に行きました

  今日の午前中は、来月新国で世界初演を迎えるオペラ「紫苑物語」のキックオフ会に。作曲、台本、指揮、演出、監修者が勢ぞろいしてコンセプトを説明するのに立ち会い、その後ちょっとだけ音楽稽古を見せていただきました。　「紫苑物語」の原作は、石川淳の短編。私もオペラ化が決まって初めて読んだのですが、（前も書きましたが）なんとオペラ効果で絶版寸前だったのが増刷が決まったそうです。　まず全体のプロデューサーでもある指揮の大野和士さんが、物語のテーマや音楽のコンセプトを解説。中世日本の物語ですが、テーマはずばり「芸術家の生涯」。主人公の宗頼は、歌人の家に生まれ、才能がありながら父と仲違いし、「弓」の道＝殺しの道に走るのですが、それはつまり「自分とは何者か」と追い求めている。自我、妄執の世界。その自分探しの過程で自分によく似た仏師の平太と出会い、彼が刻んだ石仏を射る。その瞬間、現実が崩落し、宗頼も飲み込まれて命を落とすが、あとに「鬼の歌」と呼ばれる風のような歌が残る。それが宗頼が残した「作品」。自分を捨ててはじめて才能が花開く、という結末。とてもオペラにふさわしい内容、とのことでした。　音楽的には、「日本のオペラはどうしても一人語りが多くなってしまうので、オペラの醍醐味である重唱を入れたい」とのことで、二重唱、三重唱、四重唱などが散りばめられた、オペラティックな作品になっているとのことでした。その点で「革命的作品」だそう（大野さん）。（音楽稽古では四重唱をちらりと聴かせていただきました）　作曲の西村朗さん。台本の初稿ができたのが２０１７年の９月。それから１４ヶ月、１日９時間作曲に集中した（すごいですね。でも作品を創るってそういうことですよね）。今時のオペラにはめずらしい「ライトモティフ」も入れたが、これは人物が個性的なので、ライトモティフが立ち上がってくる側面があった。１９世紀的な手法で自分ではやらないと思っていたのだが。。。自分の作品の総決算、とのことでした。ジョークを交えながら、西村節。　台本を書かれた詩人の佐々木幹郎さん。作品について、石川淳について、たいへん面白いお話。「石川淳は巨人で、日本中世文学とかフランス文学がもう体に入っていた」「「紫苑物語」は短い作品だが、石川の、人間への思いや、人を殺すということに対する思い、戦前戦中への思いがもり込まれている」「「紫苑」の物語の背景は後醍醐天皇の時代。人間と獣が同じレベルで生きている時代。今は見えない生き物がいる世界」「主人公は歌の世界に反逆して弓矢の世界に入った。人を殺すということがどういうことかわかり、どんどん殺すようになった。けれどその先にある自分の姿、山の向こうにある自分の姿が見たくなり、平太に出会う。平太は仏＝人間の手が届かない＝ものを創るのが仕事。宗頼はそれを見に行き、弓で射たらそれが崩落し、「歌」が残った」。「殺すことと作ることは表裏一体。芸術家とは何か、人を殺すとはなにか。これを分解してオペラにするのは至難の技だが、自分にとっては楽しい作業だった」　監修の長木誠司さん。構想は６、７年前から。原作をオペラの論理にするため、たとえば原作では醜女のうつろ姫を美貌にした。結果として１９世紀的作品になったが、それはオペラが一番面白かった時代でもある。石川淳の原作がオペラになるのは初めてで（たとえば三島はたくさんある）その点でも画期的。新国は、こういう創作オペラを２０年前にやるべきだった。　演出の笈田ヨシさん。なんと８５歳！矍鑠です。「日本人にあう現代の音楽劇を創るべき。歌手の方は、これまでのオペラの伝統を忘れてどこかにいく努力をしてほしい。この作品には若者がどうやって暴力にいくかが描かれている。暴力と創作の行き来がテーマになっている」　おひとりおひとりの解釈、意気込み、それが一体となって新しい総合芸術が生まれつつある、ということがよくわかりました。「紫苑物語」初日は来月１７日です。詳細は以下から。　紫苑物語

  January 20, 2019

• 故礒山先生のプロジェクト、充実の日本人歌手陣〜いずみホール「ポッペアの戴冠」

  今月楽しみにしていたオペラ公演は、大阪のいずみホールのモンテヴェルディ「ポッペアの戴冠」。　期待に違わず充実した公演で、これが１回きりなんてもったいない！とつくづく思わされた公演でした。　　今回の公演は、２０１８年度から始まったいずみホールのシリーズ「古楽最前線」の一環です。昨年２月に急逝されたホールプロデューサー、礒山雅先生が立ち上げたプロジェクトで、先生の遺志をついで、ホールのスタッフが続けています。初年度のハイライトがこのモンテヴェルディのオペラ「ポッペアの戴冠」でした。（モンテヴェルディは昨秋、礒山先生が「音楽史上の最大傑作」！だとおっしゃる「聖母マリアの夕べの祈り」の上演もあったのですが、それは日程が合わず）。　「ポッペアの戴冠」は、モンテヴェルディの現存する３つのオペラのなかで、もっとも上演が難しいとされている作品。何しろ楽譜がまともに？残っていないのです。オケ部分などほとんどないに等しいから、公演ごとに創り上げなければならない。逆にいえばそれだからこそ、一期一会的な演奏に出会える作品でもあります。　今回はセミステージ形式。天井が高く、シャンデリアが美しく、壮麗な家具のように豪華なオルガンが特徴的なホールの空間を存分に活用して、立体的な（オルガンの前や、そこに至る階段を舞台の一部として使用）プロダクションになっていました（演出は高岸未朝さん）。ステージの中央にごく小編成のオーケストラを置き、それでも前後左右に余裕があるから、かんたんな大道具も置ける。いずみホールの規模にはバロック・オペラはちょうどいい。それも確認できた公演でした。　すべて日本人（これは礒山先生の意図）のキャストも、レベル高し。ポッペア役の阿部雅子さんは、礒山先生のお弟子さんでモンテヴェルディの研究家でもある方。フレッシュでいきいきした声は生気にあふれ、小悪魔ポッペアをさわやかに演出。ネローネはテノールの望月哲也さん、堂々とした声を生かして好演。性格描写も秀逸（以前望月さんが歌った「皇帝ティトの慈悲」の、ちょっといっちゃってる皇帝役を思い出しました）。オットーネはウィーンなどでも活躍中の国際的カウンターテノール、藤木大地さん。生でオペラを聴くのは初めでしたが、素晴らしい。まろやかに響くむらのない声、カウンターテノールらしい中性的な、不思議な甘さがあり、引き込まれます。　ポッペアに勝るとも劣らないプリマドンナ的な役柄、悲劇の皇妃オッターヴィア役はベテランの加納悦子さん。ギリシャ悲劇の王妃のような真に迫った熱演で客席を巻き込みました（アムネリスみたいな狂乱！）。セネカ役斎木健司さんは、威厳のある声と音量でこれも圧倒。アルナルタ役岩森美里さんの怪演も客席を飲みました。他にも向野由美子さんとか小堀勇介さんとか櫻田亮さんとか鈴木美登里さんとかそうそうたるメンバーがならぶ贅沢さで、日本人歌手、この方面の人材が豊富だとつくづく思わされました。せっかく歌を身につけた歌手の方たちのためにも、こういう公演は首都圏などでもう一度、二度やってほしかった。　　指揮とチェンバロは大ベテランの渡邊順生さん。礒山先生とはむかーしいずみホールでモンテヴェルディをご一緒になさったそう。モンテヴェルディが多彩で個性的な音楽で描き出す人間模様を、少数精鋭のオーケストラで変幻自在に表現していました。２回の休憩をはさんで合計４時間の長丁場もあっという間の、モンテヴェルディ・ワールドでした。　東京からの遠征組も大勢。ジャーナリスト、関係者から音楽ファンまで。注目公演の面目躍如でした。　　終演後はホワイエで行われた打ち上げに潜入。渡邊先生とも何十年ぶりにお話できましたし、小堀さんや望月さんや藤木さんや阿部さん、そしてオルガンの渡邊孝（以前ライプツィヒで聴かせていただきました）さんなど、いろんな方とお話できてとっても楽しかった。渡邊先生のスピーチで、「歌手の方っていうのはすごいんですね。リハーサルのときと本番とまるでちがう（＝飛躍しちゃう、というような意味らしい）。器楽奏者はこうはいかない」とおっしゃったのが、なるほど、そういうものなのか、ととても興味深かった。「歌」ってたしかにそういうところがあるのかもしれません。　「礒山先生、きっと会場のどこかでご覧になってましたね」とみなさんで笑いながら言い交わしていた終演後。先生の遺志を大切に、いずみホールのシリーズ「古楽最前線」はまだまだ続きます。

  January 20, 2019

• かつてないバランスの良さ〜新国立劇場シーズンラインナップ発表

  今月、とても楽しみにしてワクワク待っていたこと。　それは、新国立劇場の秋からの新しいシーズンラインナップ発表です。　今日、待望のラインナップが、報道関係者に発表されました（３１日には一般を対象にした発表もあります）。　一見し、「これは新国立劇場始まって以来、もっともバランスがとれたラインナップだ」と思いました。　すべてが揃っているのです。　ヴェルディ、ワーグナー、プッチーニ、モーツァルト、リヒャルト・シュトラウス、ロッシーニという「オペラ六天王」が１作ずつ。そして、これまで新国立劇場に欠けていたロシアもの、待望初登場のバロック・オペラ！に、新国に絶対的に不足しているベルカントオペラ。フランスものも怠りなく。ほんとうに、オペラハウスに必須！のレパートリーが網羅されている。とくに国立のオペラハウスが１箇所しかない日本ですから、こういう視点は絶対的に必要なのです。あえていえば日本人の新作や同時代ものがありませんが、日本人の創作オペラは「１年おき」という方針が以前から発表されており、今年はその第一弾として「紫苑物語」が２月にあるわけなので、やはりこの点でも条件は満たしています。　演目は以下のとおりです。　チャイコフスキー「エフゲニー・オネーギン」（オープニング、新制作）　ドニゼッティ「ドン・パスクワーレ」新制作　ヴェルディ「椿姫」　プッチーニ「ラ・ボエーム」　ロッシーニ「セビリアの理髪師」　モーツァルト「コジ・ファン・トウッテ」　ヘンデル「ジューリオ・チェーザレ」新制作　オッフェンバック「ホフマン物語」　リヒャルト・シュトラウス「サロメ」　ワーグナー「ニュルンベルクのマイスタージンガー」新制作　再演ものは「このあいだやったものばかり」と思われる方もいるかもしれません。けれど、新国立劇場は自分で持っているプロダクション自身がすごーく少ないのです。どうしても限られてしまう。そして新制作は１シーズン４作と決まっています。それを考えると、順当なラインナップではないでしょうか。　以下、各演目について、個人的に期待している点などをアットランダムに書いていきます。新制作の演出家は（たぶん）適材適所。指揮者は全体的にレベルは高そうで、世界で活躍している中堅どころが多い印象です。　まずは新制作４演目から。「エフゲニー・オネーギン」。待望のロシアもの。「オネーギン」は五十嵐監督時代に一度だけ上演され、それきりです。ロシア・オペラは後にも先にも？これまでそれだけでしたので、覚えている方も少ないでしょう。今回、ロシアもの復活にあたって再び「オネーギン」ではありますが、認知度、人気度からいえば順当なのかもしれません（個人的には「ボリス」が聴きたいですが、まあ「オネーギン」のほうが受けそうです）。　ロシア・オペラはさっぱり詳しくないので、キャストを見ても何のコメントもできずお恥ずかしいのですが、指揮のユルケヴィチはは評判を聞いたことがあります。ポーランド国立歌劇場音楽監督。演出のベルトマンは、モスクワの「ヘリコン・オペラ」の創設者だそうで、自らのカンパニーを国際的な名声がうたわれるところまで高めたそう。「オネーギンホール」と呼ばれるモスクワの美しいホールの４本の柱がモチーフだそうで、美しい舞台になるようです。　　「ドン・パスクワーレ」。ドニゼッティ晩年の傑作オペラ・ブッファ。とかくベルカントにうとい新国、ドニゼッティといえば「愛妙」ばかりで最近ようやく「ルチア」、のところに待望の演目です。そしてキャストが凄い！イタリアの名バス、スカンディウッツィのタイトルロールに、現代を代表するベルカント・バロック歌手のひとりで、グラインドボーンで大ブレイクし、いまやグラインドボーン支配人夫人でもあるダニエレ・ド・ニースのノリーナ。そしてエルネストには魅惑のベルカントテノール、マキシム・ミロノフ。いやこれはウィーン級の贅沢さ。そしてそして、指揮者にも注目。イタリア人指揮者コンラート・ロヴァーリスは、鍵盤楽器の名手でもあるバロック〜ベルカントの名手。以前トリエステで、バルチェッローナとスラクーザが出た「セビリヤ」を弾き振りしてとても素晴らしかった。これは楽しみです。今回、キャストで一番楽しみなのはこれですね。演出はイタリア人ヴィツィオーリ、スカラ座発のおしゃれなプロダクションです。　　「ジューリオ・チェーザレ」。満を持して、のバロック・オペラ、ヘンデルの大作の登場です。新国でのバロックオペラは、中劇場での「ポッペアの戴冠」があっただけ。もちろんオペラパレスでは初めて。なにより、パリ・オペラ座のロラン・ペリ！のおしゃれなプロダクション（デセイ主演で映像あり）を持ってくるという。なんという贅沢。そしてクレオパトラ役にミア・パーション！トロメーオには藤木大地など、旬のキャスティング。そして指揮はバロックの大家アレッサンドリーニです。総合的な贅沢さではこれも突出しているかもしれません。　　「ニュルンベルクのマイスタージンガー」。これは昨年から発表されていました。オリンピックにちなんだ「オペラ夏の祭典」のプロダクションです。大野マエストロ自ら指揮をとり、ヘルツォークの演出によるプロダクションは、ザルツブルク・イースターおよびザクセン州立歌劇場との共同制作。すごいことです。こういう海外との共同制作（レンタルではなく）も待たれていたことですから。歌手陣はマイヤー、エレート、林正子など。ちょうどバイロイトが始まる時期なので、他の２箇所のキャストとは入れ替えがあるようでした。　いずれ劣らぬワクワクのプロダクション。「ロシア、ベルカント、バロック」が欠けている、という大野さんの視点がさすが（というか、これまでが偏りすぎていたかも）です。　再演ものの注目点を。　「椿姫」、主役のパパタナシュは先日偶然パルマで聴けました。上背と華のある大型ソプラノという印象。ジェルモンは須藤慎吾さんで、これは「オーディションで勝ち取った」（大野さん）とのこと。素晴らしいです。アルフレード役のアヨン・リヴァスはフローレスの母国ペルーの出身。指揮のレプシッチはハノーヴァー州立オペラの音楽監督。　「ラ・ボエーム」。なんとニーノ・マチャイゼがミミで登場。華があるひとですから楽しみです。ムゼッタ役の辻井亜季穂さんはヴュルツブルク歌劇場専属歌手として活躍中の期待の新星。指揮カリニャーニ。　「セビリア」。これも「ドンパス」なみに、いやひょっとしたらそれ以上にキャストが凄い。ロジーナに脇園さん、バルトロに、ベルカント・バスとして大活躍中のボルドーニャ。フィガロには、この役で世界を席巻しているフランス人バリトン、センペイ。バジリオにマルコ・スポッティ。伯爵のバルベラは知らないひとですが、かなり活躍している様子。やっぱりベルカントは人材豊富！！！！指揮は日本によくきているアッレマンディ。　「コジ」。フィオルディリージ役のエレオノーラ・ブラットが大いに楽しみ。旬のプリマのひとりです。ドン・アルフォンソ役アルベルギーニにも期待。デスピーナに高橋薫子さん。指揮オルミ。　「ホフマン」。タイトルロールにステファン・ポップ。どこかで聞いた名前と思ったら、２年前デヴィーアの「ノルマ」でポッリオーネを歌っていたひとでした。良い声のテノール。悪役４役は先日パーヴォ指揮N響の「ドン・ジョヴァンニ」でレポレッロを歌っていたケテルセン。女声３人は日本勢。アントニアに木下美穂子さん。ジュリエッタに横山恵子さん、オランピアに安井陽子さん。　　「サロメ」。指揮に安定のトリンクス。タイトルロールはアレックス・ペンダというブルガリアのソプラノ。ヘロディアスに大ベテランのジェニファー・ラーモア。ヨハナーンにワーグナー歌いのトマス・トマソン。　全体に歌手は初登場組が多く、それは大変いいことだと感じます。　欲を言えば、指揮者陣に、注目の若手、的なひとが欲しかった。スター性のある。大野さんの後任でリヨンにいったルスティオーニあたりとか（忙しいでしょうが）。「椿姫」なんか、ルスティオーニと、この間彼とオランジュで共演していたエルモネラ・ヤホあたりでやってくれれば最高ですが。。。。ギャラのこともあるだろうし、また安定感のあるひとを優先したのかもしれませんが、ちょっと地味です。　詳しいラインナップはこちらから。新国立劇場​

  January 17, 2019

• これぞただしきヴェルディの涙〜ヴィオッティ指揮東響ヴェルディ「レクイエム」

  年明け１月にとても楽しみにしていたコンサートのひとつが、今日終わりました。ロレンツォ・ヴィオッティ指揮するヴェルディ「レクイエム」（オケは東響）。　はたして、期待以上。超名演に出会えた喜びを噛み締めています。　ヴェルレクはまあいろいろ名演に出会ってきたとおもっていましたが、今日のはちょっと次元が違いました。聴きながらなんども鳥肌。開始のピアニッシモから涙。なんども涙。最後の「リベラ・メ」では涙が湧き上がり、終演後、涙声でブラヴォーを叫んでいました。こんな体験は初めてです。　ヴェルディの音楽が誘う涙は特別です。それはプッチーニのように、「さあ泣いてください」ともっていくベタな涙じゃないんです。ヴェルディは潔いから、そういう女々しい（失礼！）涙は流させない。あの音もこの音も涙を誘うくらい美しい、でもそれはその瞬間だけ。瞬間の美学の連なり。そこが好きなのです。ぼろぼろ流れないけど、ずっとまぶたのふちにとどまり続ける涙。これぞ、ただしきヴェルディの涙。それを思い切り味あわせてくれた９０分でした。　とはいえ、今回のヴェルディ「レクイエム」で発見した最大のことは、これは宗教音楽なのだ、と痛感したことです（当たり前なんですけどね）。でもヴェルレクって、すぐ「オペラ的」と形容されてしまう。でもそれは間違い。ヴェルディはテクストに実に忠実に作曲しているのだ、と、いやというほど思いました。ヴェルディの神への敬虔さ。ヴィオッティの、作品への、ヴェルディへの敬虔さ。それが重なり合って、奇跡的な名演が生まれたと感じます。きくところによると、ヴェルレクはヴィオッティにとって、１９歳のときにムーティの指揮で歌ったりもした、とても思い入れのある作品なのだそう。それをきいてさらに納得したのでした。　音楽的には、まず、ヴィオッティの特徴として、とても明晰で格調が高い。どのパートもくっきり。それぞれが十全にあぶりだされ、くっきりしているのに調和している。デュナーミクの幅はとても広いですが（初日のサントリーでは大太鼓が割れたとか）、それも煽り立てるわけじゃない。何より、みなさん口を揃えていう通り、ピアニッシモがとにかくすごいので、音のないところまでいつも立体的で、音楽で満ちている。すみずみまで磨き尽くされ、丁寧なんです。完璧主義。そこが品格があると感じるひとつの理由でしょうか。リハーサルも徹底しているときいて、これも納得したのでした。２８歳の指揮者がそこまで完璧主義を通すのって、今時、なかなかまれなのではないでしょうか。合唱も彼の世界に完全に一体化し、しめやかな鎮魂から地獄の風景まで、テキストをあざやかに体現していました。　ソリストは日本人のトップクラスが勢ぞろい。三河での「イル・トロヴァトーレ」のレオノーラの名演以来、ヴェルディ・ソプラノとして注目している森谷さん、やはりすばらしい歌唱。やや華奢ながら華があり、すらりと立ちあがり、自然に美しく上り詰めてゆく声。柔軟性に富み、内部から照らされるように明るく、光を発している声。ブレスコントロールの素晴らしさ。技術力は抜群です。時折、音楽を受け止めるように両手を広げるのが感動的でした。　メゾの清水華澄さんも、情感ゆたかな美声をうまくコントロールし、ピアニッシモも美しく歌っていました。森谷さんと清水さんの二重唱では時々「時よ止まれ」と呟きたくなる美しい瞬間が立ち現れていました。　テノールの福井敬さんも堂々と美声を披露し、バスのジョン・ハオさんもピンチヒッターにもかかわらず大健闘。充実の独唱陣でした。　こういう演奏を聴くと、モーツアルトもプッチーニもワーグナーもロッシーニも「おとといおいで」と思ってしまう。私はつくづくヴェルディアンです。　実は木曜日の夜から風邪をひき、金曜日は完全ダウン、昨日も家からは出られず、いろいろ予定をキャンセルしたのですが、これだけはどうしても！這ってでも！と思っていたので、なんとかかけつけました。行って正解。行かなければ一生後悔したことでしょう。　楽屋でマエストロにご挨拶。森谷さんとも遭遇。森谷さん「ヴェルディが歌いたい！」そうです。私も森谷さんのヴェルディが聴きたい！主催者のみなさま、どうぞよろしくお願いします！！！！

  January 13, 2019

• 新年初講座は、朝日カルチャーセンター新宿で「モーツアルトとフランス革命」および「クルレンツィス」です

  あけましておめでとうございます。　本年もどうぞよろしくお願いいたします。　さっそくですが、新年初講座のおしらせです。　今月開講するのは、朝日カルチャーセンター新宿での２本。　「モーツァルトとフランス革命」（３回）　および「クルレンツィス」（１回）です。　「モーツァルトとフランス革命」は、モーツァルトの「三大オペラ」を材料に、当時進行中だったフランス革命が、いかに作品に反映されているかを読み解きます。雇い主の貴族にたいする従僕や小間使いの反乱を描く「フィガロの結婚」、大貴族の没落を描く「ドン・ジョヴァンニ」、そしてフランス革命後の市民社会を予告する「魔笛」。３作はわずか５年間の間に書かれていますが、そこに描かれた社会変動はあまりにも鮮やかです。１８世紀末がどれほど激動の時代だったかを教えてくれる貴重な例と言えましょう。　詳細は以下でご覧ください。　モーツァルトとフランス革命​　「クルレンツィス」は、この２月にいよいよ初来日を果たす指揮者、テオドール・クルレンツィスの魅力を紹介する講座です。今ヨーロッパでもっとも熱い視線を浴びるクルレンツィス、いったいどこがそれほど革新的なのか？音や映像を交えながらたっぷりご紹介します。　詳細は以下から。　​クルレンツィス​　講座終了後は有志でお茶会も予定しています。ぜひお運びください。

  January 6, 2019

• 今年のオペラ、ベスト３

  今年のオペラベスト３。（順不同）国内ミンコフスキ＆オーケストラアンサンブル金沢「ペレアスとメリザンド」ノット指揮東響「フィガロの結婚」新国立劇場「松風」国外メトロポリタンオペラ「ルイザ・ミラー」パリ・オペラ座「椿姫」フェニーチェ大劇場「セミラーミデ」本年もおつきあいくださり、ありがとうございました！みなさまどうぞよいお年をお迎えください！

  December 31, 2018

• 出演者たちに愛されて〜METライブビューイング「西部の娘」

  火曜日は、METライブビューイング第３弾、「西部の娘」を見てきました。　見応え、聴きごたえありました。一番の発見はやはり「作品」についてかな。インタビューに答えていた歌手たちや指揮者（アルミリアート）が口をそろえて「最高の作品」だというんですね。カウフマンは「プッチーニ作品のなかで最高」だというし、ヒロインを歌ったウェストブロックは「一番好きな役。歌手になった頃からずっと歌いたかった」というし、アルミリアートも素晴らしい作品だと。まあ、多少はリップサービスもあるかもしれないけれど、精緻でよく書き込まれていて引き込まれる、というような意見は共通していました。　まったく個人的な、そしてひょっとしたら乱暴なたとえで恐縮ですが、「西部の娘」は、ヴェルディ作品でいえば「オテッロ」や「ファルスタッフ」にあたるオペラなのかもしれません。よく書き込まれていて、ドラマと音楽が完全に一致していて、だからドラマから浮き上がるようなメロデイを持ったアリア（たとえば「トスカ」の「歌に生き、愛に生き」のような）がない。第３幕のジョンソンの有名なアリアだってそう。「オテロ」の「柳の歌」みたいなものといえばいいでしょうか。旋律美を多少犠牲にしても？ドラマ優先にしたのかもしれないな、と。プッチーニ作品のなかでは、次の「三部作」とならんで今ひとつ人気がないのはそのせいなのではと改めて思いました。けれどプロ？通人？玄人？筋の評価は高い。それも「オテッロ」や「ファルスタッフ」に似ています。　もちろん音楽はとても野心的です。「蝶々夫人」や「ボエーム」の名残みたいな音楽も聴こえるけれど、「トゥーランドット」の先駆けのような音楽もたくさん（第３幕の複雑な合唱など）。第２幕の幕切れのポーカーをするところの音楽の凄みと緊迫感といったら！　あと個人的には、キャラクターがプッチーニ作品のなかではわりとなじみやすいかな。ミニーも、いわゆるプッチーニ・ヒロインに共通する夢見る夢子さんのような乙女である部分と（そういう部分にはミミのような音楽が当てられている）、「自分」が何をしているかちゃんとわかっているしっかり者の部分があって、魅力的です。　今回の歌手たちは、インタビューを通しても演唱を通しても、みなそれぞれ役柄に共感していることがよくわかりました。　ミニー役のウェストブロック、ワーグナー・ソプラノとして有名ですが、繰り返しですがこの役が大好きとのこと。現実離れしたワーグナーの役より、こういうほうがきっと感情移入しやすいんでしょうね。ときどき金属的な音色になるのがやや気になりましたが、迫真の演唱。第３幕最後のジョンソンの助命を乞う一同への語りかけは感動的でした。　お久しぶりライブビューイングのカウフマン。うーん、素敵ですね、やっぱり。第２幕、ミニーとのキスへ至るまでの演技を見ていたらこちらまでドキドキ。本を手にベッドに腰掛けた彼女の肩から首に手を回したり。そうやって少しずつ距離を縮めていく。以前、カウフマンの大ファンだというあるエレガントな老婦人が、部屋に大きなポスターを貼っている、だってあの彼に迫られたらどんなに素敵かと思うもの、とおっしゃったことを思い出してしまいました。前は彼の、こもった、ドイツ的な声がイタリア・オペラにはむかないとずっと思っていたのですが、昨年６月にロンドンで見た「オテロ」で感銘を受け。今回も、それはもちろんイタリア・オペラらしからぬ声ではあるけれど、前よりはずっと柔軟になっているし、これはこれでありかも、という気持ちになりました。上手いんですよね。気持ちの細やかな表現とか。彼にしかできないものをたくさん持っている歌手なんですね。それは、やはりスターの証拠でしょう。　ジェリコ・ルチッチのいかにも悪漢づらしたランスもはまっており、脇役たちの丁寧な演技も好もしかった。　ジャンカルロ・デルモナコ演出のこのプロダクションは、１９９２年にドミンゴ／ダニエルズ／ミルンズの顔合わせ、スラットキンの指揮で上演されたものが映像化されています。ヒロイック（時としてちょっと過剰）なドミンゴと、繊細で悩める男のカウフマン。同じ演出でも、ヒーローの役作りはだいぶん違います。それはそのまま、当時と今の「オペラ」の好みの反映のようにも思います。今の時代なら、カウフマンのほうが近しく感じられそうです。案内役はスザンナ・フィリップス。「アイーダ」の時のイザベル・レナード同様、アメリカ期待の美人ソプラノ。ひところより随分痩せてきれいになりました。ドレスもおしゃれ。質問の話題も豊富で、適性ありそうです。

  December 13, 2018

• 幸福な統一感　ジョナサン・ノット指揮東響「フィガロの結婚」

  最近の演奏会からもうひとつ。グリゴーロを聴いた同じ日のマチネ、東響「フィガロの結婚」、今年の国内オペラベストスリーに入る素晴らしい演奏でした。　師走のオペラ第一弾は、ずーっと楽しみにしていたノット指揮東響「フィガロの結婚」（演奏会形式）。２０１６年に「コジ」に始まった彼らのダ＝ポンテ三部作の最終回です。　もうね、最高。この組み合わせ、第１回目の「コジ」ですっかり虜になり、昨年の「ドンジョヴァンニ」はイマイチだったのですが、今回は「コジ」に劣らぬ満足感。「コジ」に魅せられたのは、まずスタイルの斬新さ〜歌手たちが歌はもちろん、ステージを走りまわって演技し、ノットもオケと一つになるように指揮していて（ハンマーフリューゲルも抜群で）、まずびっくり。そして今回の「フィガロ」と比べて「コジ」では、ドン・アルフォンソを歌った大御所のトーマス・アレンが「演出」をいくらか担当していて、睨みをきかせていたというか、ある部分彼の手のなかでみんなが演じていたところがあって、そういう統一感がありました。「フィガロ」を終えて「コジ」を振りかえったとき、アレンの存在感がすごかったなと。　「フィガロ」は、アンサンブルの醍醐味。みんなが主役、ですね。オペラ自体がそうなのかもしれないけれど。やはり（役柄の上でも）「大御所」がいなくて（大御所がいたよさは「コジ」のところで書いた通りです）、いいキャストが揃って、指揮者を信頼してみんながのびのびやると、かくもみなが平等な、的な意味の素晴らしい演奏ができるのだ、という実例でした。そしてみんな動く動く。サントリーホールの舞台を、オケの後ろのスペースまで活用していました。一昔前の「演奏会形式」とは隔世の感。そう、みんなスマートで綺麗だしね、演技もうまいし。「見られる」側としての格段の進歩。そして、こう言ってはなんだけど、歌手たち、このスタイルでは演出に左右されないから自由なんです。だからイキイキしている、このシリーズのいいところです（納得できない演出と格闘する必要がない時の歌手たちってほんとうにうれしそう、楽しそう）。「オペラ」は確実に変化しています。　歌手はほんとに揃っていましたが、傑出していたのは２人のソプラノ、スザンナ役のリディア・トイシャーと伯爵夫人役のミア・パーション。パーションはまあ貫禄、第２幕冒頭の登場のアリアから圧倒的な声の存在感。澄んだ、品と情感のあるよくとおる声。ヴィヴラートが控えめなのがまた声の艶やかな光を盛り立てます。第３幕のアリアは女性のはかなさと強さを匂わせて圧巻でした。光が滑る真珠のような声です。トイシャーは初めて聴きましたが、こちらもたいへんうまい歌手で、徐々に調子をあげ、第４幕の「ばらのアリア」はもっていきました。パーションよりさらに奥行きのある美声、女性らしい表情に富み、声量も豊かです（きゃしゃなのに！）。きびきびした動作もチャーミング。スザンナ大好き！って思わせてもらえました。　フィガロ役マルクス・ウェルバはチャーミングなスターオーラを放ち、ケルビーノ役ジュルジータ・アダモナイトは天衣無縫、そしてマルチェリーナ役は、２０世紀末にベルカント・ソプラノとして一世を風靡したジェニファー・ラーモアという贅沢さ。声の色の豊かさは女性陣でも傑出、ふだんはカットされることが多い第４幕のアリアでは、ボーマルシェの原作にあるフェミニズムを風刺で包んだこの曲を、わざと滑稽さを強調したコロラトゥーラで十二分に表現していました。まさに「芸」という感じ」。　バルバリーナ役ローラ・インコはダンサーのように華奢で可憐なバルバリーナでした。バジリオ／ドン・クルツィオ役アンジェロ・ポラックの立派な美声にもびっくり。そうそう、第１幕のラストの合唱で、指揮をとるフィガロを押しのけて代わろうとする演技、「音楽教師」だからですね、すごく納得。　そうそう、演出の面では、第２幕のケルビーノの女装が、日本らしく？着物風のドレスになっていたのが気が利いていました。　ノットの指揮は、三部作のなかでも一番板についていた感じ。オケのなかにぐんぐん入って行って、一体化していく鮮やかさ。快速だけれどていねいで、内声が美しく（ここでも内声！）繊細に演出され、歌手たちの極上の歌を美しい絨毯のように包み込んでいました。そして昨日に続いて「指揮者は古典が振れてナンボ」と思ってしまったのでした。　「慶應オペラ友の会」=慶應義塾大学通信教育課程スクーリング「音楽史」受講者有志、のメンバー２０余名と鑑賞。オペラが初めてのひともいて、みなさんすごく感激していたのですが、そしてそれはとても嬉しかったのですが、いつもこの値段でこのレベルだと思われると困るな、と。笑。ちょっぴり複雑？だってこのレベルで最高席が１５０００円なんて信じられない。ウィーン国立歌劇場の来日公演でくるようなメンバーばかりなんですから。

  December 13, 2018

• サントリーホールが「武道館」になった日〜ヴィットリオ・グリゴーロ　テノールリサイタル

  最近のコンサートから。Facebookからの転用で、すみません。グリゴーロのリサイタル、強烈でした。サントリーホールがまるで「武道館」のように、スターのオーラで満たされた夜でした。　第一の理由は、グリゴーロにしかできないステージのスタイルです。かつてポップス歌手だった彼、とにかく盛り上げるのがうまいのです。客席とのやりとりが半端なく、投げキッスや手を振るのはもちろん、拍手をするよううながしたり、自らどんどん盛り上げていく。そしてMETライブビューイングでもいつも感嘆する、舞台を走り回る敏捷さ。それをリサイタルでも十二分に発揮。舞台の前後を走り回り、アリアの内容に合わせて演技し、ひざまずき跳ね回り、舞台を使い倒して、舞台が小さく感じられてしょうがない、なんてオペラ歌手のリサイタルは生まれで初めてです。サントリーでは狭い、武道館がふさわしいと思えたくらいでした。彼ならたぶん、武道館でも盛り上げることができるでしょう。　衣装も、燕尾服とジャケットを取り替えていましたが、中のシャツは黒だし、曲にあわせてマフラーを合わせたりとおしゃれ。見せます魅せます。会場の反応もどんどんもりあがり（もちろん歌が良かったからが大きいですが）、「きゃー」「ピー」というノリ。いや、ほんとにいつかは武道館。　プログラムは、前半がイタリア、後半がフランスもののアリア。「リゴレット」で冒頭から持って行き、前半しめくくりの「イル・トロヴァトーレ」では輝かしい高音が炸裂。けれど適性を感じたのはフランスもの。彼の、悲壮感漂う輝かしさを備えた声は、陰影とニュアンスのあるフランスものでよく活きると思いました。「マノン」「ウェルテル」「ホフマン物語」「ロミジュリ」どれも素晴らしい。この間、バッティストーニの「メフィストーフェレ」で、作品にフランスもののの影響を感じましたが、今回はフランスもののプッチーニへの影響が半端ないと強く思いました、マスネやグノーがいなかったらプッチーニのとろける旋律美はなかったのでは？フランスものの影響力、もっと見直されるべきです。　来年グリゴーロはロイヤルオペラ来日で「ファウスト」ですが、とても楽しみになりました。ま、ほんとは「ロミジュリ」が見たいけどね。彼のMETライブで見た最高峰は、私にとってはダムラウと共演した「ロミジュリ」です。アンコールはお約束の「星はひかりぬ」と「オーソレミオ」。やっぱり武道館だ。

  December 13, 2018

• 学習院さくらアカデミーで、新国立劇場《ウェルテル》の鑑賞講座を開講します

  「オペラ鑑賞」のフルコースは、公演鑑賞に加え、事前の作品などの解説、そしてアフターオペラに食事などしながら感想を語り合う、のが理想的だなあ、といつも思っています。ビフォーアフターがあると、公演の楽しみが２倍、３倍になるのです。　もう２０年近くオペラ講座を担当している学習院大学の生涯学習講座、さくらアカデミーでは、しばらく前から、冬学期の期間に、「ビフォーアフター」を視野にいれた、オペラ講座を実施しています。　これまで、おもに新国立劇場で、《アイーダ》《ボエーム》《ホフマン物語》《ルチア》などを鑑賞してきました。　来年冬には、３月に上演される《ウェルテル》で、同様の講座を行います。　公演前に、２回の講座で、作品の概要や、今回の上演の特徴などをご紹介し（３月２、１６日）、３月２１日に公演鑑賞。終演後は有志で、お食事をご一緒しながら感想を語り合う機会を設けたいと考えています。お食事会はいつも和気あいあいで、とても楽しいです。　マスネの《ウェルテル》は、フランス・オペラを代表する名作。新国立劇場のニコラ・ジョエルのプロダクションは、古典的で安心して見られます。タイトルロールを歌うテノールは、スカラ座をはじめ世界で活躍するサイミール・ピルグ。恋人のシャルロット役に、日本が生んだ世界のプリマ、藤村実穂子が初挑戦するのも話題です。　詳細はこちらからご覧ください。　​ウェルテル​

  December 8, 2018

• 名匠が紡ぎ出す極上の幸福感〜新国立劇場「ファルスタッフ」

  ヴェルディの最後のオペラ「ファルスタッフ」は不思議なオペラです。ヴェルディらしくないといえばない。大げさな歌も身振りもなく、演劇のように流れていく。だから物足りないと感じ、敬遠する人も少なくない。でも一方で、絶賛するひとも少なくない。ヴェルディは苦手だけど「ファルスタッフ」は別、というひとも知っています。凝っていて精妙で、手回しオルガンの大衆オペラ作曲家（と揶揄される）彼らしからぬオペラなのです。けれど目をこらせば、美しいメロディが花園のように咲いている。いい演奏に巡り会えば、これほど幸福感に浸れるオペラもなかなかありません。　６日に新国立劇場で初日を迎えた「ファルスタッフ」は、名匠カルロ・リッツィの指揮を中心に、作品にみなぎる幸福感を伝えてくれた素敵な公演になりました。　「ファルスタッフ」の音楽は、指揮者によっては、おそらくつまらなく聴こえてしまう。演劇的といっても歌があり、美しいメロディがそこここにひそんでいるのですが、それをきちんと聞こえる形にするのはなかなか難しいような気がします。　イタリアのベテラン指揮者リッツィは、作品を熟知しているというだけあり、音楽の美しさをとことん見せてくれました。花がさざめくような、美しく繊細なメロディたち。第１幕や第２幕に顕著な、伸びやかな対位法（同じ年のワーグナーが書いた、やはりほぼ唯一の喜劇オペラの「マイスタージンガー」も対位法が多用されますが、あれはかなり重厚です）。音楽で存分に描写されるコミカルな場面（笑い声があちこちから）。「ファルスタッフ」の、まさに魔法のような音楽が、「ここがこうなっている」と明瞭になってゆく、その快感。　何より素晴らしかったのは、音楽のすみずみにまで、幸福感が満ちていたことです。ヴェルディはこの作品を書いているときに、こころから幸せだったのだ、ということが伝わってきて、こちらまで幸せに、そしてじん、となってしまいました。すべてから解放された最晩年に、おそらく本当に心から描きたくて、楽しんで書いた音楽。「ファルスタッフ」を書いたおかげで、音楽史上のヴェルディの評価は明らかに変わりましたが、それを楽しみながら成し遂げてしまったことは、奇跡のように思えます。もう格闘しなくてもよくなった、音楽を楽しめるようになったヴェルディがひょいと書いたものが、彼の評価を変えた。やっぱり天才です。リッツィはもちろんそういうことをすべて了解して、この作品を振ってくれたのだと思います。　歌手も水準が高かったですが、いちばんの収穫はロベルト・ディ・カンディアのタイトルロール。彼はベルカント・ブッフォの歌手というイメージが強かったのですが、ベルカント的なあかるく明瞭な発声が、実はこの役に映えるのだ、ということがよくわかりました。ファルスタッフ役というと、イタリアではもっぱらマエストリですが、巨漢だからあっている、という先入観が感じられないでもない。ちょっと声が立派すぎるなあ、と感じる時があるのです。カンディアくらいの、あまり堂々としすぎない声のほうが、室内オペラ的なこの作品にはいいかもしれない、と感じました。　一方でフォード役オリヴィエーリは美しく、ストレートで、響きのいい立派な声、それがパロディ的なこの役には悪くなかったです。クイックリー夫人のシュコーザも堂々たる押出し、幸田浩子さんのナンネッタは、鈴を鳴らすような可憐な声が役柄にぴったり、コロラトゥーラも美しかった。　１７世紀のオランダ絵画をベースにしているというジョナサン・ミラー演出（４度目）もほんとうに美しく、しかも今回改めて目を見張ったのですが、いちいち「絵になっている」。どう見えるか、を計算され尽くした演出なのだと感心しました。第２幕第２場の、恋人たちが隠れる衝立にフォードたちがにじりよる場面での演技のおかしさ、最終幕の、仮装した新郎新婦登場の場面ですばやく作られる枝のトンネル。細やかなアイデアが盛り込まれていて、まったく飽きることがありません。　見ていて幸せな気分になるオペラといえば、私にとっては「フィガロの結婚」が最右翼ですが、「ファルスタッフ」も同列にくわえたい、と思えた、幸せな師走の夜となりました。　「ファルスタッフ」はあと３回公演があります。お見逃しなく。詳細は以下です。　​ファルスタッフ​

  December 7, 2018

• 朝日カルチャーセンター新宿で、「METライブビューイングのみどころ」講座を開講します！

  ネトレプコ＆ラチヴェリシュヴィリの「アイーダ」、ガランチャ＆アラーニャの「サムソンとデリラ」と、シーズン開始から充実の演目を上映しているMETライブビューイング。　シーズン３作目、「西部の娘」も今週から公開です。　そのMETライブビューイング、４作目以降のみどころをご紹介する講座を、朝日カルチャーセンター新宿で開講します。　　​METライブビューイング　朝日カルチャー​　　４作目以降は、スター歌手中心の華やかな演目に混じって、「作品」重視の、一見渋いけれど「凄い」演目が登場します。シーズンの最後を飾る「カルメル会修道女の対話」は、まさに「凄い」作品の典型。衝撃のラストに言葉が奪われます。４作目の「マーニー」もスリリング。　MET得意の華やかさでいえば、今ちょうど上演中の、ダムラウ＆フローレスの「椿姫」（新制作）、ネトレプコ＆ベチャワの「アドリアーナ・ルクヴルール」。再演物には人気プロダクション「カルメン」も並びます。スターの揃う新制作からチャレンジングな新作まで、鑑賞のツボをたっぷりご紹介します。

  December 7, 2018

• ２大スターの成熟、フランス・オペラの名作の華麗な舞台〜METライブビューイング「サムソンとデリラ」

  METライブビューイング第２弾、サン＝サーンスの「サムソンとデリラ」（新制作）を見てきました（現地ではシーズンオープニング演目）。主役のスター歌手２人を中心に音楽的水準が高く、カラフルな舞台とあいまって堪能しました。この作品１９世紀後半のはフランス・オペラを代表する作品のひとつなのですが、日本ではめったに上演されません。スペクタクルな第１幕と、それ以上にスペクタクルな、バレエもはさまったグロテスクといいたくなるような第３幕、その間にはさまれたサムソンとデリラの心理戦である第２幕と、音楽的にも多彩な大作。この手の作品が高水準で楽しめるのは,METLVの大きな魅力です。　まず目を見張ったのは、主役の２人、サムソン役のロベルト・アラーニャとデリラ役のエリーナ・ガランチャの成熟ぶりです。この組み合わせはMETLVの伝説的な「カルメン」の名演が強烈ですが、今回も成果は上々。２人とも着実にドラマテイッックな方向に進んでいて、共演者としての息もぴったりでした。　アラーニャはスタートラインの「リリックなテノール」の声を残しつつ、確実にスピントなものが歌えるようになっているのがすごい。一時「ポスト三大テノール」と言われた歌手たちのなかで、ベルカントテノールのフローレスは別にして、残っているのはアラーニャとアルバレスくらいではないでしょうか。いまや大スターです。しかも５０代になって（失礼！）、若々しさをとどめていて、ラブシーンが絵になるテノールって、実はなかなかいない。（けっこう太ってしまうひとなどいますから）来年３月にパリで「オテロ」を聴くのですが、このリリカルな声でのオテロの悲劇性がいくらか想像できて、とても楽しみになりました。　ガランチャも、LVに登場したころは「チェネレントラ」など、ベルカントのテクニックをしっかり身につけた軽めの役も歌いこなしていましたが、「カルメン」で大ブレイク、そしていまやデリラと、技術的な安定度が高いままに、かなりドラマテイックな表現を掘り下げるメッゾへと変貌しています。メッゾらしい、深く、ほのかな翳りのある、妖艶さも漂わせた声。こちらの心を抱きしめてくるような魅力があります。　そして演技も素晴らしい。今回、サムソンにほんとうに恋しているような節がある演技なのですが、インタビューで彼女が語ったところによると、それは音楽にちゃんと書かれているという。彼女いわく、有名なアリアの前で、「楽譜に２ページだけ音楽がぜんぜん違うところがあるの。優しくて繊細。それがデリラのほんとうの気持なのよ」というようなことを言っていて、へえ、そうなんだ、と納得でした。そのような理解があってこそなのだと思うけれど、彼女のデリラは悪女ではなく、サムソンへの共感が明らかな、葛藤する女なのです。葛藤する女でメッゾといえば、アムネリス。パリで「ドン・カルロス」のエボリ公女も素晴らしかったガランチャ、次はアムネリスで是非聴いてみたいです。　　悪役のロラン・ナウリも好演。ナウリは昨シーズン最後の「サンドリヨン」での情けないお父さん！の名演？怪演？が秀逸だったのですが、こちらもなかなか。以前は「デセイのだんなさん」（失礼！）でしたが、いまやフランスを代表するバリトンですね。　インタビューもユーモアに富んで絶妙でした。興味深かったのは、第３幕のペリシテ人たちの宴会のシーンで、ダリラと大祭司の掛け合いの音楽、コロラトゥーラも交えたあの音楽は「ヘンデル風」という言葉が出てきて、すごく納得。たしかに、旧約聖書を題材にしたオラトリオ（「サムソンとデリラ」は当初オラトリオとして構想されました）の代名詞といえば、ヘンデル。第３幕のグロテスクな宴会は、少なくとも一部はそのパロディだった、というわけです。なるほど。　マーク・エルダーの指揮は、引き締まって堅実。オーケストラの色彩感という点ではちょっと物足りなかったですが、男女の心理戦が展開する第２幕の緊張感は聴き手を引きずり込む見事なものでした。　これがMETデビューというトレズニャックの演出は、原色たっぷりのカラフルな色彩、エキゾティックな雰囲気、第１幕の大階段、第３幕の人間の上半身をかたどった大神殿など大掛かりな装置で、METの大舞台が堪能できます。さらにみものは、これもカラフルで超豪華な衣装。ガランチャ「メッゾはなかなかゴージャスな衣装が回ってこないけれど、これで帳消しだわ」的なことを言っていて、そうだよね女性だものね、とうなずいてしまいました。　合間の映像では、先日亡くなったばかりのカバリエの、METに残されている唯一！の映像も放映してくれました。ガラコンサートでの収録で、ホセ・カレーラスとの共演で「アンドレア・シェニエ」の幕切れの二重唱。こんな曲も歌っていたのですね。　カレーラスはもともとアラーニャのようなリリックテノールだと思うのですが、けっこう早くドラマティックな役にシフトしてしまって。白血病になりキャリアがとまりましたが、あのままドラマティックなものばかり歌い続けていたら、あまりもたなかったかもしれない、と映像をみていてふと思ってしまいました。　　今回、インタビューのナビゲーターがベテランのスーザン・グレアムで、さすがに前回「アイーダ」のレナードより質問が多彩で回答も柔軟でした。やっぱりインタビューって、する方の力も大きい。心しなければ。　METLV「サムソンとデリラ」、木曜日まで。詳細は以下で。　​METライブビューイング​

  November 19, 2018

• ２人の王女が演出したギリシャ悲劇的イタリア・オペラ〜METライブビューイング「アイーダ」

  　METライブビューイングの新シーズンが始まりました。第１作は「アイーダ」（現場でのシーズンオープニングは、ライブビューイング第２作の「サムソンとデリラ」）。古典的で壮大な舞台と、女性２人の名唱で印象的な舞台になりました。以下、フェイスブックに投稿したものに少し手を加えて共有いたします。写真入り全文はフェイスブックをごらんください。　METライブビューイング第１作「アイーダ」＠東劇。METの定番のソニヤ・フリゼルのスケール大きな舞台に、ネトレプコはじめそうそうたるメンバーが集った、いかにもMETらしい見応え聴きごたえ満点の映像でした。　タイトルロールのネトレプコ、この役は今の彼女の声にはあっているようで、クリスタルな高音（なぜかアムネリス役を得意とした往年の名メッゾ、コッソットを思い出しました）からくぐもった中音域（彼女の声のこもりがちなところは、ベルカントものでは気になってしまうのですが、「アイーダ」だと生きるような気がします）までむらなく、表情が細やかで情感のある声。インタビューで「ピエタ＝憐みを」という言葉が何十回もでてくる、それをそのたびに変えて表現しなければならない、というようなことを言っていましたが、言葉通り表情の多彩さを追求しているのがよくわかりました。やっぱり様式美のベルカントものより、これくらい感情表現が求められるもののようが彼女の良さが生きる気がします。　あと、これは彼女の大きな長所ですが、実際の演技での表情もゆきとどいていてはっとさせます。とりわけ、第１幕でラダメスに送る愛おしげな視線とか、第３幕でラダメスにせまる官能的な演技とか。その手の「色っぽい」演技は彼女をおいてなかなか他にいないのではと思わされました。　第３幕は文字通り「アイーダの幕」。冒頭のアリアは圧巻。ピアニッシモで上り詰める高音。そして相手を変えながらの二重唱でも圧倒的な存在感でした。この幕は、以前福井敬さんが、「音楽的に難しい」とおっしゃっていたのですが、たしかに音楽が一番連続している幕だと思う。いろんなことが起きるし。その表現の中心にいたのがネトレプコでした。　アムネリス役のラチヴェリシュヴィリ。「声」だけとったら私は彼女のほうが好みかも。豊麗でしっとりした女らしさもある魅力的な声です。彼女は「カルメン」でブレイクしたひとですが、たしかに声だけならカルメン役もいいのですが、雰囲気とか体型とかがいささか図太すぎて、カルメンのコケットリー、軽やかさという点ではちょっとものたりなかったのです。その点、アムネリス役は文句なしです。王女なんだから堂々と押し出しがあっていい。そして、これもインタビューで本人が言っていたのですが、「悪い女じゃない、恋して、妬いているだけ」。ほんとうにその通りの演技をしていました。第３幕で、アイーダとラダメスが駆け落ちしようとした現場を見つけた時の動揺。第４幕で、ラダメスが死刑判決を受けたあと、神官たちと対決する場面では、ランフィスの杖にすがって文字通り慈悲を乞う。これ、同じプロダクションで１９８９年に収録された映像があり、そこではザジックがアムネリスを歌っているのですが、彼女は動揺しまくり怒りまくり走りまくりなんですね。それと対照的な表現で、大変興味深かったし、このほうが共感できると思いました。アムネリスはリゴレットのように感情の底を見せるヴェルディらしい役なので。　誰の発言か忘れましたが、インタビューで、「ギリシャ悲劇みたいなオペラ」だと言っていた歌手がいて、そうだなたしかに、と今回の公演を見て思ったのですが、その最大の理由は２人の女性主役にあったと思います。　男性陣でよかったのはアモナズロ役のクイン・ケルシー。アモナズロって剛毅な武人に描かれることが多いのですが（１９８９年映像のミルンズもそう）、すごく人間的な、不安や迷いを抱えているようなアモナズロで、とても新鮮でした。第３幕でアイーダを脅すシーンだって、そんなに強引ではない。このひとは自軍の滅亡を予感しているのだ、そんな感じの役作りでした。そうですね、今回好演した歌手たちは、みんなとても人間味があったかもしれない。ギリシャ劇のような壮麗な舞台の上で。　もうひとりよかったのは、エジプト国王を歌った若いバス、R・S・グリーン。フレッシュだけれどよく響く、輝きと深さのある堂々とした声で、これから大成してほしい魅力的な声の持ち主です。インタビューでも「威厳のある、人間というより神がかった存在」だと役柄の解釈について述べていて、とても説得力がありました。ウィーンで「ラインの黄金」（なんの役かは言わず）などにも出ているようで、今後が楽しみです。　ニコラ・ルイゾッティの指揮は素晴らしく、ドラマを抱きしめるような前奏曲から吸い込まれました。とくに後半は劇的統一感があり、緊張と弛緩のバランスが抜群で、なかでも緊迫した場面での、劇的感情の爆発の表現が絶妙。とても雄弁な音楽づくりだったと思います。　バレエの振り付けも、当然ながら１９８９年の映像とは変わっており、はるかに洗練されたものになっていました。　カメラワークの多様さ、迫力も特筆もの。今回はとくに上からの撮影が多く、METの舞台の巨大さがよくわかるカメラ演出になっていて、圧倒されました。「凱旋の場」などでの舞台のせりあがりも惜しみなく見せてくれて驚嘆（高所恐怖症だとだめですね。。。）こういうのはライブビューイングでなければ体験できません。　　ナビゲーターは美人！ソプラノのイザベル・レナード。バレリーナのようにスタイルもよく、ファッションセンスも抜群。ただインタビューの尺が長すぎたみたいで、似たような質問が繰り返される場面あり。一考の必要があると感じました。　　「アイーダ」、今週木曜日まで。東劇ではあと１週間上映しています。圧倒的な舞台です。詳細は以下から。　​METライブビューイング​

  November 5, 2018

• 朝日カルチャーセンター新宿で、石井美樹子先生と「マクベス」の講座を行います！

  シェイクスピアの名作「マクベス」は、権力欲に溺れて破滅する男の物語。「権力」の虜となる危険性はいつの時代も変わりませんが、その本質を描き切った名作です。　オペラとしては、ヴェルディの作品（１８４７年初演）が有名です。　この「マクベス」について、オペラと演劇の両方から、その魅力をさぐる講座を行います。今回は単独講座ではなく、イギリス史、イギリス文学の専門家である石井美樹子先生をお招きしました。　石井先生は、文学、歴史など幅広い造詣をお持ちで、またご専門のイギリスだけでなく、マリー・アントワネットについての著作もものされるなど、たいへん精力的なご活動を繰り広げている方です。　いちど「エリザベス女王」をテーマとした講演でご一緒させていただきましたが、たいへん好評でした。　講座は１１月８日の午後。場所は朝日カルチャーセンター新宿です。直前のご案内で恐縮ですが、お運びいただければ幸いです。終了後に懇親をかねたお茶会もできればと考えています。　詳細は以下からご覧ください。　　​朝日カルチャーセンター新宿​

  November 2, 2018

• 朝日カルチャーセンター新宿の１０月期講座は、「バッハ『三大宗教曲』超入門」です。

  このところずっと講座をもたせていただいている朝日カルチャーセンター新宿校ですが、１０月期は、７月期に続き「バッハ」の講座を開講します。　内容は、ずばり「三大宗教曲」（ヨハネ受難曲、マタイ受難曲、ロ短調ミサ曲）。「超入門」としたのは、一部のファン（とくに合唱をやっている方など）には熱烈に愛されている作品ながら、まだまだ「難しそう」と敬遠されている方も少なくない、と感じているからです。バッハツアーにいらしてくださる方でも、「器楽は大好きですが声楽はなかなか」という方が少なくありません。　また、「マタイ」や「ヨハネ」に親しんでいらっしゃる方でも、「受難曲」が、キリストの受難を悼む聖金曜日の礼拝のために作曲されたことは、意外とご存じなかったりするのです（だから受難曲は「時期もの」で、ほんらいは１年中やるものではないのです）。それはとても残念だな、と以前から感じていました。　というわけで、今回の講座では、バッハの真髄ともいえる「三大宗教曲」について、何のための作品なのか、３曲それぞれにどんな特徴があるのか、基本的なところを紐解きます。時間が許せば、時代ごとの解釈の変遷をご紹介する目的での「聴き比べ」にもトライしたく思っています。　今回の講座は、最終回「ロ短調ミサ曲」のみの受講も可能です。バッハの膨大な作品のなかで、そしてあらゆる音楽のなかで、私の最愛の作品のひとつである「ロ短調」だけでも、どうぞお越しください。​三大宗教曲​

  September 24, 2018

• 朝日カルチャーセンター新宿で、新国立劇場オープニング演目「魔笛」の講座を行います！

  １０月から新シーズンがオープンする新国立劇場。オペラ部門は、大野和士新芸術監督のもとで、ラインナップが一新され、注目の新演出や新機軸が登場（日本人の新作オペラを、台本、演出含め総合的に捜索する「紫苑物語」など）。期待が高まっています。　オープニングの演目は、大人気オペラ「魔笛」。ヨーロッパ中で人気のウィリアム・ケントリッジ演出によるプロダクションが登場です。南アフリカ出身のアーティスト、ケントリッジは、得意のドローイングを活用した舞台が人気。しばらく前には、METのライブビューイングでショスタコーヴィチの「鼻」が上映され、話題になりました。　この１７日、そのケントリッジ演出の「魔笛」について、朝日カルチャーセンターでお話しさせていただくことになりました。これは何年か前に、ナポリのサンカルロ劇場で実物を体験し、ファンタジーに満ちた舞台でとても楽しかった記憶があります。映像のハイライトをご紹介しつつ、公演への期待を高めていただければと思います。　詳細はこちらです。　朝日カルチャーセンター​

  September 10, 2018

• 全国縦断プロジェクト「アイーダ」、主役の福井敬さんをお迎えして講座を行います！

  ここ数年、各地のオペラハウスの共同制作が目立つようになりました。海外ではよくあることですし、いくつかの劇場が資金を出し合った分、充実したプロダクションが全国各地を回るのは、とてもいいことだと想います。　この秋上演される「アイーダ」は、日本のオペラハウスが行う共同制作プロジェクトのなかでも、際立った規模を持つプロダクションとして注目されています。札幌に新しくできる文化芸術劇場、Hitrau のオープニングを振り出しに、１ヶ月近くをかけて、横浜、兵庫、大分と回るのですから。　プロダクションはジュリオ・チャバッティ演出。原案はローマ歌劇場のもの。イタリアらしい色彩感にあふれた、壮大なもののようです。指揮はアンドレア・バッティストーニ。春に行われた記者会見では、「これまでの日本での自分の仕事の総決算になる」と意気込みを語っていました。歌手は、共同制作の一端を担う二期会のトップクラスが中心ですが、イタリアで活躍し、ヴェローナの野外劇場で「アイーダ」を歌っている歌手たちも加わります。　札幌の公演の詳細は以下ですが、発売と同時に売り切れたようです。　​札幌文化芸術劇場​　その「アイーダ」で、主役のひとりラダメスを歌う福井敬さんをお迎えし、関連講座を行うことになりました。　新宿の朝日カルチャーセンターでは、福井さんご自身のこれまでのお話も交えながら、今回の「アイーダ」への意気込みも語っていただく予定です。名アリア「清きアイーダ」の実演もあります。​　朝日カルチャーセンター​　今回の会場のひとつである神奈川県民ホールでは、より今回のプロダクションに焦点を当て、バッティストーニが「オペラの女王」だという「アイーダ」について、作品の魅力と今回のプロダクションの特徴、そしてバッティストーニも含めた共演者たちについて、語っていただく予定です。今回の演出の見所も、写真などでご紹介できればと思っています。　​神奈川県民ホール　「アイーダ」講座​　よろしければ、ぜひお運びください。

  July 21, 2018

• 初秋のドイツでケーテン・バッハフェスティバルとゲヴァントハウスのオープニングを堪能する「続バッハへの旅」、催行決定しております！

  ８月の末から９月のはじめにかけ、バッハゆかりの北ドイツの街をめぐり、バッハの街ケーテンで２年に一度開催されるケーテン・バッハフェスティバルを鑑賞する「続バッハへの旅」。　今回も、催行が決定しております。　ハンブルク、リューベック、リューネブルクといった北ドイツの町々は、赤レンガの街並みが美しく、世界遺産に指定されている街も。滞在するホテルも、雰囲気満点のところばかりです。とくにリューネブルクのホテルは歴史的建物を使用しており、滞在が楽しめます。　また、ちょうどこの季節は、リューネブルクの郊外にひろがるヒースの野「リューネブルガー・ハイデ」が見頃の時期。薄むらさきの絨毯のようにひろがるヒースの野は、素朴ですが心に残る風景です。　旅の後半はライプツィヒに移って、ケーテンのフェステイバルに通いますが、コンサートはそれ以外も、ゲヴァントハウスのオープニング（ネルソンズ＆ヨーヨーマ）、そしてヨーヨーマの「無伴奏」と、聴きものがそろいました。　まだ空席はありますので、ご興味をお持ちいただけるようでしたら、下のリンクから内容をごらんください。　毎回とても好評をいただいているツアーです。　　​続バッハへの旅​

  July 17, 2018

• 東京二期会の、２０１９−２０シーズンラインナップが発表されました。

  東京二期会の、２０１９−２０シーズンのラインナップが発表されました。　フェイスブックに投稿した記事のコピペですが、こちらでも共有いたします。６演目すべてが新制作で、大変意欲的な内容だと感じました。　昨日は東京二期会の２０１９−２０シーズンラインナップ発表。「さまざまな愛のかたち」をテーマに、６演目すべて新制作、しかもうち２つは海外の歌劇場との共同制作で、うちひとつ（「蝶々夫人」）は日本で初演されるという意欲的な内容でした。アーティスト（指揮、演出）も適材適所で楽しみです。　２０１９年２月の第１弾は「金閣寺」。フランス国立ラン過歌劇場との共同制作で、現地ではすでに初演、好評（宮本亜門演出）。日本での公演で主役の溝口を演じる宮本益光さんは、本作について「日本人作曲家のオペラ作品として名前が定着しうる名作。自分の音楽家としてのレゾンデートルを問うのに最適な作品」だと意欲的。しばらく前に神奈川でも演じましたが、役作りのためにマッチを懐にして金閣寺に行ったりした（けど出せない。まあ出せば犯罪なので）というエピソードも披露していました。　２作目（４月）はマスネ」「エロディアード」（セミステージ）。珍しいマスネ作品ですが、次にくる「サロメ」と同じ物語だというくくりのよう。指揮にフランスものの巨匠プラッソンというのが嬉しい。　３作目（６月）は「サロメ」。ハンブルク州立歌劇場のプロダクションですが、買い取って、こちら用に仕立て直すそうです。デッカー演出、指揮はヴァイグレ、そして彼がシェフをつとめる読響という期待の組み合わせ。　４作目（１０月）は「蝶々夫人」。ザクセン州立歌劇場との共同制作で、日本で初演されます。演出宮本亜門で、長年の二期会の定番だった伝統的な演出から抜け出すのか注目。指揮はバッティストーニ。以前から「蝶々夫人をやりたい。できれば日本で」と言っていたそうで、熱演が期待できそう。　５作目（１１月）は「天国と地獄」。鵜山仁演出、大植英次指揮。日本語上演ということで、楽しめそうです。　６作目（２０年２月）は「椿姫」。これ、演出は未発表ですが、指揮のジャコモ・サグリパンティが大注目。ウィーンやロンドンでも大活躍の若手。２０１４年にペーザロで「セビリヤ」を見てしびれました。今回のラインナップ、個人的な注目アーティストは彼です。楽しみ。　というわけで、「日本人の、二期会のオペラを新たに作っていく」（山口毅事務局長）の意気込みがよく感じられる、充実したラインナップだと思いました。　二期会のサイトにも掲載されています。　​東京二期会​　　

  July 12, 2018

• 「バッハ」（平凡社新書）が刊行されました。それを記念して、鈴木優人さんとイベントを行います。また、朝日カルチャーセンターでもバッハ講座を行います。

  このたび、平凡社新書より、「バッハ」を刊行いたしました。　バッハについては、以前「バッハへの旅」（東京書籍、２０００年）なども出させていただきましたが、それもかなり前に絶版になり、また、「バッハへの旅」がきっかけて始めたバッハゆかりの地をめぐるツアー（郵船トラベル）も２０年近くになり、旅の間でも新しい発見が多く、またバッハ研究の分野でもこの２０年でずいぶん新発見がありましたので、一度ブラッシュアップしたものを出したいと数年前から考えておりました。　それがかなって、大変嬉しく思います。　内容は、基本的にはバッハの住んだ町を紹介しながらのバッハの伝記ですが、冒頭には、「バッハとルター」について一章を設けました。旅をしていてつくづく感じたのが、その点だったからです。バッハがなぜ中部ドイツの狭い範囲にとどまっていたかというと、ルター派の音楽家一族だったから、に尽きると思います。ルター派、一族、どちらが欠けてもああいう人生にはならなかっただろうし、ああいう創作ジャンルにもならなかったでしょう。ルター派の教会音楽の全盛期はある意味とても短い（カトリックの音楽の歴史に比べたら）。そのピークであり、現在のレパートリーに定着しているのはほとんど唯一、バッハの音楽です。　とはいえ、ルター派の音楽、とくに賛美歌がドイツ音楽全般与えた影響はとても大きいものだとも思いますけれど。　　ある意味、とてもローカルな作曲家であるバッハ。そんな彼の音楽が、どういう背景で作られ、どんな特徴があるのか。それを私なりの視点で書いてみたつもりです。　加えて、「人間バッハ」をとらえるため、家族（妻子）について１章を設けました。　　また、旅の間で印象に残ったオルガンめぐりや、音楽が生まれた「場」として、コーヒーハウスやヴィーダアウのお城について紹介しています。　　最後の１章は、かんたんなディスクガイドにあてました。バッハの演奏は、「古楽」の流行、定着とともにどんどん変わっています。そんな現状の一端のご紹介をかねて、作品別またジャンル別に、定番から新しいディスクまで、これはぜひ聴いていただきたい、というものを選んでみました。　　書籍についてはアマゾンのサイトなどをごらんください。　https://www.amazon.co.jp/バッハ-「音楽の父」の素顔と生涯-平凡社新書-加藤-浩子/dp/4582858783​「バッハ」平凡社新書​　また、刊行を記念して、鈴木優人さんをお招きして、TSUTAYAの代官山店でイベントを行うことになりました。　鈴木優人さんといえば、バッハから現代ものまで、鍵盤楽器奏者、指揮者、さらにはプロデューサーや解説者として、大活躍中の音楽家。お父様はバッハ演奏で世界的な名声を博する鈴木雅明さんですが、お父様とはまた違った個性でマルチな活躍を繰り広げています。　イベントでは、優人さんも演奏旅行で訪れたバッハゆかりの地などをご紹介しながら、バッハの人間、そして作品の魅力に触れていきたいと考えています。　イベントの詳細については以下でご確認ください。　　イベント​　また、夏の朝日カルチャーセンターの講座も「バッハ」をテーマにお話しさせていただくことになりました。新刊のトピックや、バッハ演奏の変遷について、お話しさせていただく予定です。​　朝日カルチャーセンター　バッハ​

  July 5, 2018

• バーリ歌劇場の来日に伴い、ビサンティ＆ガザーレの講演会を開催します

  来月来日するイタリアのバーリ歌劇場は、今年の来日オペラ公演の目玉。初来日ですが、国からの支援を受ける公的な劇場として認められており、これまでにもデル＝モナコやドミンゴらそうそうたる歌手が出てきました。現在の総裁はとても意欲的で、トップクラスの歌手を招いたレベルの高い公演を行っています。　今回の来日は、常任指揮者のジャンパオロ・ビサンティが指揮をとり、フリットリ、メーリら豪華キャストの「イル・トロヴァトーレ」、現代を代表するドラマティック・ソプラノのマリア・グレギーナがタイトルロールを歌う「トゥーランドット」と豪華版。演出も伝統的で美しい舞台だということです。　この来日公演にあたり、日本ヴェルディ協会では、指揮のビサンティと、「イル・トロヴァトーレ」でルーナ伯爵を歌うアルベルト・ガザーレを招いて、講演会を行います。ビサンティは昨年新国立劇場「ルチア」で日本デビューを果たして絶賛された指揮者で、イタリア内外でイタリア・オペラの指揮で活躍中。とりわけベルカントものの指揮に定評があります。ガザーレは、ムーティ指揮のスカラ座の来日公演、ボローニャ歌劇場の来日公演などで日本でもおなじみ、現代を代表するヴェルディ・バリトンのひとりです。今回はトークだけでなく、歌唱のデモンストレーションも披露してくれるそうで、「ベッリーニに近い」ベルカントの感触があるという「イル・トロヴァトーレ」について、実演をまじえながら、ベッリーニとの共通点や相違点について語ってくれるということです。たいへん、貴重な機会だと思います。　講演会は６月１９日１８時より、イタリア文化会館で。ヴェルディ協会会員は無料、非会員は２０００円です。お申し込みは以下のサイトにあるメールアドレスからお願いいたします。　​日本ヴェルディ協会​

  May 23, 2018

• ４月開講の講座、朝日カルチャーセンター新宿では名画とオペラをテーマに「リゴレット」と「トリスタン」を、学習院さくらアカデミーではオペラと歴史をテーマに「イタリア統一とイタリア・オペラ」について語ります

  春もたけなわになりました。　４月に開講するカルチャーセンターの講座をご紹介します。　朝日カルチャーセンター新宿では、ここしばらくテーマにしている「名画とオペラ」の続きで、「リゴレット」とベラスケス「ラス・メニーナス」、」「トリスタンとイゾルデ」とティツィアーノ「聖母被昇天」についてお話しします。ともに「宮廷道化」をとりあげて名作を残したヴェルディとベラスケス。彼らが惹かれた「道化」とはどのような存在だったのか。そしてワーグナーは、「トリスタン」作曲中にヴェネツィアでティツィアーノの名作に感激しました。ワーグナーは「聖母被昇天」のどこに惹かれたのか。「聖母被昇天」とはどのような作品か。音楽と絵画を目と耳でお楽しみいただきながら、文化史の一断面を切り取ります。　​朝日カルチャーセンター​　学習院さくらアカデミーでは、最近好評をいただいている「歴史とオペラ」のシリーズで、「イタリア統一とイタリア・オペラ」をとりあげます。「イタリア統一」とオペラといえばヴェルディが有名ですが、それだけではありません。ロッシーニもベッリーニも、その影響を受けていました。一方でヴェルディの「ナブッコ」が統一運動に影響を与えたという従来の定説は、かなり疑わしいものになっています。　ヴェルディはむしろ統一後の作品に見られる政治的な要素が面白いと考えています。　​学習院さくらアカデミー​　みなさまのお越しをお待ちしています。

  April 10, 2018

• バッティストーニ、朝日カルチャーセンター新宿で「メフィストーフェレ」について語ります！

  東京フィルの首席指揮者に就任して１年余、ますます人気が沸騰している指揮者、アンドレア・バッティストーニ。先日の、東フィルを率いての千葉デビューも完売でした。情熱的でテンションに満ち、かつ全体をコントロールする知性も感じられる音楽作りは、初心者からコアなファンまで、多くのひとを引きつける魅力に富んでいます。　そのバッティストーニが、朝日カルチャーセンター新宿に登場し、自分のことばで語る講座が開催されることになりました。　テーマは、彼が１１月に演奏会形式で振るアリゴ・ボーイトのオペラ「メフィストーフェレ」。イタリアで初めて、ワーグナー流の通作オペラ（番号オペラを廃した作品）として知られます。　ボーイトといえば、ヴェルディ晩期の傑作「オテッロ」「ファルスタッフ」の台本作者として有名ですが、このように作曲家でもあり詩人でもあって、当時を代表する文化人でした。昨年秋バッティストーニが「オテッロ」を振った時、事前にヴェルディ協会の主催で「オテッロ」に関する講演をしてもらいましたが、その時ボーイトの凄さを強調していたので、ではぜひボーイト、そして日本ではめったに上演されない「メフィストーフェレ」について、バッテイストーニのことばで語ってもらいたいと思い、企画させていただきました。　当日は聞き手をつとめさせていただきますが、きっと全体の９９%は、彼が情熱的に作品を語ることばで埋め尽くされることでしょう。演奏にも劣らない「バッティ節」を堪能しに、ぜひお越しください。　　詳細は以下です。　​朝日カルチャーセンター　メフィストーフェレ​

  March 15, 2018

• ４月出発のメト＆ボストンツアー、残席わずかです！

  ライブビューイング「トスカ」も大好評の、NYのメトロポリタンオペラ（MET)。オペラファンの間でも、行きたいオペラハウスのトップによく名前があがってくる歌劇場です。ライブビューイングを見て「行きたい！」と思う方も、たくさんいらっしゃるようです。私が企画同行し、郵船トラベルさんが主催しているオペラツアーのお客様からも、METへ行きたいというご要望をよくいただきます。　そのMETでのオペラ公演と、ボストン交響楽団のコンサートを目的にしたツアーを、４月に企画しています。催行はすでに決定し、残席わずかとなりました。いずれも、話題の公演です。　　METでの鑑賞演目は、ツアーに組み込まれているものが２演目。ライブビューイングもされる「ルイザ・ミラー」と、「ランメルモールのルチア」です。「ルイザ・ミラー」は、ヴェルディの中期の入り口を飾る名作で、身分違いの恋をめぐる悲劇を、美しい旋律が飾ります。ドミンゴ、ベチャワ、ヨンチェヴァなど、今シーズンのメトでも超豪華なキャストが話題。ドミンゴはかつてこのオペラでテノール役を歌い、レジェンドとなりましたが、今度はバリトン役で登場します。　「ルチア」は、「トスカ」でも大絶賛のグリゴーロと、話題のベルカントソプラノ、ペレチャッコの共演。演出はデセイやネトレプコも出演した、ジマーマンのダイナミックな舞台です。　それ以外にも、話題の新制作「コジ・ファン・トウッテ」、絢爛豪華なMET の人気プロダクション「トゥーランドット」も別手配で鑑賞できます。　そしてボストンでは、ボストン交響楽団の今シーズン一の人気コンサート、ネルソンズの振るワーグナー・コンサートです。メインは「トリスタン」第２幕、なんとトリスタン役はカウフマン！全曲はこれからで、その前哨戦として大注目のコンサートです。共演も藤村実穂子さんなど超豪華。はるばる出かける価値のあるコンサートです。　ご興味を持っていただけるようでしたら、以下から詳細をご確認ください。　​メトロポリタン＆ボストンツアー​

  February 21, 2018

• 限りなく映画的、驚異のタイトルロールデビュー〜METライブビューイング「トスカ」

  METライブビューイング、４演目目の「トスカ」を見てきました。新制作で、今シーズンの話題のプロダクションのひとつです。（マクヴィカー演出）。１８００年のローマを舞台にしたプッチーニのスリリングな歴史サスペンス、愛と死のドラマ。息もつかせぬストーリー展開と劇的で美しい音楽。きわめて演劇的にできているので、初心者でも決して飽きることのない、指折りの人気オペラです。　　METの「トスカ」といえば、ゼフィレッリのプロダクションが長年人気を誇っていました。超正統派、といいますか、台本、歴史に忠実なプロダクション。「これぞ、オペラ！」「こんなのが見たかった！」という豪華なものですね。同じゼフィレッリによる「ボエーム」「トゥーランドット」同様、お客さんがたくさん入るドル箱プロダクションだったはずです。　その後、２１世紀に入り、ややモダンでシュールなリュック・ボンディのプロダクションが登場。ライブビューイングでも何度か放映されましたが、どうもいまひとつ人気が出ず。これは現地でも見ましたが、あまりピンと来ませんでした。設定はともかく、作品にみなぎる緊張感をうまく演出できないプロダクションのように感じたのです。　　MET総裁でやり手のピーター・ゲルブ氏、「トスカ」をなんとかしなければ、ときっと思ったのでしょう。なんといっても人気演目。いまいち盛り上がらないのは辛い。かつてのゼフィレッリのプロダクションのように、大入り満員を誇るプロダクションを作りたいと思ったのではないでしょうか。それには、やはり正統派の豪華なもの。　というわけで、ここのところ、METの歴史ものでヒットを連発しているデヴィット・マクヴィカーに白羽の矢が立ったのでは。そう、想像しています。マウヴィカー、最近でいえば「ロベルト・デヴェリュー」など、ドニゼッティの女王三部作も豪華で好評でしたから。　果たしてマクヴィカーも、とにかく歴史に忠実で豪華なものを、と言われたらしい。　マクヴィカー本人はインタビューに登場しませんでしたが、代わりに美術、衣装デザインのマクファーレンがインタビューに出てきて、実際にローマに取材にいってきて、現地を詳細に見てきたことを説明していました。気合い入っていますね、MET。終映後に関係者から聞いた話によると、衣装にとてもお金をかけているとか。「テ・デウム」に登場する合唱団の衣装も１着１着手が込んでいるそうです。その割にはスクリーンに映らなくて残念、とのことでした。たしかに。　そう、今回のプロダクション、ひとことでいえばきわめて「映画的」なものでした。もちろん、ライブビューイングで世界に配給されることを意識してのことでしょう。美しく、緊張感にあふれ、演劇的。プッチーニが見たら喜んだにちがいありません。彼は、映画の元祖、のような存在（だと思っています）ですから。プッチーニが５０年遅く生まれたら、きっとハリウッドで大ヒットを連発し、自家用ジェットを乗り回す人気映画作曲家になっていただろうと思うのです。　装置は、繰り返しですが１８００年のローマ、台本にある場所を忠実に再現。なんといってもオペラファンの大半は、歴史劇ならそれを時代通りに見たい。また「トスカ」の舞台はどれもローマの名所ばかりなので、ローマ巡りができることを楽しみにしているファンもいるでしょう。演出に惑わされることなく、作品の世界に没頭できます。　その上で、やはりアップになることなどを意識して、演技はとても細かい。恋人たちは終始熱烈にキスを交わし、敵役のスカルピアはいやらしい視線で、そして第２幕では実際に手や腕でトスカを舐めまわします。実にわかりやすい。ほんとに、映画を見ているようです。　カメラワークもしかり。舞台全体が映ることはめったになく、人物の動きや表情、そして手の込んだ装置をいろんな角度から映し出します。だからよけい緊張が途切れず、作品にのめりこめるのです。　映像で見ている分には、最高です。ただ、ひとつ気になったのは、ここまでスクリーンで細かく見せられてしまうと、実際の舞台を見たときに物足りなくならないかなあ、ということです。ゲルブ総裁としては、METの舞台で実際に見て欲しいのではないかと思うのですが、舞台で見たら細かいところが確認できなくて欲求不満になるかもしれない。最初から、ライブビューイング用に作られているとしたら、完璧だと思うのですが。　歌手たちは大健闘。ご存知の方もあると思いますが、今回は主役３人が事前に予告されたキャストからすべて入れ替わり、指揮も当所予定のレヴァインがスキャンダルで降板、だったのですが、見た方はそんなこと、どうでもよくなってしまったでしょう。とくに主役２人、トスカ役のヨンチェヴァとカヴァラドッシ役のグリゴーロは、これが初役！というのは全く驚異以外のなにものでもありません。２人とも、長年夢見てきた役だったらしく、役と作品への熱い思いを語っていました。とりわけグリゴーロの、１３歳でパヴァロッティがカヴァラドッシを歌った「トスカ」で羊飼いの少年で出演、以来この役に憧れ、２７年目で実現したというエピソードは印象的でした。イタリア男のグリゴーロ、ローマにも長年住んでいたようで、ほんとに憧れの、共感できる役だったよう。まあ、今、イタリア生まれのスターテノールで華があるタイプの筆頭ですね。　グリゴーロもヨンチェヴァも、それぞれの役が「若く情熱的」ということで、演出のマクヴィガーと意見が一致したとのこと、のびのびと演じ、歌っていました。ヨンチェヴァのまっすぐでスピントな声が最初から最後まで保たれたのは驚異的。グリゴーロもいつにない緊張感。２人とも、「決め台詞（劇的な言葉＝パローラ・シェニカ）が絶品だった。トスカの「いくら？」とか「死ね」とか。カヴァラドッシの「勝利だ！」とか。効きまくっていました。もちろん有名なアリアも熱唱でしたが。　スカルピア役のルチッチ、悪役の表情が自然で憎々しく、演技巧者。インタビューで「役になりきるだけ」と言っていましたが、これはほかの２人も同じ意見。「トスカ」のように演劇的で、音楽がすべてを描いてくれていて、見る方も見ればわかる、という作品は、やる方も入りやすくてやりやすいのかもしれません。そのやりやすさにとらわれて「声」さえ壊さなければ。　　　「トスカ」、１９世紀の最後の年に作られたオペラですが、２０世紀の映画の時代の幕を開けたオペラでもある、と、今回のプロダクションで改めて認識しました。　あっ、それから、今回の案内役のメゾソプラノ、イザベル・レナードはとびきりの美女。スタイルもファッションセンスも抜群です。グリゴーロと「ウェルテル」で共演したとか、見たかったなあ。　「トスカ」は今週金曜日まで、東劇ではもう１週間やっています。詳細は以下で。　​「トスカ」​

  February 20, 2018

• 日本ヴェルディ協会では、新しい講演会シリーズ「ヴェルディ名作シリーズ」を開始いたします。第１回は河野典子さんの「ラ・トラヴィアータ」です

  私が所属している「日本ヴェルディ協会」は、講演やレクチャーコンサート、会報、懇親会などを通じて、ヴェルディ・オペラの魅力を伝えたり、共有する活動を行っていますが、今年度より、新しい講演会シリーズ、「ヴェルディ・オペラの名作シリーズ」を開始することになりました。　これは、主に協会会員で、評論や研究で活躍するプロの方をお招きし、ヴェルディの代表的な名作について、それぞれの切り口で語っていただくシリーズです。　第１回は、音楽評論家、ジャーナリストとして活躍している河野典子さん（ヴェルディ協会理事）をお招きし、名作中の名作「ラ・トラヴィアータ（椿姫）」について語っていただきます。普遍的なテーマを持つこのオペラ、解釈も多様で、しかもどんどん変化しています。今回はそのあたりが焦点になるようで、たいへん興味深い内容になるかと思います。　河野さんは、声楽のプロでもあり、最新刊「イタリア・オペラ・ガイド」（星雲社）は、おもに１９世紀のイタリア・オペラの名作を、あらすじはもちろん、各役柄を「どのように歌うか」「どんな声が必要か」という観点から紹介している、河野さんならではの切り口の１冊です。河野さんは歌手へのインタビューもたくさんなさっていて、その経験も反映されています。イタリア・オペラに興味のある方ならぜひご一読をお勧めいたします。講演の詳細は以下です。会員は無料、一般の方も有料で聴講できます。申し込み、問い合わせのメールアドレスもありますのでご参照ください。【名作シリーズ】講演会第１回 「《ラ・トラヴィアータ》はなぜ世界中で愛されるのか」についてのお知らせ　デュマ・フィスが、自身の小説『椿をもつ女La dame aux camélias 』を戯曲化した芝居は、サラ・ベルナールの主演で彼女の代表作の一つとなりました。　その戯曲をベースにピアーヴェがリブレットを書き、ヴェルディが作曲したのがオペラ《ラ・トラヴィアータ》です。今回の講演会では作品の歴史的な変遷ではなく、ここ30年ほどの間にどんどん変化している解釈と演奏法について、実例を用いながら以下のような内容でお話ししていきます。・「歌う」ヴィオレッタと「演じる」ヴィオレッタ　—ヴェルディが望んだヒロイン像は果たしてどちら？・ヴィオレッタ第1幕のアリアの最高音は、単なる「おまけ」　—この役の本当の恐ろしさはそこではない・ジェルモンは、バリトンにしては音域が高くて歌うのが大変　—ヴェルディ・バリトンの宿命・いかようにもできるヴィオレッタと父ジェルモンの性格表現　—演出家たちの解釈いろいろ・クリティカル・エディションはなぜ定着しないのか　—ヴェルディは本当にそれを望んでいるのだろうか etc.河野典子講演会「《ラ・トラヴィアータ》はなぜ世界中で愛されるのか」【日時】2018年2月17日（土）14:30～16:00　（14:15受付開始）　【場所】文京シビックセンター26F スカイホール アクセス　　　　文京区春日1-16-21 【主催】イタリア文化会館、日本ヴェルディ協会【講師】河野典子（音楽評論家、日本ヴェルディ協会理事）　※講演会の後に参加者の交流を目的とした茶話会も予定しています（自由参加）【参加費】日本ヴェルディ協会会員は無料　　　　　非会員は当協会事務局にお問い合わせください【主催・申込先】日本ヴェルディ協会　　　　［メール］メール koen1802@verdi.or.jp　※（本講演会専用）

  February 1, 2018

• １月の公演から

  早いもので、今年も１月が過ぎようとしています。普段、コンサートの感想などは、フェイスブックにあげているのですが（サクッと書きやすいので）、その一部、今月聴いた中で印象に残った公演を、ブログでも共有させていただきます。今月はロッシーニ協会の演奏会、藤原歌劇団「ナヴァラの娘」と「道化師」のダブルビルなどが印象に残りました。日本ロッシーニ協会演奏会今年のお聴きぞめは、没後１５０年のロッシーニ。期待のメッゾ、脇園彩さんをお目当てに。同じことを考えたひとが多かったらしく、満席でもない浜離宮朝日ホールに評論家の姿が異様に多かったコンサートでした。OさんもMさんもDさんも。。。。Oさん曰く「（ロッシーニ歌手の）レベルの上昇がすごい。ひと昔前とまったく違う」。まったく同感。脇園さんはもちろん圧巻でしたが、テノールの小堀勇介さんも素晴らしかったです。脇園さん、深く、淡く艶めいて、ちょっと温かみもあり、落ち着いた色合いの陶器のような声。知的な色気もあり、ちょっとテレサ・ベルガンサみたいな声？と感じました。技巧が正確なのはもちろん、技巧に表情がある、というか。技巧それ自身が目的なのではなく、それを使いこなしているというか。それこそロッシーニの理想なのかもしれません。そして「身のこなし」が全然違う。これは海外の第一線で活躍しているひとはほんとうにそうなのです。昨日録画で見たニューイヤーオペラコンサートだと、中村恵理さん。ご存知の方もいるように、中村さんはミュンヘンやロンドン、ウィーンなど第一線のオペラハウスで活躍しています。脇園さんもスカラ座やペーザロのロッシーニ音楽祭に出ているわけです。で、そういう方たちは、ただ美しく歌うお人形さんではないんですね。自分から舞台を掴み取っていく。能動的に舞台に参加していける。ひとりでも舞台を作っていける。そういう意志的なものが、内部からにじみ出ている。そこが違うと感じます。たとえばマリア・カラスは、そのような意志的なものがすごく強かった歌手ではないでしょうか。小堀さんは、明るくよく響く甘い声、高音が素晴らしく圧倒的で、イタリア語のディクションがきわめて美しい（イタリア人よりきれいくらいかも）。シラクーザをちょっと若くしたような？あるいは２０１４年にペーザロで聴いたガテルのような感じでしょうか。ガテルよりやや硬質かな。技術もきわめて高いです。これぞロッシーニテノールという声ですね。日本人でこんな歌手が出てきたのか！と驚愕しました。この２人が聴けただけで、大収穫です。お２人は５月に大阪フェスティバルホールの「チェネレントラ」で共演するらしい。これは行きたいです。しかし、繰り返しですが、ロッシーニ歌手の充実ぶりというのはほんとにすごいものがあります。今日のコンサートは、昨年亡くなったロッシーニの神様「ゼッダ氏に捧ぐ」と題されていましたが、司会の朝岡さんによると、ゼッダ翁がロッシーニ歌手の教育に熱心だったのは、ロッシーニは演奏家次第という部分が大きいから、だそうです。それが実を結んでいる。だから今時は、ロッシーニのオペラは超一流の劇場でなくとも、いい歌手が出てきます。ウィーンにでているような歌手がナポリあたりで聴けたりする。それに対して、ヴェルディの現状（やこれから）を考えるとかなり暗澹とした気分になります。指導者としては指揮者がいいと思うのですが、ムーティ（ロッシーニ歌いだったメーリを立派なヴェルディテノールにしたのはムーティの功績だと思う）の後に誰がいるのか。ヴェルディは歌手だといっても、ヌッチの後に、はるばるヨーロッパまで出かけて聴きたい歌手はいません。カウフマンのオテロやガランチャのエボリ公女はよかったですが、では彼らをヴェルディ歌いと言えるかというとちょっと違うような気がする。ロッシーニ歌い、ロッシーニ指揮者がいるならヴェルディ歌い、ヴェルディ指揮者も欲しいのですが、実はそういないのです。ほんと、ヌッチとムーティの後がいない。ここ数年、いっつも思っていることなんですが、年初にまた確認してしまいました。藤原歌劇団公演フランスとイタリアの「ヴェリズモ」ダブルビル、マスネ「ナヴァラの娘」（日本初演）とレオンカヴァッロ「道化師」。多くの方も書いていらっしゃいますが、大変面白い公演でした。「道化師」は「カヴァレリア・ルスティカーナ」とのダブルビルが定番ですが、今回はどうやら「戦争中と戦後」の同じ村でのできごととして、「ナヴァラ」と「道化師」を結びつけていた（演出のマルコ・ガンディーニによる演出ノート）演出の効果もあり、組み合わせとして成功したと思います。音楽の違いもよくわかりましたしね。「ナヴァラの娘」、５０分余の小品ながら、戦場を舞台にし、いろんな要素が詰まったリアル演劇的な物語。生まれ育ちの卑しい女性アニタが、恋人の父親から要求された持参金のために、敵方の軍人を殺して報奨金を手にいれるものの、恋人には誤解され、しかも彼は重傷を負って息絶え、アニタは狂乱する。ある意味純愛の物語ながら、あまりにも切ない結末。兵士たちという最下層の男たちからも軽蔑される哀れなヒロインには、どこか「ヴォツェック」の差別された兵士の面影も漂います。物語の展開が早く、いわゆる聴かせどころ」は少ないけれど、聴きながら（見ながら）プッチーニ三部作の「外套」を思い出しました。風景や状況描写を簡潔に効果的に行うマスネのオーケストレーションの雄弁さは、プッチーニに強く影響したと思う。幕切れ、狂乱するアニタに覆いかぶさる鐘の音と「ズッカラーガ（敵将）の動機」はきわめて効果的でした。　アニタ役の西本真子さん、大熱演。これが藤原歌劇団デビューだそうですが、悲しく激しい表情が要求されるこの役を、安定した技術と純度の高い声で、観客に共感を持たせることに成功していたと思います。　「道化師」、聴きなれた、躍動的で外連味のある音楽は、「ナヴァラの娘」と好対照。繰り返しですが、「戦後」になり、村で演劇が行われるようになったという演出の設定が効果的でした。どちらも舞台に置かれた２枚のパネルが中心ですが、あくまで暗く、背景に死骸を思わせる椅子が無造作に積み上げられた「ナヴァラ」に比べ、「道化師」ではパネルが道化芝居の背景として賑やかに飾り立てられ、椅子は生き生きした表情を取り戻して芝居の椅子として使われます。ガンディーニ演出、デパートの化粧品売り場を舞台にした「愛の妙薬」など冴えたのが多いのですが、今回もとてもよかった。とくに「道化師」は、ひとりひとりに性格がある群衆の動かし方が素晴らしい。第１幕の道化師一座来村の賑わいのなかで、結婚式が行われたのは、「戦後」の訪れを改めて強調していました。劇中劇の始まる前のアクロバット（油布直輝）、劇中劇でのぶらさがった料理やデフォルメされた衣装などもおしゃれ。劇中劇での字幕を、その他の場面とちゃんとかき分けていた字幕（堀岡佐知子）も心憎いばかりでした。　歌手はみなさん揃って高いレベルにあったと思いますが、「ナヴァラの娘」同様、ヒロイン、佐藤康子さんの表現力に惹かれました。プッチーニを得意とする佐藤さん、豊麗で深みのある声が「成熟した意思ある女性」ネッダを造形します。ところどころに出てくる決め台詞（「今夜」とか「永遠にあなたのもの」とか）の表情が凄い。コロラトゥーラはちょっと弱かったですが。　柴田真郁マエストロの指揮もとてもいい。以前「仮面舞踏会」などでも感心した覚えがあります。決して煽ることなく、歌手の邪魔をせず、それでいて音楽にこめられた劇性、ニュアンスを余すところなく伝える。いい意味で職人的で、オペラの指揮としてひとつの理想形です。新国立劇場などでも招聘するべき指揮者ではないでしょうか。オケは東フィル。METライブビューイング　「皆殺しの天使」昨日はMETライブビューイング、トーマス・アデス作曲「皆殺しの天使」へ。アデスの新作で、ザルツブルク音楽祭で初演され、昨年１１月MET初演された作品です。原作は、ルイス・ブニュエルの同名のモノクロ映画。オペラ「ルチア」終演後、富豪の家に夕食に招かれた、主役のプリマを含めたブルジョアたちが、なぜか客間からでられなくなり、極限状況に追い込まれるという不条理ホラーのようなお話。はじめは気取っていたブルジョワたちが、事態の進行とともに仮面をかなぐり捨て、終末への恐怖にかられながら、あるいは狂乱し、あるいは他人を責め、あるいは情事にふける。水がなければ水道管を壊し、なぜか！現れる羊！を殺して焼いて食べる。　映画を見ていたこともあり、面白く見られました。映画より話の運びもスリリングで、とくにオペラならではの「音楽」の効果がすごかった。指揮もしたアデスがインタビューで、映画には音楽がなく、鐘と太鼓の音くらいしかない、と言っていたのですが、たしかにそうだった！同じ物語でも音楽があると別物になる、というのがリアルに理解できました。アデス、「本作の音楽は幽霊屋敷」と語っていたのですが、まさにどんぴしゃり。事態を悟って一同が呆然とする瞬間に鳴り響くオンド・マルトノの不気味な響きの効いていたこと。音楽的には後半の第２幕のほうが変化に富んで面白く、愛の二重唱があったり、焼いた羊の頭を抱きながら歌う「MET史上最高音」が登場するソプラノのアリアがあったり。物語は、プリマドンナが、この自縛状態に陥った状況を再現することで、皆が自由になるのですが、そこでまた超高音のアリアが延々と続く、というのはまさに「オペラティック」でした。　映画では、脱出できた一同が、教会でお礼の礼拝に出ていたら、また教会にとじ込められてしまう、という結末なのですが、オペラではその状況を、家から出てきた一同が、待ち受けていた家族や友人に囲まれたのも束の間、また大きな門のなか〜多分教会の象徴？〜に、こんどはみんなで閉じ込められてしまう結末。門が舞台いっぱいに広がり、やはり舞台にあふれんばかりの群衆が、その門に圧倒されてのみ込まれていくような演出が効果的で、ぞおっとしました。（演出はトム・ケアンズ）映画と違う、現在進行形の舞台ならではの効果的でショッキングな結末です。　しかし、現代のオペラって、やたらソプラノに高い声域を設定するものが時々あるんですよね。アデスは「自分が書いているのではなく、書かされている」というようなことをいっていましたが。。。「狂乱の場」でこの世のものとも思えない最高音を連発するのは、どこかドニゼッティ「ルチア」の「狂乱の場」に通じると思えなくもないですが、ドニゼッティはプリマの力量を考えて書いていたと思うので、ソプラノのほうが「とても無理」というのを、アデスがなだめて歌わせる、というのとはちょっと違うかも。あまり高音が連発されても、聴き手もかならずしも聴きやすいわけではない。多少は歌手の歌いやすさや聴衆の聴きやすさも考慮してくれてもいいのではないかなあ。　歌手の方はみなさん熱演で、こんな物語を演じているだけで気が狂ってきそうなのに、破綻なくまた冷静な部分を保ちながら（アリス・クートやジョン・トムリンソンのインタビューで感じました）こなしているのに感銘を受けました。トムリンソンが歌う医師のパートは「ワーグナーのようにドラマティックなバスのために」書かれているそうで、「パートごとに異なる、人物に応じた音楽がある」という言葉にも納得です。アデス、（高すぎるソプラノパートがあったりしても）天才であることはたしかです。展覧会ふたつ「ゴッホと日本の夢」会期終了間際、行ってきました。すごくよかった！浮世絵がゴッホにいかに大きな影響を与えたか、よくわかりました。あれもこれも正体は浮世絵だったか！という感じ。ゴッホが所蔵していた浮世絵も展示され、具体的にどの作品がゴッホのどれに影響を与えたかも並べて展示され、関連性がよくわかりました。インスピレーションの宝庫だったのですね。とくに構図。メサジェの同名のオペラの原作で、「蝶々夫人」にも大きな影響を与えたロティの小説「お菊さん」も展示されてました。これもゴッホの愛読書だったのですね。ロティは蝶々さんのような日本の「現地妻」経験があったひとで、「お菊さん」はこの手の小説のなかで唯一自分の体験に基づいているもの。ゴッホやメサジェやプッチーニにとって、想像力を膨らませてくれる宝庫だったのでしょう。日本に行ったことのないゴッホが、南仏アルルを自分の理想の「日本」と重ね合わせていたという話もとても興味深かった。アルルと日本！ぜんぜん違うけど、それを知ると、もしゴッホが日本に来たらどうなっていたか、興味をそそられます。来なくてよかったかもしれない。プッチーニは日本に来ていないからこそ想像力が羽ばたいたと思うのだけれど、ゴッホもそうかもしれません。それにしても、日本の美術や工芸（古伊万里とマイセンなど）がヨーロッパに与えたインパクトとくらべて、日本の音楽のそれが小さいことを痛感します。「蝶々夫人」や「ミカド」には日本のメロディはいくつもあるけれど、彩であって本質的なものではないし。五線譜みたいな普遍的な「記号」がないこともあるのでしょうけれど。しかしゴッホ作品の生命力ってすごいですね。昨秋感激した運慶もだけど、天才の作品は今作られたばかりのようにいきいきとしています。タッチのひとつひとつにエネルギーがあふれていて、こちらへ向かってくるのです。西のゴッホ、東の運慶。「北斎とジャポニスム」また会期ぎりぎりの滑り込みでしたが、「北斎とジャポニスム」展へ。「ゴッホと浮世絵」に劣らず大変楽しめました。ゴッホもルドンもモネもセザンヌも北斎！北斎はほとんど、印象派の「影の親分」のようです。とくに面白かったのは、日本の花鳥画の伝統が、宗教画や歴史画、人物画を中心に発展し、動植物画を低く見ていたヨーロッパ絵画にとって新鮮で衝撃的だったということ。ヨーロッパ芸術にとってキリスト教の影響がいかに大きいか、改めて痛感しました。逆に、よく知られているように、北斎をはじめとする浮世絵は日本では低く見られ、ヨーロッパで「発見」されて日本に逆輸入されたんですよね。よくあるパターンではありますが。それにしても北斎の構図の新鮮で巧みなこと、線の自在で柔軟で生命力にあふれていること、人物動物への観察眼、どれをとっても圧倒され、感動させられます。西暦２０００年のミレニアムに、雑誌「TIME」が、「この１０００年に世界に影響を与えた人物１００人」という特集を組んだ時、日本でただ一人選ばれたのが北斎だったそうですが、ほんとにその通りじゃないかとつくづく思いました。（展覧会にかぎらずコンサートもそうですが）こういう企画展は面白いですね。「印象派展」も「プラド美術館展」もいいですが、このような企画展には「ものの見方」を変えてくれる新鮮な驚きがあります。どしどしやってほしいなあ。

  January 31, 2018

• 新国立劇場新シーズンラインナップ発表

  あけましておめでとうございます。本年もよろしくお願いいたします。　　　新国立劇場の２０１８−１９シーズンラインナップが発表され、記者説明会が開催されました。オペラ部門の大野和士、演劇部門の小川絵梨子と、２名の新しい芸術監督が参加したこともあるのでしょう、１４０名が詰めかける盛況となりました。演目と芸術監督のメッセージは、新国立劇場のサイトにあがっています。新制作はオープニングの「魔笛」、新作の「紫苑物語」、「ジャンニ・スキッキ」「フィレンツェの悲劇」のダブルビル、そしてラストの「トゥーランドット」です（「オペラ夏の祭典」のプロダクション」）　​新国立劇場​以下は、オペラ部門に関して、説明会のレポートと、ラインナップに関する個人的な印象です。サイトでも見られますが、大野さんが力を入れている点は以下です。１　レパートリーの拡充。そのために、新制作をこれまでの３本から４本にする。「新国立劇場には実はレパートリーとして上演出来るプロダクションが少ない」。その理由は「新制作といってもレンタルのものが多く、１度やったら返してしまう」から。大野さんがそういうのを聞いた時、なるほどと納得しました。レンタルだから、あれほど素晴らしかったロッシーニの「チェネレントラ」も１回しか上演されなかった。劇場で自由になるプロダクションが少ないから、この間やったものをもうやる、という感じになってしまう。　なので、「まずレパートリーを増やさなければならない」。もちろん、お金はかかります。そのへんは、たとえば研修所で使ったプロダクションを生かして「ダブルビル」をやる。オープニングの「魔笛」は、既存のプロダクションですが、借りるのではなく買う。新制作の際には、海外で活躍する注目される演出家に依頼し、国際的な注目度を高め、海外に輸出できるもの、新国から発信できるものを作る（このへん、ヨーロッパで活躍している大野さんらしいです）。そして、レパートリーを拡充し、幅広いオペラのパレットを作りたい。２　日本人作曲家に委嘱する新作オペラのシリーズ（１シ〜ズンおき）の開始。現在、新作オペラが世界じゅうで上演されている日本人作曲家は細川俊夫さんくらい。その状況を変えたい。ここで作られたオペラを海外へ持っていけるようにしたい。また、作品については、日本語オペラには少ない重唱を楽しめるオペラを作りたい。３　ダブルビルの新制作と、バロックオペラの新制作（こちらはプロダクションは買う）を１年おきに交互に上演するシリーズを始める。ダブルビルは、一方を入れ替えることで新しいレパートリーがどんどん増える利点がある。バロック・オペラの演奏は、いつもの東フィルや東響といったオケに、ピリオド仕様の楽器で当時のピッチで演奏してもらう。これはバイエルン州立歌劇場でアイヴォー・ボルトンがやって成功した先例がある。４　旬の演出家の紹介。日本人歌手の主役級での登用。後者は日本の劇場としての使命。世界的なレベルにある日本人歌手を、オーディションを通して拾い上げる。日本における新国立劇場が、イタリアのスカラ座、アメリカのメトのように、その国の歌手にとって憧れになるようにしたい。５　内外の他の劇場とのコラボレーション。どれも、うなずけることばかりで、やはり、「今」の世界のオペラ、音楽シーンの一端をになっているひとは違うな、と強い印象を受けました。　２番目にある、委嘱新作日本語オペラ、次シーズンは西村朗さんの「紫苑物語」ですが、プロジェクトはもう始まっているそうで、その話がとても興味深かった。　　まず題材から探したそうですが、長木誠司（今回の監修）さんのアドバイスで、石川淳の「紫苑物語」に決定。その理由は、いろいろな人たちとの交わり、「殺人」や「性」の経験、そして最後に「死」を通して想念を超えた存在になり、現世ではなしえなかった「芸術」を手にいれるという、「芸術家の人生」を描いた作品だから。　そして、ここが注目というかとても共感したところなのですが、台本作者の選択に心を砕いた。中原中也の研究家で、石川淳にも詳しい詩人の佐々木幹郎さんに頼んだ。なぜならオペラは台本が大事だから。今までの日本のオペラにはそれがない。　この台本の件、全く同感です。有名作家に頼めばいいというものではない。散文にただ曲をつけてもオペラにはならない。それをいつも痛感していたからです。　もうコラボレーションは始まっており、プロデューサーでもあり本番で指揮をする大野さんと、台本の佐々木さん、作曲の西村さん、そして演出の笈田ヨシさんで何度もミーティングをして、今だいたい台本ができた状態。これから作曲が始まるが、その過程でまた喧々囂々で台本も変わるだろう。ヴェルディとボーイトが、モーツァルトとダポンテが、シュトラウスとホーフマンスタールがしたように、とのこと。「これが、今まで日本のオペラにはなかったのです」。　　ほんとうにそうですよね。話をきいているだけでワクワクします（ねがわくば、生まれ変わったら、そんなプロダクションに参加できるような人生を送りたいものです）。今からとても楽しみです。　　また、「日本の聴衆のあくなき興味」についても触れていて、オーケストラコンサートで、バルトークの「弦打チェレスタのための音楽」と、フランツ・シュミットの作品（すみません作品名は失念）をやったとき、チケットが完売になった。ちょうど来日していたドイツの批評家が、「このプログラムで完売になるのは日本だけだ」と感心していたエピソードを紹介していました。（だから「アッシジの聖フランチェスコ」の日本初演がすぐ完売になるのですね。）それに応えるべき、という思いも感じました。そして何より、「個人的なレベルを超えて、主体性をもったメッセージをオペラという芸術を通して発信していく」、「それを海外に届ける」意思を感じました。新国立劇場が「今」の空気を呼吸し、「今」の世界とつながる劇場になったら、ほんとに素晴らしいことだと思います。　各演目のキャスティングも、概ね納得できるものでした。　オープニングの「魔笛」は、なんといってもウィリアム・ケントリッジの、世界３０カ国で上演されている大ヒットプロダクションというのが目玉。林正子さんのパミーナなど、日本人も要所で活躍です。　２本目「カルメン」は、大野さんが「新世代のカルメン歌い」だというジンジャー・コスタ・ジャクソンが目玉のようです。砂川涼子さんのミカエラは安定でしょう。　３本目「ファルスタッフ」。なかなか楽しみなキャスティング。イタリアを代表するソプラノ、エヴァ・メイのアリーチェ、イタリア人ベテランのロベルト・ディ・カンディアのタイトルロール。ナンネッタに幸田浩子、メグに鳥木弥生とここでも日本人実力派が主役陣に。指揮のカルロ・リッツィも大ベテラン、新国初登場とは意外です。けっこうそういうひとが多くてびっくりです。　４本目「タンホイザー」。指揮アッシャー・フィッシュ、タイトルロール、トルステン・ケール、ヴォルフラムにローマン・トレーケルと世界級がずらり。ヘルマンには妻屋秀和。　５本目「紫苑物語」。大野さん、監督初指揮。ドイツで活躍の高田智宏さんはじめ日本人実力派キャストで固めました。　６本目「ウェルテル」。タイトルロールはこれから新国で「愛妙」に出るサイミール・ピルグ。彼も実力派です。そしてシャルロットに藤村実穂子！ダントツの実力派。なるほど。ソフィーには幸田浩子。　７本目「フィレンツエの悲劇」「ジャンニ・スキッキ」のダブルビルは、指揮に沼尻竜典、演出粟國淳という日本人コンビ。（演出は研修所のプロだクションの焼き直しでもあるので）。「フィレンツェ」には大ベテランのセルゲイ・レイフェルクスと、スペイン生まれのスター・バリトン、カルロス・アルヴァレスと贅沢。　８本目「ドン・ジョヴァンニ」。昨年７月日生劇場「ノルマ」を振って絶賛されたイタリアの若手、ランツィロッタの指揮が楽しみ。そしてキャストも期待大。オッターヴィオに、今世界で注目されている若手ベルカントテノールのフランシスコ・ガテル登場！２０１４年ペーザロロッシーニ音楽祭「セビリヤ」の伯爵をきいてしびれました。タイトルロールはこれも第一線で活躍中のニコラ・ウリヴェーリ、そしてエルヴィーラに脇園彩！これは聴きものです。　９本目「蝶々夫人」は、佐藤康子さんの蝶々さん、これは適役でしょう。指揮はベテランのレンツェッティ、彼も新国初登場はちょっと驚きです。　最後の「トゥーランドット」については、以前「オペラ夏の祭典」にふれたブログに書きましたが、大野さんの指揮、オリエ演出、テオリンらトップクラスのキャストを揃えた豪華プロダクションです。　どの演目にも目玉があり、「実力派」（いい意味です）が多く登場するのが肝。脇園、藤村と世界で活躍する日本人歌手をオペラで聴けるのも、嬉しい限りです。

  January 11, 2018

• 今年の海外公演、ベスト５

  今年もこのブログをご訪問くださり、ありがとうございました。 今年海外で体験した公演のベスト５をあげさせていただきます。国内の公演については、今年分から「音楽の友」誌のコンサートベストテンに寄稿させていただくことになりましたので、そちらをご覧いただければ幸いです（１月発売の２０１８年２月号です）。１　モーツァルト「皇帝ティトの慈悲」　ザルツルブルク音楽祭２　ヴェルディ「オテッロ」ロイヤルオペラハウス　カウフマン主演　パッパーノ指揮３　リヒャルト・シュトラウス「ナクソス島のアリアドネ」　グラインドボーン音楽祭　マイスター指揮４　ヴェルディ「ドン・カルロス」パリ、オペラ座　ジョルダン指揮　カウフマン主演５　バッハ「ヨハネ受難曲」　ソロモンズ・ノット・バロック・コレクティヴ　アルンシュタット、バッハ教会１については、このブログを含めていろいろ書きましたので、ここでは省略いたします。２は、イタリア・オペラにおけるカウフマンの魅力にめざめたという点でも、画期的な公演でした。共演のアグレスタ、ウラトーニャも素晴らしかった。３は、知らない歌手ばかりでありながら（不勉強ですみません）、グラインドボーン音楽祭のレベルの高さを改めて思い知った公演でした。４は、初演版「ドン・カルロス」を、初演劇場であるパリ・オペラ座で、万全のキャストで上演できたという点に敬意をこめて。５は、イギリス発の話題のグループが、アルンシュタットの小さな教会で、丁々発止の本領発揮！的な公演を聴けたということで。そして、国内のコンサートですが、「ちらしに宣伝文を書いた」ため、「音楽の友」誌の企画に推薦できない、ダムラウ（とご主人）のリサイタルについて、以下にフェイスブックの記事をはりつけます。本当は友誌のベストテンに入れたかったのですが。魅惑のディアナ・ワールド魅惑の」という形容詞が、今現役の歌手で一番似合うひと。昨夜の、ディアナ・ダムラウ（夫君のニコラ・テステもジョイント）のコンサートを聴きながら、何度もそう思いました。日本で一夜限りの特別な夜は、早々にソールドアウト。その聴衆の期待に、ダムラウは最大限に応えてくれました。彼女が舞台に登場した時の拍手の、尋常でない熱と盛り上がりように、「この夜を待っていた」という客席の期待があらわれていました。大きな理由は、やはり２０１１年の震災の年に来てくれたこと、そして、それ以来６年半ぶりの来日だったことでしょう。みんな、待っていたのです。繰り返しですが、ダムラウは、その期待に十二分に応えてくれました。とにかく、歌はべらぼうにうまいです。何より先立つのは「声」の魅力。立体的で懐が深い。そして実に幅が広い。七色。いえ千変万化。まさに魅惑の声。深くて広くて薄くて濃くて細やかで大胆。そしてもちろん、ピュアで美しい。それを保ちながら、瞬時にくるりと変わっていく。こんな声の持ち主が、現役で他にいるでしょうか。すごいテクニックです。そして、ステージマナーがまたとほうもなくチャーミング。舞台に登場する時からウキウキと役柄に入り込み、ドラマを感じ、P席も含めて全方位の客席に同じように振る舞い、歌うことの幸せを全身から放射し（その背後にはものすごい努力があることでしょうけれど）、娘のように愛らしい。曲はロッシーニ、グノー、ベッリーニ、マイアベーア、ヴェルディ。最初のロッシーニ「セビリヤの理髪師」の「今の歌声は」は、ちょっと苦しげなところもありました。ブレス音がかなり聞こえ、アジリタがちょっとすべったり（これは「椿姫」のアリアでも多少）。ただ、それを補ってあまりある「声」の無限の表現力というのはすごかった。プログラムが進むにつれ安定していきましたが、「セビリヤ」は正直、彼女の今の声（重くなった）ではちょっと難しくなっているかもしれません。一番安定していたのはマイアベーア（「ディノーラ」のアリア）。ベッリーニ「カプレーティとモンテッキ」や、「椿姫」第１幕のアリアもよかった。「椿姫」は６月にミュンヘンでも聴きましたが、総合的にみて、現役最高のヴィオレッタかも。最後を高音にあげなかったのは、やはり声が重くなり、高い音がきつくなっているせいでしょう。唯一ひっかかるのは、ブレス音が、たとえばデヴィーアとかバルトリ（完璧！）に比べるとかなり激しいこと。。。。。バルトリの人間技とは思えないブレスコントロールに慣れて？しまっているせいか、気になるところではあります。（ブレス音はネトレプコも結構激しい）。衣装も素敵。マゼンタピンクの裾が広がったドレスと、黒に銀色のラメを散らしたすとんとしたドレスの２着でしたが、前半で２着披露して、この調子だと４着か！と身構えたのは誤りで（あんまり衣装をとっかえひっかえされるのは苦手なんです）、後半は再びピンクの衣装に戻り（こんなケースも珍しい。初めてかも）、そして途中で、ピンクドレスに前の黒ドレスからストールと手袋だけつけたして、お色直ししてでてきました。胸にはクリスタルなブローチも輝き、ヴィオレッタらしい華を添えてくれました。ご主人のテステも、ロッシーニからヴェルディからワーグナーからポンキエッリまで歌いまくるサービスぶりで（「ドン・カルロス」のフェリペ２世のアリアをフランス語で歌ってくれたのはよかった）、本プログラムが終了した時点ですでに９時半。なのに続いてアンコールを３曲。アンコールの１曲めで、「春よ来い」を日本語で歌い始めた時は、ホールの空気にぱあっと桜の花びらが舞ったような華やかさが。２曲めは夫婦共演で「ポギーとベス」の二重唱、そして最後はアンコール定番の「私のお父さん」で締め。客席は総！スタンディングオベーション。終演は10時近く。ダムラウの登場時に感じた、舞台と客席の間の温かな空気は、華やかにゆっくりと沸騰し、カーテンコールで理想的な頂点に。「ディアナ・ワールド」にどっぷり浸った一夜でした。終演後、オケ（東フィル）で舞台に乗っていた、東フィル首席クラリネット奏者のアレッサンドロに会いに楽屋に行ったら、ラッキーなことにダムラウにもあいさつすることができました。ダムラウのオペラ全曲を初めて聞いたのは２００８年、ドレスデンの「リゴレット」。フローレスが公爵デビューで話題になった公演でしたが、どちらかというとダムラウのほうに釘付けになった夜でした。ドレスデンの劇場のひとが、「ドイツでナンバーワンのソプラノ」だといっていましたが、それから１０年。世界のナンバーワンへと上りつつあることを確認。２０１１年にメトで初めてインタビューさせてもらって以来、２０１５年にもメトで「マノン」の後にインタビューさせてもらったり、「椿姫」をミュンヘンで２回見たり、それなりに公演や本人に接してこられたのは、本当に本当に幸運なことだ、と、輝くような笑顔に酔いながら思いました。アレッサンドロも、彼女の素晴らしさにすっかりノックアウトされていたようで、うっとり状態。甘い音色のクラリネットと、七色のソプラノ、見事なかけあいを聴かせてくれた２人のツーショットは、幸福感に満ちていました。来る年がみなさまにとって、素晴らしい１年となりますように。

  December 31, 2017

• 今年のベストパフォーマンス、ザルツブルク音楽祭「皇帝ティトの慈悲」が、衛星放送FM「ミュージックバード」の「ザルツブルク音楽祭スペシャル」で放送されます

  ２０１７年も残す所、１日となりました。　今年もいろいろなパフォーマンスに巡り会えましたが、内外で出会った公演のうち、自分のなかで文句なく最上のものは、ザルツブルク音楽祭「皇帝ティトの慈悲」でした。　あのクルレンツィスのザルツブルク音楽祭デビュー、そしてベテラン、ピーター・セラーズ（演出）とのコラボレーションで、事前から話題になっていた公演です。　公演じたいの感想は、このブログでも書きましたが、今振り返ってみて、いろいろな意味でまさにタイムリーであり、乱暴なことが多かったこの１年にふさわしい芸術のありかたのひとつを提示してくれた公演だったと感じます。　音楽的には、ウィーンフィルではなく、ロシア発祥（中央ヨーロッパではない）のピリオド楽器の団体が、ザルツブルク音楽祭のオペラのオープニング公演を飾り、それにふさわしい先鋭的な演奏を繰り広げたこと。　演出面では、現代に読み替えたのはもちろんですが、テロの時代にいかに共存していくかというコンセプトのもと、ティト役を黒人の平和運動家に、セストの反乱は自爆テロに、そしてほんらいの台本では、襲われなかったことになっているティトは実際には襲われて重傷を負い、最後には人工呼吸器を外して半分自殺するという筋立てになっていたこと。これはこれで、とても説得力がありました。　そして、これは音楽、演出の双方からの要請だったと思うのですが、純粋にモーツアルトの書いたものをという視点、そして今回の演出のコンセプトの両方から、ジェスマイヤーの書いたレチタティーヴォを削り、場面に応じて「ハ短調ミサ曲」や「アダージョとフーガ　ハ短調　K５４６」、そしてティトが亡くなったあとに「フリーメーソンの葬送音楽」を挿入したこと。　全体として、音楽的にもきわめて雄弁なものとなった上演でした。　先日、大野和士さんのプロデュースで、日本全国（とおそらく世界）で共同制作されるオペラの記者会見のことを書きましたが、あの時も、対立が煽られるこの時代に、芸術が何ができるかというメッセージを感じたのですが、「皇帝ティト」の公演にも同じものを感じた次第です。　この公演の場にいられたことは、２０１７年の個人的なハイライトのひとつでした。　その「皇帝ティトの慈悲」をはじめとするザルツブルク音楽祭の今年のハイライトが、衛星放送FM「ミュージックバード」で放送されます。　ナヴィゲートは名アナウンサーの田中美登里さんですが、田中さんに導かれて、番組内で解説をさせていただいております。　「皇帝ティト」の回では、「芸術に何ができるか」「芸術は時代の反映、時代と切っても切り離せない」だというお話をさせていただきました。　ご加入していらっしゃる方がいらしたら、ぜひお聴きいただければ幸いです。　​ザルツブルク音楽祭​

  December 30, 2017

• 「大田文化の森」の主催で、オペラ入門講座「ようこそオペラ！」を開催します。モーツアルトの２大名作を、とても気軽なお値段の受講料でお楽しみください。

  来年の２月、昨年、オペラ入門講座でお世話になった大田区文化評議会の主催で、オペラ入門講座「ようこそオペラ！」の第２弾を行うことになりました。　　前回は「椿姫」「カルメン」を中心にお話しさせていただきましたが、今回はずばり「モーツアルト」特集。「魔笛」「フィガロの結婚」の鉄板超名作２作を中心に、オペラの魅力、モーツァルトの魅力を、映像も交えながらお楽しみいただきたいと思っています。ヒットメロディの数々、物語の魅力から時代背景までm広く深くご紹介できるよう心がけてまいります。　　　入場料は３００円と激安。ワンコイン以下でお楽しみいただけます。ぜひ、お運びください。　詳細はこちらから。　​ようこそオペラ​

  December 26, 2017

• 東京から全国へ、そして世界へ〜オペラ夏の祭典２０１９−２０

  昨日は素晴らしいプロジェクトの記者会見に出てきて、ちょっと興奮しています。「オペラ夏の祭典」２０１９−２０　Japan Tokyo World」というプロジェクトで、２０２０年のオリンピックに向けて、大野和士さんの指揮で、２０１９年に「トゥーランドット」、２０２０年に「マイスタージンガー」を、全国の劇場と共同制作し、最終的には世界へ発信していこう、という壮大な内容です。　ことの始まりは、オリンピックの２０２０年を記念するプロジェクトを、都が主催する「オリンピック文化評議委員会」のメンバーである大野さんがオペラ企画として提案したこと。オリンピックは五大陸の祭典なので、大野さんが五大陸にちなんだオペラを５作提案、そのなかから、アジア代表として「トゥーランドット」、ヨーロッパ代表として「マイスタージンガー」がえらばれたそうです。（ちなみに五大陸のほかの３つは、アフリカが、南アフリカのケントリッジ演出の「魔笛」、北米がアダムスの「ドクター・アトミック」、南米がピアソラの「ブエノスアイレスのマリア」。会見の質問時間で、のこり３つのことをきかれた大野さん、「よくぞ聞いてくれました」という感じで、とても嬉しそうに答えていらっしゃいました。残る３つもぜひやりたいそうです）　今回えらばれた２作の共通点は、「葛藤を通して人間が愛を掴むことに挑む」（大野さん）ことにあるということでした。ともにハッピーエンドで、スケールが大きく、祝祭的な作品であることも、このプロジェクトにふさわしく思えます。　ご存知の方も多いように、大野さんは来シーズンから新国立劇場の監督。ならば新国立劇場でも共同しよう、ということになり、「都」の劇場である文化会館と「国」の劇場である新国立劇場の協働が実現。「国と都からサポートを受ける文化事業が成り立った」（大野さん）。これだけでも日本オペラ史上初だそうですが、さらに、「トゥーランドット」はびわ湖ホールと、来年オープンする札幌文化芸術劇場で、「マイスタージンガー」は兵庫県立芸術文化センターで上演されます。まさに全国規模のプロジェクト。「全国の劇場ネットワークを構築する」と大野さんは語っていました。　そしてどうも、外国への輸出、つまり日本からの「発信」も考えているらしい。だからJapan Tokyo World　プロダクションなんですね。　　「演出」も大きな売り。ヨーロッパの第一線で活躍してきた大野さんは、第一線で活躍し、かつ彼が協働して共感できた「演出家」、を日本に紹介したいという気持ちも強いそうで、「トゥーラン」はカタルーニャの舞踊団、フーラデルスバウスの芸術監督のひとり、アレックス・オリエの演出。大野さんはオリエとは、リヨンで２つのプロダクションをやったそう。「フーラデルスバウス」は、バルセロナ五輪の開会式を演出したグループです。オペラではバレンシアの「リング」、ヴェローナの「アイーダ」などたくさんプロダクションがあります。オリエからのヴィデオメッセージもありました。「トゥーランドット」は未完の作品。異なる結末を用意します、ということで、どんな結末になるのかワクワクです。　「マイスタージンガー」も演出家は決まっているようですが、まだ発表はできないそう。でもきっと面白いことでしょう。　キャストはもちろん国際級。「トゥーランドット」にはテオリン、オニール、「マイスタージンガー」にはエレート、マイヤーなどなど。傍を固めるのは砂川涼子、妻屋秀和ら日本を代表する歌手たち。さらに「マイスタージンガー」では、ヒロインのエーファを林正子さんが歌います。そして合唱は、新国の合唱団に加えて「トゥーラン」に藤原とびわ湖ホール、「マイスタージンガー」に二期会。これも画期的で。まさに、日本のオペラ界総力結集。歴史的です。　オケは「トゥーラン」がバルセロナ響。大野さんがシェフをつとめたところですが、外国のオケが新国のピットに入るのもはじめて。とにかくはじめてづくし、そしてすべてが結びあわされる。縦割りが消え、横の線が生まれるプロダクションです。　「プロダクションは、ほかの劇場に引き継がれてはじめて発信力があるといえるのです」（大野さん）　オペラの第一線にどっぷり浸かって活躍し、かつ発信力のある大野さんだからこそできる大プロジェクト。そして、「オペラが世界を結ぶ」というメッセージが感じられるのが何より素晴らしい。　不況で外来オペラはガタ減りですが、このようなプロジェクトを通じて、日本がオペラを消費するだけの立場から脱却し、創造発信できる側になるというのは素晴らしいことだと思います。詳しい内容は、新国立劇場のサイトなどでみられます。オペラ夏の祭典​

  December 22, 2017

• 朝日カルチャーセンター新宿で、石井美樹子先生と「エリザベス女王」について対談講座を行います。

  前回に続いて、来冬の朝日カルチャーセンター新宿での講座のご案内です。　イギリス演劇、歴史にお詳しい石井美樹子先生との対談形式で、「エリザベス１世」についての講座を行います。　　来年生誕４６０年を迎えるエリザベス１世。イギリス史上、いえおそらくヨーロッパの王室史上もっとも有名な女王でありながら、その実像はまだまだ知られていないようです。オペラの題材にもなっていますが、物語もキャラクターもかなり史実とは違うような。。。有名人の宿命かもしれませんが。　今回は、そんな誤解に満ちたエリザベスの「実像」を、石井先生と一緒に解き明かしていき​ます。オペラの名場面や、有名な肖像画などもたっぷりご紹介します。エリザベスのファッションにもご注目ください。　詳細は以下で。　​朝日カルチャーセンター​

  November 28, 2017

• 朝日カルチャーセンターの来年冬の講座は「名画でさぐる名作オペラ」です

  朝日カルチャーセンター新宿の、来冬の講座が発表になりました。　テーマは「名画と名作オペラ」。拙著「音楽で楽しむ名画」（平凡社新書）や、この８月に日経新聞で連載させていただいた「名作オペラで読む絵画」と同じ路線の内容です。　　講座は２回。取り上げる作品は、第１回目がマネの「オランピア」とヴェルディの「椿姫」、第２回目がルノワールの「船上の昼食」とプッチーニの「ボエーム」そのほか。オペラも絵画も、１９世紀の「パリ」の風俗や文化と切っても切り離せない作品です。オペラと絵画で知る１９世紀パリ、かもしれません。　講座の詳細はこちらでご覧ください。　​朝日カルチャーセンター新宿​

  November 25, 2017

• 来年前半の音楽ツアーが発表になりました

  郵船トラベルさんの主催で企画、同行させていただいている音楽ツアー。　　来年前半のツアーが発表になりました。　２０１８年のツアー第１本目は、メトロポリタンオペラとボストン交響楽団を鑑賞するツアー（４月初旬）。メトロポリタンオペラでは、ドミンゴ＆レヴァインの二大レジェンドに加え、ベチャワ、ヨンチェーヴァら超豪華キャストの「ルイザ・ミラー」と、グリゴーロ＆ペレチャッコの２大ライジングスター共演の「ランメルモールのルチア」を鑑賞（別手配で、「トゥーランドット」と、新制作の「コジ・ファン・トウッテ」も鑑賞可能です）。　そしてボストンに移り、シンフォニーホールでのボストン響は、ネルソンズ指揮のワーグナー・プログラム。メインは「トリスタンとイゾルデ」の第２幕で、カウフマン！と藤村実穂子、ニールンドという超豪華キャストです。　第２本目は、毎年恒例の「バッハへの旅」（６月）。ライプツィヒ・バッハフェスティバルの鑑賞をメインに、バッハゆかりの地をめぐります。バッハの暮らした街に加え、来年から、バッハ一族発祥の地ヴェヒマルにも行くことになりました。またライプツィヒ・バッハフェスティバルは、コープマンやBCJが参加する「カンタータ・リング」と題されたカンタータのシリーズ、シフの「ゴルドベルク」＆「ディアベリ変奏曲」（両方を１夜で！）という大プログラムなど、聴きものが目白押し。「マタイ」「ロ短調」の二大宗教曲も組み込まれています。　詳細は、以下のサイトよりご覧ください。　​郵船トラベル​

  November 19, 2017

• 学習院さくらアカデミーのオペラ鑑賞講座、来年の２月は新国立劇場「ホフマン物語」です

  足掛け１８年にわたって、オペラの講座をもたせていただいている、学習院さくらアカデミー（旧学習院生涯学習センター）。　近年、冬の講座として、新国立劇場などでのオペラ鑑賞を前提に講座を開講しており、これまで、新国立劇場の「アイーダ」「こうもり」「ルチア」「魔笛」などを鑑賞してきました。　次回は、新国立劇場の「ホフマン物語」の鑑賞を前提とした講座を開講します。　　「ホフマン物語」は、「天国と地獄」などのオペレッタで有名な作曲家、オッフェンバックによる大作オペラ。幻想的な作風で人気があったドイツの作家、E・T・Aホフマンの作品を下敷きにした、とても幻想的な物語です。真実の愛を求めてさまよう詩人の姿は、ホフマン自身のようでもあります。　　主役ホフマンはテノールの役柄で、全編を通して出ずっぱりの難役。とうぜん、主役の歌手が話題になりますが、今回は昨年の春、新国の「ウェルテル」で日本にオペラデビューし、絶賛されたロシアの貴公子テノール、ディミトリー・コルチャックが歌います。とても期待できそうです。準主役といえる悪役を、ワーグナーの諸役で有名な性格的バリトン、トマス・コニエチュニーが歌うのも楽しみ。フィリップ・アルローのファンタジックな演出は、新国を代表するプロダクションです。　講座は２回（２月１７日、２４日）。物語や聴きどころ、原作や背景などの作品解説と、「ホフマン物語」のディスクの見比べを予定しています。鑑賞は３月３日土、マチネ公演（チケットはさくらアカデミーで手配。要申し込み）。終演後は、懇親を兼ねた食事会をおこなう予定です。感想をおしゃべりしながらの食事会、楽しいですよ。　詳細はこちらからご覧ください。　ホフマン物語​

  November 10, 2017

• 新しい視点のバックステージもの「新世紀、パリ・オペラ座」

  ​１２月に公開される映画「新世紀　パリ・オペラ座」の試写会に行ってきました。　ちょうど、パリ・オペラ座で、新制作の「ドン・カルロス」などを見てきたばかりでもあり（旅の様子はフェイスブックでごらんください）、とても興味深く見ることができました。映画のいちばんの主人公は総裁のリスナーで、彼を中心に、２０１６−１７シーズンの「舞台裏」がつづられるという趣向。公演のリハーサル風景にとどまらず、公演の最中の舞台袖の風景（歌手の汗を拭いたり、彼女の要請でカーテンコールの動画！をとるマネージャー。。。あの動画、フェイスブックにあがるのでしょうか）、テロ事件の最中の公演風景、政府と職員の間で人員削減について悩む風景、ストとの闘い、チケット代についての会議など、ふかーいところまで突っ込んでいて面白かった。オーディションで選ばれた若手バス・バリトン歌手も主役のひとりになり、彼の視点を取り入れ、修業の過程が散りばめられたのも興味を惹かれました。　もちろんゴージャスな劇場のあちこちや、音楽もたっぷり。ジョルダン指揮「マイスタージンガー」は圧巻！でした。　公開は１２月９日です。　​パリ　オペラ座​

  October 25, 2017

• 朝日カルチャーセンター新宿で、「オペラで知るヨーロッパ史」シリーズ、「歴史のヒロインたち」を開講します

  定期的にオペラの講座をもたせていただいている朝日カルチャーセンター新宿。　秋の講座は、好評をいただいている「オペラで知るヨーロッパ史」シリーズで、「歴史上のヒロイン」をテーマにしたオペラを扱います。　　歴史上の有名女性をとりあげ、その女性に関連したオペラを取り上げるという趣旨ですが、今回登場する歴史のヒロインは　　ルクレツィア・ボルジア　ジャンヌ・ダルク　　の２人。　前者はイタリア・ルネッサンスを代表する有名女性、後者はフランス中世の国民的ヒロイン。　ルクレツィアはドニゼッティのオペラが、そしてジャンヌはチャイコフスキーをはじめ何人かの作曲家によるオペラが上演されています。　　詳細は以下でご確認ください。　朝日カルチャーセンター​　　ご受講をお待ちしています。

  October 20, 2017

• イタリア、地域文化としてのオペラの豊穣と衰退

  　今回のパルマでは、いろいろ貴重な体験をしました。２本のオペラ、「スティッフェーリオ」と「イェルサレム」はそれぞれ興味深かったし（前者のヴィックによる演出はいかがかとおもいましたが。改めてブログにあげたいと思っています）、「レクイエム」の演奏会では出演していたアントーニオ・ポーリらと食事会もできて、いろいろ楽しい話が聞けました。ポーリは、日本ではもっぱら「椿姫」のアルフレードを歌っていますが、近々「リゴレット」の公爵の役でデビューするそうで、これは「今の自分の声にあっている」そう。１０年後には「仮面舞踏会」のリッカルドを歌いたいとか。楽しみです。いろんな歌手の話をきいていると、「仮面」のリッカルド役はテノールにとって憧れの役のひとつのよう。日本ではあまり上演の機会がない作品ですが、たとえば同じヴェルディのオペラでも「オテロ」のように緊張感が強くないから、楽しめる作品ではないかと思います。音楽も美しいですしね。　　　それはそれとして、今回とても面白かったのは、前にブログにもあげた田中久子さんという存在も含めて、「イタリアのオペラ文化って、こういうものなのだ」という体験ができたことでした。　知人で、O夫妻という素敵なご夫妻がいます。お２人とも現役を退いて悠々自適なのですが、イタリアにビザぎりぎりの３ヶ月滞在して、しばらく日本に戻り、またイタリアへ、という生活を送っていらっしゃる。とにかく長年イタリア・オペラが大好きで、フィレンツェを本拠に、おもにイタリア各地にオペラめあてで足を延ばされているのですが（時にはアルプスを越えてミュンヘンあたりまで）、オペラもですが、イタリアでの生活がとても楽しいらしい。「カフェでもレストランでも、一度行ったら顔を覚えてくれて、２度目以降はまるで帰ってきたみたいに迎えてくれる。それが心地いい」とのことでした。　オペラやコンサートも、遠征は別として、身の回りにあるものも積極的に楽しんでいる。１０ユーロくらいで行ける近場のコンサートなど、ですね。　そういう、ふだんの生活に溶け込んだ、イタリアの地元の音楽生活も、うまく楽しんでいるのでした。　一方、以前から名前を知っていて、今回初めて訪問できた団体に、「club dei ２７」という団体があります。これは、６０年ほどの歴史を持つヴェルディのファンクラブで、パルマに本拠があり、音楽家ではなく純粋なヴェルディファンの集まりです。グループ名にある「２７」という数字は、ヴェルディのオペラの数と「レクイエム」をあわせた数字。会員はそれぞれ、ヴェルディのオペラのタイトルを「ヴェルディ・ネーム」として持っています（このclub27については、バッティストーニの著書「ぼくたちのクラシック音楽」の最初の部分で触れられています。バッティストーニは２０１０年にパルマ近郊のブッセートの劇場で、ヴェルディのオペラ「アッティラ」を振りましたが、その時このクラブに招待されたのでした）。　club 27は、パルマの中心部、クザーニ宮という古い建物の地下に本拠地を持っているのですが、今回、そこを訪問し、会長さん以下数名のメンバーに会うことができました。みなさんとてもジェントルマン。本業は経営者などが多いようです。　このclub２７は、メンバー間の親交を深めるだけでなく、パルマのメインの歌劇場であるレージョ劇場と組んで、学校に出かけて行ってヴェルディやオペラの啓蒙活動をしたり、若手アーティストのコンサートを主催したりしています。歌手が本部に招かれて歌うこともあるらしい。　このような「オペラクラブ」は、イタリアの各地にあるようです。愛好家の集まりで、本拠地を持ち、集まったり、歌手を呼んで歌ってもらったりする。その歌手も新人ばかりではなく、ヌッチやランカトーレやガザーレやペルトゥージのような一流歌手もきてくれる（ノーギャラだということです）。そうやって、各地にオペラ文化が息づいてきた。劇場での公演の翌日は広場で感想をおしゃべりしあい、またある時は「クラブ」で歌手の歌を聴く。そんな楽しみ方を、イタリア人は長年してきたようです。オペラは基本的に地元で楽しむもの。わざわざ、ザルツブルク音楽祭やバイロイト音楽祭に出かけようとは思わない。そこで何が行われているか、別に知ろうという気持ちもない。ジャーナリスティックな意味での歌手のトレンドも、あまり興味はなさそう。いい意味で頑固。だから、オペラは好きだけれど、いわゆる「オペラおたく」とはちょっと違う。　けれど、そんなオペラ文化も、残念ながらだんだん下火になっているようです。　「「club２７」みたいなのは、前はたくさんあったのよ。若いころは、週末はそういうところに呼ばれて伴奏していたの。とても忙しかったのよ」　そうおっしゃっていたのは、前のブログで触れた、声楽教師兼ピアニストの田中久子さんです。つまり、今はそういう集まりも、機会も、減ってしまっているんですね。　「クラブ」や劇場や街に育てられてきた、イタリアのオペラ文化。それはまさに「地域」に育まれてきたもののようです。よく、イタリア・オペラを理解するためには、現地に行ってそこの空気を吸い、食べ物を食べることも大事」などと言いますが、そのようなことには、この手の、地域に根付いているイタリア・オペラという存在を肌で知ることも含まれるのでは、と感じました。それが衰退しているのは、残念としかいいようがありません。

  October 14, 2017

• 田中久子さんのこと

  　５日に日本をたち、数日、イタリアのパルマのヴェルディフェスティバルを聴いていました。個人旅行ですが、飛行機がトラブったり、いろんな方に遭遇したりと密度の濃い時間でした。詳しくはフェイスブックに写真付きでアップしていますので、よろしければごらんください。　ところで、パルマで出会った方のなかで印象深かった方に、田中久子さんという伝説的な声楽教師兼ピアニストがいます（日本では「コレペティトゥール」といわれる職業ですが、田中さんご自身がこのことばを使われないので、声楽教師兼ピアニストとしてご紹介します）　　田中さんと出会えたのは、レージョ劇場で、ヴェルディのファンクラブ「club２７」が開いていた懇親会でのこと。club27のメンバーが、劇場のいくつかの桟敷席に陣取って、一般のひとたちと語り合う、という趣向だったのですが、そこにいらしていました。テレビで見かけたお顔、日本人女性、ということで、お声をかけてみたらご本人だとのこと。とても気さくな方で、さっそく翌日、ご自宅を訪問させていただくことになりました。　パルマの中心部にあるご自宅兼スタジオでうかがった田中さんの半生は、とても興味深いものでした。もともと海外へ行きたかったそうですし、お母様に、「あなたは日本にいたら窒息してしまう」と言われたことが背中を押してくれたといいます。そして本当に、イタリアにきたらいっぺんで花開いてしまったと。「もう着いた時からここが私の居場所、という感じで息ができて、のびのびやれた」そう。ホームシックにも全然ならなかったそうです。イタリアと、オペラと、赤い糸で結ばれていたのでしょう。　日本の音楽大学を卒業後、パルマの音楽院に声楽の勉強で留学。とはいえピアノも勉強していらしたそうで、初見もできたそう。それらの才能が、パルマにきて見出されます。ピアノを弾きながら歌える、そして初見がきく、という能力はとてもまれなのだそうで、音楽院の先生に、「あなたはこれでやっていける」と言われたそうです。ピアノを弾きながら歌い、歌手の指導をするという道で。　その助言に従い、田中さんはフリーの声楽教師兼ピアニストとして、４０年以上のキャリアを築いてこられました。いろんな劇場を移動して歌っている歌手にとって、行く先で稽古につきあってくれる優秀なピアニストがありがたい存在なのは想像がつきます。ブルゾンの稽古の録音を聞かせていただきましたが、田中さんはピアノを弾きながら、ソプラノやらテノールやらいろんなパートを歌ってしまう。ふつうは、ピアニストと歌手と両方必要なところを、田中さんひとりでこなしてしまうのです。　彼女の有能ぶりは歌手たちの口コミで伝わり、パルマに来ると田中さんがいる、ということで、ブルゾンをはじめ、田中さんの憧れの歌手だったレナータ・スコットら多くの歌手に頼りにされたそうです。パルマ出身の世界的バス歌手、ミケーレ・ペルトゥージは、１７歳の時から指導している家族同然の存在とか。いちばんばりばり仕事をしていらした８０年代は、１日８時間！歌手の指導をし、週末は各地のコンサートで伴奏ピアニストとして活動していたそう。今よりオペラが盛んで、「club27」のようなオペラファンが作る「オペラクラブ」があちこちにたくさんあり、加えて日本人（というか外国人自体）が少なく、地元の方達に可愛がられ、「とても幸せな人生」だったと語られていました。　オペラと恋に落ちたきっかけとなったソプラノ、スコットとは今では大親友。ホテルの部屋で同じダブルベッドに寝たこともあるそうで、「緊張で眠れなかったわ」と、ほほえましいエピソードも披露してくれました。　「歌」については、発声、呼吸のしかた、声の作り方から、「歌手に向いた顔」（顔の大きさから頬の高さなど顔のつくりまで。たとえば、ミレッラ・フレーニは理想的な歌手顔だそう）のことまで、これまた興味をそそられる話のオンパレードでした。　田中さんは、もちろんご自身の才能と努力で道を開かれて活躍されてきたわけですが、その活動は、オペラの土壌であるイタリアの地方文化が豊穣だった時期と深く結びついています。いろんな偶然というか運命が重なって、田中久子さんという存在が生まれたのだな、と痛感しました。これからの時代に、少なくとも日本から、第二の田中久子が生まれる可能性はかなり低いのではないでしょうか。　田中さんは、数年前から定期的に来日し、昭和音楽大学で学生の指導にあたったりしています。公開講座を担当されたこともあるようで、そんな機会があったら、ぜひ参加してみたいものです。　　　

  October 11, 2017

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